jueves, noviembre 29, 2012

Cineuropa 2012 (XXI) [Película Sorpresa]: End Of Watch (Sin Tregua)

Título: End Of Watch


Director: David Ayer


Año: 2012


País: USA


Duración: 109











Los agentes Brian Taylor (Jake Gyllenhaal) y Mike Zavala (Michael Peña) patrullan por las peores calles de Los Angeles. De este modo, acaban involucrándose en un caso mucho más grande de lo que están habituados, donde están metidos cárteles y el FBI. Pero conocen la calle y, al igual que los malhechores, no tienen miedo a hacer su trabajo lo mejor que saben.

Lo primero que debo decir sobre la peli es que aquí todo mola un montón. Pero mola en el sentido más chungo que puedan imaginarse del término, el de un adolescente que se sabe el más guay del patio del insti. Ese adolescente que el día de mañana estará en uno de los dos bandos representados en la película: policía local o matón de poca monta. Digo esto porque aquí los maderos son durísimos, se putean mutuamente y saben siempre qué hacer para salirse con la suya así como los matones, traficantes y maleantes en general viven enfadados pero con un código de conducta claro y conciso por el que regirse en cualquier situación. Además, hay un montón de tiros, persecuciones que se suman a movimientos de cámara y un montaje innecesario y a un aire a lo GTA pero sin ese humor ácido que hace grande al videojuego de Rockstar. Bueno, sí, quiero pensar que el AK dorado es siendo conscientes de que es tremendamente absurdo. A ello, sumamos diálogos que dejan clara esa tremenda vida llena de intereses que tienen los dos policías cuando no están en el trabajo: casarse y tener hijos. Hijos que probablemente acaben siendo policías.

Respecto a la puesta en escena, dejando de lado lo que molan los planos (hay subjetivos desde los caños de las armas tanto en la dirección en la que apunta como en la otra, planos desde helicópteros, planos de capós del coche... y todo ello sin que aporte nada más que aumento en el índice de molonidad), se destaca la poca lógica interna del discurso. El guión plantea que en todos los grupos que vemos haya gente grabando con cámara. Suponemos que para crear esa impresión del metraje encontrado y grabado subjetivamente habitual y excesivo hoy en día. Pero no, desde un primer momento esta visión subjetiva desaparece y lo único que queda de ella son retazos metidos en medio del metraje y una obsesión enfermiza por menear la cámara, que llega a su culmen con la shaky cam de una pelea que me vuelve a demostrar que es el peor recurso para rodar una pelea, utilizada para evitar perder 5 minutos en coreografiar y supuestamente no perder sensación de dinamismo. Porque total, quién es el loco que va al cine a poder leer las imágenes? No vaya a ser que además veamos las tremendas cagadas de raccord de movimientos que hay a lo largo de toda la cinta! Admito, de todas maneras, que el ritmo que consigue es bastante bueno para la clase de macarrada que planteaba el guión y desde esa perspectiva todo funciona bien aún a pesar de todos estos errores y se hace entretenida, sobre todo antes de liar la cosa más de lo que es capaz de controlar. Además, las actuaciones de Jake Gyllenhaal y Michael Peña son correctas. Aunque ahí el mérito está en hacer de cani que se cree durísimo sin acabar riéndose.


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Originalidad/Riesgo: 4.5
Técnica: 4.0
Guión: 7.0
Actuación: 7.0

TOTAL: 5.5

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Cineuropa 2012 (XX): Like Someone In Love

Título: Like Someone In Love


Director: Abbas Kiarostami


Año: 2012


País: Francia / Japón


Duración: 109












Tenemos, por un lado, a una universitaria (Rin Takanashi), estudiante de sociología para ser más concretos, que se prostituye. Por el otro, a un anciano (Tadashi Okuno), exprofesor universitario y que ahora escribe y traduce libros además de contratar muchachas como nuestra universitaria. A ellos, se suma el novio de la primera (Ryo Kase), que la quiere y no sabe nada de su vida secreta aunque tiene ciertas dudas sobre su comportamiento. El anciano, sabio y paciente, hablará con la muchacha e intentará calmar al novio y hacerle ver las cosas con perspectiva sin alterar el orden de las cosas antes de su llegada.

Diálogos, diálogos y más diálogos es lo que compone la totalidad de la cinta. Sí, es algo habitual en Kiarostami el priorizar que la gente hable antes de que haga cosas. Pero es que aquí el gusto por esto es excesivo. Y no es que no ocurran cosas a los personajes, pero es que la palabra lo domina todo y los diálogos son lo único que crea cierto avance en el film y las relaciones entre los personajes. Al menos, algunos de los diálogos son bastante buenos, como el primero que mantienen el anciano y la joven. Pero no son suficiente para evitar que el ritmo de la película se vaya cayendo en picado cuando nos damos cuenta de que en realidad poco importa quienes son los personajes, de donde vienen o a dónde van, porque es difícil empatizar con ellos debido a lo improductivo de todo ello. Por mucho que los diálogos planteen un pretendido tono dramático pero fresco y tierno que incluso podemos llegar a apreciar remotamente en el anciano, el único personaje que, por actuación, parece tener un mínimo de trasfondo. Como la vida misma, que defenderá Kiarostami igual que defiende que no haya principio ni final (que sí hay, y muy bien definidos. Otra cosa es que sean abiertos). Porque la vida es así.

A ello sumamos una planificación preciosista y calmada, que retoma elementos comunes en Kiarostami como son los paseos en coche, aunque centrándose luego en los espacios cerrados. Se suma a ello un montaje pausado donde destaca el juego del plano-contraplano y lo mezclamos con algunos momentos con un mínimo de experimentación y movimiento muy suave de la cámara. A destacar, esa secuencia al comienzo donde por medio del relato en mensajes de voz de la abuela de la protagonista y un primer plano de ella, nos imaginamos el día de la pobre anciana y suponemos (porque la frialdad de su actuación no nos hace entender demasiado) la sensación de culpabilidad que siente la muchacha.


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Originalidad/Riesgo: 7.0
Técnica: 5.0
Guión: 6.0
Actuación: 5.0

TOTAL: 6.0

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martes, noviembre 27, 2012

Cineuropa 2012 (XIX): Jagten (The Hunt)

Título: Jagten


Director: Thomas Vinterberg


Año: 2012


País: Dinamarca


Duración: 115











Lucas (Mads Mikkelsen) es profesor del parvulario local en un pueblecito danés. Está divorciado y vive solo con su perra, mientras lucha por conseguir que su ex-mujer permita a su hijo pasar más tiempo con él. Su vida parece ir hacia el buen camino, con ese trabajo que le encanta, la nueva compañera de trabajo con la que empieza a salir y el buen camino que toma la custodia de su hijo. Pero un día Klara (Annika Wedderkopp), una de sus alumnas e hija de su mejor amigo Theo (Thomas Bo Larsen), comenta a la directora del colegio que Lucas le ha enseñado sus partes pudendas. Tal acusación volverá todo el pueblo del revés y dejarán de mirar igual al hasta entonces querido profesor.

Viendo la película, no podía salir de mi cabeza el recuerdo de La Calumnia. Eso sí, planteando el guión como una especie de versión hardcore de aquella cinta de William Wyler. Aunque si uno se para a pensar en lo que suponía en 1961 y lo que supone ésta ahora, habría que ver cual de las dos es más rompedora y brutal. El caso es que esta idea base se mezcla aquí con el dramatismo desgarrador y brutal que sabe dar a su cine Thomas Vinterberg, con una pátina de realismo por encima de todas las cosas y personajes que se van hasta el extremo de sus actitudes. Una historia dura que si acaso sería precisamente en este irse siempre hasta el extremo donde cae en su principal problema, pues si bien es desasosegante y crea ansiedad al espectador, se vuelve excesivo por esa falta de respiración. Eso sí, destacar positivamente en el guión cómo muestra la mezquindad absoluta de la gente y la muestra de que la sociedad, en general, da bastante pena por la gente que la forma en cuanto parece desdibujarse mínimamente la Arcadia feliz.

Gracias, todo, a la gran dirección del danés, acercándonos constantemente a los personajes y creando un film donde es imposible que un espectador sin problemas psicopáticos no se involucre. Además, jugando a la perfección con el tamaño de los planos y con ese movimiento justito para dar impresión de realidad que siempre transmite la cámara no totalmente fija (que aquí aparenta ser con grúa y no en mano). Por otro lado, las actuaciones, contenidas pero creíbles de casi todos los personajes son sobrebias, destacando la niña Annika Wedderkopp, absolutamente impresionante para su corta edad y el propio Mads Mikkelsen.


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Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 8.0
Guión: 8.0
Actuación: 8.0

TOTAL: 8.0

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Cineuropa 2012 (XVIII): The Imposter

Título: The Imposter


Director: Bart Layton


Año: 2012


País: Reino Unido


Duración: 99











En 1994, Nicholas Barclay, un chaval de 13 años, desaparece en San Antonio, Texas. 3 años más tarde, en Linares (Jaén) aparece un chaval sin identificar. Se trata de Frédéric Bourdin, un chico de 23 años que se dedica a hacerse pasar por otras personas. En esta ocasión, lo hará con Nicholas Barclay, hasta el punto de que la familia del niño tejano desaparecido lo aceptará como al propio Nick, aceptando a ciegas la versión de los hechos que cuenta Frédéric y acogiéndolo. Años más tarde, los protagonistas de esta extraña historia rememoran el caso.

La principal virtud del film es el juego constante entre lo real y lo irreal, en ese punto de verdades inverosímiles y ficciones tan absurdas y enrevesadas que podrían ser reales precisamente por la dificultad que supone aceptarlas. Una duda que buscando un poco se puede resolver, aunque aquí voy a dar la respuesta pues considero importante ver la película sin saber si es un documental o un mockumental -si es que esta palabra ya está aceptada en español, porque no conozco una mejor salvo Falso Documental-. De este modo, se disfrutará siempre intentando desgranar hasta donde llega la gran mentira o la gran verdad. De hecho, incluso dentro de esto quedarán dudas.

Es, por tanto, un producto que funciona a las mil maravillas, trabajando con imágenes de archivo de todo tipo -desde televisivas a videos domésticos-, entrevistas, reconstrucciones e incluso momentos en los que lo contado en entrevista se desdobla en recontrucción en un juego de montaje visual y sonoro perfecto. Por cierto, destacar el ridículo sonido de las grabaciones de la policía española, peores que la radio de un Red Bull, al igual que momentos absolutamente carentes de lógica por parte de cuidadores, como el dejar a un crío perdido solo en la oficina para que se encargue él de todo el contacto con su familia durante la noche. Algo increíble, pero precisamente de tan increíble, verosímil y coherente como el discurso general. Además, un trabajo de guión y de montaje en el que todo está en su sitio para el juego y que solamente en la parte final parece empezar a liarse excesivamente. Destacar, por otro lado, unos personajes extremos, desde el propio Frédéric Bourdin hasta la familia white trash texana o, sobre todo, el investigador Charlie Parker. Sí. Charlie Parker, pero este es blanco y no parece tener ni idea de música.


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Originalidad/Riesgo: 9.0
Técnica: 8.5
Guión: 9.5
Actuación/Interés: 8.0

TOTAL: 9.0

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domingo, noviembre 25, 2012

Cineuropa 2012 (XVII): Paradies: Glaube (Paradise: Faith)

Título: Paradies: Glaube


Director: Ulrich Seidl


Año: 2012


País: Austria / Alemania / Francia


Duración: 113






Anna Maria (Maria Hofstätter) es la hermana católica de las 3 que protagonizan esta trilogía. Se dedica a los rayos x, pero le obsesiona que la gente se pervierta y desprecie la castidad, motivo por el cual durante sus vacaciones decide irse a casa de la gente a intentar introducirles la palabra de dios. Todo se complica cuando llega su marido, un hombre en silla de ruedas y no precisamente un ferviente católico.


El bizarrismo y la obsesión religiosa tienden a ir de la mano, especialmente si miramos desde unos ojos laicos o simplemente racionalistas el comportamiento de alguien que le dedica toda su vida a Jesucristo (vale cualquier otra religión pero aquí es lo que toca), llegando a puntos como el uso del látigo de 7 colas o el cilicio, además de caminar de rodillas por la casa mientras reza. La historia plantea esta clase de comportamiento y su relación con la obsesión sexual llegada por la vía de la negación y lo que supone una mutilación voluntaria de un instinto básico en cualquier ser vivo. Esto nos da una perspectiva de una realidad, la de Anna Maria, que está tan alejada de un comportamiento racional que alcanza el absurdo. Más, si después de un buen rato de peli añadimos a la ecuación un marido musulmán en silla de ruedas que se siente mal por no poder satisfacerla y que además antes era alcohólico o mezclamos a nuestra protagonista con relaciones de lo más variopinto con la gente a la que intenta predicar la palabra de dios, desde una familia que lo acepta hasta un tipo borderline que sigue obsesionado con la muerte de su madre o una mujer alcohólica y violenta. Todxs ellxs dejando grandes frases por el camino que recorre la cinta.


Todo esto, de nuevo y al igual que en la primera parte de la trilogía Paradise, rodado con frialdad y desde una perspectiva ajena a los personajes, aunque aquí se llegue a integrar un poco más con Anna María y su forma de ver el mundo para darle un mínimo de credibilidad. No obstante, planos muy bien medidos, fijos, con poco montaje y sin música, que aprovechan la decadencia de los espacios en los que se desarrolla la historia y muestran lo feo de la sociedad. Echarle en cara, eso sí, algunos cambios de plano que parecen servir simplemente para saltarse parte de la acción o incluso corregir cosas en la misma, que descolocan bastante teniendo en cuenta el resto de la narración. Además nuevamente acaba alargándose un poco de más la historia y no consigue una definición demasiado buena en el final. De las actuaciones, destacar a Maria Hofstätter, que aguanta la primera parte del metraje ella sola perfectamente.



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Originalidad/Riesgo: 8.5
Técnica: 7.0
Guión: 8.5
Actuación: 7.5

TOTAL: 8.0

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Cineuropa 2012 (XVI): Paradies: Liebe (Paradise: Love)

Título: Paradies: Liebe


Director: Ulrich Seidl


Año: 2012


País: Austria / Alemania / Francia


Duración: 120











Teresa (Margarete Tiesel) ha entrado en los 50 sintiéndose sola, gorda y vieja. Por ello se va de viaje de vacaciones a Kenia, donde los muchachos jóvenes intentan hacer agradable la vida a mujeres como ella, manteniendo relaciones y buscando a cambio que ellas les proporcionen el dinero suficiente como para sobrevivir junto a sus familias. El problema entra cuando el choque de culturas y de posiciones sociales y mentales hace difícil que ambas partes sean capaces de mantener la dignidad.

Si me secuestraran para ponerme una pistola en la cabeza y me obligaran a decidir dos palabras para definir esta película, primero pensaría que mis secuestradores son medio imbéciles y muy raritos, y luego escogería sordidez y decadencia. Porque lo primero que salta a la vista al ver la peli es lo extremo de la puesta en escena, pretendiendo sin miedo el mostrar situaciones sucias e incómodas para el espectador convencional, con mujeres entradas en años liberándose sexualmente con africanos a los que tratan como poco más que carne, riéndose de ellos y explotándolos a cambio de dinero. Pero también está ahí la decadencia de esas mujeres que se entregan a esa opción como una manera de acercarse, mínimamente, al amor o al sexo sin más, necesitando sentirse guapas aun a sabiendas de que todo es una gran mentira, por mucho que se aferren a ese clavo ardiendo. Por último, no debería olvidar esa presencia inherente de África como un continente inferior del que Europa puede seguir aprovechándose, de esos hombres que son poco más que esclavos sexuales para estas mujeres y que se humillan para conseguir arrancarles un poco de dinero con el que vivir y mantener a sus familias mientras ellas lo hacen para buscar su amor. Vamos, que lo que vemos es que el mundo es una mierda horrible en el cual todos los personajes acabarán amargados por un lado o por otro hagan lo que hagan.

Para ello, un trabajo de cámara absolutamente frío y distante, con planos fijos muy marcados y compuestos con precisión matemática y un montaje que prefiere dejar suceder toda la acción ante dichos planos que ponerse a meter detalles o cambios de perspectiva, salvo en momentos muy concretos. Además, una narración que escapa de la música no diegética, creando un ritmo pausado pero que apoya con ello esa capacidad subversiva de la sordidez representada ante cámara. Destacar la buena interpretación de Margarete Tiesel, por cierto, que aguanta bien el tipo toda la peli y esa caída en la resignación que va suponiendo. Si acaso, echarle en cara un exceso de metraje que acaba resultando innecesario y un prólogo tampoco del todo útil si no lo pensamos en la perspectiva de que forma parte de una trilogía, aunque con un inicio totalmente rompedor con gente con problemas mentales montados en coches de choque vistos en primer plano que ya deja clara la pretensión de no ser un film facilón.


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Originalidad/Riesgo: 8.5
Técnica: 7.5
Guión: 8.0
Actuación: 7.0

TOTAL: 8.0

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sábado, noviembre 24, 2012

Cineuropa 2012 (XV): 希望の国 [Kibō No Kuni] (The Land Of Hope)

Título: 希望の国 (Kibō No Kuni)


Director: Shion Sono


Año: 2012


País: Reino Unido / Japón / Alemania / Taiwán


Duración: 133











Un terremoto sacude la zona de Nagashima, donde está situada la central nuclear. El gobierno de Japón decide trasladar a todos los habitantes en un radio de 20 km por su seguridad. Justo al lado de esa frontera, en los 20 km y no más de 10 metros, está la casa de la familia Ono. Mientras que el hijo, Yoichi (Jun Murakami) y su mujer Izumi (Megumi Kagurazaka) deciden escapar voluntariamente a pesar de lo cual ella termina sufriendo de radiofobia, los padres se quedan, pues la madre de Yoichi tiene problemas mentales y no le conviene alterar su rutina. Toda la sociedad les mira mal e intenta obligar a los ancianos a escapar pero aún así hay también dos críos que luchan por entrar en la zona para recuperar su hogar.

Aunque la idea está bien y promete un montón en su temática apocalíptica mezclada con la realidad del país nipón, además de sumarse el rollo obsesivo primero de la sociedad y después de la mujer de Yoichi, al final la película resulta tremendamente fallida por la insignificancia de la relación entre las tramas y la recurrencia de sucesos dentro de ellas. Además, un tono tremendamente simplista en la narración, que acaba por rozar lo televisivo en más de una ocasión sobre todo por culpa de la fotografía, deja demasiadas carencias de cara a ayudar al espectador a entrar en el film.

Repito, hay cosas que están bien en el guión, empezando por la propia idea y la manera de comportarse el padre con la madre enferma y terminando por la crítica que se hace a la sociedad actual que se deja asustar o tranquilizar por los medios de comunicación sin siquiera pensar en la información recibida. Pero el tono, la trama de los dos críos que quieren volver a la zona afectada y ese mal trabajo con la relación entre los personajes, sumado todo ello a unas actuaciones hiperafectadas, acaba por destrozar bastante una peli que se queda en simple anécdota pudiendo haber aportado muchísimo por sus dotes de verismo en cuanto al tratamiento que se le da a la catástrofe.




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Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 4.5
Guión: 5.5
Actuación: 5.5

TOTAL: 6.0

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Cineuropa 2012 (XIV): Robot & Frank

Título: Robot & Frank


Director: Jake Schreier


Año: 2012


País: USA


Duración: 89










Frank (Frank Langella) es un anciano solitario que comienza a tener problemas relacionados con la memoria y la orientación. Lo único que tiene estable es su gusto por la lectura y están preparando un gran cambio en la biblioteca local que conllevará eliminar todos los libros impresos. Su hijo Hunter (James Marsden) decide, para ayudarle, regalarle un robot doméstico que le cuide y le ayude en sus tareas diarias. Pero en un principio, tanto a Frank como a su otra hija, Madison (Liv Tyler), no le hace demasiada gracia. Hasta que comprueba que el robot puede colaborar en recuperar sus aficiones de joven.

Una historia sencilla en apariencia, tierna en su reflexión sobre la senilidad y dura como debe ser una historia al respecto, que nos deja una reflexión más dura todavía sobre como será un mundo futuro dominado por hipsters. Tiemblo sólo de pensarlo. Por otro lado, el guión funciona muy bien en esa combinación de caracteres entre los dos protagonistas al estilo de La Extraña Pareja y con un humor muy ácido que en algunos momentos roza lo depresivo, jugando sobre todo con ese carácter cascarrabias y defensor de la actitud old school que recuerda al Clint Eastwood de pelis como Gran Torino.

Apenas se le puede echar en cara nada aparte de perder un poco el norte en la parte final con la actuación policial y pretender liar de más la trama con la bibliotecaria Jennifer (bien interpretada por Susan Sarandon) que Frank intentaba ligarse pero sin demasiado éxito. Pero en general la película funciona muy bien y entretiene de lo lindo, gracias también a una factura fresca pero sobria y sin experimentaciones formales y una ambientación un poco retrofuturista pero con imaginería moderna con el tema de los robots y las videollamadas. Una pequeña joya modesta pero muy inteligente.


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Originalidad/Riesgo: 8.5
Técnica: 7.0
Guión: 8.5
Actuación: 7.0

TOTAL: 8.0

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Cineuropa 2012 (XIII): Den Skaldede Frisør (Amor Es Todo Lo Que Necesitas)

Título: Den Skaldede Frisør


Director: Susanne Bier


Año: 2012


País: Dinamarca / Suecia / Italia / Francia / Alemania


Duración: 116










Ida (Trine Dyrholm) acaba de superar un cáncer de mama, gracias en gran medida al apoyo familiar de sus hijos y su marido Leif (Kim Bodnia). Sin embargo, cuando llega de una consulta, encuentra a éste último tirándose a una compañera de trabajo en su sofá. Por otro lado, su hija Astrid (Molly Blixt Egelind) se casa con Patrick (Sebastian Jessen) en apenas tres días, para lo cual van a emplear la finca que Philip (Pierce Brosnan), el padre, viudo, de Patrick, tiene en Italia. Allí se darán cita ambas familias, en las cuales todo el mundo está buscando, de un modo u otro, el amor. Especialmente la desorientada Ida y el cabreado Philip.

Un film al que asistía convencido por el trabajo de Susanne Bier en Hævnen, si bien la presencia de Pierce Brosnan no me parecía muy lógica dentro de un festival más bien tendente a lo independiente como es Cineuropa. Al final, este último presentimiento sería el correcto, pues la película se vuelve un tópico de comedia romántica que poco es capaz de aportar a menos que hayamos escapado del género durante los últimos 20 años. Y nadie puede hacerlo. Ni siquiera viviendo en una cueva.

Dentro de ese cúmulo de situaciones obvias y manidas, no obstante, se ocultan algunas ideas interesantes, como es la lucha de la protagonista contra un cáncer de mama que amenaza con reproducirse así como contra la idea del no vivir más por rondar ya los 50 y estar sola o el absurdo papel social que pretendemos adoptar continuamente. Nada nuevo, pero que no está de más recordar de vez en cuando. Al menos, reconozco que el guión funciona bastante bien y proporciona unos cuantos momentos que hacen reír, aunque los giros sean tan forzados como esperables (más en su posición que en su sentido) y los momentos de sufrimiento supongan una visión más bien prostituída de lo sentimental. En cuanto a la perspectiva técnica, demasiado uso de la cámara en mano para mi gusto, sobre todo porque no aporta absolutamente nada, igual que esa obsesión por el montaje dentro de la misma acción y plano para acelerar y que el espectador no se asuste ante el tiempo semimuerto. Al menos, la fotografía aprovecha fenomenalmente los paisajes, consiguiendo crear un espacio idílico.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 4.0
Técnica: 5.5
Guión: 5.5
Actuación: 6.0

TOTAL: 5.5

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Cineuropa 2012 (XII): Morreu O Demo, Acabouse A Peseta

Título: Morreu O Demo, Acabouse A Peseta


Director: Pedro Solla


Año: 2012


País: España (Galicia)


Duración: 78









Desde tiempos inmemoriales, los títeres han jugado una parte importante dentro de la tradición narrativa en muchos países. Francia, Italia, Inglaterra o la actual República Checa son solo algunos ejemplos. En Galicia, se destacaría Barriga Verde como la compañía más estable, la empresa importante que se mantuvo durante gran parte del s. XX y que desapareció en los años 60, estando a día de hoy casi olvidada. En este documental se intenta establecer un vínculo entre todas estas propuestas a nivel europeo y su relación con la visión galaica del mundo de los títeres.

Otra de las películas que debo comentar desde una posición de cariño hacia parte de los integrantes del equipo técnico dentro de este festival de Cineuropa. Una muestra de que, al menos dentro de la creación de documentales la salud del Audiovisual gallego de bajo coste va por un buen camino.

El documental funciona bien y resulta entretenido durante la mayor parte del metraje, si bien se le podría echar en falta dos problemas principales: por un lado la pretensión de abarcar algo demasiado grande al relacionar toda la historia de los títeres tradicionales en Europa y por el otro la falta de información escrita y documental aquí en Galicia. Una pena, porque las pinceladas que sí sueltan los protagonistas de la época parece que dejan caer que ahí dentro había algo muy interesante en el trasfondo. Un documental que acaba pidiendo más metraje, o incluso una segunda parte que termine de explicar y dar pie a todo eso que aparenta quedar en la recámara.

No obstante, es muy agradable encontrarse con un relato bien hilado de una historia cultural casi olvidada, de una manera de trabajar por y para el público concreta y sobre todo, comprobar cómo se llevaba a cabo ese trabajo de manera casi familiar a lo largo y ancho de la vieja Europa, desde Italia hasta Inglaterra pasando por la República Checa o Francia influenciándose mutuamente las diversas culturas y demostrando que, al final, ese camino de la subversión que suponen los títeres es necesario para la vida cultural de todo país. Destacar, por otra parte, la visión técnica y de documentación del docu, precisamente en esa intención de moverse por muchos lugares diferentes y hablando con figuras importantes del medio, además de mostrar ese trabajo de la compañía Viravolta por recuperar aquí lo que fue Barriga Verde así como en Italia otra gente que lucha por meter un “teatro callejero estable”. Proyectos con dos cojones que merecen ser tenidos en cuenta mucho más de lo que es habitual dentro del mundo de la cultura.


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Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 7.5
Guión: 6.0
Interés: 7.0

TOTAL: 7.0

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miércoles, noviembre 21, 2012

O Apóstolo

Título: O Apóstolo


Director: Fernando Cortizo


Año: 2012


País: España (Galicia)


Duración: 80










Ramón es un peregrino que está llegando a Santiago de Compostela. Pero decide pararse en una pequeña aldea cercana con intenciones cuanto menos dudosas. El problema reside en que los habitantes de la aldea también tienen sus propias intenciones, tanto con él como con otros peregrinos que también están haciendo noche allí. Así que Ramón se verá envuelto en una trama donde los habitantes no son lo que parecería a primera vista.

Haciendo un alto en Cineuropa, aunque sin salirme de la tónica galeguista y compostelana que tenía en el día, me pasé a ver O Apóstolo. Que un festival de cine no es suficiente cine para uno.

La película funciona muy bien en su ambientación y bastante bien en cuanto a la historia, bebedora de ese tópico que es El Cabrón del Campo pero mezclándolo con mitología gallega como es la Santa Compaña y con el propio Camino de Santiago. Tiene sus defectos, por supuesto. El principal de ellos, lo obvio de su argumento, aunque la explicación al comportamiento de los aldeanos está bastante bien conseguido. Destacar, positivamente, el momento con animación 2D para dicha explicación, donde el tono medieval de los dibujos y el aire surreal de la narración le hacen ganar muchos enteros innovando en la perspectiva con la que vemos la cinta. Pena de lo mal que se acopla ahí la música. Pero sobre todo destaco, como digo, la increíble ambientación, llena de rasgos expresionistas y decadencia (la misma decadencia que se puede ver en cualquier aldea gallega casi abandonada, pero con árboles muertos alrededor en lugar de una flora que se apropia de todo). Una pena que el uso de la luz no esté del todo bien definido de cara a crear un poco mejor las sombras y sobre todo la noche. Por cierto, también a este respecto habría que hablar muy positivamente de esas recreaciones de la Catedral y de la muralla de Lugo, además de los guiños que encontraremos (me quedo con esa aparición de las revistas Culturall y Scifiworld).

Por el lado menos amable, se plantea lo más difícil del stop-motion con plastilina, es decir, la propia animación en sí misma, que aquí se queda a las puertas de funcionar correctamente sobre todo en cuanto al doblaje de personajes y al suavizado de los movimientos que al final en pantalla solo acaba arrastrando frames de una manera un tanto incómoda en la primera parte de la película. Por otro lado, esos doblajes tampoco se ven muy favorecidos por los diálogos y los muñecos y los actores no acaban de acoplarse mutuamente salvo en algunos casos como el de Manuel Manquiña o el de Geraldine Chaplin, por muy bien construido que esté el sonido, que lo está. Curiosamente, en el caso de Jorge Sanz también ocurre, aunque no se si es porque vemos al muñeco con tanta capacidad de transmitir emociones como al actor madrileño en la mayoría de sus papeles.


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Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 7.5
Guión: 7.0
Actuación: 5.5

TOTAL: 7.0

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Cineuropa 2012 (XI): Fóra

Título: Fóra


Director: Pablo Cayuela / Xan Gómez Viñas


Año: 2012


País: España (Galicia)


Duración: 95










(Nota: Obviamente, este no es el cartel oficial de la película,
solo corresponde a las letras de título, alargadas por cierto por este blog)

El Hospital Psiquiátrico de Conxo, situado en la zona sur de Compostela, es el más antiguo de los centros de este tipo de Galicia, datando de 1873. Por supuesto, en estos casi 140 años de historia como manicomio (antes fue un monasterio) la ciencia y la psiquiatría fue evolucionando y por ende el Psiquiátrico fue testigo de estos cambios. En este documental vemos ese cambio, centrándonos en momentos claves como fueron la 2ª República o las reformas llevadas a cabo en los años 70. Momentos que marcaron el devenir del hospital, pero también de su pueblo (desde 1925 barrio de Compostela) y por supuesto de sus pacientes y trabajadores.

Temo, en primer lugar, que este documental peque de cierto toque localista que a mí, como compostelano, se me pueda escapar. Pero bueno, es que no es fácil escapar de la significancia que tiene para mí el Hospital Psiquiátrico de Conxo. Ni yo, ni me temo que ningún compostelano, pues es un lugar mítico e indispensable de la ciudad y su vida hasta el punto de que no se pueda decir que se va a Conxo sin comentarios jocosos o a llegar a inspirar una expresión como Conxo: Capital Mundial Da Movida Mental. El documental juega en gran medida con eso, y probablemente fue el motivo por el que llenó sala en este estreno dentro del festival compostelano (Dani Villaverde y servidor pensamos que tendríamos que irnos de cañas).

Los directores Pablo Cayuela y Xan Gómez Viñas plantean una narración que juega con material antiguo filmado, escritos, entrevistas e incluso la lectura de textos y un programa de Televisión Española del año 83 en su desconexión territorial gallega. Y juegan con ellos en el sentido más ambiguo de la palabra, puesto que el documental funciona en su totalidad desde una perspectiva de la experimentación, mezclando todo ello de manera casi lúdica como creadores pero con un discurso que se hila bastante bien. El problema es que ese nivel de experimentación tan elevado parece irse de las manos cuando asistimos a esas lecturas de fragmentos durante minutos (y con la lectora en imagen) o vemos también varios minutos (creo que bastante más de 5) del programa, donde discuten personajes implicados en las reformas que en los años 70 sufrió el centro. El problema es que la exposición continuada a ese ritmo disperso y a esos discursos demasiado largos y tendentes a lo literario acaban perdiendo al espectador a poco que se permita no tener el cerebro en clave de atención absoluta. Y es complicado exigir ese nivel de atención durante más de 90 minutos, sobre todo cuando no se aprovecha para profundizar absolutamente en ninguna de las posibles tramas de investigación que plantea el documental.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.5
Técnica: 5.0
Guión: 5.0
Interés: 6.0

TOTAL: 6.0

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martes, noviembre 20, 2012

Cineuropa 2012 (X): Io E Te

Título: Io E Te


Director: Bernardo Bertolucci


Año: 2012


País: Italia


Duración: 103










Lorenzo (Jacopo Olmo Antinori) es un chaval de 14 años que tiene una excursión a la nieve con su colegio. El problema está en que él no quiere ir porque no es que le gusten demasiado sus compañeros pero tampoco defraudar a su familia, que desea que vaya, especialmente su padre. Así que engaña a todo el mundo yéndose a vivir a un piso abandonado propiedad de su padre en el mismo inmueble que en el que vive habitualmente. Casualmente, su hermanastra de vida disoluta lo descubrirá y se quedará con él, forjándose una amistad muy especial entre los dos, que comprenderán sin salir del piso muchas cosas sobre la vida y el mundo.

Una película de la cual es difícil destacar nada, ni para bien ni para mal. Una puesta en escena correcta con una fotografía elegante pero que sabe entrar en la suciedad del espacio narrativo, un guión correcto que funciona y engancha aún a pesar de resultar sencillo y algo vacío... La verdad es que al menos entretiene, que es en gran medida lo que pretende Bertolucci, que convierte esta película sencilla y basada en diálogo y espacio cerrado en una pequeña reflexión sobre la manera de afrontar la vida y la relación con los demás, aún sin ser precisamente una obra maestra al respecto y primar la funcionalidad de la imagen a la reflexividad.

Como digo, además apenas plantea puntos negativos que achacarle, salvo si nos ponemos quisquillosos y no aceptamos suspender nuestra incredulidad ante momentos como el de la entrada a la casa de la madre o la poca lógica de que nadie se percate de los ruidos y gritos que ocurren en ese piso supuestamente vacío. Destacar, por cierto, el buen uso de una cierta tensión sexual incestuosa constante y la actuación de Jacopo Olmo Antinori como niño borderline, que se choca contra la de Tea Falco, una yonki con aires de artista excesivamente poco creíble. Una pena que, además, la banda sonora y el juego con la música parezcan demasiado forzados, tanto técnica como narrativamente. Pero bueno, son detalles para una película correcta sin más aporte.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 7.0
Guión: 7.0
Actuación: 7.0

TOTAL: 7.0

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Cineuropa 2012 (IX): Papirosen

Título: Papirosen


Director: Gastón Solnicki


Año: 2011


País: Argentina


Duración: 74










La familia Solnicki se estableció en Argentina cuando los nazis presionaron a los judíos en Lodz. Desde entonces, otras 3 generaciones han llegado a este mundo y viven todavía unidos, con sus desavenencias como pasa en todas las familias. Lo que ha hecho Gastón Solnicki aquí es grabarlos en su intimidad y crear un documental que, mezclando relato, imágenes antiguas recopiladas y la propia visión actual de la familia pretende hacer un acto de reflexión sobre la vida de estos personajes.

La llegada de las cámaras digitales de calidad más que elevada a nuestros hogares ha hecho que la producción cinematográfica se haya disparado. Ahora cualquiera puede coger su cámara, grabar a su perro persiguiéndose el rabo y decir: Mira mi corto. O incluso hacerlo con un hombre que recibe un balonazo en la entrepierna. Ojo, para mi esto es algo positivo de lo que yo mismo me he aprovechado y prefiero tener 1000 opciones libres de las cuales un 1% vale la pena que tener 10 controladas por las productoras y la gente con pasta y poder. Qué pasa? que esto también ha abierto nuevas vías de desarrollo del lenguaje audiovisual, de tal modo que si ya desde pelis como Holocausto Caníbal se jugaba con esa idea del metraje encontrado (o found footage para los hipsters), hoy en día pelis como Rec 3 o Paranormal Activity llevan esto más allá al plantear ese uso habitual de la videocámara que ya anticipaba también El Proyecto De La Bruja De Blair. Y en el tema de documentales, esto se va aún más allá. Pero claro, cuando a alguien se le ocurre el filmar el interior de una familia, sus viajes y sus reflexiones, mezclándolo con algunas (pocas) imágenes antiguas y demás, hasta donde estamos realmente ante un producto audiovisual de verdad y no ante un vídeo familiar sin mayor interés? Esta es la principal duda que me asalta viendo Papirosen.

Lo malo de la cinta es su idea en sí misma. Acepto el riesgo de presentar una cinta casera como un producto de interés, pero yo no me considero una persona excesivamente interesada en la vida de los demás, así que francamente, la idea de ver un vídeo familiar de gente que ni conozco no me parece atractivo. Sobre todo, cuando lo que nos encontramos es un catálogo deslavazado de momentos, de instantes de la vida de estos personajes, sin demasiado nexo de unión ni de interés más allá de la lucha por conseguir su verdadera identidad del padre de familia con el tema de la nacionalidad y un mínimo en cuanto a la dureza de la emigración polaca en la etapa nazi. Pero ni una trama ni la otra se aprovechan en absoluto y no hay nada más. Gente discutiendo, gente que viaja, gente que va de compras, gente rezando... Todo ello, grabado sin demasiada calidad ni de imagen ni de audio (a veces los diálogos son inaudibles), como debe ser en una grabación casera. No, no como debe ser, sino como es. Y francamente, si cuando viendo las vacaciones o la boda de un amigo o familiar, uno tiende a aburrirse, aquí no va a ser menos.

Podría, no obstante, comenzar a hablar de si la permanencia del pasado en las imágenes presentes o si la unidad familiar como eje vertebrador con sus fuerzas vivas luchando. Pero no lo haré, porque ese tipo de mensaje no es que esté aquí bien representado, sino que es la clase de reflexión que uno puede sacar, si quiere, de cualquier cosa que juegue con los elementos que se juega aquí. Lo cual elevaría a la misma categoría a los vídeos de boda, a las fotos de bebés o a esos dibujos infantiles que los padres conservan toda la vida. Incluso, si quieren, a las lápidas y panteones donde leemos el nombre de 3 o 4 miembros de la familia muertos.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.0
Técnica: 2.0
Guión: 0.5
Interés: 0.5

TOTAL: 2.5

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lunes, noviembre 19, 2012

Cineuropa 2012 (VIII): Amour

Título: Amour


Director: Michael Haneke


Año: 2012


País: Austria / Francia / Alemania


Duración: 125










Georges (Jean-Louis Trintignant) y Anne (Emmanuelle Riva) son dos ancianos profesores de piano retirados. Un día, Anne se queda mirando al frente sin reaccionar. Cuando Georges la consigue llevar al médico, deciden que hay que operarla de inmediato. Por culpa de un error en la operación, Anne termina por sufrir un infarto cerebral que irá degenerándola hasta dejarla dependiente al 100% de su marido, que sufre cada día más con la situación al verla postrada sin ser más que una sombra de sí misma.

Me gustaría poder empezar el comentario diciendo: Haneke lo ha vuelto hacer. Pero no puedo, salvo que me refiera a ganar la Palma de Oro. Y teniendo en cuenta que en los dos últimos años la han ganado cosas como El Tío Boonme Recuerda Sus Vidas Pasadas o El Árbol De La Vida, no estoy seguro de que estuviese diciendo algo bueno de la película. El caso es que aquí el estilo de Haneke ha desaparecido casi por completo, tirándose hacia una peli muy íntima y cercana a los personajes y abandonando esa frialdad con la que suele narrar y fotografiar el alemán. Siguen los planos secuencia largos y el gusto por las acciones completas, pero aquí la historia con su ternura y dureza y su desarrollo son lo que marcan el compás de la narración. Por otro lado, una historia que pese a lo dura que resulta, es sencilla y obvia a más no poder, perdiendo incluso, por culpa del fatal prólogo con que se nos obsequia, la posibilidad de destruír al espectador con un golpe de efecto violento cuando menos lo esperamos. Además, un final bastante insignificante que solo suma tiempo, aunque eso sí, son unos planos en los que nos reencontramos con el Haneke habitual, que por otro lado tiende a asomarse en cada aparición de Isabelle Huppert.
Todo ello, reducido a un mismo espacio y con un juego de elipsis genialmente tapado con los diálogos, otro de los puntos fuertes del film por su realismo y potencia.
 
Ahora bien, si obviamos la tremenda huella que suele dejar Haneke en sus pelis y que aquí casi no está, nos encontramos, como digo, con una peli dura, de esas que trabajan con la emotividad del espectador por medio del guión y que, si ha sufrido algún caso similar, se aprovechan para hurgar en esa herida. Y digo esto como algo muy positivo. A ello sumamos ese punto de alegría y conmoción en lo más profundo del alma cuando vemos a una pareja de ancianos en la cual uno de los dos sigue cuidando, con devoción, al otro, como si el amor que da título a la película cobrase en esos momentos un sentido real y absoluto. Además, las interpretaciones de Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva son para enmarcar. Especialmente la de ella, que cumple a la perfección con esa caída en picado que es su proceso degenerativo. El problema, como digo, es lo obvia que resulta la trama; problema que se resuelve con cierta falta de catarsis con los personajes y con lo que ocurre, también debido a lo poco de Haneke que sigue presente en cada plano.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 7.0
Guión: 7.5
Actuación: 8.5

TOTAL: 7.0

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Cineuropa 2012 (VII): Beasts Of The Southern Wild

Título: Beasts Of The Southern Wild


Director: Benh Zeitlin


Año: 2012


País: USA


Duración: 93










Hushpuppy (Quvenzhané Wallis) es una niña de 10 años que vive con su padre, Dwink (Dwight Henry) en un lugar llamado La Bañera, que queda en mitad de un bayou de Louisiana y donde la pobreza es la norma común entre sus habitantes. Saben que algún día llegará una tormenta que podrá destruir todo, sobre todo desde que se ha construído un dique para proteger la zona con más tierra del estado, pero ellos son felices allí y prefieren luchar para sobrevivir que escapar. Por eso podemos ver a estos supervivientes como bestias fuertes que aguantan los golpes y pelean hasta la muerte. Eso es lo que intenta transmitir a Hushpuppy su padre, sabedor de que a él le queda poco tiempo de vida.

Lo de un crío nacido en medio de las condiciones más difíciles y su capacidad para salir adelante jugando además con su imaginación no es que sea algo precisamente original. Desde Marcelino Pan y Vino hasta Tideland, mil pelis han adaptado este mismo concepto de un modo u otro. Pero bueno, también hablamos de una peli ganadora de un festival que se vende como "de cine independiente" como es Sundance, que sin embargo tiene colaboración de empresas como Skywalker Sound (que si alguien tiene dudas, sí, tiene relación con Lucasfilms). De todos modos, en esta película funciona la idea y está bastante bien hilada, con sus momentos tiernos y su catástrofe que no deja de ser una dura crítica contra el menosprecio que sufren los que están sin medios, sin que haya problema en hacer un dique que pueda aniquilarlos si con ello se salvan los más civilizados. Y sobre todo, sin pensar en lo que puede ocurrirle a la naturaleza.

Para ello, mucho uso de cámara en mano, una fotografía colorista y espectacular que nos muestra esa Louisiana profunda y toda la pobreza y suciedad del espacio ficticio que es La Bañera. A ello se suma un montaje cuyo mayor mérito está en ese juego de realidad, la voz en off de Hushpuppy y su manera de interpretar el mundo, así como la metáfora, bastante gratuíta, de los uros -que más bien son unos monstruos con rasgos de jabalí pero varios metros de tamaño-. El resultado, una historia bonita, con su parte de drama, su enseñanza sencillita de superación y lucha por la supervivencia y una narración sencilla y directa, que se suma además a la buena interpretación que hace Quvenzhané Wallis en la que era su primera peli.

Eso sí, con una cantidad de animales muertos e incluso algún momento de maltrato que me hizo esperar a buscar un aviso de que ningún animal había sufrido durante el rodaje. Un aviso que no vi.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 7.0
Guión: 7.0
Actuación: 7.5

TOTAL: 7.0

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Cineuropa 2012 (VI): Tabu

Título: Tabu


Director: Miguel Gomes


Año: 2012


País: Portugal / Alemania / Brasil / Francia


Duración: 118









En la Lisboa contemporánea, Pilar (Teresa Madruga) es una señora que vive sola y al lado de una anciana obsesiva, Aurora (Laura Soveral). Cuando la anciana se encuentra mal, su criada Santa (Isabel Cardoso) llama a Pilar, que le ayuda hasta que la llevan al hospital. Allí, Aurora le dará un nombre a Santa: Ventura (Henrique Espírito Santo). Es el nombre de un hombre que Pilar va a buscar, terminando este por contarle la historia de la juventud que él vivió con Aurora en África (ahí interpretados por Ana Moreira y Carloto Cotta).

La película no es que ofrezca nada excesivamente original más allá de su narrativa. El guión es básicamente un tópico en sí mismo de aventuras en África y triángulo amoroso mezclado con esos otros tópicos sobre que la gente no es quien parece y la soledad de la gente mayor hoy en día. Más allá de eso, poco nos llega a ofrecer. Pero al menos, dentro del guión se van metiendo ciertos guiños humorísticos e incluso esa amargura de la vida real y de los asuntos amorosos, que van haciendo más llevable todo el asunto de la historia que se nos cuenta.

Ahora bien, en cuanto a la cuestión narrativa, esto ya es harina de otro costal. La idea de rodarlo en 4:3 y en un blanco y negro muy granulado ya nos da una idea de que la intención es pretendidamente no comercial. Después, una voz en off nos narra mientras vemos un explorador quieto en mitad de la jungla y la sabana, hasta que descubrimos que esto es una película que ve Pilar. Después, la voz en off se apaga para ver la vida de esta señora, todo ello interpretado de un modo plano que hasta recuerda a Bresson y la no-actuación de sus modelos en algún momento y mostrándola principalmente en planos medios y con un montaje lo más simplista posible, prefiriendo siempre mantener en el plano toda la acción que cambiar para mostrar detalles o situarnos. A esto se suma cierta obsesión por acercar lentamente la cámara a las caras y algunos travellings bastante pretenciosos, eso sí. La segunda parte, recupera la voz en off y la mantiene como único elemento de comunicación vocal, dejando incluso en silencio planos en los que vemos conversaciones (silencio con sonido ambiente, ojo). El problema con todo esto es que una vez rota la sorpresa inicial no consigue dar a la película más que el aire de curiosidad, pues no llega a aportar nada a la historia contada porque además tampoco es que destaque en su fotografía, que es más bien normalita. Simplemente, muestra una idea narrativa llevada hasta su propio extremo.



PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.5
Técnica: 6.0
Guión: 4.0
Actuación: 5.0

TOTAL: 5.5

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domingo, noviembre 18, 2012

Caminos Bizarros: Actualización Octubre 2012


Creo que es obvio que este mes, con todo el tema de Cineuropa, ando con menos tiempo del habitual, además de estar metiéndome, como siempre, en más proyectos y movidas de las que debería. Pero sarna con gusto no pica, que dice el refranero, así que igualmente me siento en la obligación placentera de subir, ahora que tuve una horita para recopilarlas, las búsquedas de Octubre para Caminos Bizarros para llegar al blog.

(Si quieren ver solo las de este mes, pulsen la entrada completa, que aquí ya las incluyo.)



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viernes, noviembre 16, 2012

Cineuropa 2012 (V): Foxfire

Título: Foxfire


Director: Laurent Cantet


Año: 2012


País: Francia


Duración: 143










En plenos años 50, un grupo de chavalas de 15 años comienza a reunirse para enfrentarse a todos aquellos que les hacen la vida imposible, defendiéndose mutuamente y comenzando a verse atraídas por vivir libres de ataduras morales o legales. Cuando una de ellas es enviada al reformatorio, el resto vuelven a sus vidas cotidianas pero acaban fugándose a vivir juntas una vez sale la susodicha del reformatorio. Pero vivir por su cuenta no será tan fácil como ellas imaginaban, porque de algún sitio hay que sacar el dinero.

A mi es que me dicen que una peli tiene pandillas de mujeres, pienso en Switchblade Sisters y ya me tienen ganado. Qué quieren, soy así de simple. Así que me decidí a ver Foxfire. La verdad es que el comienzo es muy bueno, con un buen ritmo y sobre todo mala leche, aunque ya deja clara la intención en absoluto exploit de la cinta y la voz en off recordando la niñez (y que está basada en una novela escrita en primera persona) ya nos va poniendo en la situación de que puede intentar dar una enseñanza moral. Pero mola el macarrismo de las protagonistas y ese club que van montando en busca de la libertad personal y con perspectiva feminista dentro de la sociedad yankee de los años 50. Todo con ese ambiente de liberación escolar de pelis como El Club De Los Poetas Muertos o If.....

Ahora bien, según avanza la peli y el grupo de adolescentes comienza a enfrentarse a la vida por sí mismas, toda esa idea inicial se va diluyendo en una enseñanza de que en el mundo de los adultos hay que aceptar las responsabilidades y cargar con ellas, más allá de los ideales y de lo bonito que pudiese ser todo en sueños. Aún por encima, este tramo de la película es excesivamente largo y uno tiene la sensación de que se va alargando innecesariamente dando vueltas y más vueltas hasta que ya ha perdido todo el buen sabor del comienzo. Una pena, porque por otro lado está bastante bien filmada, a pesar de un exceso de uso de cámara-en-mano-que-se-mueve-un-poco-para-dar-sensación-de-realismo y algún momento del montaje como lo es el accidente que sufren las chicas en uno de sus viajes en coche. Y las actuaciones, pues discretas y sin resultar nada del otro mundo, pero tampoco horribles.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.5
Técnica: 6.0
Guión: 5.0
Actuación: 7.0

TOTAL: 6.0

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Cineuropa 2012 (IV): CoraSons

Título: CoraSons


Director:  Paco Abelleira


Año: 2012


País: España (Galicia)


Duración: 90










Cuando Isabel Leal comenzó a sacar fotografías a corazones que veía por la calle, en su casa o donde fuese para colgarlas en Facebook, no creo que pensara en absoluto en la repercusión que esa serie tendría. Con el motivo de la exposición de dichas fotos en el pub compostelano A Casa das Crechas (uno de los míticos de por aquí), se montó un pequeño concierto. Ahí nació el proyecto CoraSons, una idea donde la música se unía a las fotografías y que acabaría por crear un núcleo de artistas enorme hasta que en la semana santa de 2012 se llegaron a juntar 40 personas en Vilagarcía colaborando solo por amor al arte.

Siempre es difícil valorar objetivamente la obra de gente a la que conoces y con quien tienes un buen trato. Por eso, aviso desde ya que este comentario estará escrito con esa perspectiva de afecto a la gente de dentro del proyecto.

Lo que destila el documental, ante todo, es amistad y amor por el hacer cosas juntos entre todos los integrantes de lo que podríamos denominar el grupo CoraSons. Así lo dejan patente varios de ellos en sus declaraciones y esa es la sensación que transmiten. Ser un grupo de personas que se divierten haciendo lo que hacen bajo ese sello común y haciéndolo solo por el mero placer de llevarlo a cabo. Todo, desde una idea pequeña y divertida como es el ir sacando fotos a corazones, para acabar derivando en una serie de conciertos que se van moviendo entre Galicia y Portugal. Unos conciertos íntimos y cuya música transmite ese aire de complicidad entre músicos y cantantes y un buen trabajo tras las cámaras que nos lleva a ese ambiente y nos hace cómplices también a nosotros.

Ahora bien, si algo hay que achacarle al documental sería precisamente ese detalle de centrarse mucho en la parte musical -que probablemente sea la más potente a día de hoy- y olvidar en cierto modo la esencia con la que nacía todo el proyecto. Si bien las fotografías de Isabel Leal están presentes en todo el documental a modo de cortinillas, así como la propia Isabel, se pierde un poco el sentido del mensaje en una parte central donde acaba por centrarse casi exclusivamente en la música. Todo ello, jugando con grabaciones de declaraciones, de actuaciones y de ensayos que se enlazan muy bien, jugando con algunos planos realmente interesantes (el de Uxía con el espejo detrás donde también se ve reflejado el guitarrista cuyo nombre no recuerdo es genial) y un ritmo bastante bueno que solo se resiente en algún momento de las canciones. Que conste que además la parte musical, aún con todo el mundo que colabora, por lo pronto parece no haber perdido el norte y sigue funcionando como un encuentro entre artistas gallegos y portugueses para hacer algo conjunto y, sobre todo, lleno de corazón. Y así nos lo hace sentir el documental, que es lo más importante.




PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 7.0
Guión: 6.5
Interés: 7.0

TOTAL: 7.0

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lunes, noviembre 12, 2012

Cineuropa 2012 (III): Vous N'Avez Encore Rien Vu

Título: Vous N'Avez Encore Rien Vu


Director: Alain Resnais


Año: 2012


País: Francia / Alemania


Duración: 115









Un hombre llama a varias personas para informarles de que el dramaturgo Antoine d'Anthac (Denis Podalydès) ha muerto y les solicita ir a la lectura del testamento. Una vez allí, lo que d'Anthac les propone desde un vídeo es el hecho de ver una representación de su obra más reconocida, Eurídice, siendo todos los invitados actores de anteriores representaciones de la misma. Viendo esa representación revivirán momentos pasados juntos y se emocionarán de nuevo con la historia representada.

El sr. Resnais, aún a pesar de su avanzada edad (contaba 89 años el día del estreno de esta peli) sigue siendo un gran experimentador con la narrativa cinematográfica. Lo que aquí nos econtramos es una vuelta a películas como Hiroshima Mon Amour en cuanto a la insignificancia del espacio para la narrativa y donde la imaginación de los personajes, la realidad, la metaficción y la propia historia contada se van sucediendo para involucrarnos en las sensaciones de los protagonistas ante una obra de teatro concreta, que además se nos va representando a nostros mismos, gracias en gran medida a la colaboración de gente de la Comédie-Française tanto en el reparto como a la hora de crear las representaciones.

La fotografía de Eric Gautier juega en gran medida con los diferentes espacios narrativos, que en la realidad no son demasiados pero se multiplican a la hora de visualizarlos y ponerlos en pantalla. De este modo, plantea también la relación sentimental entre los personajes jugando al mismo tiempo con la banda sonora. Pero es en el montaje donde reside todo el juego de Resnais. Un montaje a 4 manos entre Hervé de Luze y Sylvie Lager que consigue, sin llegar a perdernos entre los cambios de personaje y de situación, jugar constantemente con 4 capas de realidad, entre las 2 representaciones de los espectadores que comienzan a actuar, la propia representación que están viendo y la realidad en la que se encuentran viendo el vídeo. Una maravilla que engancha con su ritmo y consigue una catarsis increíble con los personajes, independientemente del interés que pueda tener la obra teatral en sí misma (de hecho, a mí no es que me encantase, precisamente). Una pena el final, extraño y con una pretenciosidad poética que se queda en un quiero y no puedo, dejando una fea mancha y un regusto algo más amargo para una película que hasta ahí estaba siendo impresionante.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.5
Técnica: 8.5
Guión: 7.0
Actuación: 7.0

TOTAL: 8.0

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Cineuropa 2012 (II): The Tall Man

Título: The Tall Man


Director: Pascal Laugier


Año: 2012


País: USA / Canadá / Francia


Duración: 106









En un pueblo perdido entre las montañas del norte de Estados Unidos han empezado a desaparecer los niños. Nadie sabe con exactitud cual es el misterio que se esconde tras las desapariciones, pero culpan a un ser al que llaman "el Hombre Alto" (nada que ver con el personaje de Phantasma). Así que Julia (Jessica Biel), la enfermera del pueblo y viuda del médico local, intentará luchar contra las supersticiones que hay detrás de ese monstruo que los habitantes de Cold Rock dicen que se lleva a los infantes.

Pascal Laugier lo petó con su anterior peli, Martyrs (de la cual me falta un análisis más profundo que el que hice en aquel maratón de Cineuropa 2010) así que tenía ganas de ver esta nueva obra suya. Y la verdad es que hay marcas de director que siguen ahí con sus giros copernicanos de guión, su terror basado en raptos infantiles o su gusto por los lugares más bien apartados para el desarrollo de la historia. Eso sí, se nota que aquí ya hay producción yankee y una búsqueda más comercial que de impacto, pues el nivel de explicitud se ha intentado eliminar hasta el mínimo posible. Eso sí, ganando en elegancia.

La factura, recordando también a ese aire del nuevo gore francés en cuanto a la frialdad con la que se nos narran los sucesos a pesar de ayudarnos a catartizar con los personajes, consiguiendo mantener la tensión durante gran parte del metraje y guiándonos precisamente en esos giros. Unos giros que, de todos modos, tampoco llegan a resultar tan sorprendentes como en Martyrs, aunque al menos sí se busca una resolución semejante en cuanto a reflexividad y lógica de la historia. Además de resultar bastante tramposos, especialmente el primero por la manera en que da información al espectador.

Por otra parte, una fotografía que aprovecha lo sucio de la situación de desesperación de una zona rural americana que se está pudriendo por falta de dinero y posibilidades, resultando opresiva en gran parte del metraje y mezclándose correctamente con el montaje, que de todos modos me resulta excesivo en más de un momento. Además, la actuación de Jessica Biel funciona bastante bien aunque varíe demasiado en función de la parte del guión en la que esté, dándole al público en cada momento unas informaciones que ya maneja de por sí.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 7.0
Guión: 6.5
Actuación: 7.0

TOTAL: 7.0

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Cineuropa 2012 (I): Bella Addormentata

Título: Bella Addormentata


Director: Marco Bellocchio


Año: 2011


País: Italia / Francia


Duración: 115









Comienza Cineuropa 2012, así que haremos los oportunos análisis de todo lo que veamos en el festival como venimos haciendo otros años. Solo que este año intentaré que sean un poco más largas y se adapten al estilo común del blog (sin tampoco ponerme con análisis profundos, que espero que sean un montón de pelis en apenas un mes y no hay tiempo). La primera de las películas a las que asistí fue esta Bella Adormentata.

La peli es una reflexión sobre la eutanasia basada en el caso real de Eluana Englaro, aprovechando la situación para mezclar 4 tramas, una con un diputado íntegro (Toni Servillo) que está en contra de la ley para evitar la eutanasia que intenta aceptar Berlusconi (yendo nuestro personaje, de este modo, contra su propio partido) que se mezcla con otra con la hija de este diputado (Alba Rohrwacher), una cristiana devota que abomina del que puedan dejar morir a alguien por mucho que sufra y se enamora del hermano (Michele Riondino) de un loco violento que defiende la eutanasia. La tercera de las tramas habla de una actriz retirada (Isabelle Huppert) que se dedica a intentar ser una santa para ver si así se despierta su hija en coma y por último está la historia de un médico (Pier Giorgio Bellocchio) que intenta salvar a una yonki (Maya Sansa) de sí misma mientras ella solo pretende suicidarse.

Las historias en sí mismas funcionan bastante bien y ese aire de realidad al mezclar momentos de imágenes de archivo les ayudan al respecto. De todos modos, la duración y repetitividad de las mismas acaban pasando algo de factura al salpicar demasiados detalles, terminando por crear un ritmo bastante a golpes. Además, la perspectiva que le da Bellocchio al film es tremendamente moralista, y por desgracia en cuanto a la visión cristiana de la palabra. Por fortuna no cae en un maniqueísmo absurdo y busca dar ambas visiones, aunque no se llega a mojar en absoluto en ninguna y, como digo, el aire cristiano es el que acaba corrompiendo todo el mensaje. Por otra parte, destacaría también la reflexión que se hace sobre el aprovechamiento de la vida y el talento que es la trama de la actriz, además de esa crítica al sistema que plantea la trama con el diputado, dejando ver así también lo corrupto y asqueroso del sistema.

El aspecto visual no es nada especial, con una fotografía correcta, realista y según los cánones actuales y un montaje que se salva sin mayores aspavientos. Destacar, eso sí, la inclusión de esos momentos de imagenes reales de Berlusconi, manifestaciones y comentarios políticos que nos hace entrar en los atisbos de realidad del film. Por cierto, a enmarcar las actuaciones de Isabelle Huppert y Toni Servillo, estando éste un escalón por debajo pero logrando un personaje lleno de dudas y tribulaciones muy complejo, al igual que la Huppert creaba a una loca inmersa en su mundo de devoción y que prefiere aislarse completamente de todo lo que tenga que ver con la vida mundana.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 7.0
Guión: 5.5
Actuación: 8.0

TOTAL: 6.5

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viernes, noviembre 09, 2012

The Last Wave (La Última Ola)

Título: The Last Wave


Director: Peter Weir


Año: 1977


País: Australia


Duración: 106











Una serie de extraños fenómenos meteorológicos está asolando Australia (y podemos pensar que el resto del mundo). Principalmente lluvias torrenciales e incluso granizadas totalmente fuera de temporada y lugar. Al mismo tiempo, David (Richard Chamberlain), un abogado de Sydney, se ve envuelto en un caso de asesinato supuestamente cometido por unos negros, probablemente aborígenes. Entrar en contacto con ellos le permitirá descubrir su propia naturaleza dentro de la estructura del mundo y la mitología de los aborígenes, y la relación con esos extraños cambios que el planeta está sufriendo.



El primer plano del film, una declaración de intenciones con la naturaleza cerniéndose sobre el hombre.


Dentro de la Ozploitation hay una tendencia extraña y muy destacable: la naturaleza como elemento peligroso para el ser humano. No hay más que pensar en Largo Fin de Semana como paradigma, pero ahí estaría también Razorback, por poner otro ejemplo. Y la presente cinta, por supuesto. Aunque aquí, mezclando ese principio con la magia premonitoria tribal y ese cierto respeto hacia la sabiduría chamánica de las civilizaciones que vienen de antaño. Un poco como se intenta hacer creer ahora con los mayas y su Apocalipsis predicho hace cientos de años con precisión quirúrgica.

Con este planteamiento, la historia se presenta en un modo muy serio y sobrio, sentando las bases ya desde un comienzo y sin dejar aire a un mínimo de tinte cómico. Y ese es uno de los principales problemas que se le pueden achacar, pues la tremenda pretenciosidad con la que parece presentarse esta sobriedad, hace que en su parte central la cinta se vuelva pesada e incluso un poco repetitiva por lo obvio de cómo se va a desarrollar el final, que no da llegado jamás. Eso sí, se agradecen los temas que trata, como el desprecio actual a esas tribus que viven de manera diferente a nuestras costumbres occidentales, en una visión de superioridad absurda, además de esa idea conjunta que rodea a la historia de la naturaleza como una fuerza imparable contra la que ni siquiera el progreso puede hacer nada.





Aerolitos de hielo, o que en Australia, cuando graniza son unos exagerados.


A ello también ayuda, eso sí, la puesta en escena de Peter Weir, siguiendo ese mismo punto de sobriedad absoluta que plantea el propio guión y que se mezcla, especialmente en las secuencias oníricas, con una pausa y una calma que hace que el tiempo apenas sea capaz de avanzar. Ojo, y con ello no quiero decir que se haga aburrida, sino que es como si faltase un poco de aire, con alguna subtrama o algún momento un poco más distendido para acabar de dar ritmo y ansia de historia.

También influye al respecto la frialdad con la que Richard Chamberlain interpreta al protagonista, alejándolo del espectador y sin ser capaz de transmitir todo lo que le pasa por la cabeza al personaje a pesar de que está bien actuado y resulta creíble, pero se escapan demasiadas cosas entre el propio guión, la representación del personaje y su forma de meterlo en la historia, que hacen que se eche de menos algo más de chicha, en lugar de ese alargamiento constante de escenas.

Por otra parte, también se echa de menos que el guión consiga un poco más de coherencia en sí mismo, y un poco más de unidad entre las escenas, donde se salta de un lado a otro y los personajes evolucionan a golpes, provocando además que el montaje de Max Lemon pegue cortes brutales entre una situación y la siguiente, dejando al espectador al borde de perderse en cuanto a lo que está sucediendo. Suerte que precisamente esa estructura monotrama no nos permite que se nos vaya la olla. Por cierto, espectacular al respecto la mezcla en montaje entre los tiempos oníricos y la realidad, consiguiendo bastante bien crear un mismo espacio para ambos, tal y como se va describiendo en la historia, y que hacen que los sueños cobren muchísima importancia.






Tiene la suerte de no estar parado en un semáforo.


Russell Boyd se encarga de la fotografía, destacándose precisamente ese punto extraño en los momentos oníricos, que se mezcla con la más absoluta sobriedad, y recorriendo una gama de espacios absolutamente de locura, consiguiendo zafarlos bastante bien en cuanto a una perspectiva realista y coherente. Respecto al sonido, interesante ese uso constante del silencio y de los graves, jugando con la presencia habitual del didgeridoo, colaborando totalmente en ese ambiente extrañado e irreal que tiene gran parte del film al tiempo que nos referencia al mundo de los aborígenes.

Y ya hemos hablado del papel que hace Richard Chamberlain, pero también deberíamos destacar en el reparto a una Olivia Hamnett que en un comienzo arranca muy bien y creíble, aunque precisamente la evolución del personaje vaya haciendo que ella se fuerce en exceso y no aparente en absoluto esa naturalidad del principio. Mucho más interesantes en cuanto a coherencia David Gulpilil y Nandjiwarra Amagula, que si bien, especialmente el primero, están un poco forzados, consiguen mantener el personaje en una línea lógica todo el film, destacándose Amagula.




Un abogado blanco intentando aprender cosas de un chamán aborigen. Ver para creer, oigan.




Resumen:
Una película con un mensaje ecologista mezclado con ese respeto divinizador hacia la sabiduría antigua, excesivamente sobria para el tipo de historia que plantea, y con un guión que podría haberse trabajado un poco más.



PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 6.5
Guión: 5.5
Actuación: 6.5

TOTAL: 6.5

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