lunes, febrero 20, 2012

She

Título: She


Director: Avi Nesher


Año: 1982


País: Italia


Duración: 100









Cuando Tom (David Goss) y Dick (Harrison Muller) llegan a un mercado con la hermana del primero (Elena Wiedermann), unos extraños hombres aparecen cargándose a quien se les ponga por delante, y secuestrando a la muchacha. A partir de aquí, empezarán una búsqueda para rescatarla, consiguiendo que se les una She (Sandahl Bergman), la diosa-líder del pueblo, y una fabulosa guerrera. Para llegar hasta el pueblo de los secuestradores, los tres deberán pasar por combates contra los extraños habitantes del mundo en que se hallan, para lo cual será indispensable la ayuda de Shandra (Quin Kessler), fiel seguidora de She.


Antes no se llegaba a ser Valeria de cualquier manera.


Una peli de producción italiana, con director israelí y que mezcla fantasía heroica con postapocalipsis es una peli que sabemos de antemano que gracias a su carácter puramente exploitation puede aportar grandes dosis de entretenimiento. Y así es. Y además, la historia también nos da otros elementos tan dispares como vampiros, un poblado sectario con un líder con poderes telekinéticos, pandillas e incluso la aparición de una especie de mad doctor. Así, basa su estructura en el avance hacia delante por parte de los protagonistas, que deberán ir sorteando todos estos peligros y muchos más como quien pasa fases de un videojuego.

Gracias a ello, la narración es ágil y tiene un buen ritmo, sin importarle en absoluto qué fue lo que vino antes y, como decía, siempre evolucionando. Aunque con esta premisa se tengan que obviar evoluciones lógicas de los personajes o de la realidad diegética del film. Para ello, utiliza grandes elipsis que obvian todo lo que no sea acción directa, fragmentando la historia y dejando que sólo lo importante sea contado a los espectadores, reincidiendo nuevamente en esa estructura de puntos diferenciados que supone cada momento.

Creo que con esta imagen se entiende bien qué clase de mundo extraño es este.


Eso sí, si hay que ponerle un pero al ritmo, este estaría en torno a los problemas que presentan las coreografías, simples y planas, y lo poco que consigue hacer el montaje de Nicholas Wentworth al respecto, dejando que las peleas se queden en ese aire de producción cutre que tiene la peli. Tampoco el montaje es excesivamente destacable en el resto del metraje, aún a pesar de que no hay grandes complicaciones, y tampoco grandes cagadas.

Por lo demás relativo a la puesta en escena, el director –y guionista- Avi Nesher está más que correcto, destacando especialmente la lucha del final, donde al no ser tan mano a mano sí consigue un ritmo interesante y crea un clímax lo suficientemente potente para completar todo lo que acabamos de ver. Además, un uso de la cámara correcto, tendiendo a la narración clásica, pero sin miedo a innovar en algún momento que otro con angulaciones extrañas. Compaginado esto con la dirección de foto de Sandro Mancori, exactamente en esa misma línea con el uso de la luz, pero también sin muchas más opciones dado que la mayoría de la historia está contada en exteriores. Destacar si eso las noches americanas, tan obvias y feas como siempre, pero por lo restante dando un buen aspecto, siempre dentro de la lógica del presupuesto ajustado de una exploitation ochentera.

Por otro lado, toda la presencia de los personajes se ve acentuada por un trabajo de vestuario magnífico por parte de Ivana Massetti, muy en esa onda cyberpunk de los 80 pero sin obviar una especie de retraso provocado por una situación apocalíptica que no se nos llega a explicar. También los escenarios, con la dirección de arte de Ennio Michettoni y Umberto Turco ayuda mucho en este sentido, con fábricas abandonadas, calles llenas de suciedad y barrizales a las puertas de murallas que guardan ciudades, que dan ese aspecto de una era futura pero perdida en el tiempo, bebiendo de un futuro distópico, pero también de un medievo nada idílico.

Unidos frente al enemigo, desde un punk fan de Paul Stanley hasta un pirata a lo Jack Sparrow.


Destacar además, que la banda sonora la lleva a cabo Rick Wakeman, con lo cual toda esta fantasía se ve llevada hasta cotas indescriptibles. Una pena que acabe por cobrar demasiada importancia esta música, arrastrando hacia ella al espectador, en lugar de acompañar el sentido de las imágenes. También Bastard, con cuyos temas ayudó el director y supuetamente Motörhead completan la presencia musical, aunque de estos últimos no se reconozca ninguna canción en los créditos. En cuanto a lo restante del sonido, poco que destacar, salvo que se consigue un buen trabajo en cuanto al vacío de los espacios inhabitados -incluso jugando con este silencio en alguna secuencia- y un buen nivel en cuanto a los ruidos en combates.

Mujeres ligeras de ropa, espadas y una fábrica abandonada: Eso es dar al público lo que quiere.


Las actuaciones, destacar antes que nada a Sandahl Bergman, que en ese mismo año de 1982 saldría en otra producción cercana en tema como Conan El Bárbaro haciendo de Valeria, y aquí demuestra perfectamente su carácter como mujer guerrera y su buena presencia. Consigue hacerse creíble, da fuerza al personaje, y además a la historia. Conjunta muy bien con el papel que hace David Goss, frío y duro, aunque en ciertas ocasiones su actuación se vea un poco forzada y pierda fuelle por ahí. No obstante, su presencia de tío duro y más o menos atractivo, le da mucho para protagonizar el film.

Más forzado todavía está Harrison Muller, que no llega ni siquiera a colaborar en su presencia de acompañante relativamente bufón como exigen los cánones. Ojo, que tampoco el guión hace una gran ayuda al respecto, al no darle gags ni chorradas con las que entretener al público. Algo similar le pasa a Quin Kessler, que aunque al menos transmite su papel de tía dura y borde, no llega a ser todo lo creíble que podría. Aún así, es pasable y al menos da su granito de arena en pos de ayudar al interés hacia la protagonista. En cuanto al resto del reparto, mucho más secundarios debido a esa estructura, destacar si acaso a David Traylor, histriónico hasta la médula en el personaje más extraño de todos, con sus cruces de personalidades sin sentido aparente, y que recuerda las escobas de Fantasía cuando se multiplicaban cada vez que Mickey las cortaba.

Y si lo que el público quiere es distinción, pues también la hay.

Resumen:
Una historia extravagante que mezcla todo tipo de elementos del fantástico, todo ello argumentado en un hilo de fantasía heroica y con un gran aspecto postapocalíptico, cuyo principal error estaría en el mirar solo adelante en la historia y en unas peleas un tanto falsas y planas.



PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 6.5
Guión: 7.0
Actuación: 7.0

TOTAL: 7.0

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lunes, febrero 13, 2012

Escuros, Roncos E Compasados: Trailer





Al fin, y con una semana de retraso que excusaré en el estar atareado por no perder la costumbre, puedo anunciar que está en la red el trailer del documental que durante el último año aproximadamente he estado trabajando con Carlos Pensado, sobre el Death Metal en Galicia a lo largo de los años 90.

Por si quieren saber más de qué va, en la página de Facebook está la información más detallada.

Y sin más, aquí va el trailer, como siempre en versión Youtube y en versión Vimeo, para que escojan en función de la calidad que cada una de las páginas da.









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lunes, febrero 06, 2012

Caminos Bizarros: Actualización Enero 2012


Hale, pues ahí va la primera entrada de actualizaciones de Caminos Bizarros para llegar al blog del 2012, de un mes de Enero que no ha sido todo lo bueno que podría (dejando de lado guerras internetiles absurdas y avariciosas como todas las guerras) y que ha estado marcado por curro y sobre todo rayadas de última hora con Escuros, Roncos e Compasados. Por suerte, en breve podrá estar ya un trailer en las mejores webs de alojamiento de vídeos. O al menos en Youtube y Vimeo.

Pero lo dicho, que ahí van las mejores visitas de Enero.
(Actualización: Recopilación visitas 2012 aquí)

(Si quieren ver solo las de este mes, pulsen la entrada completa, que aquí ya las incluyo.)



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sábado, febrero 04, 2012

Se Incontri Sartana Prega Per La Tua Morte

Título: Se Incontri Sartana Prega Per La Tua Morte


Director: Gianfranco Parolini (firmando como Frank Kramer)


Año: 1968


País: Italia / Francia / RFA


Duración: 95









Una diligencia es atacada para robar un cofre de oro que transporta. Pero lejos de conseguirlo, los ladrones se encuentran con que son atacados a su vez por los hombres de Lasky (William Berger). A partir de aquí, todo se torna un cruce de traiciones y ataques llevados por la avaricia entre el propio Lasky, Sartana (Gianni Garko firmando como John Garko), Morgan (Klaus Kinski) y Mendoza (Fernando Sancho), a los que se suman desde la óptica política Stewal (Sydney Chaplin) y Alman (Gianni Rizzo), engañándose mutuamente sobre dónde está realmente el oro y cómo se lo quiere quedar cada uno.

Segunda aparición como Sartana por parte de Gianni Garko, tras Baño De Sangre Al Salir El Sol. Solo que aquí, sin nada que ver con aquel villano loco y fratricida, y en una historia que se desenvuelve por sí misma, hasta el punto de que si no es porque de repente le empiezan a llamar Sartana, el personaje podría pasar a la historia sin nombre. Y curiosamente, es en esta cinta donde comienza a ganar renombre como uno de los personajes míticos de la historia del Spaghetti Western, también gracias a que los distribuidores acortaron el título a Sartana en medio mundo.

Centrándonos en el contenido de la peli, un guión bastante caótico y que opta por no dar ninguna información al espectador, llegando al punto de que hasta mediada la cinta no sabemos con exactitud qué papel juega cada personaje dentro de la trama, ni qué es lo que ocurre con el cofre de oro. Principalmente, esto ocurre por lo centrado de la narración en hacer que los personajes molen mucho desde un comienzo, con secuencias que en su totalidad van dejando claro que Sartana es un duro, pero que también lo son Morgan, Mendoza y sobre todo Lasky. Con ello, secuencia a secuencia presenta unos cuantos planos memorables y bastante arriesgados, mezclando con soluciones de guión originales y violentas, que muestran ese espíritu de SW puro, con influencias (por no decir copias), eso sí, del sr. Leone y del sr. Corbucci como demuestra incluso el propio guión con elementos como el cubrir con metal un disparo o el uso de la Gatling. Cuenta con una fotografía de exteriores bastante pasable, especialmente si la comparamos a la de interiores, donde se consigue que siempre parezca que es de noche, chocando bastante cada vez que hay un paso de interior a exterior. Por otro lado, unas actuaciones bastante buenas, principalmente las de Gianni Garko y por supuesto Klaus Kinski, aunque este salga poco. Pero el hecho de tener a Fernando Sancho también por ahí lo compensa, y William Berger también ayuda al respecto, aún siendo el más forzado de todos.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.5
Técnica: 7.5
Guión: 7.0
Actuación: 7.0

TOTAL: 7.0

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miércoles, febrero 01, 2012

La Chute De La Maison Usher (La Caída De La Casa Usher)

Título: La Chute De La Maison Usher


Director: Jean Epstein


Año: 1928


País: Francia / USA


Duración: 63









Un día a Allan (Charles Lamy) le llega una carta. Es de su amigo Roderick Usher (Jean Debucourt), que le pide que le acompañe a su casa a pasar unos días. Al llegar allí, descubre la extraña enfermedad que Lady Madeleine (Margerite Gance) -la mujer de Roderick- sufre, y que atormenta el alma de su amigo. Porque ella está muriendo lentamente según su esposo termina de pintar un cuadro que la representa, y que casualmente parece más lleno de vida según ella empeora.


La casa Usher, típica chabolilla de la campiña anglosajona.


Creo que no es necesario decir que Poe es uno de los escritores que más han podido influenciar al cine, especialmente al de terror. Ahí están las clásicas cintas dirigidas por el sr. Corman para que protagonizase Vincent Price, con ejemplos en la propia versión de La Caída De La Casa Usher, El Pozo Y El Péndulo o La Máscara De La Muerte Roja. Pero también El Gato Negro del sr. Fulci, nuevamente La Caída De La Casa Usher del sr. Svankmajer o las dos historias contadas en Los Ojos Del Diablo por los sres. Romero y Argento (donde se incluía nuevamente El Gato Negro, dirigido por el italiano). Y por supuesto, en la época de las vanguardias, alguien también tendría que hacer su versión, saliendo esta cinta como resultado.

Lo que prima aquí es, sobre todo, un gusto por el juego estético por parte del sr. Epstein, consiguiendo transportar en gran medida las sensaciones poéticas que emergían del relato original a la pantalla con simbolismo y un aire de irrealidad casi onírica. Todo esto mediante un juego con el movimiento de la imagen bebedor del impresionismo francés, pero con una supeditación a las percepciones de los personajes, con ralentizaciones en más de una ocasión, primerísimos planos, superposiciones de imágenes…

Con la imagen parada, parece un fotograma sin más, pero su tratamiento del movimiento ralentizado es espectacular.


Por supuesto, todo esto ayudado enormemente por la fotografía de aire expresionista que desarrollan Georges y Jean Lucas, repleta de oscuridad y subjetivización de espacios, como la gran habitación principal de la mansión, que deja a los personajes en un gran plano general, solitarios en la lejanía y frialdad de la estancia. Además, el montaje, con una pausa y tranquilidad que permite a esa fotografía expandirse y dejar al relato buscar su propio ritmo, con un trabajo excelente en cuanto a experimentación se refiere en lo ya referido arriba de ralentís, superposiciones, etc. Destacar la parte final, donde la locura aumenta exponencialmente y todo se va ofreciendo a nuestra mirada con una claridad pasmosa.

De esto hablamos cuando hablamos de esa habitación principal.


Con todo, admito que en algún momento, la narración, precisamente por toda esa búsqueda de sensaciones y a la falta de una historia un poco más hilvanada, o un poco más compleja al menos -ya que no deja de ser un relato escrito en 20 páginas sin apenas aportes narrativos nuevos- resulta un tanto pesada y difícil de digerir, pero realmente acaba compensándolo precisamente en ese goce estético y de narración personal que propone.

Eso sí, para ello Epstein no duda en añadir cosas propias (junto a un jovencísimo Luis Buñuel que supuestamente rechazó de pleno esta idea) a lo presentado por Poe en el relato, añadidos que de hecho no aportan y estropean en parte la historia, como la relación de marido y mujer entre Roderick Usher y Lady Madeleine, que en el relato eran hermanos, o la escena al comienzo donde un lugareño no quiere acercarse a la mansión, como si del castillo de Drácula se tratase. Eso por no citar el cuadro, inexistente en el relato y primordial aquí, y que no deja de recordar a El Retrato De Dorian Gray. Vamos, que termina por hacer un mejunje de literatura del XIX más que interesante pero que no recoge más que la estructura primordial de La Caída De La Casa Usher de Poe.

[Actualización del 04-02-2012: Acabo de recordar otra influencia, mayor que la de El Retrato de Dorian Gray, para eso del cuadro que roba vida, en El Retrato Oval, escrito por el propio Poe]

La susodicha Lady Madeleine, en plena experimentación visual mientras posa.


La actuación de Jean Debucourt, mucho más protagonista que en el relato como Roderick, también influye y sus modos de loco, especialmente en las miradas a cámara de los primeros planos, aportan mucha de la interiorización de todo el relato, aunque eso sí, con esa ayuda de la fotografía que citábamos más arriba. Más comedido está Charles Lamy, que pasa casi desapercibido, al no necesitarse como narrador en algo que vemos nosotros mismos, aunque siga llevando la voz cantante en los textos que se muestran. Marguerite Gance, por su parte, perfecta por su presencia, pues es lo único que aporta, pero dándole al personaje la apatía moribunda que necesita.

La locura y la descentralización del rostro, siempre compañeros tan fieles.

Resumen:
Una adaptación bastante libre del relato de Poe pero que sin embargo consigue transmitir las mismas sensaciones, gracias a un trabajo técnico muy personal que bebe directamente del impresionismo y del expresionismo, en pos de subjetivizar e interiorizar las sensaciones del narrador antes que simplemente contarnos la historia.



PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.5
Técnica: 9.5
Guión: 7.5
Actuación: 7.5

TOTAL: 8.0

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