lunes, diciembre 01, 2014

Cineuropa 2014 (XXXII y fin): Maratón



Sigo defendiendo que el maratón de Cineuropa es, en Compostela, la auténtica fiesta del cine. Este año furon unas 15 horas de cine, comiendo, bebiendo y divirtiéndonos entre amigos, con el ambiente habitual que, aunque cada vez se pone más serio, sigue siendo de ganas de despiporre. Igual es por eso de no meter alcohol y tener limitaciones con las latas... Pero bueno, lo de siempre, quien quiera cine en silencio y con ese criterio habitual para ver películas en la sala, no debería ir al maratón, que la mayoría de pelis se ponen en el resto del programa, y aquí estamos siempre para eso, aplaudir a unos niños que le meten una cucaracha a su madre en la boca, reírnos de frases no demasiado acertadas en los guiones o de un asesino que escapa y se tropieza o silbar cuando aparece una menor desnuda en una película mexicana de los 70. Diversión y fiesta para el cierre del festival. Al menos para mí, porque aun quedarían otros 2 días que yo prefería utilizar para descansar. Que este año me metí 40 pelis, contando las 9 de este maratón.

-地獄でなぜ悪い [Jigoku De Naze Warui] (Why Don't You Play In Hell? (Sion Sono, 2013):


Sion Sono nunca defrauda. Sus películas son una locura llena de sangre y situaciones bizarras, de esas joyas perfectas para ser proyectadas en este tipo de eventos. Esta no es menos: una comedia alocada que juega con yakuzas y metacine, a base de unos personajes que quieren hacer pelis desde el amateurismo más absoluto y la hija de un yakuza que quiere dedicarse a ser actriz. Lógicamente, acabarán encontrándose, pero no sin antes dar mil vueltas absurdas que solo sirven de preludio para la secuencia del clímax: un despiporre larguísimo lleno de sangre y slapstick, que consigue además rendir homenaje a la historia del cine asiático, desde las luchas a katana de Kurosawa hasta los excesos balísticos de John Woo.

Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.0 Técnica: 8.5 Guión: 7.0 Actuación: 7.0
Total: 7.5


-Backcountry (Adam MacDonald, 2014):


Una pareja que va al campo a pasar un fin de semana. Allí les pasan cosas chungas. A que es un argumento original? Pues igual de original es todo el resto de la película, oigan. Una cinta que va a base de tópico, con la naturaleza siendo la culpable aquí, más que el cabrón del campo (existían las dos posibles variantes) y que lo único interesante del guión es el cómo funciona a base de MacGuffins en su primera mitad. Poco ofrece, con una fotografía ramplona incapaz incluso de aprovechar los espacios naturales que se le brindaban, demostrando además el montaje que ni siquiera había una previsión concreta sobre la narración, empalmando planos que no vienen a cuento. Como los desenfoques constantes que se hacen. Peli pocha que ni siquiera resulta divertida a pesar de tener a un Jeff Roop que recuerda a un joven Fernando Alonso enfrentándose a un Eric Balfour igualito a Zlatan Ibrahimović, con todo el posible despiporre estúpido que podría tener.

Nota:
Originalidad/Riesgo: 4.0 Técnica: 4.0 Guión: 5.5 Actuación: 7.0
Total: 5.0


-La Tía Alejandra (Arturo Ripstein, 1979):


La carrera de Arturo Ripstein está muy olvidada, y sin embargo tiene un par de joyas del calibre de esta o El Castillo De La Pureza, antecedente de la griega Canino. Ambas convergen, además, en el uso de un espacio cerrado en una casa, sin necesidad de apenas salir de ella para narrarnos la historia. Y aquí destaca la ambientación malrollera que impregna toda la cinta, una atmósfera que nos hace saber que nada bueno puede ocurrir gracias a ese personaje que es la propia tía Alejandra. Además, se juega muy bien hasta el final al hecho de no dejar claro si todo lo que ocurre es fruto de la casualidad o la causa es la mujer que da título al film, por mucho que se deje entrever que así es, en un planteamiento que recuerda totalmente a La Profecía, de la que bebe claramente aunque utilizando brujería en vez del anticristo. Una pena que la falta de medios le haga perder a la hora de acabar de ambientar la casa.

Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.0 Técnica: 6.5 Guión: 7.5 Actuación: 6.0
Total: 7.0


-Wake In Fright (Ted Kotcheff, 1971):


Australia es, en su gran mayoría, sinónimo de desierto y de espacio casi inhabitado. Así que no es raro que en medio de esa nada que es el desierto, un personaje pretenciosamente intelectual siente que su vida se está desperdiciando. Pero qué pasa si, al enfrentarse al modo de vida en esas ciudades perdidas acaba descubriendo que no es más que sus habitantes? Pues que se lo pasará bien, se dejará llevar, beberá y descubrirá que él es igual que la gente a la que desprecia. Brutal en su planteamiento, la película es una de estas que se basan más en desarrollo del personaje que en una historia en sí misma, siendo sobre todo Gary Bond quien mantiene la cinta arriba, con sus idas y venidas. Destacar, en la parte negativa, los asesinatos de canguros que se ven, rodados durante una cacería real, pero totalmente innecesarios.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.0 Técnica: 7.0 Guión: 7.5 Actuación: 7.5
Total: 7.5


-Ich Seh, Ich Seh (Goodnight Mommy) (Severin Fiala / Veronika Franz, 2014):


Una madre que se ha hecho la cirugía estética, dos hermanos y los problemas entre los tres cuando los niños no aceptan que esa señora que está con la cara vendada sea su madre. Una película que empieza bien, más dentro de un tono dramático que de terror pero que rápidamente degenera y busca una imaginería excesiva, especialmente en su parte final y en su clímax. Muy bestia, con imágenes totalmente explícitas y un poco una mezcla que coge los elementos de tortura, estética y violencia de Funny Games con niños malvados, al estilo de ¿Quién Puede Matar A Un Niño?, con cierto problema en el guión, haciéndose evidente demasiado pronto. Además, una estética muy bonita, aprovechando la casa de diseño y consiguiendo una narración elegante y fría, aunque nunca tan fría como la habría hecho Ulrich Seidl, productor de la misma.

Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.0 Técnica: 8.0 Guión: 8.0 Actuación: 7.5
Total: 8.0


-Family (John Landis, 2006):



Uno de tantos episodios de Masters Of Horror. Realmente cualquiera de ellos suele ser bueno para un maratón, con ese aire de cine fantástico bien hecho, con buen ritmo y con esa duración de 1 hora que se agradece cuando ya se llevan más de 7 horas de cine. En este caso, una buena idea, con un personaje bastante enfermo y poco más. La historia queda definida muy rápido y solo el giro final consigue salvarla y darle buen nivel a todo lo que ha ido preparando. Sencillez y claridad televisiva, con fotografía muy luminosa y unas actuaciones adecuadas al producto. No es la hostia, pero eso, tiene buenas ideas y buen oficio.

Nota:
Originalidad/Riesgo: 6.5 Técnica: 7.0 Guión: 6.0 Actuación: 6.0
Total: 6.5


[Película Sorpresa]-Under The Skin (Jonathan Glazer, 2013):



La verdad es que en su momento se me había escapado esta peli, que mucha gente puso como pequeña joyita. Francamente, puede que fuese el hecho de que eran ya sobre las 8 de la mañana, pero vaya peñazo. Una película que solamente ofrece estética, sin demasiado fondo, con muy buena ambientación en su primera mitad pero que se diluye enormemente hacia el final. Scarlett Johansson haciendo de protagonista con aire muy borderline, planos que parecen oníricos para mostrar asesinatos y un final sorpresa totalmente sacado de la manga que sólo se salva si su intención es simbólica, cosa que ni siquiera deja demasiado clara. Qué la salva? pues una fotografía preciosa (ventajas de grabar en Escocia), un par de desnudos de la actriz (que fue lo que le dio más fama a la peli), una banda sonora en la que vuelve a salir Sandstorm, igual que ya pasó en el festival con Filth (qué pasa, se puso de moda en el Reino Unido en 2013?!?!) y eso, la ambientación enrarecida y malsana de su primera media hora.

Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.0 Técnica: 7.0 Guión: 3.5 Actuación: 7.0
Total: 6.0


-No Way To Treat A Lady (Así No Se Trata A Una Dama)(Jack Smight, 1968):



Una película totalmente americana que, sin embargo, transmite un aire inglés por todos sus poros. Investigación sobre un criminal que juega con la policía al más puro estilo de algunos grandes asesinos en serie reales como el del Zodíaco o Jack El Destripador. La película tiene muchísima elegancia y mucho oficio, y el relato funciona muy bien, especialmente en su presentación. Después, va aumentando la repetición de motivos con la investigación, aunque aumenta el ritmo y evita caer en la monotonía por medio de réplicas cojonudas y escenas muy bien escritas, destacándose entre todas aquella en la que el protagonista presenta su novia a su madre. Todo un ejemplo de como coger una trama secundaria y emplearla para crear personaje y apoyar el ritmo narrativo.

Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.5 Técnica: 6.5 Guión: 8.0 Actuación: 6.0
Total: 7.0


-When A Stranger Calls (Llama Un Extraño) (Fred Walton, 1979):



Una cosa que odio son esas películas con una fotografía tan oscura que parece que jueguen a hacer que el espectador se tenga que esforzar para entender qué ocurre en la imagen. Algo que ocurre aquí desde un principio y hasta el final. Entiendo la falta de medios, pero coño, al menos iluminar mínimamente. A esto le sumamos un guión que no parece tener muy claro qué pretende, con una primera parte medianamente buena que da título al film, seguido de una persecución constante al extraño que llamaba en esa primera parte llevada a cabo por un personaje totalmente falto de carisma y que acaba aburriendo y un desenlace sacado de la manga, reintroduciendo a la protagonista de la primera parte sin nada de preparación y de un modo bastante torpe. Para rematarlo, aun por encima ni siquiera es capaz de saber cuando terminarlo, cayendo en un innecesario alargamiento de la trama.

Nota:
Originalidad/Riesgo: 6.0 Técnica: 3.0 Guión: 2.0 Actuación: 5.0
Total: 4.0

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domingo, noviembre 30, 2014

Cineuropa 2014 (XXXI) [Película Sorpresa]: Filth

Título: Filth


Director: Jon S. Baird


Año: 2013


País: Reino Unido / Alemania / Suecia / Bélgica / USA


Duración: 97









Una pandilla mata a un japonés en un túnel. Solamente hay una testigo, Carole (Shauna Macdonald). Su marido, Bruce (James McAvoy), es el encargado de investigar el crimen. Una investigación, además, que le podrá suponer un ascenso. Pero Bruce está más interesado en beber, follar y apostar que en hacer seriamente dicha investigación, por mucho que ese ascenso y todo lo que supondría sean una obsesión enfermiza para él. Una obsesión que también hace salir a la superficie a sus propios fantasmas.

Una comedia realmente divertida y, al mismo tiempo, retorcida, jugando con los tópicos de una investigación criminal aunque sin caer en la parodia sencilla. Hay mucha crítica llena de ironía hacia Escocia, lógica al tratarse de una adaptación de una novela de Irvine Welsh, así como a la corrupción de la institución policial y sobre todo un desarrollo del personaje principal absolutamente magistral. Porque básicamente toda la película se sustenta en la caída del mismo, desde su podio de autoconfianza y sobradez, hasta la aceptación de todas sus miserias, mucho más profundas de lo que el film nos deja entrever al comienzo. Pero siempre con muchísimo sentido del humor, réplicas brutales y precisamente con la sobradez de ese personaje como leitmotiv para que funcione el guión.

Lógicamente, para esto se nos narra siempre siguiéndolo a él, con un juego en la ocultación de información al espectador para mantener el interés en encontrar qué secreto oscuro se oculta en la vida del mismo. Además, haciendo muchísimo uso de planos tomados con mucho angular y bastante contrapicado, siempre con un color potente en la fotografía, dándole mucho más poder y presencia si cabe. De todos modos hay que destacar el uso de las alucinaciones, desde momentos repentinos con su subida de sonido para acojonar hasta conversaciones enteras, generando un ambiente enrarecido en esos momentos y llevándonos al interior del personaje, esencial para comprender la manera en que está narrada la historia. Para mejorar aun más la cosa, James McAvoy está espléndido y mantiene al personaje y el tono histriónico de todo el conjunto durante todo el metraje, posicionándose totalmente por encima de todos sus compañeros de reparto, que tampoco es que estén mal. Y ya como punto final, querría destacar la inclusión del Sandstorm de Darude dentro de la banda sonora, uno de mis temas favoritos del dance del final de los 90 y que a día de hoy sigue casi olvidado pese a haberlo petado entre 1999 y 2000.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 8.0
Guión: 9.0
Actuación: 8.0

TOTAL: 8.5

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Cineuropa 2014 (XXX): Plemya (The Tribe)

Título: Плем'я [Plemya]


Director: Miroslav Slaboshpitsky


Año: 2014


País: Ucrania / Países Bajos


Duración: 130









A un internado para sordos llega un nuevo alumno (Grigoriy Fesenko). Allí se dará cuenta de que para sobrevivir tendrá que ser duro y aguantar vejaciones, así como ayudar en ellas, en una trama que incluso mezcla a un par de chicas que se prostituyen con camioneros para poder salir adelante en ese mundo desquiciado y decadente.

130 minutazos de película tramposa que pretende contarnos una historia muy sencilla solamente con ese mérito de que los diálogos estén hechos con lenguaje de signos. Pero le llamo tramposa por la pretensión completa de no usar subtítulos, evitando que los que no hablamos lenguaje de signos nos podamos enterar de qué es lo que dicen los personajes, por mucho que muchos de los signos los entendamos por lógica. De verdad, no entiendo de dónde viene esta idea, porque al fin y al cabo ellos hablan, y me da lo mismo que sea con lenguaje de signos que en ucraniano. Solamente eso ya quita a uno de quicio, aunque podría amañarlo.

Si a esta pretensión de evitar que mucho del público tenga acceso a los diálogos le sumamos una historia muy sencilla y muy tópica de la cual lo único realmente destacable es el final y también una puesta en escena basada en planos secuencia (muchos de los cuales ni siquiera acaban de aportar nada) nos queda una película difícil de ver, bastante coñazo, vacía y plana. Eso sí, consigue valer mínimamente la pena por un par de escenas, como la visita a una 'doctora' o ese final que decíamos antes. Y los actores, pues sin llegar a hacerse queridos e incluso resultando forzados en más de una ocasión.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.0
Técnica: 7.5
Guión: 3.0
Actuación: 5.0

TOTAL: 6.0

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sábado, noviembre 29, 2014

Cineuropa 2014 (XXIX): White Dog

Título: Fehér Isten


Director: Kornél Mundruczó


Año: 2014


País: Hungría / Alemania / Suecia


Duración: 119









Cuando Lili (Zsófia Psotta) se va a vivir de nuevo con su padre (Sándor Zsótér) durante unos meses, este le recibe de manera hostil. Principalmente, porque junto a la niña viene un perro, y él tendrá que pagar licencia por poder tener el perro en casa, cosa a la que no está dispuesto, así que termina por abandonarlo tras una discusión con Lili. La vida del perro irá llevándolo dando tumbos para poder sobrevivir en un mundo violento en el cual nadie quiere a los perros, salvo la protagonista. Y Lili tendrá que madurar para aprender a vivir sin su perro, obligada a comenzar a entenderse con su padre al mismo tiempo.

Esta es una de esas pelis que parecen tener muy claro el lugar al que quieren llegar. Solo así se explica lo mal escrito que está el guión, y sin embargo lo grande que es el momento del giro hacia el final del film. Todo el resto del tiempo, el guión resulta evidente, incluso anodino y maniqueo, con todos los humanos malvadísimos hacia los perros y los perros con comportamientos tremendamente humanizados. Casi como si fuese una película de Disney (incluso en algún momento parece que se va a convertir en La Dama Y El Vagabundo). Por suerte no llega a tanto, pero sí que realmente resulta un problema en lo que transmite la cinta. Ahora bien, llegado a ese clímax en el que se nos muestran todos los 274 perros utilizados en la película, la fuerza de la narración se vuelve impresionante.

Técnicamente, tampoco es una película especialmente resaltable, resultando incluso algo cobarde en algunas decisiones como las utilizaciones de la música que la propia protagonista tocaba por encima de las imágenes, nuevamente un tópico demasiado evidente. Resulta curioso, por cierto, que se le dedique la peli a Miklós Jancsó, supongo que por su muerte en este año, porque la influencia no se ve por ningún lado, más allá de que como uno de los grandes directores de la cinematografía húngara pueda haber hecho algo de mella en la vida de Mundruczó. También querría hablar de unos actores que no hacen más que quedarse en lo superficial y no llenan a sus personajes, que aun por encima ni siquiera consiguen ser lo suficientemente coherentes. Solamente Zsófia Psotta consigue mantenerse bien para que el film no se hunda definitivamente.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 7.0
Guión: 4.0
Actuación: 6.0

TOTAL: 6.0

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Cineuropa 2014 (XXVIII): The Smell Of Us

Título: The Smell Of Us


Director: Larry Clark


Año: 2014


País: Francia / Bélgica


Duración: 92









Unos adolescentes que dedican su tiempo a patinar con su skate en el parque comienzan a prostituirse, sobre todo con hombres mayores. Tienen problemas un poco más fuertes que la mayoría de adolescentes, y su modo de vida no hace otra cosa que provocarles cierto rechazo y replanteamientos sobre qué intentan y qué quieren exactamente. Así, aunque nunca llegan a abandonar el parque de skate, también sus relaciones con el resto de habituales de la zona irá variando.

Como dijo el señor Carlos Pensado en cuanto salimos de ver la película, "hay directores de una sola peli". Este es el caso de Clark, obsesionado en rodar una y otra vez lo mismo, y haciéndolo con su particular estilo. Esto es: adolescentes urbanos y un poquito marginales teniendo sexo, bebiendo y drogándose y apenas teniendo contacto con el mundo adulto que les rodea. Y el que tienen, todavía es para empeorar las cosas. Personajes límite, explotados pero carentes de una finalidad en una historia que apenas existe, dejando que sean las escenas sueltas las que vayan marcando la evolución, más estética y más por pinceladas, de la cinta.

La película, como ocurre habitualmente con el cine del de Oklahoma, se queda en un punto vacío, intentando provocar pero sin llegar a ser excesiva, simplemente señalando esa provocación. Vale, que es un poco más fuerte y explícita que las anteriores, y puede que en ciertos círculos lo consiguiese (de hecho no es raro ver cómo salen algunas personas de la sala viendo esta), pero desde luego siempre se ha quedado lejos de romper moldes. El problema es que, cuando tu película no pretende contar casi nada, sino dejar que la estética de unos chavales totalmente autodestructivos llenos de problemas y frustraciones la guíe, al menos deberías conseguir que esas imágenes rompan y desgarren algo en el espectador. Pero no, lo único que consigue es un par de escenas bastante bizarras y, al menos, unas actuaciones que mantienen bien la cinta, porque aun por encima lo alejada que se queda la narración y lo fría que resulta hace que sean los actores los que la aguanten.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.5
Técnica: 6.0
Guión: 5.5
Actuación: 7.5

TOTAL: 6.5

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viernes, noviembre 28, 2014

Cineuropa 2014 (XXVII): A Pigeon Sat On A Branch Reflecting On Existence

Título: En Duva Satt På En Gren Och Funderade På Tillvaron


Director: Roy Andersson


Año: 2014


País: Suecia / Alemania / Noruega / Francia


Duración: 101









Un par de vendedores de artículos de broma, Jonathan (Holger Andersson) y Sam (Nils Westblom), van ofreciendo sus productos por distintos lugares de la ciudad. A nadie parecen interesarle demasiado las novedades que ofrecen, y eso que son de primera calidad: cosas como unos dientes de vampiro, una bolsa que al apretarla se ríe o una máscara de goma. En su devenir, cosas extrañas e inesperadas se irán sucediendo y mezclando con recuerdos, sueños e historias.

Lo que nos brinda aquí Roy Andersson solo se podría definir como una comedia contemplativa. Dos conceptos cinematográficos a priori diametralmente opuestos, pero que sin embargo se unen para hacer una película que, desde luego, no puede dejar a nadie indiferente. No en vano uno mira las votaciones que recibe y varían siempre entre por debajo de 4 y acercándose al 10. La historia se nos muestra cortada en escenas que se yuxtaponen casi a modo de sketches, aunque opte por seguir el devenir de un par de personajes y mantenga muchos nexos en común para crear humor basado en la repetición de motivos así como de juegos lingüísticos que se apreciaban incluso sin saber sueco (así que sabiéndolo seguro que se pillarían muchos más). Todos esos personajes, siempre en los límites de un patetismo enorme y muy humano, acaban por generar situaciones que rompen la lógica común por lo fuera de lugar que están. Destacar a esos dos protagonistas que son los vendedores de artículos de broma Sam y Jonathan, los vendedores más tristes del mundo, irónicamente, o la profesora de baile que se acerca demasiado a un alumno, que siempre se ve forzado a apartarla de sí mismo. Por dejar de lado los momentos de absurdo reminiscente de los Monty Python con el rey Carlos XII entrando en un bar con parte de su ejército.

Técnicamente, nos plantea simplemente una narración en base a planos estáticos observando y alejándose de los personajes, que en su quietud y ese mantenerse mostrando todo apoya tremendamente el humor de lo patético con el que juega todo el guión. Obviamente, para esto hay que tener en cuenta a los actores, geniales en esa muestra de apatía absoluta y frialdad nórdica en sus acciones. Con ello consigue eso, un cúmulo de patetismo mostrado fríamente y muestras de absurdo que, claro, no es apto para todxs lxs espectadores, lo que hizo que en sala nos estuviésemos riendo solamente unos cuantos, ante el estupor de una gran mayoría. Pero es precisamente por esto que merece la pena intentar verla.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 9.5
Técnica: 8.5
Guión: 9.0
Actuación: 8.0

TOTAL: 9.0

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Cineuropa 2014 (XXVI): Sí, Señora + Lo Que Tú Dices Que Soy

Título: Sí, Señora


Directora: Virginia García del Pino


Año: 2012


País: España / México


Duración: 47












Título: Lo Que Tú Dices Que Soy


Directora: Virginia García del Pino


Año: 2007


País: España (Cataluña)


Duración: 28











Sesión doble de Virgina García del Pino. Primero, un documental en el que, por medio de entrevistas a señoras y sirvientas, se acerca a las relaciones entre ellas, a cómo viven y cómo se ven mutuamente. Cómo las relaciones de poder, a pesar de ser personas idénticas, marcan mucho su manera de entenderse y de entender la vida. El segundo, un documental sobre actividades laborales de las que no ayudan precisamente a ligar (la propia directora dixit). Ahí vemos a un matarfe, un enterrador, una stripper, un criador de cerdos, un guardia civil y una 'parada profesional'. Todos ellos nos explican su manera de verse en relación al trabajo, y cómo este les ha influído en sus vidas.

Ambos documentales tienen un nexo común en esa relación entre el trabajo y el trabajador, en cómo ese trabajo que según la sabiduría popular dignifica nos influye en nuestro modo de ver el mundo y vernos a nosotrxs mismxs. Hecho de un modo muy sencillo, por medio de entrevistas con cámara fija y tan solo un poco de movimiento en un par de momentos y en una marca final que los une por medio de un mismo estilo con un travelling horizontal con música conocida por todos (en el de Sí, Señora María Cristina Me Quiere Gobernar, y en el de Lo Que Tú Dices Que Soy, una versión en español de What A Wonderful World. Por cierto, destacar lo trabajado pero de apariencia sencilla de los encuadres de Lo Que Tú Dices Que Soy, siempre con los personajes en el centro, mientras las líneas de fuga los encierran creando una caja teatral.

Con ello, la autora eso, crea una serie de reflexiones sobre la personalidad, primero enfrentando las vidas de las dos clases de señoras, de un modo que mentalmente se marca claramente, y luego, enfrentando al propio espectador con la vida de esos personajes que viven no en los márgenes, pero sí en zonas extrañas para nuestra sociedad que lxs llevan a ser criticadxs y miradxs de modo extraño. Bueno, la parada hoy en día no tanto, pero sí cuando se grabó el documental. Se podría echar en falta algo más de profundidad o de moverse por las vidas de los personajes, pero es que lo evita totalmente y solo busca eso, el documental testimonial para un acto de fe por parte del espectador, pues no olvidemos que ni siquiera podemos saber hasta dónde es cierto que el enterrador conoció a su mujer en el cementerio, por ejemplo, o que una de las criadas se llevase joyas de la señora los fines de semana para fardar, pero devolviéndolas al volver el lunes a la casa. Ahora bien, precisamente estas anécdotas, sumadas a lo que vamos viendo de los personajes, es lo que los hace humanos y les da interés a ambos docus.


PUNTUACION SÍ SEÑORA

Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 5.5
Guión: 7.5
Interés: 7.0

TOTAL: 6.5


PUNTUACION LO QUE TÚ DICES QUE SOY

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 7.0
Guión: 7.0
Interés: 7.0

TOTAL: 7.0

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jueves, noviembre 27, 2014

Cineuropa 2014 (XXV): Saint Laurent

Título: Saint Laurent


Director: Bertrand Bonello


Año: 2014


País: Francia / Bélgica


Duración: 150









Biopic sobre la figura del diseñador de moda Yves Saint Laurent (Gaspard Ulliel), narrándonos el auge de su trabajo en los años 60 y 70, así como su caída personal en las drogas y en la autocomplacencia. Un hombre que, con sus diseños para pasarela y para prét à porter revolucionó el mundo de la moda, convirtiéndose en una marca que aun a día de hoy sigue asociada a la más alta costura. Vemos al Saint Laurent humano, trabajador y culto, al tiempo que también al autodestructivo, obsesivo y con serios problemas durante determinadas épocas.

Que un servidor no es un especialista en moda es evidente nada más verme. La ropa no es algo que domine, y aunque puedo entender de conceptos abstractos como la elegancia o la belleza, nunca me he preocupado excesivamente ni por lo que está de moda en la calle ni mucho menos en las pasarelas. Así que el de los diseñadores es uno de esos gremios artísticos que escapan de mi jurisdicción. Sincerado esto (más que nada para excusar ya los errores que pueda cometer al hablar de Yves Saint Laurent), debo reconocer que un biopic que pintaba a un tío que revolucionó el mundo de la moda en los 60 y 70 de tal modo que su familia reniega totalmente del mismo, pues me atraía para ver si tan llevado al extremo estaba. La cuestión es que no es para tanto. Sus adicciones no son precisamente un secreto y sus escarceos amorosos, pues tampoco deberían ser motivo para escandalizarse. Puede que se le haya llevado a un punto demasiado de divo atormentado por su propio éxito, pero el personaje se hace humano y consigue ese punto a medio camino entre la pena y la admiración por alguien que triunfa en su arte, haciendo lo que le apetece, pero a cambio de vivir solo para ello. Es llamativo que apenas se haga aquí relación a otros diseñadores que competían con él en su carrera primigenia, dando la impresión de que vivía en un campo totalmente inexplorado, aun habiendo sido pupilo de Dior, sin ir más lejos.

La verdad es que el ritmo se mantiene bastante bien, sobre todo al comienzo. Destacan varios juegos en pantalla múltiple, especialmente el primero, que nos va mostrando las colecciones de finales de los 60 mientras en el otro lado de la pantalla vemos los conflictos de la época, que no fueron pocos, entre los que habría que destacar el Mayo del 68 por aquello de ambientar la peli en París. De todos modos, en la parte final se pierde bastante la fuerza, al acabar dando demasiadas vueltas a la caída y casi desaparición del artista, que de hecho durante un rato se muestra simplemente como un ente ausente. Algo curioso y muy interesante como concepto en un biopic. De todos modos, eso, acaba por alargarse demasiado y parecen sobrar unos cuantos minutos de metraje. Destacar, por otro lado, la banda sonora, genial introduciendo desde temas de Creedence Clearwater Revival hasta Wagner como quien no quiere la cosa y dándole, así, esa pátina de elegancia que también los propios personajes desprenden, destacándose un Gaspard Ulliel que está espléndido dando vida al diseñador.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.5
Técnica: 7.5
Guión: 6.0
Actuación: 8.0

TOTAL: 7.0

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Cineuropa 2014 (XXIV): Güeros

Título: Güeros


Director: Alonso Ruiz Palacios


Año: 2014


País: México


Duración: 106









Tras una gamberrada que se ha pasado de rosca, la madre de Tomás (Sebastián Aguirre) decide mandarlo de Veracruz a Ciudad de México a vivir con su hermano Federico, ahora conocido como Sombra (Tenoch Huerta). Sombra vive con Santos (Leonardo Ortizgris), y ambos llevan una vida errática mientras en la universidad hay una huelga. Ellos hacen 'huelga de la huelga' y ni siquiera intentan salir de casa, en parte para evitar contactar con Ana (Ilse Salas), la chica que le gusta a Sombra. Con la llegada de Tomás, un encontronazo con los vecinos a los que les roban la electricidad y el descubrimiento de que un músico de rock mexicano que le encantaba a su padre está enfermo, Sombra accede a salir y vivir una pequeña aventura en la que se enfrentará a su vida a través de los distintos lugares de la ciudad que irán visitando.

Esta es una de esas películas que dan gusto siendo carne de festival puro y duro. Cine independiente, sin demasiado presupuesto, con buenos personajes, un poquillo de drama, sus buenos momentos de comedia, un par de rupturas de la cuarta pared y guiños al propio concepto de la película... Todo ello con muchísimo frescor, convirtiendo la historia en una road movie por Ciudad de México, creando esa sensación de mostrar una serie de realidades que explican muy bien lo que es el entorno urbano para los personajes de la generación de los protagonistas. Ya digo, la sensación, pues no soy quien para decir si es así. El único problema, a nivel de guión, es que al final acaba renqueando un poco a la hora de cerrar las tramas después de haberse ido un poco por las ramas durante un buen rato. Pero tampoco llega a resultar insoportable en esa pequeña alargada.

Rodada toda en un blanco y negro suave, con muy buen ritmo y sobre todo centrándose muchísimo en los personajes, tiene unos cuantos planos muy buenos, aunque no juegue demasiado a buscarlo. Consigue suplir el bajo presupuesto cogiendo imágenes rodadas aparentemente liándola en relaciones reales, y ayudándose de ese modo para lo que comentábamos arriba sobre acercarnos como espectadores a la realidad del entorno urbano de México D.F., o al menos a la del México D.F. de nuestros protagonistas. Protagonistas que se hacen muy creíbles y humanos, jugando con un cierto humor existencialista que deriva en apertura al mundo (una de las frases de Sombra, 'para qué salir de casa si acabaremos por volver a ella', define perfectamente el ambiente del comienzo, totalmente evolucionado al final, por ejemplo).


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 8.0
Guión: 7.0
Actuación: 7.5

TOTAL: 7.5

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miércoles, noviembre 26, 2014

Cineuropa 2014 (XXIII): The Killing Of America

Título: The Killing Of America


Director: Sheldon Renan / Leonard Schrader


Año: 1981


País: USA / Japón


Duración: 90









En Estados Unidos mueren violentamente más personas que en cualquier otro país industrializado desde hace muchos años. El origen de esto no está claro, aunque es obvio que la violencia está impregnada en toda la sociedad. El asesinato de JFK, el de su hermano Robert, la masacre de Jonestown, los crímenes perpetrados por La Familia de Manson, Ted Bundy o John Wayne Gacy... todos estos son ejemplos de una misma época, la cual recoge esta cinta, dejando de manifiesto esta violencia inherente al sistema.

Le tenía ganas a este documental. Y más, al hecho de poder verlo en sala, con más gente. Admito que me podía el morbo de ver cómo la gente reaccionaría a las imágenes violentas de un mondo tan peculiar. El resultado? Mucha sorpresa al ver entre el público a señoras mayores de estas que pululan por Cineuropa aparentemente más por postureo que por amor al cine (y no quiero juzgar sin conocerlas, es solo la apariencia) viendo tranquilamente asesinatos reales ante sus ojos, así como declaraciones de asesinos en serie. Casi me estaba ofendiendo más a mí el contenido que a ellas!

Superada esta sorpresa, me quedaba pensar en que el universo mondo es muy curioso, con esa dualidad del juego con el morbo pero también del documental informativo. Lo supieron explotar bien Jacopetti y Prosperi desde que lo iniciaran junto a Cavara en Mondo Cane. Meter mucha imagen espectacular, olvidarse de la moral y llamar la atención con ello. Aquí, esos principios se mantienen, obviamente. En este caso centrándose en Estados Unidos mirándose el ombligo y haciendo una reflexión dura sobre la violencia en el país, señalándola al tiempo que se aprovecha de ella para vender. Lo que decía: un mondo en estado puro. De todos modos, no deja de ser curioso que esa reflexión a la que llevaba haya conseguido que esta peli nunca haya estado disponible o emitida en todo Estados Unidos. Al menos, no de modo legal.

Por supuesto, aquí lo que se ve es fuerte. Escenas muy crudas, más al saber que son muertes reales y que la sangre no es ficticia. Con todo, sigue una estructura sencillita y clara, dividiéndose en magnicidios de la democracia reciente de norteamérica seguido por asesinos en masa y asesinos en serie. Impresionantes, por cierto, las imágenes de gente como Ted Bundy declarando y hablando a cámara, consiguiendo con todo esto, con los asesinatos en vídeo, las explicaciones de las historias ocurridas y las declaraciones, un ritmo impactante y un estilo brutal que, como decíamos, se vuelve crítico con el país al poner de manifiesto los datos estadísticos de muertes violentas frente a otros países del mismo calibre socioeconómico y de tamaño.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 6.0
Guión: 7.0
Interés: 7.0

TOTAL: 7.0

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Cineuropa 2014 (XXII): A História De Um Erro

Título: A História De Um Erro


Director: Joana Barros


Año: 2013


País: Portugal


Duración: 61









La Polineuropatia amiloidótica familiar, o PAF, es una enfermedad neurodegenerativa terrible. Una enfermedad genética todavía rara y cuyo principal foco se encuentra en el noroeste de Portugal. Allí, familias enteras la han padecido durante generaciones, y lo peor es que sus síntomas se suelen hacer patentes en los 30-40 años, siendo fatales si no se trata. Y hasta hace no mucho, ni siquiera había tratamiento. Este es un documental científico que profundiza en esta dolencia.

A ver, no es que la obra sea mala en su género. Es un documental científico normal y corriente que nos cuenta la historia de una enfermedad muy concreta y muy jodida que tiene su origen, y su núcleo de 'acción', en una zona del noroeste de Portugal. Vemos enfermos, médicos que lo han investigado, se explican los síntomas, los tratamientos existentes (todos ellos lejos de ser perfectos, pero que al menos hoy por hoy hacen que un porcentaje elevado puedan vivir dignamente durante unos cuantos años)... Todo ello a través de entrevistas, y salvo algunos intertítulos muy concretos que nos ayudan en la narración, no hay un narrador over.

Ahora bien, cuál es su problema? Pues precisamente esta condición de documental científico, no aportando absolutamente nada más allá de información sobre la enfermedad, que no es poco, puesto que al tratarse de una de esas denominadas 'raras' siempre resulta importante para que los sufrientes no se sientan totalmente abandonados y olvidados. Pero salvo que uno esté muy interesado en esa enfermedad, o en ese mundillo, resulta demasiado concreto y no acaba de levantar profundamente el interés del resto de espectadores.


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Originalidad/Riesgo: 5.5
Técnica: 6.0
Guión: 5.5
Interés: 5.0

TOTAL: 5.5

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martes, noviembre 25, 2014

Cineuropa 2014 (XXI): Ouroboros

Título: Ouroboros


Director: Carlos Rivero / Alonso Valbuena


Año: 2014


País: España


Duración: 90









Un par de monjes, tras un incendio en su monasterio, buscan encontrar el paraíso para poder acercarse a Dios. Juntos recorren su purgatorio y un camino que está lleno de dudas y de miedos, de obsesiones y de dificultades. Ahora remontan una y otra vez un río y el cañón que lo rodea, sin saber siquiera si encontrarán su ansiado paraíso. Han olvidado su vida hasta el punto de que ya no hablan su lengua materna, pero están llenos de fe en que llegarán. Al menos uno de ellos.

A lo largo de la historia no se han hecho muchas películas en latín. El imperio romano cayó demasiado antes de que el cine se hiciera un arte popular y nunca hubo un guionista romano lo suficientemente bueno escribiendo para pantalla. Por eso, y porque a día de hoy tampoco es que sea una lengua popular por aquello de haber muerto hace siglos. Así que me parece una decisión muy arriesgada y curiosa la de grabar una película en dicho idioma. Vale que si se usan monjes como personajes, eso le dé sentido. Pero igualmente el hecho de tomar esta decisión ya es llamativa de cojones.

A esto del idioma, que no deja de ser una cuestión menor y que solo muestra la pretensión de realismo y de fe en sus personajes que muestra el guión, se le suma una narrativa muy tranquila, que explora el espacio y busca que esos personajes se muevan por el mismo, aprovechándose para una fotografía preciosista, especialmente destacable en planos largos del río que van bordeando. Suma mucho juego con planos secuencia, a los cuales, gracias al color y al movimiento, apenas se les nota la duración y no resienten en absoluto el ritmo, adecuado a la propia actuación y al modo de comportarse de los personajes (y la supuesta profundidad de los mismos, que en realidad no es para tanto). También hay que tener en cuenta la banda sonora, compuesta por Mihály Víg, habitual en el cine de Béla Tarr, a quien agradecen en créditos y que sin duda fue una inspiración a la hora de plantear esta peli al igual que Dreyer. Aunque esto sea mucho más rápido y mucho menos contemplativo que el cine del húngaro y, como decía, menos profundo que el del danés. A destacar negativamente cómo destruyen el cadáver de un conejo a pedradas, espero que no muerto para el film, aunque todo pinta que así es, en una decisión innecesaria para lo que pretenden contar.



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Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 8.0
Guión: 7.5
Actuación: 6.5

TOTAL: 7.5

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Cineuropa 2014 (XX): El Corral Y El Viento

Título: El Corral Y El Viento


Director: Miguel Hilari


Año: 2014


País: Bolivia


Duración: 55









En la zona de Santiago de Okola, a orillas del Titicaca, en Bolivia, el principal modo de subsistencia se basa en la ganadería, y también en la pesca. Las condiciones económicas son bajísimas, los habitantes de la zona no tienen un gran acceso a los estudios y el hecho de tener su propia lengua y sus propias costumbres los aleja un poco más de las zonas vecinas. Pero ahí siguen, subsistiendo, tal y como los vemos en este documental.

Una cosa se vuelve cierta cuando uno ve documentales como este, y es que hay otros mundos, pero están en este. Arranca el documental con un chaval jugando, demasiado violentamente para mi gusto, con un gato. Los veremos a él y a su hermana, y a partir de ellos a la gente de la zona y su forma de vida en una granja perdida en medio del monte boliviano. Apenas hablan español, su lengua materna es el aymara. Este es el lugar de origen de la familia del protagonista, y aunque no está demasiado lejos de La Paz (a unas 3 horas), el nivel de vida es muy distinto del de la ciudad, en todos los niveles. Y ya no digamos del de occidente o de lugares no tan lejanos a Bolivia.

Técnicamente no es precisamente ninguna maravilla. Tampoco el guión. Ni siquiera es que sus personajes ni lo poco que cuenta sean excesivamente interesantes. Pero sin embargo, es impresionante ver las condiciones de vida de esta gente, ver lo apartados del mundo que están, viviendo en un país a priori no tan alejado de occidente, manteniendo su lengua aunque sea sin consciencia de que así mantienen su herencia cultural, cantando sus canciones, recitando sus poemas (en un pasaje del documental vemos a varios críos en la escuela realizando estas actividades a cámara) y, básicamente, sobreviviendo como pueden. Y qué cojones, puede que en un futuro esta zona se occidentalice y acabe desapareciendo en el olvido su herencia cultural en pos de una vida moderna. Pero este documento ya hará que al menos, esto quede como testigo de la realidad que ahí se vive ahora mismo.



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Originalidad/Riesgo: 7.0
Técnica: 5.0
Guión: 5.0
Actuación: 7.5

TOTAL: 6.0

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lunes, noviembre 24, 2014

Cineuropa 2014 (XIX): A Viaxe De Leslie

Título: A Viaxe De Leslie


Director: Marcos Nine


Año: 2014


País: España (Galicia)


Duración: 75









La vida de Leslie Howard es de película. No solo fue actor y director en Hollywood, motivo por el cual es realmente conocido. También fue herido en la 1ª Guerra Mundial, director y actor teatral, hombre que acabó mal con la industria de la meca del cine y, posiblemente, espía en España durante la 2ª Guerra Mundial, muriendo en un extraño ataque aéreo en la costa gallega. A través de imágenes de su vida y obra, veremos este devenir vital tan extraño y digno de ser contado.

El cómo se vende un producto es curioso y esencial en su vida comercial. Cuando vendes tu obra como una historia contada solamente utilizando material de películas montado para crear un documental sobre Leslie Howard, pues suena impresionante y llama la atención. Ahora bien, si lo que has hecho es meter una voz en off sobre esas imágenes para ir contando la vida del actor metiendo algunos momentos de algunas pocas películas y de imágenes suyas en reportajes hablando de sí mismo, pues es un poco falso. Porque de prometer un trabajo de montaje maravilloso que crea una historia desde la técnica pasas a hacer un documental normal y corriente de un actor de época. Que no es malo, ojo, pero desde luego es mucho menos interesante y original.

Yo creo que este es el principal problema de la peli, el venderse a sí mismos con algo que no es. Porque no es mala, aunque le sobre mucho metraje y haya unos cuantos momentos en los que, directamente, no se cuenta nada y solo se rellena. Además, la historia del actor es lo suficientemente interesante e impresionante como para que el documental tenga su tirón. Por último, hay que reconocer la buena labor de documentación y lo interesante de muchas de las imágenes que se nos muestran, profundizando en el personaje y en su vida a través de las mismas y consiguiendo que el relato se vaya enlazando totalmente por ellas. Pero es que es eso, no deja de ser un docu normalito sobre un tipo con una vida curiosa, por mucho que se intente disfrazar con elementos como los créditos del principio a modo de cine clásico incluyendo a Hitler, Churchill o Franco como personajes y algún otro guiño similar. Por cierto, en esa interpretación como personajes de Churchill, Franco y Hitler, a destacar lo impresionante del póster incluyéndolos.


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Originalidad/Riesgo: 5.5
Técnica: 5.5
Guión: 5.5
Interés: 7.0

TOTAL: 6.0

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Cineuropa 2014 (XVIII): 8mm-ko Errepidea (Carretera De 8mm)

Título: 8mm-ko Errepidea


Director: Ander Parody


Año: 2013


País: España (Euskadi)


Duración: 19









20 minutos de cortometraje rodado en 8mm, aprovechando una cámara y unos cuantos metros de película para, básicamente, recoger un viajecito de una pareja y con ello hacer una exploración del paisaje por medio de la cámara, con esa estética característica de los 8mm a la hora de devolvernos la imagen. Intentaría decir algo más, pero es que es lo que es.

Esto es una de esas obras que se pueden incluír en un punto medio mágico entre el documental, la videocreación y la realidad ficcionada. No aporta un montón, desde luego, y es más un entretenimiento estético y de exploración visual que otra cosa. No obstante, los medios que utiliza para ello y su duración hacen que el camino valga mínimamente la pena. Y qué es lo que utiliza? Pues lo dicho antes, unas imágenes grabadas con cámara de 8 mm, a lo que suma una banda sonora continua hecha externamente a las imágenes y unos intertítulos que nos muestran la relación entre los dos personajes, tanto entre ellos como con la propia obra.

Así, los elementos de una zona costera se vuelven importantes para la imagen, y las repeticiones en diferentes tomas, los pequeños enfrentamientos y los planos de naturaleza conforman un ensayo sencillo y directo. Nada nuevo bajo el sol, pero al menos interesante por su parte visual.


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Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 7.0
Guión: 6.5
Interés: 5.0

TOTAL: 6.0

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domingo, noviembre 23, 2014

Cineuropa 2014 (XVII): Bande De Filles

Título: Bande De Filles


Director: Céline Sciamma


Año: 2014


País: Francia


Duración: 112









A sus 16 años, Vic (Karidja Touré) está un poco harta de su vida. Sufre maltratos en casa por parte de su hermano, y además por culpa de todo lo que tiene que hacer por casa cuidando a sus hermanas pequeñas, no le da tiempo a estudiar y poder progresar en su vida académica. Pronto se juntará con una pandilla formada solo por chicas y, con ellas, irá aprendiendo los valores de la vida mientras el mundo no cambia demasiado a su alrededor, por mucho que ella sí lo haga.

Contar una película se puede ver un poco como contar un chiste pero a mayor escala. Hay muchos caminos narrativos, desde el de Eugenio hasta el de Chiquito. Pero una parte importante, se cuente como se cuente el chiste, es el saber dónde está el punto de gracia para terminarlo sin joderlo con un epílogo que ya no tiene sentido. Lo mismo pasa con las películas, se pueden narrar como Béla Tarr o como Michael Bay, pero es importante saber cuando parar y cuando dejar de explotar la historia. Si hay algo que echarle en cara a esta cinta es precisamente el no saber parar a tiempo.

La historia comienza bien, con tema de suburbios franceses, pandilleros, peleas de chicas y la amistad entre esas pandilleras por encima de todo. Un poco como coger Switchblade Sisters pero haciéndolo sin aire exploit y pasándolo a las posibilidades actuales como pandillas, mucho más cutres y horteras que en los 70, pendientes del móvil de la música pop actual. La cuestión es que la peli, llegada a la hora y algo, se pega un giro enorme para caer en un tono de alarma hacia lo mal que puede acabar nuestra protagonista y resultando en un epílogo de media hora que hace que el clímax no solo termine, sino que incluso desaparezca de nuestro recuerdo. Si se puede comparar a algo esta cinta, es a esas atracciones que suben a los participantes a cierta altura para, desde allí, dejarlos caer en caída libre, como ocurre aquí con las sensaciones que provoca el film.

El principal problema es ese, el alargar demasiado sin contar nada en esa parte final y resultando incluso coñazo, con una protagonista demasiado protagonista que no aguanta el personaje con el suficiente carisma y olvidando al resto de su pandilla, personajes que creaban un protagonista coral que sí estaba resultando efectivo. Destacar, por cierto, las coreografías de las peleas, así como el buen uso de la cámara y el montaje, aguantando la coreografía mientras se pueda, con una cámara en mucho movimiento pero dejando ver para dar esa sensación de violencia. Por lo demás, no hay mucho más a destacar a nivel técnico.


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Originalidad/Riesgo: 6.5
Técnica: 7.0
Guión: 5.5
Actuación: 7.0

TOTAL: 6.5

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Cineuropa 2014 (XVI): Mommy

Título: Mommy


Director: Xavier Dolan


Año: 2014


País: Canadá


Duración: 139









El hijo de Diane (Anne Dorval), Steve (Antoine-Olivier Pilon), ha estado en un internado. Su cabeza no va muy bien y tiene ataques violentos sin saber controlarlos. Ella lo acoge en su casa, donde el padre, muerto, se siente como una presencia constante en la cabeza del menor. La vida entre ellos es dura, ella es una mujer de 46 años sin estudios a la que le cuesta encontrar trabajo, y él no para de destruír todo lo bueno que van consiguiendo por culpa de su carácter. Todo mejora un poco cuando entra en escena Kyla (Suzanne Clément), una vecina y profesora de adolescentes que está de año sabático, cansada de su vida, y que no dudará en echarles una mano para beneficiar en lo posible a Steve y así poder salvarlo del destino nada agradable que le espera como no aprenda.

Saben esa categoría que, bajo el noble saber popular, existe en el mundo del cine pero rara vez en la crítica que es el 'drama chungo de antena 3 de sábado por la tarde'? -una categoría falsa, por cierto, que cae en falacia de generalización, pero que me gusta mucho como definición-. Bueno, si no lo saben aquí se lo explican rapidito. Y si lo saben, pues es que es esa la mejor manera de definir el guión de esta cinta. Vale, igual exagero un poco, y la calidad narrativa es un poco más alta que en ese género inventado por el saber popular. Pero no deja de ser un psicodrama duro con personajes bastante estereotipados, que de hecho recuerdan, sobre todo en los ataques del crío, a lo que se nos muestra en programas como Hermano Mayor (y ya van dos referencias televisivas. Las dos chungas). Eso sí, todo bien adornado con un par de escenas fuertes, especialmente el final, para que todo gane en potencia. Una pena que esa potencia narrativa se pierda después con los minutos finales, a modo de epílogo, y totalmente sobrantes.

Donde sí hay que darle un voto de interés a Dolan es en la decisión visual de la cinta. Un formato de 1:1 que se hace super extraño y que se emplea en casi todo el film, encerrando a los personajes en una caja diminuta haciéndonos partícipes de su agobio y potenciando así el drama de la cinta. No obstante, le pasa un poco lo mismo que a las experimentaciones de Von Trier en films como Dogville, es decir, sorprende al comienzo pero después se vuelve parte integrante del film, para bien y para mal. Por otro lado, la cantidad de juegos con cámara lenta, para dar más drama de un modo un tanto cutre, o los desenfoques de la lente hacen que el espectador salga constantemente de la historia, aportando una idea estética que no conduce a ningún lado. De las actuaciones, pues cualquiera de los tres protagonistas mantiene bastante bien el tipo, aunque sin resultar especialmente llamativos ninguno de los tres más allá de los temas lingüísticos, con los préstamos y mezclas entre francés e inglés que se hace en la zona de Québec.


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Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 7.0
Guión: 5.0
Actuación: 7.0

TOTAL: 6.5

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sábado, noviembre 22, 2014

Cineuropa 2014 (XV): Negociador

Título: Negociador


Director: Borja Cobeaga


Año: 2014


País: España


Duración: 79









En 2004, el político Manu Aranguren (Ramón Barea) va a Francia a un encuentro con Jokin (Josean Bengoetxea), un etarra con el que tendrá que negociar la tregua y el fin del conflicto y/o la violencia. Ese encuentro, fundamental para el devenir de la situación política vasca y española, irá mudando en función de diversos errores humanos y pequeñas cuestiones personales entre los dos negociadores, el mediador, la intérprete, y los propios jefes de ambos negociadores.

Durante muchos años, el llamado problema vasco fue una de las principales preocupaciones de los españoles. Y no, no hablo de lo mismo que Lendakaris Muertos, porque el follar o no follar sigue siendo una de las principales preocupaciones de los españoles. Y del resto de mortales. Hablamos de ETA. Simplemente por lo serio que, por lógica, se ha tratado siempre el tema del terrorismo, y por lo difícil que es tocar el tema todavía en según qué ámbitos, me parece valiente el hacer una comedia sobre las negociaciones con ETA, aunque sea una narración situada totalmente en el lado español y que no se atreve a cuestionar en absoluto la cuestión política. Una comedia muy satírica y patética, que me hace recordar lo que un día me dijo un amigo respecto a este tipo de decisiones políticas: 'la realidad es siempre mucho más cutre de lo que nos gusta pensar'. Se nos muestra aquí un buen trabajo de guión, en esa misma onda que Cobeaga ya explotó en esos dos éxitos que fueron Pagafantas y Ocho Apellidos Vascos, creando personajes que cometen errores por ser humanos, y que al final es esa misma humanidad la que los reconcilia con el espectador, jugando aquí, precisamente, con esos códigos de la relación Euskal Herría-España a un nivel similar a muchos de los sketches de Vaya Semanita, aunque mucho más suaves y aptos para que el público español pueda apreciarlos bien.

Técnicamente, sigue la estética de la comedia española actual, con unos cánones de trabajo de tinte realista, un ritmo alegre y suave y un trabajo de fotografía que se resume en dejar que sea la actuación lo que manda. Vamos, que si bien tiene oficio, poco nos aporta ya a estas alturas en ese nivel. El problema es que por culpa de esa decisión se basa mucho en que sean los actores quienes carguen con todo, y aquí hay veces que no están demasiado al nivel. Partiendo por el propio Ramón Barea, que tiene algunos bajones de credibilidad bastante grandes, sobre todo al comienzo, o la aparición de Carlos Areces, cuya vis cómica y su histrionismo se impone demasiado y hace que su personaje se quede forzado, aunque se parezca lo suficiente a Thierry como para que tenga cierta gracia por esa parte.


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Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 7.0
Guión: 8.0
Actuación: 6.0

TOTAL: 7.5

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Cineuropa 2014 (XIV): Magical Girl

Título: Magical Girl


Director: Carlos Vermut


Año: 2014


País: España / Francia


Duración: 127









La hija de Luis (Luis Bermejo), Alicia (Lucía Pollán), se está muriendo. Tiene leucemia. Es por ello que él procura hacerla feliz en todo lo posible mientras ella siga viva. Incluso, hasta el punto de pretender comprarle un traje basado en un anime que cuesta más de 6000 euros. Y eso, siendo un profesor en paro, es un problema puesto que para conseguir ese dinero tendrá que hacer cosas de las que no se sentirá orgulloso. Un día, mientras sigue tomando la decisión de conseguir el dinero por cualquier medio, conocerá a Bárbara (Bárbara Lennie), una mujer con ciertos problemas mentales y casada con un psiquiatra exitoso. El cruzarse ellos dos en ese momento marcará el resto de sus vidas y de los que les rodean.

La revelación del año 2014 en el cine español independiente. Una obra avalada por público y crítica (miedo me da cuando ocurre eso)... Pues bien, todo ese hype ha hecho que saliese diciendo a a mis conocidos que estaban por la sala: 'Está bien, pero no me ha parecido para tanto'. Me explico: la película no es mala en absoluto: su narración es correcta, tiene muy buen ritmo, los personajes están tan llevados hacia sus límites que molan y hacen que la película se vaya también hacia esos límites... Pero es precisamente ese gusto más por mostrar lo rarito de los personajes y por hacerlos borderline que hace difícil congeniar con ellos, y sus acciones tampoco ayudan, evitando todo ello que se vuelva una película redonda. La cuestión, es que, irónicamente, precisamente esas rarezas son también sus máximos valores, al conseguir sorprender continuamente a base de giros, meter ciertos momentos de humor negro, el hecho de situarse en un margen genérico bastante a su bola y, eso sí, de ocultar de un modo un poco tramposo mucha, muchísima información al espectador para ir dándosela en pequeñas cápsulas y así hacer que nunca pueda esperarse qué van a hacer a continuación los personajes.

Técnicamente, la película funciona muy bien, y a este respecto me gustaría destacar que el sonido es la polla. Esos giros con los que juega continuamente la cinta se ven muy marcados con un trabajo muy bueno de correlación de volúmenes y de sonidos fuertes y secos, como golpes o disparos. Unos disparos que asustan tanto como asusta un disparo real, algo raro de ver en cine, sorprendentemente. Además, su montaje fracturado, que va y viene entre la historia de los diferentes personajes y que nos los correlaciona, consigue mantener mucho frescor al tiempo que potencia esa extrañeza de los giros gracias a esas pequeñas correlaciones. Los personajes, a pesar de sus rarezas, al menos están bien interpretados, aunque con toda la información que ocultan da la impresión de que los actores son demasiado superficiales en sus actuaciones.


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Originalidad/Riesgo: 8.5
Técnica: 7.5
Guión: 8.0
Actuación: 7.5

TOTAL: 8.0

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jueves, noviembre 20, 2014

Cineuropa 2014 (XIII): What We Did On Our Holiday

Título: What We Did On Our Holiday


Director: Andy Hamilton / Guy Jenkin


Año: 2014


País: Reino Unido


Duración: 95









Abi (Rosamund Pike) y Doug (David Tennant) viajan hasta Escocia junto a sus tres hijos, Lottie (Emilia Jones), Mickey (Bobby Smalldridge) y Jess (Harriet Turnbull), para celebrar el 75º cumpleaños del padre de Doug (Billy Connolly). Ellos se están divorciando, aunque como el padre de Doug no lo sabe pretenden ocultárselo ya que éste puede ser su último cumpleaños puesto que está enfermo. No obstante, está lo suficientemente bien como para seguir disfrutando de su vida y pretender enseñar eso a sus nietos, a que busquen el divertirse y ser felices, dejando las preocupaciones inútiles a un lado. Y ese amor por sus nietos, junto al caso que ellos le hacen, podrá llegar a crear ciertos problemas al resto de la familia.

Viendo las películas que estoy seleccionando en Cineuropa este año y en su relación con cómo me hacen sentir, estoy planteándome si mi cinismo y rencor hacia la humanidad están desapareciendo. Porque me pongo películas tan emotivas como esta, tan positivistas y tan enfáticas en los valores de sentimientos vitalistas y joder, me emociono. A lo mejor es porque están bien hechas, ojo. Porque en el caso de esta, desde luego que el guión, si bien no es especialmente original, es muy bueno. Un guión que no para de trabajar en pos del humor, un humor lleno de pequeños absurdos, de situaciones que nacen del patetismo vital y de unos personajes bien retratados y muy creíbles, además de una buena cantidad de réplicas brillantes por parte de todos ellos. Vale, no es un film que descubra nada nuevo, no deja de ser un sencillo canto a la vida y a disfrutarla con tus seres queridos, evidenciándolo y dejándolo patente, con unos niños que aprenden de su anciano abuelo, que ha vivido lo suficiente como para saber que es mejor ser feliz que no serlo.

Aparte del guión, la cinta nos ofrece unas actuaciones muy coherentes, destacándose los 3 críos protagonistas, que a pesar de su edad se echan a la espalda todo el grueso de la cinta y consiguen unos personajes muy reales. Por lo restante, poco a destacar; salvo unos cuantos planos geniales tirados desde helicóptero y aprovechándose del preciosismo del paisaje escocés poco más, ya que la narración y la puesta en escena tienen oficio pero dejan que sea el guión quien lleve la batuta a la hora de ir llevando el ritmo y el rumbo narrativo.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 5.5
Técnica: 7.5
Guión: 8.0
Actuación: 8.5

TOTAL: 7.5

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Cineuropa 2014 (XII): Corman's World: Exploits Of A Hollywood Rebel

Título: Corman's World: Exploits Of A Hollywood Rebel


Director: Alex Stapleton


Año: 2011


País: USA


Duración: 95









Roger Corman es conocido por ser el arquetipo de ese productor capaz de no perder dinero nunca con sus películas, sobre todo gracias a gastar muy poco. Un hombre cuya aportación al cine norteamericano ha sido enorme, ayudando en sus primeros pasos a gente del calibre de Martin Scorsese, Robert de Niro, Jack Nicholson, Ron Howard, Peter Bogdanovich, Joe Dante... Además de toda la gente a la que pudo inspirar en mayor o menor medida con su modo de entender el cine y la industria. Un hombre hecho a sí mismo, amante irredento del cine que no dudó en distribuir películas de Bergman o Antonioni mientras producía cintas de serie B disparatadas y de clara vocación exploitativa. También un director complejo, con 56 demasiadas obras a sus espaldas, algunas con mucho mérito, como el ciclo de Edgar Allan Poe o El Intruso. Todo esto es lo que se nos ofrece aquí.

El docu funciona de manera sencilla, centrándose en entrevistas y muestras de imágenes de pelis de Corman por el medio, mezclando también dichas entrevistas desde muchos ángulos temporales (coge entrevistas de hace años del propio Corman entre otros) y consiguiendo hacer un resumen de toda la carrera desde que decide embarcarse por su cuenta en el negocio del cine hasta hoy en día con sus producciones para el canal SyFy. Además de la propia carrera del cineasta, también podemos apreciar algunas pizcas del cariño que levanta entre sus compañeros y antiguos compañeros de aventuras, dejando entrever su parte humana. De todos modos, la más importante de las intervenciones es precisamente la suya, dejando así ver al hombre, con su elegancia y su aparente tranquilidad, por mucho que una vez conocemos su cine sepamos que eso es muy distinto a lo que hay en el interior.

Poco más se puede decir del documental, que no es precisamente nada nuevo y que por supuesto recuerda a ese estilo de lo que fueron Not Quite Hollywood, Machete Maidens Unleashed o la ya comentada en este Cineuropa BaadAsssss Cinema. Pero, contra lo que suele ocurrir en estos docus, esta vez sin Tarantino. Bueno, casi, que sale un momento al final, porque en la entrega del Óscar a una carrera que la academia concedió a Corman era él el encargado del discurso.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.0
Técnica: 7.5
Guión: 7.5
Interés: 7.5

TOTAL: 7.5

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miércoles, noviembre 19, 2014

Cineuropa 2014 (XI): Cleopatra Jones + BaadAssss Cinema

Título: Cleopatra Jones


Director: Jack Starrett


Año: 1973


País: USA


Duración: 89











Título: BaadAsssss Cinema


Director: Isaac Julien


Año: 2002


País: USA / Reino Unido


Duración: 58









 


Qué gusto da el poder asistir en una madrugada del jueves a una doble sesión centrada en la blaxploitation en un lugar reservado tradicionalmente para la 'alta cultura'. Aunque al día siguiente toque madrugar y el verse las dos pelis ya implique un máximo de 5 horas de sueño. Aunque la segunda peli sea un documental moderno sobre la historia del género. El caso es poder ver una doble sesión de blaxploitation en el Teatro Principal de Compostela.

Vale, y dicho esto, tocará hablar un poco de las pelis, que para eso estamos aquí. Pues bien, Cleopatra Jones es de esas cintas que pueden verse como la quintaesencia del género. Mujer negra poderosa que lucha contra las mafias para eliminar las drogas del ghetto. Todo muy obvio, con un vestuario recargado, unas cuantas escenas de acción y una banda sonora a base de un funky pegadizo y molón. No aporta nada más, y ni siquiera lo pretende. Es honesta, va al grano y, eso sí, falla bastante en un guión cuyas secuencias no parecen llevar a ninguna parte y quedan excesivamente cortantes durante la mayor parte del metraje. Por el resto, pues eso, un despliegue de tópicos genéricos en una producción que recuerda a Coffy o Foxy Brown mezcladas con Shaft. Pero sin Pam Grier (con una Tamara Dobson a la que de hecho le falta bastante carisma) y con demasiado diálogo.

Respecto a la segunda, como ya he dicho se trata de un documental que analiza el nacimiento, auge, muerte y resurrección del género. Para ello, entrevistas a críticos, cineastas, actores y actrices, entre los que se destacarían Quentin Tarantino (cómo no), Pam Grier, Fred Williamsom, Larry Cohen o Samuel L. Jackson. El documental es entretenido aunque no exhaustivo, tiene un aspecto visual bastante televisivo y, aunque lo esboza y lo trabaja bastante, se queda algo corto en cuanto a la repercusión político-social de la blaxploitation. Pero claro, que no se iba a tratar esto de una tesis al respecto. Además, incluso pasa totalmente por alto, hablando solamente un segundo y con tono de desprecio, de los films más de serie B y Z que se crearon aprovechando el tirón económico del género, como sería el caso de Blacula o Blackenstein. Películas que obviamente no tenían las destrezas técnicas ni los planteamientos sociales de las grandes, pero que ayudaron a que la idea de la blaxploitation siga entre nosotros.


PUNTUACION CLEOPATRA JONES

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 7.0
Guión: 5.5
Actuación: 5.5

TOTAL: 6.5

PUNTUACION BAADASSSSS CINEMA

Originalidad/Riesgo: 7.0
Técnica: 6.0
Guión: 7.5
Actuación: 7.0

TOTAL: 7.0

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