miércoles, diciembre 28, 2011

Alambradas De Violencia (Pochi Dollari Per Django)

Título: Pochi Dollari Per Django


Director: León Klimovsky / Enzo G. Castellari (No está en créditos)


Año: 1966


País: Italia / España


Duración: 85









Django Reagan (Anthony Steffen) es un cazarrecompensas. Se ha cargado a la mitad de la banda que había robado un banco, pero queda aún la otra mitad. Así que va a un pueblo de Montana a buscarlos. Allí se hace pasar por el nuevo sheriff, y se encuentra en medio de una lucha a muerte entre los ganaderos y los colonos en relación al derecho a poner alambradas en los campos de los segundos, de modo que los animales de los primeros no puedan pisarlos, pero tampoco pasar cuando los hay que mover.

León Klimovsky, ese capo de la serie B y exploitation española, junto a Enzo G. Castellari, ese otro capo de la serie B y exploitation italiana (siendo esta su primera peli, aunque no esté en créditos), haciendo un western hispanoitaliano, que ya en el título original deja claro que se va a intentar vender bajo la sombra de Django, aunque no tenga absolutamente nada que ver con ella. Qué tenemos que esperar de esto? Pues curiosamente una historia que se sale un poco de los márgenes del spaghetti western para recoger elementos del western más clásico (aquello de la lucha entre agricultores y ganaderos y aspectos de la dirección y la ambientación), pero que por supuesto no se olvida de la violencia, del cazador de recompensas y de esa ambigüedad de personajes rudos y fríos que acaban haciendo justicia y consiguen la catarsis del espectador por medio de eso y de la violencia. Eso sí, en este caso se llegan a pasar de ser buena gente y la ambigüedad solo está un poco por la situación en la que viven. Ojo, más culpa del guión por esos ramalazos de western clásico que de los actores, que si bien no se lucen, al menos mantienen el tipo -al menos en la versión doblada en italiano, que es la que supongo versión original teniendo en cuenta la producción y el título original de IMDb, levantándome una vez más la pregunta de si se debe hablar de versión original en el exploit italiano-.

Narrado todo con una puesta en escena bastante simple, plana y previsible, la peli llega a hacerse anodina por momentos, y no es que aporte mucho si dejamos de lado las cuestiones que citábamos en el párrafo anterior. Un montaje de Antonio Jimeno tirando a demasiado evidente, sobre todo en las acciones de los especialistas, y falto de ritmo. Y la fotografía de Aldo Pinelli, un poco por encima del resto de aspectos técnicos, pero aún así la dejaría en normalita y con oficio, pero sin destacar en casi nada al igual que la parte sonora. Pero bueno, al menos es apañadito y entretiene si lo observamos en su globalidad. Y tanto el comienzo como la parte final, están bastante bien.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.5
Técnica: 5.5
Guión: 6.0
Actuación: 6.0

TOTAL: 6.0

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jueves, diciembre 22, 2011

Superbad (Supersalidos)

Título: Superbad


Director: Greg Mottola


Año: 2007


País: USA


Duración: 113









Evan (Michael Cera) y Seth (Jonah Hill) son dos colegas inseparables que están a punto de graduarse en el instituto. Aún son vírgenes, y quieren dejar de serlo antes de que eso ocurra, es decir, en 2 semanas. Un día, casi por casualidad Seth consigue que Jules (Emma Stone), una tía muy potente del instituto, les invite a una fiesta en su casa, pero los dos amigos tendrán que comprar la bebida junto a Fogell (Christopher Mintz-Plasse), el tercero de la pandilla, ya que este se va a hacer un carnet falso. La compra de la bebida los llevará por una serie de líos que cada vez complican más que puedan llegar a la fiesta y mojar.

Desde Porky's a American Pie, el tema de la pérdida de la virginidad alrededor de los 18 años ha dado unas cuantas comedias desfasadas y gamberras. El problema, que la repetición de motivos e ideas ha ido minando la capacidad de hacer gracia de muchos de estos guiones, y así, muchas veces no han sabido conseguir la fuerza necesaria para sostenerse. En este caso, se aprecia además una clara secuenciación en diversas partes y etapas, con casi más elementos de road movie a tropiezos, y con un seguimiento de diversas tramas que, al menos, dan vida al metraje y hacen un producto entretenido pero poco más, que es a grandes rasgos lo que pretendía.

El problema es que todo se vuelve excesivamente obvio, y la realización no lo es menos, recogiendo la línea estética de una cámara sin pretensión de innovar, sino de dejar que sea el guión el que funcione por sí mismo junto a los actores, y un montaje que hace lo mismo. Y sí, el guión plantea algunos momentos gamberros y divertidos aún con la obviedad, donde destacaría todo lo concerniente al dibujar penes o lo que es la trama con los dos maderos y las referencias subculturales que se dispersan aquí y allá. Pero también muchísimos lugares comunes, sobre todo en la trama principal que, como decía al principio, le resta interés si uno ya ha visto unas cuantas cintas del género. Los actores, con lo que se espera de ellos, destacando a Christopher Mintz-Plasse, y si quieren a Michael Cera por la parte sentimental.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 6.5
Guión: 6.5
Actuación: 7.0

TOTAL: 6.5

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miércoles, diciembre 14, 2011

The Wind (El Viento)

Título: The Wind


Director: Victor Sjöström (firmando como Victor Seastrom)


Año: 1928


País: USA


Duración: 79









Una muchacha de Virginia, Letty (Lillian Gish), se va al oeste, a un pueblo donde el viento sopla constantemente con gran fuerza y donde vive su primo Beverly (Edward Earle). La mujer de Beverly, Cora (Dorothy Cumming), tiene celos de la joven y termina por echarla, teniendo que casarse Letty con un vecino que la cortejaba desde que llegó a la zona, Lige (Lars Hanson). Vivirá infeliz, y las visitas de Rodd q (Montagu Love), un hombre que había conocido en el tren que la llevó desde Virginia, no harán más que complicar las cosas.

Una de esas pelis donde el elemento extraño que sobrevuela el conjunto hace parecer que se trata de algo innovador y original aunque, en realidad, al final la base es el melodrama puro y duro con solo algunas pinceladas de interés. Al menos en la versión que conseguí ver, porque la versión larga y con final no feliz parece ser mucho más interesante por agradar menos al espectador. Eso sí, aquí está todo muy bien llevado y con los giros tan bien colocaditos que el ritmo no se pierde en ningún momento. Y cuando se pierde, se recurre a las escenas donde el viento acojona de lo lindo.

El principal interés está en la dirección de Sjöström, que le da una fluidez y un ritmo a la narrativa cojonudo, rodando las escenas al aire (y nunca mejor dicho) de manera que realmente transmiten una sensación de fragilidad ante el clima impropia de una cinta hollywoodiense de la época. Ayuda obviamente el director de fotografía John Arnold, que sin embargo en las escenas de interior acaba por dar un tono mucho más tradicional, y el buen montaje de Conrad A. Nervig, principal impulsor de esa fluidez que comentaba antes, y con un par de superposiciones que tanto gustaban en el cine mudo y tan buen resultado ideográfico daban. Por cierto, Lilian Gish está espléndida en su papel protagonista, aunque comienza excesivamente comedida.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 7.5
Guión: 6.0
Actuación: 7.5

TOTAL: 7.0

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sábado, diciembre 10, 2011

Caminos Bizarros: Actualización Noviembre 2011


Nueva actualización, y última del año (porque la de Diciembre se hará en Enero, igual que esta, por poco), de la entrada que más gente extraña hace entrar al blog: Caminos Bizarros para llegar al blog! Y nuevamente, la gente me va sorprendiendo. Aunque Noviembre fue un poco más normalito.

(Si quieren ver solo las de este mes, pulsen la entrada completa, que aquí ya las incluyo.)



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lunes, diciembre 05, 2011

Un Hombre Está Tumbado En El Suelo




Y ahora que ya se estrenó Un Hombre Está tumbado En El Suelo, me llena de orgullo y satisfacción anunciar que ya está subido a Megaupload, para toda la gente que lo quiera descargar:

Un Hombre Está Tumbado En El Suelo


Y si, esto es gratis y no hay intención de vendérselo a ningún precio que ustedes puedan considerar excesivo, como debería ser habitualmente la cultura. Por eso me gustaría pasar la gorra para que, si sienten que esto merece algún apoyo ecnómico, lo puedan hacer:








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6 Curtas, 6: Estreno de Un Hombre Está Tumbado En El Suelo y otros 5





Eso, que me congratula poder anunciar por fin el estreno del corto "Un Hombre Está Tumbado En El Suelo", después de meses luchando y esperando, en el magno evento "6 Curtas, 6", que nos reunirá, al menos creativamente, con colegas como Gonzalo Alonso, Andrés Carrasco, Loli Iglesias, Daniel Villaverde y Paulo Fernández, que también presentan "A Mí Me Gustan Los Espaguetis", "As Pequenas Batallas", "Comando 42", "Bilingüismo Cordial" y "O Día Que Ana Deixou De Ser Ana Para Seguir Sendo Ana" respectivamente.

Pero bueno, todo eso ya lo pueden ver en el cartel, así como la hora, el lugar y el inmejorable precio. Por cierto, dar las gracias al Teatro Principal y a sus trabajadores, por todas las facilidades y buen hacer que ponen de su lado.

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domingo, diciembre 04, 2011

Fin de Cineuropa 2011: Maratón


El maratón más largo al que he asistido, y, si no me equivoco, el más largo de la historia del festival. Unas 17 horas de cine con algunos descansos que ponían fin a un Cineuropa que a mí se me quedó escaso. Quizás porque no asistí a mucho, quizás porque duró poco más de 3 semanas. Y como decía en el post anterior, un Cineuropa en el que me quedo con la frustración de no haber visto casi ninguna de las mejor votadas, pero con la satisfacción de que lo que ví, sin haber sido la hostia, al menos fue cumpliendo unos mínimos estándares de calidad, que es lo que exijo a un festival.

Y con esta reflexión, pasamos a los análisis de las pelis del maratón, que por cierto, estuvo lleno de grandes momentos gracias en gran parte a Shion Sono y al buen humor con respeto que se destiló este año por el principal, sin grandes vociferadas, ni gente que hacía callar a la mínima, y si con grandes aplausos a violencia y/o sexo gratuitos:


-Carabás (Francisco Calvelo, 2011):

Un corto tremendamente sorprendente, rodado con cámara en mano y evitando en todo momento la muestra explícita de lo que acontece por medio de planos muy cerrados. Gracias a ello funciona a la perfección en su primera mitad aunque cuando todo el secreto y la extrañeza se van diluyendo, y al mismo tiempo se nos permite ver al monstruo que pone en marcha toda la acción, pierde muchos enteros y consigue incluso algunos momentos bastante risibles involuntariamente. No obstante, lo que decía, en general logra enganchar y hasta da mal rollo en algún punto.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.5 Técnica: 7.5 Guión: 7.0 Actuación: 7.0
Total: 7.5

-恋の罪 (Koi No Tsumi) (Guilty Of Romance) (Shion Sono, 2011):

Degeneración y decadencia para una peli con una estructura que, con su esquema de continuo avance en espiral hacia el fondo de sí misma que hace el personaje de Megumi Kagurazaka, consigue un ritmo cojonudo, plagado de buenos momentos. Eso sí, por ratos resulta algo repetitiva y aún por encima, con los giros tan brutales (y alguno positivamente sorprendente), dan al mensaje de gusto por la decadencia un cierto aire forzado e impostado que, si hacemos la comparación obvia con Belle De Jour, sale malparada sobre todo en cuanto a sordidez. Pero tampoco importa si no nos ponemos a observarla desde su moralidad filosófica, y solo la pensamos como entretenimiento, donde sí funciona bastante bien.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.5 Técnica: 8.0 Guión: 7.5 Actuación: 7.0
Total: 7.5

-冷たい熱帯魚 (Tsumetai Nettaigyo) (Cold Fish) (Shion Sono, 2010):

Un comienzo bastante extraño y poco movido, para ir desatando poco a poco una locura violenta que llega a extremos absolutamente hiperbólicos, que dió grandes momentos de risas y aplausos en la sala. Entretenimiento, humor negro a raudales, unas cuantas pinceladas gore muy bien hechas y por supuesto muestras de degeneración variadas. De destacársele algún problema, sería ese avance sin pausa que tiene hacia adelante, sin pararse a pensar ni a explicar momentos concretos o evoluciones de los personajes. Pero vamos, que como locura llena de asesinatos, personajes desquiciados y situaciones absurdamente brutales, es la hostia.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.0 Técnica: 7.5 Guión: 8.5 Actuación: 7.5
Total: 8.0

-Attack The Block (Joe Cornish, 2011):

Una magnífica idea de serie B que se mantiene como una peli fantástica llena de acción y aventura a la vieja usanza de adolescentes pero remozada a los nuevos tiempos, y no hecha mirando con añoranza a lo que había en los 80. Eso sí, con los medios actuales y un presupuesto que le permite desarrollarse por cauces que mezclan una invasión de aliens que acojonan de lo lindo con cine de pandillas. Pero pandillas modernas, con críos de los barrios bajos londinenses, con sus tópicos de porreros, citas a videojuegos y gusto por el rap más gangsta. Gracias a esto, se aligera bien a base de humor pero eso sí, hay un poco de bajón en la parte final donde la crítica social se hace patente y la heroicidad hace pagar un poco el pato del resto de desarrollo más coñero.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.0 Técnica: 8.0 Guión: 8.0 Actuación: 7.5
Total: 8.0

-Susan In Red (Franck Giordanengo, 2011):


Desgraciadamente, la maravillosa y ridícula estructura de Compostela de cara a que los que vivimos en las afueras podamos aparcar nuestros coches cuando vamos a la ciudad, me hizo perderme este corto, puesto que tuve que ir a quitar el coche de un parking al ser ya horas de poder dejarlo en la calle fácilmente, con intención de que me dejaran de cobrar el tiempo como en un servicio de prostitución de lujo. Una pena, porque me comentaron mis compañerxs de palco que estuvo bien.
Nota:
Originalidad/Riesgo: - Técnica: - Guión: - Actuación: -
Total: -

-愛のむきだし (Ai No Mukidashi) (Love Exposure) (Shion Sono, 2008):

La peli a la que todxs le teníamos miedo. 4 horas de una misma historia dentro de un maratón, suena excesivo a todas luces. Y sin embargo, esta peli, con su primera hora totalmente descacharrante en cuanto a humor absurdo, homenaje al cine de artes marciales pero con chistes guarros del tipo que gusta a los japoneses y una defensa del ser pervertido como forma de vida no ya respetable, sino admirable, consigue hacerse muy llevadera. Por supuesto, en 4 horas le da tiempo a subir de intensidad, bajar de nuevo, tener momentos de bastante tedio, evolución muy previsible, giros imposibles... Por citar algo, las presentaciones que se suceden tras esa primera hora son un claro ejemplo de estos bajones. Pero en general, toda la mezcla de perversión, acción, drama adolescente y cristianismo consigue hacer que, en general, la peli sea muy divertida, especialmente para visionado colectivo.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.5 Técnica: 8.0 Guión: 8.0 Actuación: 7.5
Total: 8.0

-Hors Satan (Bruno Dumont, 2011):

Y después de esas 4 horas que sin embargo se hacían llevaderas, llegaban ahora unas 2 horas (ni llegaba a ellas) de tedio absoluto, a pesar de la promesa de posesión demoníaca que se entendía de la sinopsis (ojo, que la hay, pero es que ni se hace un esfuerzo porque nos importe lo más mínimo, más bien todo lo contrario). Una peli vacía y pretenciosa en sus formas, con silencios forzados en mitad de diálogos que aunque dan forma de profundidad, nada pueden con el fondo, fotografía feísta, ritmo nulo, personajes totalmente muertos y vacíos, y muchos, muchos planos de gente andando.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 5.5 Técnica: 2.0 Guión: 1.0 Actuación: 4.0
Total: 3.0

-The Wicker Man (El Hombre De Mimbre) (Robin Hardy, 1973):

La peli sorpresa del maratón. Una de esas películas casi olvidadas de los 70, que demuestran por un lado que en Inglaterra también se hacía cine de explotación, y que Christopher Lee es, como ya dije en otra ocasión, el actor con mejor carrera de la historia del cine. Una maravilla que pone en duda, mediante una investigación policial, todos los cimientos de la cultura cristiana, con momentos absolutamente grandiosos, como lo es el final, y que si peca de algo es de un montaje que la deja sin demasiado ritmo y una banda sonora folkie que acaba siendo casi más risible que ambientadora, especialmente por los momentos en los que se mete.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.5 Técnica: 6.5 Guión: 8.0 Actuación: 7.5
Total: 7.5

-L'Humanité (Bruno Dumont, 1999):

Otra peli de Bruno Dumont, también llena de tedio, pero aún así mucho más entretenida que Hors Satan. Un personaje principal interpretado por Emmanuel Schotté que da más risa que otra cosa con su aire abstraído y extraño, que no da cargado demasiado bien con la posible profundidad de la historia a la hora de mostrarnos su paso por la vida calmado y sin interés. Y el resto de personajes tampoco ayudan, así como la foto, excesiva en su uso de angulares grandes o el montaje, obvio y sin emoción. Si mola en algo, es precisamente en lo inútil del personaje principal para su trabajo, y cómo la investigación va totalmente independiente a él.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 6.0 Técnica: 3.0 Guión: 4.0 Actuación: 3.5
Total: 4.0

-Mañana Me Voy (Gael Herrera, 2011):

No entendí exactamente por qué se proyectó este corto, si fue una cosa pirata, si fue simplemente que se coló por amiguismo, pago de favores/drogas, o qué coño pasó, porque no estaba en el programa, y desde luego la calidad no era para estar aquí. Pero se proyectó, así que me tocará analizarlo.
Una especie de proyecto de colegas, digno de práctica para clase de alguien que no sabe qué hacer, trabaja en una empresa de tv local (que ni citaré para no promocionar) y se le ocurre algo de última hora. Así, retazos recogidos del informativo, grabaciones de un feísmo fotográfico dentro de la redacción que da miedo, e incluso cosas que rozan con la ilegalidad en cuanto a derechos de imagen (cosa que aplaudo siempre que lo grabaran para el corto, y fuesen conscientes de a lo que se podían atener). Lo peor, que la idea de la historia no es mala, y podría molar si estuviese bien desarrollada narrativamente igual que aprovecha desde la perspectiva de producción la visita de Ratzinger a Compostela para meter calles llenas de extras. Y Olalla Tesouro (que sí, colaboró para Exceso Antropomórfico, así que ni intentaré ser objetivo con ella), no está mal en su papel, con lo poco que lo puede desarrollar con todo ese caos narrativo totalmente incoherente y más que aparentemente falto de previsión.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 6.0 Técnica: 0.5 Guión: 3.0 Actuación: 6.5
Total: 4.0

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viernes, diciembre 02, 2011

Cineuropa 2011/3: De cómo afronté la última semana antes del maratón.


Y vamos enfocando ya el final de Cineuropa 2011. Un festival donde, mirando atrás, me doy cuenta de que seleccioné excesivamente en base a directores, y por ello (y por incompatibilidad de horarios), me quedé sin ver cosas como The Artist o Les Neiges Du Kilimandjaro. Una pena, porque fueron de lo mejor votado del festival. Pero bueno, supongo que las podré ver en alguna otra ocasión si son tan cojonudas.

Sin embargo, lo que si conseguí ver esta semana, que culminará con el maratón, fue:


-Faust (Fausto) (Aleksandr Sokurov, 2011):

Iba dispuesto a ver una de esas pelis de simple contemplación y contenido vacío que tanto le gusta hacer a Sokurov y me encuentro, por el contrario, con una peli donde el trabajo de cámara y montaje está relativamente encauzado bajo unos cánones más tradicionales (aunque el principio de cine como arte y no como espectáculo es el que sigue primando en todo el trabajo), que incluso me llama a ver el resto de la tetralogía del poder. Su trabajo con lentes anamórficas extrañas se mantiene, pero en pequeñas dosis que incluso le dan sentido y voz de narrador a la imagen, al enrarecerlo todo y dar ese aspecto de sueño. De todos modos, el desarrollo se torna tremendamente literario, fundamentándose todo en base a diálogos que dan un aire pesado que enlaza con la estética del film, pero llevándolo a que se vuelva más difícil de digerir.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.0 Técnica: 7.0 Guión: 6.0 Actuación: 7.0
Total: 7.0

-A Torinói Ló (O Cabalo De Turín) (Béla Tarr, Ágnes Hranitzky, 2011):

La verdad es que salí de esta peli con dudas sobre como puntuarla aún después de aplaudirla en la breve y tímida ovación que se llevó al terminar. Si bien siempre he criticado el cine contemplativo vacío, que no muestra nada ni evoluciona, hay una poética en las imágenes y en los movimientos de los planos secuencia que nos presenta que me enganchó desde un comienzo. Porque es que realmente, lo único que se muestra, es el tedio de una familia rural piamontesa del s. XIX, pero de un modo muy bello mediante planos secuencia de entre 4 y 6 minutos de duración, combinándose con un compás musical que se clava en el cerebro desde la primera repetición. Eso sí, con un drama ausente, basado más en el seguir adelante y simplemente vivir, esperando a la muerte pero sin perseguirla que en nada más, cosa que ayuda a esa poética pero deja un poco vacía la posible profundidad que podría tener el film. Y eso que no le falta cierta reflexión sobre ese devenir de la muerte y el sinsentido de la vida que enlazaría precisamente con el origen nietzscheano de la historia.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 9.5 Técnica: 9.0 Guión: 7.0 Actuación: 7.5
Total: 8.5


-Jerichow (Christian Petzold, 2008):

Una peli bastante normalita, con ciertos toques de tv movie incluso, tanto por su simplicidad de personajes, localizaciones e historia como por su trama repleta de elementos de amor, venganza y engaños bastante tópica. Aún así, consigue algún momento bastante interesante y los personajes están bastante bien desarrollados e interpretados. Pero en general eso, una historia sencilla, con más oficio que otra cosa, y sin ofrecernos nada especial. Lo único, el tratamiento que se puede encontrar sobre la guerra de Afganistán y la inmigración en Alemania como elementos pegados al guión, rodeándolo pero sin atacar directamente un discurso al respecto.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 5.5 Técnica: 6.0 Guión: 6.0 Actuación: 7.0
Total: 6.0

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domingo, noviembre 27, 2011

Cineuropa 2011: Vol. II


Tercera semana de Cineuropa (contemos la primera media como entera), y segunda entrada. No me pasé tanto como otros años, puesto que realmente no había tanto que me llamase la atención, y aún estoy atendiendo a otros quehaceres, montando el documental y recuperando vida social sobre todo.

Así que aquí, brevemente, les comento las 4 que vi:


-Le Havre (O Havre) (Aki Kaurismäki, 2011):

Viendo esta peli, parece que Kaurismäki ha abandonado parte de su identidad de cuando rodaba por Finlandia, con actores que, a ojos del resto del mundo eran exageradamente fríos y lejanos, y un humor pesimista que rodeaba todo. Aquí, sigue habiendo humor y cinismo, pero también alegría, e incluso interpretaciones con cierta fuerza. Tampoco mucha, ojo. Y curiosamente, si obviamos la pretensión con la que uno entra en el cine al tener en cuenta el nombre del director, sí resulta una peli interesante, con su parte de crítica social y su punto de cuento fantástico que la hacen bastante entretenida.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.0 Técnica: 7.0 Guión: 7.5 Actuación: 7.0
Total: 7.0

-Los Pasos Dobles (Isaki Lacuesta, 2011):

Una historia de superación y búsqueda de tesoros donde la realidad, la narración con mucha voz en off y lo propio que cuentan los personajes se va liando y enmarañando totalmente hasta que es difícil discernir realidad o cuento dentro de la propia historia. Gracias a ello, hay un cierto aire fantástico que rodea todo el film, que cuenta también con una fotografía preciosista que aprovecha a la perfección los paisajes del desierto y de África en general.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.5 Técnica: 8.0 Guión: 7.5 Actuación: 7.0
Total: 8.0


-Road To Nowhere (Monte Hellman, 2010):

Cine sobre cómo se hace el cine, y metanarración donde no se duda en hacer homenajes al cine, metiendo incluso metraje de Las Tres Noches De Eva, El Espíritu De La Colmena y El Séptimo Sello. Aún así, juega a intentar liar la realidad y la narración, de tal manera que queda algo bastante liado y relativamente interesante, pero con una resolución final que, a estas alturas, queda bastante trillada y estropea mucho del trabajo previo. Y tampoco ayudan en absoluto las actuaciones, la verdad. Aún así, está bien fotografiada, y plantea varios planos bastante interesantes, así como un buen montaje que juega en los distintos mundos diegéticos.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.5 Técnica: 7.0 Guión: 5.5 Actuación: 6.0
Total: 6.5


-Essential Killing (Jerzy Skolimowski, 2010):

Una peli relativamente arriesgada, porque la persecución a que es sometido es el único leitmotiv que lleva al personaje a seguir adelante, jugando precisamente con la soledad del mismo, la adrenalina del casi ser pillado, y sobre todo por ponernos en la piel de un Afganistaní que huye ante la brutalidad norteamericana, con lo cual el mensaje político está más que claro al mismo tiempo que no existe, por ser una historia más centrada en la superación del siguiente obstáculo que en lanzar consignas. Muy bien fotografiada, mucha tensión y una buena actuación, esencialmente muda, de Vincent Gallo.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.5 Técnica: 8.0 Guión: 8.0 Actuación: 8.0
Total: 8.0

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sábado, noviembre 19, 2011

Comienza Cineuropa 2011 y vuelvo a tener tiempo de atender al blog.


Se que ultimamente esto ha estado más parado de lo que debía. La razón: atender al próximo proyecto que estrenaré junto a Carlos Pensado sobre el Death Metal de los 90 en Galicia, al estreno de Un Hombre Está Tumbado En El Suelo, corto que lleva peleando por ello desde Mayo, y trabajar en la serie Escoba! que supongo que pronto podrán ver en la TVG. Y a eso le sumamos el estar haciendo un máster y seguir pretendiendo tener vida, así que imagínense. Pero bueno, la grabación de la serie ha terminado ya, así que podré centrarme en lo que toca en Noviembre en Compostela: atender a Cineuropa.



En la semana y media que llevamos solo he conseguido asistir a dos proyecciones, cosa que supongo variará a partir de hoy mismo porque también entra mucho de lo que me interesaba a priori. Pero eso ya es meterme en predicciones de futuro. Pasemos a comentar esas 2 que vi:


-Kiseki (I Wish (Milagre)) (
Hirokazu Koreeda, 2011):

Una peli de Koreeda, con elementos de magia, mucha ternura y una evolución pausada y tranquila que se acerca al ritmo natural de la vida cuando la miramos con ilusión. Interesante en cuanto a este tratamiento del guión, y una pena que la copia proyectada no pareciese ser definitiva, pues había cambios de formato de imagen de 16:9 a 4:3, colándose micros en las de 4:3 y pareciendo tener menos curro en postproducción que las restantes. Aún así, la fotografía ayuda en cuanto a esa magia, y sigue a los críos por su aventura con bastante buen criterio. Con todo, hay momentos en los que la narración se hace larga y monótona en su estructura casi de road movie, porque tarda en arrancar y la acción paralela no ayuda en nada a los críos que la protagonizan, que no son capaces de llevar el peso dramático tanto como requería la historia.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.0 Técnica: 7.0 Guión: 6.0 Actuación: 6.5
Total: 6.5

-Die Überlebenden (Os Sobrevivintes) (Andres Veiel, 2010):

Un documental a priori interesante por su tratamiento del suicidio y de la muerte sobrevolando a la existencia. No obstante, le falta profundizar en la realidad y se queda demasiado en la superficie de la historia, dando una apariencia que, en caso de ser fake habría molado mucho pero aquí solo lo hace repetitivo y facilón, con entrevistas y una estructura no lineal que aparenta una pretensión de contar una historia mediante algo de suspense que no acaba de alcanzar. Eso sí, me gustó especialmente la objetividad que tiene, dejando en el aire todas las posibles soluciones al caso (aunque de pautas concretas en algún momento), y consiguiendo con ello que no sepamos como ocurrió todo en realidad.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.5 Técnica: 5.5 Guión: 5.0 Interés: 6.0
Total: 6.0

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miércoles, noviembre 09, 2011

The Cars That Ate Paris (Los Coches Que Devoraron París)

Título: The Cars That Ate Paris


Director: Peter Weir


Año: 1974


País: Australia


Duración: 84









Arthur (Terry Camilleri) sufre un accidente a la entrada de un pueblo perdido en la mitad de la Australia rural llamado Paris cuando viajaba con su hermano George (Rick Scully). George muere, pero Arthur no, y se queda viviendo en el pueblo, acogido por el alcalde (John Meillon) y bajo tratamiento psiquiátrico. Durante su estadía en el pueblo, comprobará que los accidentes son mucho más comunes de lo habitual y que acaban beneficiando a todos los habitantes del mismo de un modo u otro. Y que la juventud también está obsesionada con los coches, pero desde el punto de vista más violento.


Clásico desayuno de hospital, claro.


Todos los que tenemos una relación más o menos afectuosa con el cine de explotación, somos conscientes de que, con relativa asiduidad, alguna peli con un título y/o una portada cojonuda, nos va a atraer irremisiblemente para, al final, acabar siendo un producto totalmente distinto del que se nos anunciaba a priori. Y habitualmente, por qué no decirlo, un truñaco, con claros ejemplos en cosas como Los Surfistas Nazis Deben Morir o Shaolin Vs. Evil Dead.

Aquí, desde luego, algo de esto pasa, pues no hay apenas coches que devoren, al menos hasta el final (y no es que sean coches que coman casas o gente, solo las destruyen), pero tampoco hay Paris, o al menos no el Paris que todos pensamos como ciudad francesa, sino que es un pueblo perdido en mitad de Australia, de hecho inventado hasta donde yo sé, pues el film está rodado en Sofala, NSW (aunque haya un Paris en Texas, que perfectamente podría identificarse con este). Y desde luego, no hay nada de la acción que un título como este promete, ya que la peli funciona, en su mayor parte, gracias al diálogo.

Recuerdan V? pues esto mola más.


Debido a este exceso de diálogo, el ritmo que desarrolla no es excesivamente alto, y en ciertos momentos realmente puede llegar a aburrir. No obstante, se hace muy interesante el trabajo que existe de desarrollo, centrándose en la experiencia del protagonista de un modo muy sutil y aparentemente externo al mismo, aunque remate por funcionar más subjetivamente, al saber nosotros tanto como él de lo que ocurre por el pueblo creando con ello un guión extraño y complejo, donde como dice en el cartel casi todos los personajes restantes son asesinos, aunque sea de modo indirecto.

Así que con ello, Weir consigue transformar lo que en un principio podría parecer una peli de coches asesinos al estilo Christine, en algo que bebe de 2000 Maníacos pero con coches tuneados de manera bestialmente irreal, recordando a lo que vendría después en La Carrera De La Muerte Del Año 2000, especialmente destacando ese escarabajo que da imagen al film, y que juega con la conspiración del pueblo más que con la violencia que sería más de esperar. Además no escapa de mostrar un poco de gore en un par de ocasiones, y el final es donde sí junta un montón de violencia, que también se gotea en partes a mitad del metraje.

Uno va andando por el campo, se encuentra esto, y algo impresiona, oiga.


Por el resto, una puesta en escena tranquila y tendiendo a lo estático, coherente con esa profundización del diálogo, y con una cámara que juega, sin arriesgar demasiado pero también sin pretender ser excesivamente clásica, con mucho plano general que se mezcla con los primeros planos obvios para dichos diálogos. Todo ello, con un uso de la luz en la fotografía de John McLean que tiende a lo realista, tirando a un poco apagada para dar mayor tranquilidad al desarrollo de la historia y no influir en él, pero apoyando con ello mucho más en la extrañeza que comentábamos más arriba.

Extrañeza a la que también ayudan las actuaciones, distantes en su mayoría, empezando por Terry Camillero, que en todo momento parece estar absolutamente perdido en cuanto a lo que le rodea, y chocando con John Meillon en cuanto a cómo este domina la pantalla en sus apariciones, pero también quedándose en la distancia, consiguiendo dar un aire de psicópata al personaje.

De verdad que esto es de una peli de cohes.


Los restantes, más o menos en la misma línea, sin llegar a sobrarse pero tampoco destacando excesivamente. Si acaso, citar a Bruce Spence, que parece realmente un colgado absoluto desde un comienzo, y a Chris Haywood, quien hace un perfecto psicópata en el papel que interpreta, aunque en algún momento llegue a resultar excesivo en el mismo.

Respecto al montaje, que no se nos debe olvidar, comentar que el trabajo sigue las líneas trazadas desde el guión y la dirección, es decir, mucha tranquilidad y pausa, primacía de los diálogos, y como mucho incidir en esas presentaciones de violencia con coches que hay esparcidas por el guión, rompiendo con la estructura y dando un aire muy bueno e interesante para el espectador, como picos destacados dentro del film.

Y el trabajo sonoro, pues en esa misma línea, tendiendo a lo realista pero, eso sí, excediéndose en la calma que transmite mediante la banda sonora, que lleva a un poco de apatía al concepto general de la peli, aunque también, en ocasiones, ayuda en el extrañamiento precisamente por lo tranquila que resulta para mostrar accidentes, por ejemplo. También hacer hincapié en alguna ocasión donde se hace patente el trabajo a posteriori del sonido, cosa que desde luego me gusta pero si se hace bien, no con un perro que vemos ladrar pero no lo oímos o una palmada que tampoco llega a escucharse.

Ojalá las reuniones de tuneros fuesen así.

Resumen:
Una peli que, pese a su título y su cartel resulta ser una obra basada en diálogos y en una trama extraña y sucia, donde la acción solo aparece en contadas ocasiones, y el punto de vista externo se mezcla con los pocos conocimientos del protagonista y un trabajo técnico que no deja de apoyar cierto extrañamiento hacia el espectador.



PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 7.0
Guión: 6.5
Actuación: 7.5

TOTAL: 7.0

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sábado, noviembre 05, 2011

Caminos Bizarros: Actualización Octubre 2011


Como cada mes, una nueva actualización para seguir viendo hasta donde llega el ser humano en internet para llegar al blog, en Caminos Bizarros para llegar al blog! Y qué quieren que les diga, parece que la cosa sigue aumentando poco a poco, y yo sigo impresionado con lo que busca la gente en su soledad ante el ordenador...

(Si quieren ver solo las de este mes, pulsen la entrada completa, que aquí ya las incluyo.)



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miércoles, octubre 26, 2011

Las Autonosuyas

Título: Las Autonosuyas


Director: Rafael Gil


Año: 1983


País: España


Duración: 89









El alcalde de un pueblo llamado Rebollar de la Mata, Austrasigildo (Alfredo Landa), decide que al igual que están haciendo otras zonas de España como son el caso catalán o el vasco, va a pedir la autonomía. Para ello, creará el farfullo, un lenguaje igual al español pero que en lugar de 'p' usa la 'f', basado en una tara del propio Austrasigildo, y establecerá unos dominios históricos que sirvan para justificarlo. De este modo, él y los alcaldes vecinos acabarán medrando económicamente de mala manera, salvo que la vieja guardia lo impida.

Desde siempre, en España es hablar de autonomías, y ya tienen que saltar, indefectiblemente, las voces clamando al cielo por la unidad del país y esa obsesión por agarrarse al Una, Grande Y Libre, que parece ser el último estigma del fascismo socialmente aceptado (el resto, aunque presentes, se procuran ocultar más, no vaya a ser). Así que aquí, como no podría ser de otra forma con gente de talante tan poco progresista como Alfredo Landa protagonizando, Fernando Vizcaíno Casas escribiendo o Rafael Gil dirigiendo, lo que se hace es una crítica desde la profunda derecha, a pesar de no carecer de ciertas verdades, hacia las búsquedas de autonomía. Además, con un final que deja claro el posicionamiento de los autores de un modo brutal y ridículo, y un montón de guiños profundamente reaccionarios, que no dejan de tener cieta coña si uno se deja la ideología en el bolsillo. Aún así debo reconocer que la peli deja en muchos momentos de lado la camisa azul y simplemente se dedica a reírse y criticar todo lo que ahora también critican los movimientos de indignados, es decir, la absurda corrupción y mejora personal que suponen los gobiernos, aún en democracia, y lo poco que importa el pueblo para los gobernantes y sus decisiones.

Para ello, una peli típica de su tiempo en el cine español, con deficiencias técnicas por todas partes como un sonido que es un martirio a veces (y más con lo importante que sería para apreciar claramente el farfullo), un montaje que incluso hace que se noten las repeticiones de tomas (el paseo ante la farfutola como ejemplo), o una puesta en escena de lo más cutre y sosa. Además, un guión pobre y basado en una continuidad que pasa de resolver ni profundizar en ningún conflicto. Las actuaciones, al menos están solventadas más o menos por el tono de comedia, eso sí. Y con todo, la peli se hace entretenida y tiene sus buenos detalles, como decía antes. Pero claro, siempre si nos abstraemos del sesgo obvio que existe por mucho que intenten ocultarlo por medio de cosas como al principio del film justificarse y exculparse hacia las nacionalidades históricas, cosa que también choca frontalmente con los agradecimientos a la Fundación Francisco Franco de los créditos finales (aunque sea porque les prestaron material del caudillo).


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.0
Técnica: 4.5
Guión: 5.0
Actuación: 6.0

TOTAL: 5.5

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lunes, octubre 24, 2011

Mille Dollari Sul Nero (Baño De Sangre Al Salir El Sol)

Título: Mille Dollari Sul Nero


Director: Alberto Cardone (firmando como Albert Cardiff)


Año: 1966


País: Italia / Alemania Occidental


Duración: 99









Johnny Liston (Anthony Steffen) llega a su pueblo tras haberse pasado 12 años en prisión. Allí se encuentra con que su hermano Sartana Liston (Gianni Garko) se ha erigido como un cacique local violento y temido. Ni corto ni perezoso, Johnny se enfrentará a su propio hermano en pos de una justicia que el pueblo no le dio en su día.

Dentro de lo que fue el Spaghetti Western, destacan por lo queridos que fueron por las productoras algunos personajes (diremos que por los aficionados también, aunque a muchos se la sudase un poco el cotarro con tal de ver violencia y tiros). Ejemplos paradigmáticos serían Django, Keoma o el personaje sin nombre de Clint Eastwood por lo que marcaron y su gran importancia en el imaginario del género. También esto ocurriría con Sartana, aunque le costase un poquillo entrar en él, después de aparecer aquí como un antagonista brutal y ni siquiera ser representado en el título, solamente en Alemania Occidental e Italia, pero tiempo después de su estreno.

Y esta primera aparición ante el público del personaje interpretado por Gianni Garko (que después interpretarían otros, además de él en repetidas ocasiones), está marcada por la estela de un western con muchos tintes de melodrama como es tradicional en el spaghetti, pero con la violencia dominándolo todo, por supuesto, aunque apenas se vea sangre. Rodado con un estilo que, aún resultando plano en ocasiones, es más que interesante y nos deja un gran sabor de boca gracias a planos magníficos y arriesgados en sus posiciones. Eso sí, peca de un montaje que no está a la altura y por ejemplo en peleas y tiroteos acaba haciéndose pesado y lento, contrariamente a la acción que representa. También ayudan a ello las coreografías, planas y falsas, y el sonido también extremadamente falso, con puñetazos que suenan a golpe de vara, como las hostias del cine de kung fu. Pero claro, eso sirve si es Gordon Liu quien da las galletas, no unos italianos torpones. No obstante, el guión, con sus tintes de melodrama que no vamos a negar, funciona lo bastante bien como para que la peli se haga interesante y acabe siendo resultona y relativamente original dentro del panorama del spaghetti western, también gracias a las actuaciones, por mucho que los personajes terminen por ser planos y obvios.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 6.0
Guión: 7.5
Actuación: 7.5

TOTAL: 7.0

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miércoles, octubre 19, 2011

Das Wachsfigurenkabinett (El Hombre De Las Figuras De Cera)

Título: Das Wachsfigurenkabinett


Director: Leo Birinsky / Paul Leni


Año: 1924


País: Alemania


Duración: 83









Un hombre (William Dieterle) consigue trabajo como publicista de una caseta de figuras de cera. Allí se encarga de escribir historias para los personajes exhibidos, y escoge para ello a Harun Al-Rashid (Emil Jannings), un vicioso califa que intenta seducir a la mujer de un panadero y a Iván El Terrible (Conrad Veidt), que se obsesiona con que le intentan matar para usurparle el puesto, convirtiéndose estos relatos en la base fílmica que se nos presenta.

Lo más tópico a la hora de pensar en relatos enmarcados en relatos, es pensar en Las Mil Y Una Noches. Y aquí, casualmente, incluso resulta obvia la influencia en la historia ambientada en Bagdad, donde además algún plano en la huída me hizo pensar en El Ladrón De Bagdad. Esto último no se si por plagio o coincidencia ya que son del mismo año. Aún así, lo importante aquí es la manera de mezclar los relatos, usando ya la ahora clásica fórmula de presentar a los protagonistas de la historia continente en la historia contenida ejerciendo un papel también protagonista, de modo que desde un principio vayamos cogiéndoles cariño.

El caso es que las historias, enlazadas por esa publicidad para el gabinete de las figuras de cera, giran en torno a tiranos gobernando y dominando cruelmente a su pueblo, la primera más con el aire de aventura oriental, y la segunda desde una perspectiva cercana al terror y al drama, dando con esto bola a esa teoría de Kracauer que hablaba de visiones y temores al nazismo en la etapa expresionista del cine alemán. Todo ello, eso sí, planteado con una puesta en escena tirando a plana y poco dinámica incluso teniendo en cuenta su año de producción, aunque con algunos aciertos de imagen como serían el reflejo en el diamante del califa, o algún fondo de escenario recogiendo parte de la estética caligarista y un poco muy poco del expresionismo ortodoxo. Este caligarismo, eso sí, mucho más utilizado en la escena final, donde se mezcla con tintes de impresionismo y, mediante superposiciones, logra una secuencia onírica llena de movimiento y extrañeza muy agobiante y muy interesante.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 7.0
Guión: 6.5
Actuación: 7.0

TOTAL: 7.0

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domingo, octubre 16, 2011

I Predatori Di Atlantide (Los Invasores Del Abismo)

Título: I Predatori Di Atlantide


Director: Ruggero Deodato (Firmando como Roger Franklin)


Año: 1983


País: Italia / Filipinas


Duración: 92









Unos científicos encuentran un extraño amuleto bajo el mar, y llaman a una experta, la doctora Cathy Rollins (Gioia Scola firmando como Mary Fields) para que investigue al respecto. Cuando están intentando levantar un submarino que estaba encallado allí abajo, se desata una tormenta y una extraña isla surge a la superficie. Parte de los científicos se encuentran con Mike Ross (Christopher Connelly) y Mohamed (Tony King), unos mercenarios que nacegaban por la zona. Juntos se tendrán que enfrentar a los habitantes de la Atlántida, una suerte de guerreros cyberpunk que conducen vehículos modificados que han venido al mundo para eliminar a aquellos que los molestan.

Cuando yo pienso en los atlantes, pienso en señores en túnica, que viven tranquilamente y en cierta libertad, más cercanos a los habitantes de Zardoz, pero libres del todo y que si acaso juegan con delfines, que otra cosa. Supongo que influencia de Asterix o los videojuegos ambientados en la ciudad perdida. Pero hete aquí que, en algún lugar de Italia, un productor de caspa pensaba en los atlantes y se imaginaba una sociedad cyberpunk hiperviolenta, perfecta para ser dirigida por en inefable Ruggero Deodato (aunque firme como Roger Franklin) después de triunfar con Holocausto Caníbal y Trampa Para Un Violador. Aunque bien pensado, en los ochenta se imaginaban sociedades cypberpunk hiperviolentas constantemente, que por lo visto era un tema que vendía bien en la acción de explotación videófila, y Deodato no dejaba de estar en su salsa en estos productos.

Por supuesto, al igual que cualquier producción del estilo, nos encontramos con una caspa considerable. Aún a pesar de buenos complementos de producción, como son helicópteros, explosiones, una isla o incluso una plataforma petrolífera, la racanería en el presupuesto se hace evidente, y también las pretensiones de simplemente sacar el producto para venderlo rápido y fácil. Aún así, el diseño de los malos mola bastante, y si bien el guión no acaba de explicar demasiado bien el por qué surgen ni por qué matan, todo se sugiere y se deja al entendimiento (o no) del espectador para pasar a la violencia y a las escenas de gente que se conoce en el camino hacia la supervivencia, para morir un rato más tarde. Personajes arquetípicos y muy mal interpretados, algún intento de humor y pinceladas de gore acaban por dar su forma final a un producto interesante solo por el bizarrismo que supone el argumento en sí mismo.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 5.0
Guión: 5.0
Actuación: 4.0

TOTAL: 5.0

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lunes, octubre 10, 2011

Nekomajin (ネコマジン) El Gato Mágico

Título: ネコマジン (Nekomajin)


Autor: Akira Toriyama


Año: 1999-2005


País: Japón


Edición: Planeta DeAgostini


Tomos: Integral de 190 pag.









Los Neko Majin son unos gatos con poderes mágicos que se dedican a cosas diversas como ganar dinero a expensas de turistas, ayudar a los débiles (habitualmente a cambio de dinero o favores) o dormir (sin intercambio monetario necesario). Gracias a estas capacidades, se ven envueltos en diversas aventuras, como luchas con demonios, visitas de aliens, o encontronazos con saiyans de vacaciones.

Hala, así ya saben qué es un Nekomajin.


Cuando uno se ha hecho de oro haciendo lo que le gusta, se ha ganado un respeto como creador en un medio y además le siguen pagando royalties por ese mismo trabajo, parecería normal que uno quisiera retirarse a vivir de rentas cual dirigente de la SGAE de la vida. Pero curiosamente, y por fortuna, hay casos como Francisco Ibáñez, Stephen King o Akira Kurosawa, que después de todo, no son capaces de dejar de escribir. Con más o menos negros ayudando dependiendo del caso.

Y claro, cuando uno no tiene que vivir de su producto, sino que las royalties de la carrera desarrollada ya llenan las huchas de casa, es posible desarrollar sin miedo cualquier trama. Aunque se trate de gatos mágicos que pelean que te cagas, mezclando el humor del primer Dragon Ball o Dr. Slump con parodias además de hostias. Es con esta base que se nos presentan diferenciadas 3 partes, protagonizadas cada una por su propio Neko Majin.

El primero, presentando lo que es un gato mágico y agarrado, y dividido en 2 historias, consigue establecer a la perfección esos principios con los que se regirán también las dos posteriores. Son probablemente las dos historias más introducidas en ese estilo que comentábamos antes de humor absurdo y personajes tremendamente imbéciles que el autor hacía 15 años antes, cuando aún era un mangaka más del montón. En el segundo tramo, representado por un solo capítulo, se ve simplemente la introducción de otro Neko Majin diferente, que nos presenta alguna otra realidad sobre esta raza, pero con una historia de lo más sosa y con muchos lugares demasiado trillados en su historia. Representando muy poco interés real en el conjunto. Es el tercer grupo, de 5 capítulos, y con un título ya referencial, lo que supone el plato fuerte de la recopilación. Hablo de Neko Majin Z.

Oh si, un saiyan gordo de luna de miel.


Y si, esa Z ya nos hace ver que nos encontraremos en una parodia de Dragon Ball Z, con un Saiyan gordo y su novia apareciendo en la primera, y desembocando todo en la aparición de Kreezer, hijo de Freezer y cameos de Vegeta, Bu y Son Goku que mezclan, además de ese tinte paródico y el humor absurdo del resto de la obra, rupturas constantes de la 4ª pared comiquil hablando del propio cómic de Dragon Ball, las páginas que quedan… Eso sí, alguna historia volviéndose más tonta y obvia, más infantil si quieren, como es la del Conejo Majin. Pero sin dejar de tener sus momentos.

Todo esto, el sr. Toriyama nos lo muestra con su estilo habitual de dibujo, muy pulido y claro, con un trabajo de sombras esquemático por no decir casi inexistente. El problema, la excesiva separación y estaticidad de las viñetas, que no parecen dar una sensación de continuidad y progresión más que por el texto y el componente significante del relato, que a fin de cuentas es el principal componente del conjunto que Toriyama nos ofrece.

Wombat: Vombatus ursinus. Mamífero marsupial de alrededor de 1 metro.
Humano: Homo Sapiens. Mamífero placentario, primate, de alrededor 1'75 metros.


Por cierto, en todo este conjunto de cosas que retoma Toriyama de sus trabajos de los ochenta, destaca también la ambientación en un mundo donde los animales se comportan como personajes humanos como si tal cosa, consiguiendo ese rasgo tan genial donde un topo puede convertirse en un mecánico o un wombat en un punk. Y un mundo que, nuevamente, está en ese universo metanarrativo que ha creado donde también se desarrollaban Dr. Slump y Dragon Ball, aunque con una línea temporal diferente donde podemos ver que vegeta supersaiyan y Freezer conviven en un mismo momento. Pero también que los personajes son al mismo tiempo internos y externos al cómic que protagonizaban, así que qué coño, hace lo que le apetece y listos.

El resto de los personajes, como decía más arriba, con una tendencia a la estupidez congénita, especialmente los malos, y con un aire naïf que, sin querer repetirme, también haría referencia a esa ola antigua de Tori. Eso sí, cada uno de los Neko Majin, al contrario de lo que puede parecer en un comienzo, con una personalidad diferente, aunque siempre con ese condicionante de ser gatos, y con sus cosillas del tipo ser perezosos y/o buscar beneficio en cuanto pueden en cualquier situación, sobre todo engañando a los desconocidos.

Kreezer, Onio y Vegeta. A punto de que les den el palo.


Resumen:

Una vuelta del estilo de Akira Toriyama a su humor absurdo pero con cierta candidez y subversión de la realidad que hacía en los ochenta. Eso sí, con actualización de su manera de crear los ambientes y la realidad, además de esa parodia a su propia obra que son las últimas 5 historias.




PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.0
Dibujo:: 7.0
Guión: 8.5
Personajes: 8.0

TOTAL: 8.0

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sábado, octubre 08, 2011

Caminos Bizarros: Actualización Septiembre 2011


Y solo tres entradas después (se que he estado vago en Septiembre, pero es que está siendo una temporada durilla en cuanto a tiempo para hacer cosas), vuelvo a actualizar los Caminos Bizarros para llegar al blog! Y me respondo a mí mismo hace un mes: Si, podía mantaner aún este ritmo frenético de actualización.

(Si quieren ver solo las de este mes, pulsen la entrada completa, que aquí ya las incluyo.)



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jueves, septiembre 29, 2011

FleshEater (A.K.A. Zombie Nosh) (La Venganza De Los Zombies Vivientes)

Título: FleshEater


Director: Bill Hinzman


Año: 1988


País: USA


Duración: 88









Unos adolescentes van a pasar una noche al campo, en pandilla, aprovechando que es Halloween. Pero en la propia zona en la que se recrean, un tipo local encuentra una extraña tumba con una inscripción. De allí surge un zombie, en créditos llamado Flesh Eater (Bill Hinzman), que ataca al pobre hombre, convirtiéndolo en zombie a su vez. La plaga se va expandiendo, y los jóvenes escapan como malamente pueden para intentar sobrevivir, al igual que los habitantes de la zona.

Resulta que Bill Hinzman, el hombre con el orgullo de haber sido el primer zombie moderno de la historia gracias a aquella aparición en el cementerio de La Noche De Los Muertos Vivientes, un buen día se levanta y decide que es un buen momento para relanzar su carrera en el cine con su trabajo más conocido, preparando una peli de zombies. Sobre todo después del fracaso que había sido The Majorettes. Así que, como buen autor y hombre multidiscilpinar, escribe, produce, dirige y hasta participa en la edición, además de poner cara, obviamente, al zombie primigenio de la historia a desarrollar (que eso no iba a ayudar a vender ni ná).

Pero, al igual que hace todo eso en esa especie de calidad de autor, la historia la basa en tópicos absolutos, desde los teenagers retozando en el campo hasta el defenderse en una casa e incluso la batida campesina y el desenlace de la misma, cogidos de algún lugar demasiado cercano a su inspiración. A esto sumamos una parte central de la historia que gana tiempo a base de, única y exclusivamente, mostrar escenas sueltas de ataques zombie, sin parar, sin dar sensación de continuidad, y sirviendo solo para aumentar en cierto modo la violencia explícita del filme, lugar en el que al menos está en la buena tradición gore que pretende, con unos efectos más que solventes. Además, se le deben reconocer ciertos aciertos visuales en la primera parte, con una parsimonia descriptiva y en cierto modo analítica pero que permite entrar al espectador en ese universo diegético con contundencia. Eso sí, si hace caso omiso del sonido, que varía en cada corte de la imagen, y parece estar empeñado en demostrar el tratamiento de postproducción en función de doblajes y demás, ayudando a esa imagen en conjunto que s equeda de que la peli es un subproducto del montón, y tendiendo a lo cutre.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 4.0
Técnica: 6.0
Guión: 1.5
Actuación: 5.5

TOTAL: 4.5

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domingo, septiembre 25, 2011

Dinocroc Vs. Supergator

Título: Dinocroc Vs. Supergator


Director: Jim Wynorski


Año: 2010


País: USA


Duración: 82









En una isla, un grupo de científicos está investigando unos productos para hacer crecer más rápidamente las plantas. Un buen día, el tipo que lo financia, Drake (David Carradine), decide probar los productos con animales. Un aligátor y un cocodrilo para ser exactos. Así que los bichos aumentan de tamaño, y comienzan a devorar cuanto ser humano hay por la isla. Para pararlos, Drake contrata a un cazador experto, Logan (Rib Hillis), que acaba uniéndose a un investigador del gobierno, Paul (Corey Landis) y a una oficial de policía ecológica, Cassidy (Amy Rasimas), en la lucha contra los saurios gigantes.

Una peli producida por Roger Corman, con dinero de una tele para ser emitida por la misma, y con un concepto argumental en esa onda que actualmente parece presidir Mega Shark Vs. Giant Octopus, pero con monstruos gigantes recogidos de otros subproductos ya producidos por el propio Corman unos años antes. Porque él no copia a The Asylum, para algo es el gran gurú del cine basura (con el debido respeto a Lloyd Kaufman). Con todo esto, creo que nadie esperaría una obra maestra para los anales del cine precisamente.

Y no, no sorprende en absoluto. Es, directamente, una peli tremendamente cutre, demostrando y casi enorgulleciéndose de su falta de presupuesto, y con un guión refritado en un par de horas y presto para grabar en una zona de lo más bonica, que con sus localizaciones tropicales y paradisíacas supone lo mejor del film. Vamos, un bonito despropósito que podría resultar divertido si no fuese por la falta de carisma que consigue darle Jim Wynorski a la dirección. Y es que no hay ni un solo momento que tenga la más mínima emoción ni sensación climática, salvo quizás el final con esa pelea que anuncia el título. Además, actores pésimos, incluído David Carradine en su enésimo y último papel de malo en peli cutre directa a vídeo (hay que ver que pocas ganas le ponía ya a estos contratos donde solo intentaba cobrar). Si incluso las actrices contratadas para lucir palmito en bikini (si, ni siquiera hay tetas) hacen mal su trabajo! Eso sí, momentos hilarantes como el Supergator devorando a un tipo desde abajo en una charca en la cual el agua llegaba por los tobillos del paisano o el uso de gafas de visión térmica para cazar a los reptiles hacen que al menos haya un margen de risa, y más con drogas. Por cierto, creo que nunca había visto tantas conversaciones telefónicas usadas como excusa de relleno de metraje en ninguna peli. Y aún así, llegan a meter flashback con imágenes del comienzo para seguir comiendo terreno al tiempo!


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 4.0
Técnica: 3.5
Guión: 2.0
Actuación: 5.0

TOTAL: 3.5

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