martes, diciembre 28, 2010

Arcade

Título: Arcade


Director: Albert Pyun


Año: 1993


País: USA


Duración: 80









Alex (Megan Ward) es una adolescente con problemas, especialmente desde que su madre se suicidó. Con su pandilla, asiste a la presentación de un videojuego de realidad virtual, Arcade, y mientras lo dejan probándolo, su novio desaparece. Una vez que el resto de adolescentes también son atacados o desaparecen, Alex no parará hasta descubrir qué es lo que oculta el juego, y como luchar contra él.

Así era como veían la evolución de los videojuegos desde aquí.


Los videojuegos y la ficción cinematográfica siempre estuvieron conectados íntimamente, bebiendo en un principio los primeros en mayor medida y haciendo adaptaciones de cosas de la gran pantalla, donde podemos ver ya en el 83 se estaba intentando hacer aquel extraño juego de La Matanza De Texas, por ejemplo, o en el 87 el de Rambo, o en el 91 el videojuego imposible de Terminator 2 que me llevaba, como tierno infante, a la más profunda desesperación. Pero esta idea también funcionó inversamente, y ahí tenemos las pelis de Super Mario Bros o Street Fighter sin salirnos del primer lustro de los 90 para atestiguarlo.

Por eso, no es de destacar que las dos industrias de ocio más rentables de la era contemporánea también se beneficien entre ellas para crear argumentos sobre los cuales construir sus discursos, y si en los videojuegos ahí están las influencias claramente cinematográficas para DeadRising o para Golden Axe, en el cine los videojuegos y su avance tenían un papel predominante en cintas como TRON, eXistenZ o, lógicamente, la presente. Que es la que nos lleva a toda esta reflexión que sirve como rampa de acceso.

Y así, la forma de jugar. Ni Kinect, oiga. Solo El Rescate Del Talisman se asemejaba.


En este caso, la historia tiene como eje central un videojuego, si, pero en la base es un producto de su tiempo, basada en el cine de terror adolescente de los 80, con unos hilos narrativos que se mueven sobre clichés y un ritmo bastante discontinuo y torpe. Y es que aunque la idea es relativamente interesante, las cosas se agolpan y suceden todas simultáneamente, haciendo necesario, para llegar a los 80 minutos que dura, rellenar con diálogos y vueltas innecesarias a la trama que entorpecen y no crean ningún interés a mayores para el espectador. Y es que no puede ser que los chicos de la pandilla desaparezcan todos en la misma noche, pero tampoco que no importen más que en tres secuencias los problemas de la protagonista!

Pero bueno, esto también es por culpa de la torpona dirección de Albert Pyun, que hace su trabajo sin mostrar ninguna intención especialmente reseñable, centrándose más en el mostrar lo que sucede intentando que las localizaciones y sets no den mucho el cantazo que en crear en el espectador ninguna sensación ni ayudarle a entender el film. Además, con un trabajo de fotografía por parte de George Mooradian y de arte, bajo la dirección de Phil Brandes, que tampoco ayudan al respecto, por muy oscuro y malrollero que consigan hacer el Dante’s Inferno (ojalá fuesen así de chungos los salones recreativos, en lugar de dar mal rollo solo porque te roben el dinero) y por muy naturales que hagan los exteriores, sin que te hagan pensar si son realmente lo que pretenden ser (aunque con un exceso de sordidez).

Esto es solo la entrada del salón recreativo, imagínense el resto.


Además, los actores tampoco ayudan en dar interés a la historia. Los dos protagonistas absolutos son Megan Ward y Peter Billingsley. De la primera, decir que no lo hace demasiado mal dadas las circunstancias, y al menos su personaje tiene algo de convicción en algún momento. No obstante, se me hace cansina y poco carismática para llevar el peso, y no acaba de tener fuerza que transmitir al espectador. Del segundo, más de lo mismo, y de hecho mejor que su compañera, consiguiendo ser más tragable e incluso sustituirla en el papel de heroína en algún momento.

Y si bien destacaría por el lado freak la aparición de Seth Green, ni siquiera este, demasiado crío todavía y representando a un odioso estereotipo de adolescente que necesita ser el centro de atención constante haciendo el payaso, consigue resultar interesante. Además, ninguno de ellos cuenta con demasiado tiempo para hacer sus personajes, y de hecho los restantes resultan aún menos llamativos para la película, al ser más estereotipos y no tener nada que hacer por allí. Podemos destacar a A.J. Langer en su papel de niña introvertida, que al menos tiene cierto carisma, pero poco más, y con un Bryan Dattilo que no es más que un tío que mola sin que sepamos por qué y un Brandon Rane que ni aparece como quien dice.

Lo que sí podemos destacar para su momento, es el diseño del mundo del videojuego, que si bien hace demasiado evidente la falta de presupuesto y la dificultad para los 3D en el 93 al menos intenta ofrecer algo. Aunque no estaría de más que se apoyaran un poquillo en los videojuegos que había en lugar de sacarse de la manga algo tan extraño, sintético y psicodélico. Pero bueno, al menos el intento está ahí, y se hace medianamente creíble y sí aporta al argumento.

Ahí tienen a Seth Green, aún antes de crear y trabajar en cosas molonas como Robot Chicken o Padre De Familia.


Esto también ayudado por el buen trabajo al respecto desde el montaje de Miles Wynton, aportando esa guinda desde la posproducción al hecho de la integración del videojuego en la historia y de los personajes en el mismo. Por lo demás, nada destacable en su trabajo, hecho con oficio, pero un poco demostrando que estas cintas necesitaban más el salir rápido adelante y poder venderse que el cuidar los aspectos con el mimo necesario.

Otro tanto ocurre con el sonido, bien integrado de cara al juego entre la realidad y el mundo virtual, y por lo demás sutil y sin grandes aportaciones. De echarle algo en cara, lo vacíos que quedan siempre los ambientes. Eso sí, la música muy acertada con el tono de la peli, dando un ambiente interesante y original al conjunto.

Si es que ya no se hacen arcades como antes...



Resumen:
Una peli de terror adolescente cuyo principal interés estaría en su argumento y en su juego entre la realidad y el mundo virtual, pero que tampoco llega a resultar especialmente interesante ni a destacar por culpa de un guión torpe que aún por encima no está bien apoyado por la técnica.





PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 5.5
Guión: 3.5
Actuación: 5.0

TOTAL: 5.5

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martes, diciembre 21, 2010

Videoclip IM Drunk - T.H.C.





Informo de que ya he subido el nuevo videoclip de IM Drunk, dirigido y montado por un servidor, y con ayuda en las cámaras de los ya clásicos colaboradores Pablo Fernández, Gonzalo Alonso y Andrés Carrasco, quienes también tuvieron a bien ayudar en las tareas de producción, al igual que Marina C. M. Mattanó, que estuvo ahí, como siempre, en su apoyo moral.

Las imágenes vienen de los conciertos que dimos en Octubre, tanto en el Brutality In Your Face Fest como en el del Pub TNT. Y desde aquí quiero agradecer tanto a la gente que asistió a los mismos y al resto de gente involucrada en ellos.

Y sin más créditos, aquí les dejo los enlaces a Youtube y a Vimeo:









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martes, diciembre 14, 2010

I, Zombie

Título: I, Zombie: The Chronicles Of Pain


Director: Andrew Parkinson


Año: 1998


País: Reino Unido


Duración: 79









Buscando muestras para sus experimentos del doctorado, Mark (Giles Aspen) es atacado y mordido por una mujer desconocida y moribunda. Tras tres semanas vagando, a causa de la mordedura ya ha empezado a matar para alimentarse, y es consciente de que no podrá volver a su vida anterior. Su novia Sarah (Ellen Softley) en un principio hace lo posible por encontrarlo, pero pronto va perdiendo la esperanza y comienza a mirar hacia delante en su vida, al tiempo que, paralelamente, Mark se va pudriendo y descomponiendo a medida que su enfermedad sigue poseyéndolo.

Rescatar a una mujer con aspecto de zombie es bueno moralmente, pero quizás sea algo peligroso...


Los cambios físicos siempre son traumáticos. Y si no, que se lo pregunten a los personajes de las pelis de Cronenberg en la época de la nueva carne, desde Videodrome hasta eXistenZ o a los protagonistas de las pelis de adolescencia como Secretos Del Corazón o À Ma Soeur. Así que es de esperar que el paso de persona normal a zombie también lo sea. Y más cuando, como en este caso, sigue más los principios de los infectados que no necesitan llegar a morir para ser zombie, y aún por encima duran meses, frente a las escasas horas de los zombies de las pelis tradicionales.

Esta transformación ya es un lugar común en todas las cintas de zombies, normalmente con la excusa del plantearse matar a un compañero de fatigas yhttp://www.blogger.com/img/blank.gif esa duda moral. De todos modos, también ha sido explotado con mayor o menor éxito como el centro de la historia en cintas como Mortal Zombie. Andrew Parkinson pretende aquí llevar todo a un tono mucho más filosófico y existencial, mostrando el proceso de putrefacción y degradación que va afectando al protagonista interna y externamente y sus reacciones para con el mismo.

La expresión 'te voy a comer la boca' nunca tuvo tanto sentido.


Así que pretende ser una idea algo original aunque basada en cuestiones clásicas del cine zombie, y eso lo consigue en cierta medida. El problema que presenta, eso sí, es el ritmo excesivamente pausado, causado en gran medida por lo tremendamente pretencioso de la idea frente a lo vacío que acaba resultando el guión, quedándose en lo evidente del proceso de degradación moral de quien tiene que matar contra su voluntad para sobrevivir, y que se refleja en su degradación exterior por la podredumbre.

También el amor está presente en la historia, intentando ser un lazo que nos cree la impresión de humanidad en Mark y nos haga ver su pérdida de conexión con el mundo, pero consiguiendo todo lo contrario ya que establece una trama alternativa que no acaba de importar al no afectar en absoluto a la vida de Mark, sino solo a la de Sarah. Además, cuando nos ponemos a pensar en la cantidad de vacíos que quedan respecto a cómo Mark sobrevive sin que nadie sospeche de él, ni lo busque la policía en su nuevo piso cuando estaba declarado como desaparecido, ni nada, aún destaca más este celo excesivo por mostrar lo que pasa con ella. Lo mismo que ocurre con esos momentos de pseudodocumental que tampoco ofrecen nada al espectador más que cubrir tiempo.

Lo de pudrirse acaba haciendo que necesites un arreglillo aquí o allá.


Y esta lentitud se ve acrecentada al pensar en el trabajo narrativo de cámara que hace Parkinson. Aún siendo conscientes de su bajo presupuesto y realización casera, la cámara se hace torpe, con poca coherencia ni sentido, y presentando desde planos-contraplanos innecesarios e incluso incómodos hasta planos contemplativos que no llevan a ningún lado. Eso sí, una de las cosas que hay que reconocer es la sordidez que la fotografía de Jason Shepherd consigue transmitir a la cinta, recordando incluso a las pelis del sr. Buttgereit en más de un momento. Sobre todo en los momentos en los que se combina con la sangre, dando protagonismo a ésta en el plano, y apoyándose en la enorme calidad de los efectos, que parecen haberse llevado ellos solos casi todo el presupuesto.

El montaje zafa bastante bien y realmente es un apartado bastante cuidado, si bien aparecen problemas de ritmo, que aparentan ser más un por la calidad del material rodado que un error en sí mismo de los montadores, Gary Hewson y el propio director. Incluso se permiten un buen trabajo en determinados momentos como son las ensoñaciones de Mark, que se suceden con cambios bruscos a la realidad y logran mucho de cara a fomentar la subjetividad y la catarsis con el protagonista en el espectador.

El apartado sonoro, también a muy buen nivel teniendo en cuenta la clase de película con la que nos encontramos, buscando un aspecto donde las voces priman absolutamente sobre los ambientes y la escena. Cosa que, teniendo en cuenta la cantidad de voz en off que hay, se entiende esto. Lo que sí se le podría echar en cara, es el exceso de música, que intentando ayudar a digerir mejor los pasajes más lentos, acaba produciendo el efecto contrario, y llega a resultar bastante repetitiva en más de una ocasión, por acertada que sea en cuanto a lo sucio y sórdido que transmite.

Pues hala, me llevo la pelota.


Pero todo este trabajo técnico, no se ve acompañado por las interpretaciones, tremendamente forzadas en los diálogos, y sin llegar a decir nada al espectador. Especialmente reseñable Giles Aspen, quien a pesar de llevar el protagonismo no logra hacerse creíble en casi ningún momento de diálogo, aunque reconozco que en las partes de voz en off está más acertado. Y tampoco convence en sus movimientos como zombie, y menos aún cuanto más avanzado es el estado de putrefacción. Ellen Softley, por su parte, también tremendamente forzada y pareciendo, en ocasiones, que incluso interpreta a alguien que está fingiendo, más que a una mujer enamorada.

El resto del reparto, apenas tiene tiempo ante la cámara, aunque podríamos destacar a Dean Sipling, quien consigue que al menos en ese ratito su personaje parezca ser alguien creíble y no solo un títere moviéndose al azar. En el plano negativo, Nick Mallinowski, en esa secuencia haciendo de un policía tan poco creíble que parece convertir la peli en un corto hecho entre amiguetes de coña más que algo con las pretensiones que tiene esto.

Uno de los peores policías posibles entre todos los amigos del director.




Resumen:
Una peli cuyas pretensiones se le quedan grandes, ya que los fallos de guión, de narrativa y de interpretación la llevan a resultar bastante vacía y desde luego muy lenta, a pesar del buen nivel que los técnicos demuestran, y más al considerar lo ajustado del presupuesto.





PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 7.0
Guión: 4.0
Actuación: 4.0

TOTAL: 6.0

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lunes, diciembre 06, 2010

Finiquitando Cineuropa 2010, resumen y últimas pelis



Cineuropa 2010 ya es historia desde hace un par de días. Y la verdad es que en cierto modo ha sido un alivio. En cierto modo porque un festival de cine tan cerquita de casa siempre mola. Pero también porque la verdad es que este año la calidad ha sido muy inferior a la de años anteriores. Y no lo digo yo, que ya bastaría para ponerlo aquí, que para algo es mi blog y doy mi opinión, sino que ha sido un sentimiento general con casi todo el mundo con quien he hablado.

Una pena, pero aún así, hemos podido disfrutar de algunas cosillas más o menos interesantes. Pero ha habido mucho relleno, mucho, muchísimo cine de orientación realista y costumbrista, y muy pocas propuestas realmente originales y honestas. De hecho, la mayoría de lo exhibido estaban o en el aura del cine social tópico o del cine pretenciosamente artístico. Cuando no ambas cosas. Y eso o está visto, o tiende a ser vacío y trillado. Y personalmente, faltó cine fantástico por un tubo. Pero eso ya es por gusto mío, y entiendo que puede no ser el eje básico del gusto cinematográfico de mucha gente (bueno, no lo entiendo, pero lo respeto).

En cuanto al público, ha vuelto a responder, y cada vez va a más, lo cual para el festi es bueno, aunque a veces como uno tenga la sensación (y la seguridad) de estar en un ambiente tan de demostración intelectual y snobismo que puede llegar a tener crisis de identidad muy graves, al no saber uno ya si es como ellos o no. Pero eso es algo inevitable en este tipo de cosas, y más en una ciudad universitaria y cosmopolita (qué miedo me da esta palabra) a pequeña escala como Compostela.

Lo peor, el saber que el año que viene será lo mismo, si no peor en cuanto a esa sensación con el público. Porque en cuanto a las pelis queda la esperanza de que este fuese solo un mal año, y que el que viene llegue más cargado de cosas interesantes. Y al menos, con la seguridad de que vuelva a haber Maratón, esa gran fiesta que es meterse más de 10 horas de cine.

Y sí, me quedan aún tres pelis que he visto por comentar, así que aquí van, para rematar la faena:


-Animal Kingdom (David Michôd, 2010):

La peli empieza muy bien, con uan historia de drogas, familia disfuncional, violencia, locura... El problema surge a medida que profundiza, de un modo profundamente moral y previsible en la historia de los protagonistas, llegando incluso a destruir todo el posible ritmo con vueltas y giros por todas partes, donde la acción va desapareciendo para dejar paso a la palabra. Por suerte, está bastante bien hecha desde el punto de vista técnico, lo cual ya es algo, y las actuaciones están más o menos bien. Pero eso, que aburre hasta la saciedad y se hace muy previsible y tópica, siendo un alivio el momento del final, a pesar de todos los pluses que tenía en principio su argumento.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 6.0 Técnica: 7.5 Guión: 6.0 Actuación: 7.0
Total: 6.5

-Los Labios (Iván Fund / Santiago Loza, 2010):

Lo mejor de esta peli es su intento narrativo de situarnos sin presentar la situación ni los personajes, sino dejando que se vayan mostrando por sí mismos poco a poco. Todo el resto, una historia muy simple y vacía, de contemplación de como actúan 4 asistentas sociales en una zona tremendamente pobre en Argentina. Por supuesto, sin aportar nada en realidad, y solo dejando ver lo difícil y duro de la situación. Aún por encima, sin ningún conflicto más allá de esa realidad, un ritmo tan bajo que casi desaparece y para rematar, incluso un McGuffin horrible que no es que despiste la atención, sino que se convierte en una excusa para meter un mínimo suspense a algo carente de ello, mientras que desaprovecha las opciones de contar algo con el derrumbe o elementos así. Eso sí, rodado con intención, buscando el acercar la vida de las protagonistas y cerrando a esa dureza, e incluso consiguiendo un buen punto que casi parece documental, gracias también a que los actores son gente real de allí.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 6.5 Técnica: 6.0 Guión: 4.0 Actuación: 6.0
Total: 5.5

-Hævnen (In A Better World, Susanne Bier, 2010):

La última de Cineuropa. Y cerramos bien el festival. Una peli con buen mensaje sobre la utilización de la violencia como solucionadora de problemas, sin caer en la pacatería ni en lo contrario, y con un guión consistente y no falto de momentos con mucha fuerza. En su contra, que en algunos momentos se hace algo lenta, y la trama en África, aunque mole, es un poco excesiva. Pero ayuda a resolver el mensaje, con lo cual al menos aporta. Además, bien rodada, con frialdad y distancia pero naturalidad, y sin miedo a ser excesiva cuando debe. Y un crío protagonista, William Jøhnk Nielsen, absolutamente fantástico en todas las facetas que tiene que hacer. Y no era fácil.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.0 Técnica: 7.5 Guión: 8.5 Actuación: 8.5
Total: 8.0

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domingo, noviembre 28, 2010

Maratón de Cineuropa y algo más.



Esta semana ya vieron que pude subir de nuevo un análisis largo y lleno de chapas sobre Ex Drummer. El motivo, mi poca asistencia en esas fechas a Cineuropa, tanto por motivos propios de falta de tiempo como de falta de interés en lo que ponían (este año la oferta no ha sido, ni de lejos, la de otros años), y por tanto pocas pelis para comentar. Así que, a falta de una semana para que termine el festival, y teniendo en cuenta que ayer fue el Maratón, y mañana hay que ver el clásico como buen varón heterosexual, vuelvo a comentar así por encima las pelis que he visto en el festival. Maratón incluído:

-Aita (José María de Orbe, 2010):

De entrada, no debería hacer un análisis muy exhaustivo, puesto que la proyección se paró a la mitad, debido a un fallo del proyector de la sala del Aula de Caixagalicia (que por otro lado es la mejor, para mi gusto). Lo que vi, fue más cine contemplativo, pausado y lento, con una historia que tendía a centrarse sobre la casa, explicando su vida. Buena fotografía, y actuaciones demasiado forzadas, faltas de naturalidad al estar demasiado colocadas para que el espectador las vea. Así que, sin saber como termina, uno se podía hacer una buena idea de como era, y por lo que habñe, no a muchos de los espectadores les apetecía ir al día siguiente a verla de nuevo, para intentar terminarla. Pero eso, que mi opinión no es completa.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.0 Técnica: 7.0 Guión: 5.0 Actuación: 4.5
Total: 6.0

-Monsters (Gareth Edwards, 2010):

Cine supuestamente indie sobre extraterrestres, pero obviando toda la invasión para centrarse en una road movie de chico conoce a chica de lo más tradicional y trillado. Para más inri, ciertas pretensiones de cine político evidente con la inmigración desde México (el momento en el que se ve el muro, es de patada en los huevos). Fotografía discretita y tradicional y una falta de originalidad en los extraterrestres acorde con el resto de la peli. Al menos los actores, son mínimamente competentes. Pero mínimamente.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 6.0 Técnica: 6.5 Guión: 6.0 Actuación: 7.0
Total: 6.5

-Gimme Shelter (Albert Maysles, David Maysles, Charlotte Zwerin, 1970):

Documental sobre el concierto que los Rolling dieron en Alamont, con los Ángeles Del Infierno como agentes de seguridad y que muestra, todo lo que rodeó al concierto, en el que por cierto llegaron a morir 4 personas (y nacer otras 4). Aparte, mucha música y sobre todo interesante ver como se montó el concierto y como los Rolling vieron el vídeo después, incluído un momento en el que un tipo con una pistola recibe la puñalada que acabó con él.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.5 Técnica: 7.0 Guión: 7.0 Interés: 7.0
Total: 7.0

-Días Brancos (José Manuel Mouriño, 2010):
Llegamos 10 minutos tarde, por aquello de comer algo entre Gimme Shelter y esta, sumado a la confusión de aparentar estar cerrada la Sede de la Fundación Caixagalicia. Dejando aparte lo gracioso y poco atractivo de la combinación de título y nombre del director, es un documental sobre Tarkovsky y su cine fuera de la URSS en el cual solo se muestran algunos planos de sus pelis en foto fija, y tan solo unas pocas entrevistas, donde tampoco se muestra demasiado del director ruso. Para colmo, montado como el culo, con el sonido subiendo y bajando cada vez que entra una nueva intervención, y con un extraño estilo de negros largos en cada cambio de plano. Vamos, una cosa cutre que muestra algunos momentos interesantes pero nada más.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 6.0 Técnica: 2.0 Guión: 3.0 Interés: 5.0
Total: 4.0




MARATÓN:
Fue un maratón de los largos, unas 14 horas en 7 pelis más la entrada auspiciada por Magnetova. De esta entrada, decir que no puedo opinar bien objetivamente, por mi amistad con Javi Camino y el hecho de colaborar con uno el videoclip de Triángulo de Amor Bizarro. Aún así, debo admitir que desentonaba un poco con el resto del programa en cuanto a contenido, aunque funcionó perfectamente para abrir boca y dar tiempo a los más retrasados a entrar y al resto a ir acomodándonos en nuestros sitios. En cuanto a la selección de pelis, como siempre, algunas demasiado lentas para meter en el tramo final, pero con grandes momentos en las primeras. Podríamos decir que Gaspar Noé fue quien puso la línea divisoria en cuanto a los aciertos de programación. La asistencia, bastante buena, pero en el plano negativo, como siempre, todos los chsst que se escuchaban en pelis que no venían a cuento (aunque no se lo que les molestaban los comentarios), y una tipa de la organización un poco borde que nos llamó la atención 2 veces sin que nadie de los dos palcos que compartíamos en comuna, haya entendido por qué. Especialmente al ser en las 2 últimas. Pero hablemos de cada una en sí misma:

-Tras El Cristal (Agustí Villaronga, 1978):

Un nazi tumbado en un pulmón de acero, un psicópata loco, violencia contra niños... Argumentos más que de sobra para disfrutar la peli. Además, buen trabajo narrativo, algo lento pero que se llevó bien al ser la primera del maratón, y una fotografía que demuestra que es cine español de la transición, pero con buen criterio del uso de luces. Además, buena actuación de Marisa Paredes, pero menos de Günther Meisner. Respecto a David Sust, aunque algo forzado, bien en cuanto a la frialdad psicopática que destila. Vamos, una joya del cine español que merece ser más valorada, aunque tenga sus momentos que le impiden un buen envejecimiento, como las transiciones entre cine bizarro y de terror puro.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.5 Técnica: 7.5 Guión: 8.5 Actuación: 7.5
Total: 8.0

-Koroshiya 1 (Ichi The Killer, 2001):

Despiporre de violencia gratuita y animaladas. Lo mejor, fue ver varias deserciones (sobre todo, sabiendo que después tocaba Martyrs, a mis ojos mucho más dificil de ver, pero con menos salidas), y escuchar comentarios de modernitos gafapastoides hablando en su contra. Pero Ichi The Killer es lo que es, una animalada muy graciosa y llena de momentos épicos muy disfrutables si no pretendes que todo sea cine-arte introspectivo y reflecivo. Y Miike aquí, lo que pretende es diversión y entretenimiento, y lo consigue. Buenos efectos teniendo en cuenta su presupuesto y momento, porque cantan a digital en varios momentos, y actuaciones histriónicas pero adecuadas al tono.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.0 Técnica: 8.0 Guión: 8.5 Actuación: 7.5
Total: 8.0

-Martyrs (Pascal Laugier, 2008):

La verdad es que la primera vez que la vi, me impresionó profundamente y me dejó muy mal cuerpo. En esta ocasión, supongo que por conocer ya la trama me dejó más frío. Aún así, una buena película que viaja en sus distintas etapas por varios estilos de terror muy diferentes, jugando con la catarsis a la perfección, para convertir al espectador en víctima. Su problema, el final tan sacado de la manga como una explicación y ustificación más o menos original. Buena dirección por parte de Pascal Laugier en las distintas partes, y unas actuaciones discretitas, sobre todo la protagonista Morjana Alaoui, demasiado distante y que triunfa en la catarsis gracias al guión y la narración.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.5 Técnica: 8.0 Guión: 8.0 Actuación: 7.5
Total: 8.0

-Enter The Void (Gaspar Noé, 2009):

Si había una película a la que le tenía ganas en el maratón, era esta. Y desde un primer momento, con todo el estrobo de los créditos iniciales (aplausos tras ellos), Noe consigue que los que vamos con esas ganas estemos totalmente dentro de la película. Genial uso de la subjetividad, en una propuesta muy compleja a nivel técnico y arriesgada en cuanto a guión y narración. Pero sin embargo sale bien parada, y consigue un producto original, único y complejo que si peca de algo puede ser de que resulta repetitiva en algunos fragmentos (esos viajes a través de las luces llegan a aburrir) y de que el guión de la vida del protagonista es muy simple y puede hacer que llegue a resultar larga. A pesar de lo cual no le sobra ni un minuto con ese guión, todo es necesario y justificado para explicar el Libro de los Muertos tal y como lo hace. Y un buen nivel por parte de los intérpretes. Especialmente me sorprendió la niña Emily Alyn Lind, de las mejores interpretaciones infantiles que vi nunca.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 10.0 Técnica: 9.5 Guión: 7.5 Actuación: 8.0
Total: 9.0

-Class Of 1984 (Curso 1984, Mark Lester, 2010):

La peli sorpresa del maratón, supongo que escogida por la banda sonora de Alice Cooper, que tocaba ayer también en Compostela. Una historia divertida, con pandillas, violencia en las aulas y drogas de por medio. Eso sí, con demasiada pacatería y mucho menos interesante de lo que puede parecer por su cartel y la estética de los punks, que como siempre en estas cintas de los 80 son los malos y el problema de la sociedad junto con las drogas. Curiosa la aparición de Michael J. Fox (es su primera peli) y algunos momentos memorables como la caída desde la bandera. Pero poco más, con una estética propia de la época, y unas actuaciones discretitas.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.5 Técnica: 7.5 Guión: 6.0 Actuación: 7.0
Total: 7.0

-Bilbao (Bigas Luna, 1978):

Una película centrada en la figura de un psicópata con comportamientos obsesivo-compulsivos, que podría llegar a ser interesante, pero que está rodada torpemente y sin ningún ritmo, a pessar de tener un buen punto de sordidez y suciedad. A eso se suma el excesivo uso de voz en off del protagonista, supongo que para mostrar su mundo, sin conseguir más que sin él. Porque hay momentos que solo cuenta lo mismo que vemos, resultando bastante cómico. Eso sí, una banda sonora épica en cuanto a bizarrismo que merece ser tenida en cuenta. Ah, y un protagonista que, aunque consigue cargarse la peli a las espaldas, no es ninguna maravilla y queda algo forzado en más de un momento.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.0 Técnica: 4.5 Guión: 7.0 Actuación: 6.5
Total: 6.0

-Shivers (Vinieron De Dentro De..., David Cronenberg, 1975):

La última película, por supuesto jodida por el hecho de hacerse al final, cuando los víveres escasean y las fuerzas también. Así que reconozco que cabeceé algún momento. Pero bueno, una película con una idea divertida y extraña, propia de la época de la nueva carne de Cronenberg, pero también propia en cuanto a su narrativa no demasiado fuída y algo torpe en cuanto al ritmo. Destacar todo el fragmento final, y la equiparación a Zombies Sexuales que se puede hacer de todo el conjunto. Las actuaciones, bien, pero sin destacar.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.0 Técnica: 6.0 Guión: 6.0 Actuación: 7.0
Total: 6.5


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martes, noviembre 23, 2010

Ex Drummer

Título: Ex Drummer


Director: Koen Mortier


Año: 2007


País: Bélgica


Duración: 100









Dries Van Hegen (Dries) recibe en su casa a 3 tipos bastante curiosos, pidiéndole que les ayude en su grupo de rock tocando la batería. Ante el panorama de tocar con un tío que no mueve un brazo y es marica, un skin que pega a todas las mujeres y a todo lo que le provoque y en su casa vive en el techo, y un sordo sin mucha esperanza en la vida. Resulta que Dries es un hombre de éxito, pero curioso por ver lo peor del ser humano, así que no puede mantenerse al margen y acepta la oferta.

Llegar a casa, ponerte cómodo, quitarte la camiseta, y a andar por el techo!


La relación entre la música y el cine siempre ha sido fluida. Más allá de lo que pueden ser simplemente los musicales y los videoclips, nos encontramos ya desde el comienzo del sonoro con El Cantor De Jazz, donde se veía que la música y los músicos eran algo de donde sacar historias, que además no se podrían contar tan bien en otros medios como el literario. Desde entonces, han pasado unos cuantos años, y podemos encontrar un buen número de producciones similares, como The Doors, 8 Millas o Talento De Barrio, donde vemos muchas de las jodiendas de quien intenta vivir de la música. Al igual que desde el punto humorístico, donde también se siguen mostrando más caras de la música, como ocurría en This Is Spinal Tap o en The Rutles.

Es que nadie va a pensar en los niños? Pues si, aquí si.


Y aquí lo que se muestra, además de esa búsqueda del éxito inherente a todas estas cintas de músicos, es lo más extremo posible de lo más chungo en lo más bajo, con unos personajes que están al nivel de una peli de John Waters en cuanto a desórdenes mentales y familiares, gracias a los cuales la violencia y la humillación se convierten en un continuo a lo largo del guión, olvidándose, gracias a ello, de toda la posible moraleja en que se suele caer sobre la lucha, la autosuperación, etc, y todo se convierte en una simple muestra de lo peor del ser humano en forma de humor negro y sin complejos.

Es gracias a este bizarrismo tan llevado al extremo, por lo que el ritmo de la historia es cojonudo, y, aunque haya algún momento como el del giro que da pie al final que resulta algo extraño, lo cierto es que en el conjunto global funciona perfectamente, y resulta coherente con todo el resto de la historia.

Y eso es lo que más asco da a Dries.


A ello ayuda también la propia ambientación que busca Koen Mortier, que se centra, con ayuda de la dirección de foto de Glynn Speeckaert, en mostrar la suciedad más absoluta dentro del estrato más bajo de la sociedad, escapándose del punto de vista con algún positivismo del pensamiento burgués que suele tomar el cine, y recordándome en ese principio a films como Trainspotting o Solo Contra Todos. Además, no se corta en experimentar con la imagen y lo extraño de las ideas del guión, como es el hecho de Koen de Geyter andando por el techo, o todas las partes que están montadas con la imagen al revés como si esto fuese Happy End. Destacar, también, el uso de cámara para los momentos de música, especialmente donde se evita por todos los medios que veamos a los actores tocando, poniéndolos de espaldas por ejemplo, para que al menos no den el cantazo, como ocurre muchas veces.

Eso sí, como decía, todos los lugares son sucios, muy sucios, y el único que se salva, es el piso de Dries Van Hegen, que aún así tiene un nivel de sordidez precisamente por lo aséptico, pero a pesar de ello oscuro y apoyándose en todo ese rollo enfermizo que también transmite el propio personaje. Y eso es gracias al trabajo de Geert Paredis, consiguiendo además de lo sucio un nivel de violencia transmitida emocionalmente que apoya a la perfección todo el conjunto.

Así es el interior de una vagina.


Pero bueno, también los propios protagonistas son partícipes de llevar al extremo todo lo mostrado, gracias no solo a sus interpretaciones con las taras físicas sino a las mentales, consiguiendo un nivel cojonudo. Para empezar, el propio Dries Van Hegen, con ese aire de superioridad y de frialdad casi psicopática, que consigue realmente crear un personaje duro y acojonante pero sobre todo repulsivo. También destacable Norman Baert en su rollo hiperviolento que marca ya al principio la peli y nos deja claro en que plan va a ser el espectáculo al que asistamos. Una pena no hablar ni pizca de flamenco para apreciar el ceceo que se comenta que tiene, pero bueno, en general un gran papel totalmente ido y desquiciado, aparentando estar en su propio mundo de violencia todo el tiempo.

El resto del grupo, también a buen nivel, y así, Gunter Lamoot, divertido aunque un poco más comedido que el resto de reparto y basando demasiado su personaje en el guión y en el hecho de no mover el brazo derecho. Que no es fácil, la verdad. El cuarto miembro original, Sam Louwyck, perfecto al convertirse en un perdedor absoluto, y resultando el más creíble dentro de su demostración de vida borderline. Incluso en el período de locura más pura, está a un nivel tremendo. Del resto del reparto, destaca Bernadette Damman, que varía demasiado en su personaje, perdiendo en coherencia, aunque sea tremendamente extrema en casi todos sus registros. Pero eso, que no llega a hacerse creíble en conjunto. Y por parte de los demás, con poca definición por el poco tiempo para lograrla, lo cual les supone un problema, aunque apoyen bien el desarrollo.

Que te llamen Gran Polla, ayuda a conseguir este tipo de momentos.


Con todo esto, un montaje de Manu Van Hove relativamente poco presente, permitiéndose el hecho de planos largos para dejar las acciones, pero sin dudar en ayudar a la historia en cuanto lo necesita, y desde luego luciéndose en momentos de experimentación como con los planos invertidos en todos los sentidos, o en los momentos del directo, consiguiendo siempre transmitir, junto con los juegos de cámara que citábamos antes, un sentimiento de violencia constante.

Y a ello, lógicamente, pues también se une el sonido, donde la música se hace presente y protagonista en muchas partes, y aunque normalmente se note que está grabada en estudio y no tocada en directo, pues no supone tampoco un problema de credibilidad y de hecho incluso le otorga un plus con el extrañamiento que supone. Por cierto, con una selección bien cuidada en cuanto a los temas escogidos, desde el Mongoloid de los Devo hasta Deep Fish, ambas tocadas por Millonaire para la peli, convirtiéndose así en una especie de alter ego de los Feminists que protagonizan el film, y destacando sobre temas de Mogwai, Isis o Lightning Bolt.

Este es el espacio más natural de la peli. Todos los locales tienden a ser así de sucios.



Resumen:

Una peli llena de bizarrismo y violencia bajo el marco de la música y la búsqueda de lo más bajo del ser humano, con un gran guión y un trabajo técnico que no tiene miedo a experimentar, consiguiendo transmitir mucho de lo que el guión necesitaba en cuanto a lo extremadamente borderline de la propuesta.





PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 9.0
Técnica: 8.0
Guión: 8.5
Actuación: 8.0

TOTAL: 8.5

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martes, noviembre 16, 2010

Un poco de Cineuropa y actualización de Mondo Extraño, Mondo Estúpido


Bien, pues eso, que esta semana me decido por no subir ningún análisis de esos largos y tochazo para subir simplemente fotos hechas con el movil a la serie por todos conocida como Mondo Extraño, Mondo Estúpido. Y por qué? acaso porque soy un vago? Pues si, pero además porque hasta el día 4 de diciembre me dedico a asistir repetidamente a sesiones del festival de Cineuropa, a lo que se suman ciertos desórdenes del sueño que vengo acarreando, así que como uno de mis principios en los análisis se basa en el hacerlos inmediatamente después de ver cada peli y habitualmente no es lo que pasa en estos días, pues no voy a ir comentando cada una que vea con detalle.

Eso sí, las 6 que llevo, se las comento ahora en un periquete:

-Kûki Ningyô (Air Doll, Hirokazu Koreeda, 2009):

Una buena película sobre la soledad de la sociedad moderna y la alienación. Bien rodada, sencillita pero muy estética gracias al rollo naïf que lleva y con una buena interpretación por parte de Doona Bae. Eso sí, un final demasiado largo y algo lenta en partes.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.0 Técnica: 7.5 Guión: 7.0 Actuación: 7.5
Total: 7.5

-The Man Who Saw Frankenstein Cry (El Hombre Que Vio Llorar A Frankenstein, Ángel Agudo, 2010):


Un documental muy sencillo sobre la vida y obra de Paul Naschy, excesivamente simple y con un formato muy televisivo. Interesante por las opiniones al respecto de gente como Joe Dante o John Landis, además de sus hijos y su mujer pero realmente poco destacable a poco que el espectador conozca la figura de Jacinto Molina.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 6.0 Técnica: 7.0 Guión: 6.0 Interés: 7.0
Total: 6.5

-Submarino (Thomas Vinterberg, 2010):

Cine con ciertos tintes sociales pero sin caer en el sentimentalismo barato habitual en el género. De hecho, funcionando realmente como excusa para contar dos historias casi paralelas realmente duras con adicciones y vidas jodidas de por medio, que es algo que siempre mola si no se usa para dar pena y listos. Además, un buen planteamiento con la repetición de tiempos para ver como discurre cada una, y unas interpretaciones cojonudas.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.5 Técnica: 7.5 Guión: 8.5 Actuación: 8.0
Total: 7.5

-Medeni Mesec (Honeymoons, Goran Paskaljevic, 2009):

Cine bien planteado, con intención de mostrar la realidad que se vive en las actuales Albania y Serbia, con tantos conflictos aún sin resolver. Drama social demasiado pendiente de mostrar esa realidad, pero bien planteado y con un buen trabajo narrativo por medio de historias totalmente paralelas que muestran ambas caras de la moneda, y cómo no existen solo esas dos. Fallan un poco las interpretaciones en fragmentos, pero buen nivel en general y sin caer totalmente en lo llorón.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.0 Técnica: 7.5 Guión: 7.5 Actuación: 6.5
Total: 7.0

-Loong Boonmee Raleuk Chat (El Tio Boonmee Recuerda Sus Vidas Pasadas, Apichatpong Weerasethakul, 2010):

Bueno, y tras el éxito en Cannes y la curiosidad por un nombre como Apichatpong Weerasethakul, de quien no puedo hacer ningún chiste más fácil que el de su propio productor (sí, presentó hablando de pichas y culos...), caí en la trampa. Una cosa es la diferencia de sensibilidad por ser cine tailandés. Otra cosa es el engendro totalmente falto de ritmo, coherencia y mínima intención narrativa que es esta cinta. Básicamente, solo son 2 horas plagadas de planos vacíos y repetitivos donde hay un mínimo de fotografía en alguno pero que ninguna excusa sirve para explicarla sin tener que dar chapas al respecto e inventarse argumentos externos al film, es decir, algo que lleva al extremo lo hecho mil veces por gente como Sokurov o Angelopoulos. Pero con la diferencia de que ellos cuentan más que esto.
No se, Quizás es lo que quería el bueno de Weerasethakul, un film cuyo interés está en la relación con la explicación externa, la sinopsis y el acercamiento de cada persona al mismo, pero eso no cuela, al menos como cine. Si tal, como videoarte. Y eso es un género totalmente distinto en el cual ya vale cualquier cosa si se excusa bien externamente, así que está bien.
Por destacar algo, decir que hay trajes de gorila con led's en los ojos y sexo con peces, que supongo corresponderán a leyendas populares tailandesas, pero ni con eso se hace entretenida por el lado bizarro.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 4.0 Técnica: 3.5 Guión: 1.0 Actuación: 2.0
Total: 2.5

-Des Hommes Et Des Dieux (Of Gods and Men, Xavier Beauvois, 2010):

Una película que se vio demasiado afectada por coincidir justo después de la de Apichatpong. De ese modo, el cansancio era mayúsculo para ver otra muestra de cine contemplativo y reconozco que cabeceé en determinadas partes. De todos modos, y luchando contra el sopor, pude apreciar una historia que, dentro de ser muy pacata, maniquea y bienpensante desde el punto de vista de la integración religiosa y de la religión en sí misma, al menos aportaba un bonito mensaje positivo y tiene un mínimo de violencia y dureza para sobrevivir, jugando también con el miedo a la muerte dentro de la religión. Además, una buena fotografía y una buena interpretación del elenco en general.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.0 Técnica: 7.0 Guión: 6.0 Actuación: 7.5
Total: 7.0

Y ahora, pasamos a las fotos. Estas son las nuevas:


Si, exacto, qué bien me conoce, señor Gill


La DGT aprueba totalmente este camión-somier



Yeah, un caracol que te deja ver su interior, el juguete favorito de los niños



A esto se le llama integración, y no se porqué, me hace mucha gracia



Ahora no basta con obligarlos a ir a misa y a vestirse con traje ridículo, también hay que humillarles con los regalos

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jueves, noviembre 11, 2010

Zombie Walk Xacobeo '10 En Vídeo!





Pues eso, que ya está en vídeo la zombie walk compostelana de este año, a escoger, como es habitual, entre la versión de Youtube y la de Vimeo:







Y por cierto, una vez más mi sincero agradecimiento a toda la gente que colaboró, tanto desde la casi anónima organización, el aguantar la cámara para que yo pudiera hacer el zombie, la gente que acudió y más a quien estuvo ahí a la sombra siempre colaborando en todo.

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martes, noviembre 09, 2010

Magadheera

Título: మగధీర (Magadheera)


Director: S.S. Rajamouli


Año: 2009


País: India


Duración: 166









En el año 1600 Kala Bhairava (Ram Charan Teja) y Mitravinda (Kajal Agarwal) mueren a causa de su trágica historia de amor. Pero ese sacrificio no se quedará ahí, sino que, 400 años después, sus reencarnaciones, Harsha e Indu respectivamente, tendrán una nueva oportunidad de ser felices juntos si se encuentran y son capaces de vencer a Raghubeer (Dev Gill), la reencarnación del hombre que en la antigüedad ya vivió para interponerse entre ellos e intentar quedarse con la chica.

Si, Chiru viene del pasado para traernos el baile!


Ay, el amor… Capaz de viajar a través del tiempo para que los enamorados puedan tener nuevas oportunidades de encontrarse una vez se reencarnen… o incluso que aguanten vivos durante siglos como le ocurría al Drácula de Coppola o vuelvan como fantasmas como en Ghost. Porque historias de amor hay muchas y, de hecho, es una de las principales bazas dramáticas con las que excusar casi cualquier argumento, desde las tragedias donde se acaba perdiendo la vida por lo que sea como en Titanic o Romeo Y Julieta, hasta las de gente que hace lo que sea por su media naranja como lo serían las historias de caballerías clásicas o incluso las fuerzas que le daba a John McClane para cargarse a los terroristas de Jungla De Cristal!

Pero a lo que íbamos. Lo que importa aquí es la peli, y lo que importa en la peli es esa capacidad del amor para arremeter desde el pasado y superar incluso a la muerte, planteándose desde un principio por medio de las dicotomías entre el pasado y el presente, con los paralelismos que existen y las formas en que la profecía se cumple, siendo nosotros, como espectadores, unos privilegiados en cuanto al conocimiento de lo que ocurre frente a los personajes, aunque en gran medida lo descubramos al ritmo del protagonista.

Aprended, niños, a no usar guantes de goma si quereis encontrar a vuestra media naranja de otra vida.


Todo ello, bastante bien y con buen ritmo, a excepción del hecho de que, a causa de esa búsqueda de explicar ambas historias, acaba conteniendo una película dentro de la otra, al explicar detalladamente, y durante más de 50 minutazos de flashback, la historia original de los antepasados de Harsha e Indu. Eso si, todo evolucionando hacia la espectacularidad y el dramatismo partiendo de lo que, en un principio, casi está en la altura de una comedia romántica. Bueno, al principio quizás esté más cerca de una peli de acción motorizada al estilo de Torque. Pero es que la evolución es grandísima a lo largo del metraje, al contener también parte de acción pura, parte de peplum moderno con unas cuantas reminiscencias estéticas a Prince Of Persia y su saga de Las Arenas Del Tiempo. Que la peli es posterior.

De verdad que no es el Príncipe Dastan ni el de la saga videojueguil de Las Arenas Del Tiempo. Ni está intentando serlo.


Todo rodado por S.S. Rajamouli buscando velocidad y dinamismo, en relación a esa espectacularidad que citaba antes, y sabiendo evolucionar entre las tres partes diferenciadas entre lo que es la historia de amor, la parte de acción y la visión del mundo antiguo. Eso descontando las canciones, que por suerte están relativamente poco presentes y no empañan la evolución de la trama, y donde se vuelve un poco menos preciso y errático, buscando más la esteticidad de los planos que la muestra de la coreografía. De hecho, no es raro el encontrarse con un montón de raccords de movimiento en ellas.

Pero bueno, estos raccords también tienen parte de culpa en el montaje, hecho por Venkateswara Rao Kotagiri, y que se queda en un punto bastante mediocre. Porque si bien hace un buen trabajo respecto al ritmo y en las escenas de diálogos y partes más sencillas, también se atora en varios momentos de lucha, haciéndole perder en espectacularidad a escenas como la de la lucha final. Que también habría que ver como estaban de calculadas las coreografías para poder criticar con consistencia.

Si, es un arco imaginario.


Además, a esto se suman unos efectos visuales tremendamente pobres si tenemos en cuenta el presupuesto de unos 6.000.000 € que tenían y que es una peli del 2009, dando el cante en unas cuantas ocasiones y sacando al espectador. Por suerte, ese presupuesto sí se nota en otros momentos como lo serían las explosiones y algún accidente aéreo que recuerda sospechosamente a La Jungla 4.0.

También en la fotografía de Senthil Kumar y en los decorados de S. Ravinder se nota ese presupuesto, y es ahí donde radica mucha de la espectacularidad, variando ambos aspectos entre los dos tiempos en cuanto a los tonos utilizados. Respecto a la fotografía, una iluminación totalmente natural en todo momento si dejamos de lado esa utilización de tonos anaranjados del pasado, y centrándose siempre en mostrar toda la escena. De todos modos, se le puede echar en cara la aparición de diversos planos extraños y que no vienen a cuento, donde los desenfoques y el uso de angulares demasiado grandes se hacen demasiado patentes y no dejan un aspecto demasiado natural a la imagen. En los decorados, destacan los antiguos, perfectamente diseñados incluso en sus partes hechas por infografía, siendo, cuanto menos, verosímiles.

Dominio absoluto de los CGI.


La banda sonora, por su parte, relativamente bien en cuanto a la música empleada más allá de las canciones, pasando desapercibida y acompañando a la acción. Es en cuanto a los sonidos de los golpes y los choques de espadas donde se queda más forzado, al resultar antinaturales y falsos en más de una ocasión.

En cuanto a las actuaciones, destacaría positivamente a Kajal Agarwal quien consigue, a partir de un estereotipo, evolucionar y transmitir en todo momento, llenando al personaje aunque en algún momento esté más fría y distante. Por debajo en cuanto a calidad, que no en cuanto a peso, Ram Charan Teja se queda con un personaje plano y poco definido, e incluso a veces sobreactuado a pesar del guión, haciendo que la mayoría de lo que nos transmite sea por guión y por su propia presencia física. Eso sí, hay que destacarle la pequeña diferencia de carácter que imprime a sus dos papeles, ayudando en parte a diferenciar ambas tramas temporales.

Por parte de Dev Gill, un buen trabajo como antagonista, especialmente en la trama actual, donde su frialdad es mayor, y su personaje está más cerca del prototipo de mafioso violento y egocéntrico. De los restantes, dejando de lado los geniales, y seguro que aún más geniales en el punto comercial, cameos de gente como Chiranjeevi (al que se le hace incluso un homenaje en los diálogos), destacaría a Srihari, quien escapa del lugar que parecía tener como bufón para hacerse un héroe de acompañamiento, y consiguiendo interpretar bien al personaje pese a la poca definición que tenía por guión.

Si, casi igual que en La Jungla 4.0. Por cierto, allí al fondo un par de planos antes había un montón de gente y más vehículos.



Resumen:

Una película con amor, acción e incluso una trama histórica que se hace tremendamente espectacular y dinámica sobre todo por su buen trabajo fotográfico, aunque pierda puntos por lo excesivo de longitud en el guión y un trabajo de efectos demasiado cantoso para el presupuesto y aspecto general de la cinta.





PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 7.5
Guión: 6.5
Actuación: 7.0

TOTAL: 7.0

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