sábado, noviembre 30, 2013

Cineuropa 2013 [Premio Cineuropa] (XX): Història De La Meva Mort

Título: Història De La Meva Mort


Director: Albert Serra


Año: 2013


País: España / Francia


Duración: 148











Giacomo Casanova (Vicenç Altaió) decide irse a los Cárpatos, lugar donde conocerá bellas señoritas que añadir a su larga lista de conquistas. El problema está en que en ese paraje también vive otro gran conquistador, menos representativo de la pulsión sexual y mucho más de la mortal, el conde Drácula (Eliseu Huertas). Y ambos serán opciones interesantes para las señoritas del lugar.

Albert Serra es uno de esos directores odiados por la mayoría del público, pero reconocidos por gran parte de la crítica y festivales. Si he de ser sincero, entiendo a ambas partes, aunque estoy más con el público. Pero dejando apetencias personales de lado, lo que está claro es que si hay algo que se puede decir de su cine es que es personal y muy propio. Por mucho que haya influencias, o al menos similitudes, que podrían ir desde Sokurov o Angelopoulos hasta Jancsó o quizás cosas de Kiarostami. Vamos, una manera de trabajar abiertamente anticomercial, con una pretenciosidad artística autoconsciente, muy pausada y con muchos elementos extraños. En este caso, ya como ejemplo de todo esto está la mezcla entre el mundo de Casanova y el de Drácula, creando una evolución sutil pero brutal entre el mundo libidinoso del gran amante a la oscuridad del vampiro por excelencia, del siglo de las luces al romanticismo y misticismo o del eros al tanatos. Cojan la explicación que les parezca adecuada o inventen una propia.

A nivel técnico, es curioso cómo hay momentos genialmente escritos y rodados mezclándose con otros mucho más simples e incluso con pinta de estar mal grabados. Puede que el haber rodado en 4:3 y pasar a pantalla ancha en postproducción sólo cortando haya ayudado en esa mala composición de tantos planos, aunque no excusa demasiado la pobre iluminación. Eso ya es solo culpa de las manías como director de Serra y su forma de trabajar como artista. Lo mismo ocurre con el sonido, e incluso con los actores, a los que se les excusa por ser no profesionales. Pero vamos, en resumen una película irregular con pretensiones y algunos momentos buenos, pero que no llega a ser completa.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 6.0
Guión: 5.5
Actuación: 5.5

TOTAL: 6.5

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viernes, noviembre 29, 2013

Cineuropa 2013 (XIX): Gente En Sitios

Título: Gente En Sitios


Director: Juan Cavestany


Año: 2013


País: España


Duración: 83











Lo que aquí se nos ofrece son una serie de historias independientes que funcionan cada una por su cuenta y riesgo, jugando cada una con distintos valores creativos y/o géneros: aplicando toques de humor absurdo por aquí, algo de thriller por allá, algún elemento incluso de narrativa abstracta... Unas historias que nos crean un relato conjunto vacío, aunque triste y sorprendentemente cercano a la realidad.

Lo cierto es que según empieza, la estructura de sketches independientes se hace un pelín aburrida y problemática. No es que sea nada novedoso a día de hoy en el cine y tanta dispersión no acaba de funcionar. Por suerte, rápidamente se soluciona esto mediante montaje al empezar a ir hilando mínimamente entre los sketches con algunos guiños y, sobre todo, con ese fotógrafo que aparece de vez en cuando, en peculiar homenaje al tumblr que supuestamente inspira la película, en lo que sería una de las más altas cotas de lo posmoderno.

Las historias, que como dije van en todas las direcciones, parecen hacer un especial hicapié en el humor absurdo y con muchos tintes de posthumor, sin pretender hacer nada homogéneo y simplemente eso, resultando un juego entretenido. Por lo general, bien actuados y con un aspecto técnico que se ve demasiado perjudicado por la falta de medios, pues la cámara en mano, la pobre iluminación (cuando tiene alguna) y un montaje a veces demasiado a golpes dejan demasiado obvio el trabajo detrás de la cámara. Eso sí, tampoco se le puede echar demasiado en cara, pues al final se narra correctamente y lo importante está en el guión.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.0
Técnica: 6.0
Guión: 7.5
Actuación: 6.5

TOTAL: 7.0

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Cineuropa 2013 (XVIII): Toñito Blanco: Solo, Perdido Y Vicioso

Título: Toñito Blanco: Solo, Perdido Y Vicioso


Director: Nico Campos


Año: 2013


País: Galicia


Duración: 45











En 1993, gracias a un trabajo basado en una financiación privada muy loca basada en preventas, veía la luz la primera película gore y de serie Z rodada en Galicia. Hablamos de "La Matanza Caníbal De Los Garrulos Lisérgicos". Una obra de culto hoy en día, aunque por supuesto desdeñada por los grandes medios y los ámbitos culturales de prestigio. Al año siguiente del estreno, su principal ideólogo y director, Antonio Blanco, moriría dejando un legado pequeño, pero una gran leyenda sobre su persona. A día de hoy todavía se lucha por reivindicar su figura y un documental como este es lo que hace.

La reivindicación de los héroes de la subcultura siempre ha sido una asignatura pendiente en todo el mundo. Y Galicia no es precisamente una excepción, más bien es un gran ejemplo al respecto. Sin ir más lejos y sin salirnos del campo cinematográfico, aun hoy casi nadie es consciente de la figura de Amando de Ossorio. Triste pero cierto. Y si esto pasa con Ossorio, con Antonio (o Toñito) Blanco no iba a ser menos. Por suerte, tras unos 7 años de peleas intentando conseguir los materiales necesarios, este documental sobre la figura del cineasta consiguió ver la luz, reivindicando así a un tío que luchó a contracorriente hasta que una sobredosis con apenas 30 años hizo que su prometedora carrera se quedase solo en eso.

Para ilustrarnos al respecto, se basa en multitud de entrevistas y material del making of de su único largo, así como material de la TVG y TVE de la época, mostrándonos esos primeros contactos del director con el audiovisual. Incluso, gracias al buen trabajo de documentación, imágenes de una obra de teatro escrita por Blanco y protagonizada por Manquiña y Juanillo Esteban que funcionaba como una primera idea de lo que después desembocaría en el guión de la película. Con esto, un montaje con muy buen ritmo, alternando entre la información de las entrevistas y la muestra de todo ese material, donde el propio Antonio Blanco deja claro en más de una ocasión muchísimo sobre su persona y la clase de rebelde antisistema cultural que era. De este modo, gracias al camino que sigue la narración se crea no sólo un buen trabajo de acercamiento a la figura de Toñito Blanco, sino que también se le da voz a ese discurso sobre la cultura basada en los cojones y las ganas más que en el dinero y lo comercial.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 7.0
Guión: 8.5
Interés: 7.5

TOTAL: 7.5

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jueves, noviembre 28, 2013

Cineuropa 2013 [Película Sorpresa] (XVII): Cheap Thrills

Título: Cheap Thrills


Director: E. L. Katz


Año: 2013


País: USA


Duración: 85











Craig (Pat Healy) y Vince (Ethan Embry) son dos viejos amigos del instituto que se encuentran casualmente en un bar. Craig está casado y es padre de una niña de 15 meses. Vince sigue viviendo la vida sencilla de un soltero. En ese mismo bar conocen a Colin (David Koechner) y Violet (Sara Paxton), una pareja que con la excusa de celebrar el cumpleaños de ella comienzan a pagar a los dos amigos para que hagan cosas cada vez más degradantes. La cuestión es que el dinero les viene bien a ambos, pues Craig acaba de ser despedido y Vince no gana demasiado en su curro, así que aceptan ese juego mientras se dejan llevar, ayudados por la farlopa, el alcohol y la avaricia.

Cheap Thrills es una de esas películas que funcionan sobre la intención formal de agredir al espectador en sus principios morales. Un ejercicio divertido, pero que no acaba de alcanzar totalmente. Dos personajes que escalan en su degradación dejando clara prueba de su avaricia, algunos momentos puntuales con humor negro, un poco de thriller y un par de toques gore, lo suficiente para impactar algo pero sin arriesgarse a no poder ir a una sala comercial; incluso por debajo de la escala de Saw, Hostel o demás torture porn comercial. Y lo mismo que ocurre con el gore, le pasa con los elementos de thriller. Impacta un poco y tensa lo mínimo para entretener, pero no llega a importarnos qué ocurre con los personajes pues la definición es tan plana y obvia que solo el primer giro resulta mínimamente rompedor. En la degradación, sí, bueno, ahí sí que llega, aunque con tal velocidad y simplicidad en el guión que tampoco es que consiga ni hacer temblar mínimamente los valores con los que pretende jugar. Sólo lo suficiente como para que se escandalicen esos espectadores que se meten en la sala pensando que el cine sólo debe ser drama humano realista y/o pretensiones intelectuales.

El aspecto técnico, pues bien los efectos, con una pretensión cercana basada en bastante cámara en mano y buen ritmo. Oficio y pretensión meramente narrativa, tanto por parte de la cámara como del resto de elementos. A destacar el juego con música diegética y poco más. Las actuaciones, pues en correlación con sus personajes, planos y avanzando y modificando su conducta en función de lo necesario para la historia, sin demasiado interno que los guíe.


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Originalidad/Riesgo: 5.5
Técnica: 7.0
Guión: 4.0
Actuación: 5.5

TOTAL: 5.5

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lunes, noviembre 25, 2013

Cineuropa 2013 (XVI): Grzeli Nateli Dgeebi (In Bloom)

Título: Grzeli Nateli Dgeebi


Director: Nana Ekvtimishvili / Simon Groß


Año: 2013


País: Georgia / Alemania / Francia


Duración: 102











Eka Khizanishvili (Lika Babluani) y Natia Zaridze (Mariam Bokeria) son dos muchachas adolescentes que viven en el Tbilisi (o Tiflis en castellano, al parecer) de 1992. Un sitio turbulento, pobre, con una tradición demasiado arraigada y machista y muchísimos problemas sociales. Natia tiene problemas con chicos, pues está enamorada de un tío que solo puede estar de vez en cuando en la ciudad, pero su vecino también está enamorado de ella y está dispuesto a lo que sea para estar con ella. Aunque la tenga que obligar. Eka por su lado, tiene a su padre en la cárcel y sufre el acoso de unos pequeños macarras de barrio. Esta es la historia de las dos amigas madurando y apoyándose mutuamente, al ser casi lo único que tienen.

Drama social ambientado en una realidad tremendamente difícil. Desconozco hasta donde es acertado el retrato social, pues obviamente no me resulta fácil imaginarme la Georgia de hace más de 20 años. Pero tendremos que creernos que esto sería en gran medida lo que tenían que sufrir centenas de miles de habitantes en la capital de uno de los estados pobres y más bien olvidados de la URSS tras su descomposición. Partiendo de esa base realista, eso, una película dramática, con giros basados en lo duro que es vivir y bueno, ya se pueden imaginar el resto, tampoco es que invente nada nuevo a día de hoy salvo la situación concreta en que se ambienta el relato. Es uno de los problemas y ventajas de que el ser humano haya sido hijodeputa en todas las épocas y lugares de la historia: que siempre podemos encontrar drama por su culpa en cualquier ambientación.

Técnicamente, la peli sigue bastante los cánones más puros del cine independiente, con su juego de cámara en mano siguiendo a los personajes en planos secuencia sencillitos pero bien coreografiados, desapareciendo por completo y dejando que la historia nos guíe. Además, aprovechando unos espacios desoladoramente desgastados y donde la escasez de recursos lo domina todo, convirtiéndolos en algo esencial para el desarrollo descarnado de la trama. Además, ambas actrices mantienen bastante bien el nivel salvo algún momento especialmente tenso y complejo, consiguiendo con el conjunto algo bien hecho, aunque tópico.


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Originalidad/Riesgo: 5.0
Técnica: 7.5
Guión: 5.0
Actuación: 7.0

TOTAL: 6.0

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Cineuropa 2013 (XV): そして父になる [Soshite Chichi Ni Naru] (De Tal Padre, Tal Hijo)

Título: そして父になる (Soshite Chichi Ni Naru)


Director: Hirokazu Koreeda


Año: 2013


País: Japón


Duración: 120











Ryoata (Masaharu Fukuyama) es un hombre de éxito. Arquitecto prometedor y obsesionado con el trabajo, está casado con Midori (Machiko Ono), con la que ha criado un hijo bien educado y disciplinado a sus 6 años, al que de hecho intenta inculcar su misma pasión por el trabajo duro para darle un futuro grandilocuente. Pero un buen día, tras un examen de sangre, se descubre que ese niño no es su hijo biológico y con unas pocas pesquisas se comprueba que el niño que habían engendrado está bajo la tutela de un tendero. Ambas familias se juntarán, buscando lo mejor para ambos niños e iniciando un viaje de reflexión sobre la familia y la paternidad.

Ser padre y ser persona, dos cosas que, por lo que parece, están muy relacionadas, pues tal y como somos como personas es fácil apreciar a grandes rasgos qué clase de progenitores seremos. En el caso de la película, tenemos al japonés modelo tal y como se nos muestra en occidente el tópico de su cultura actual. Un tío de éxito en su trabajo pero obsesionado con él, introspectivo y exteriormente apenas dado a la juerga ni al contacto personal. Por el otro, lo contrario: un tío con una tienda pequeña, extrovertido, tradicional, alegre y un poco jeta. Las diferencias entre sus maneras de criar a sus hijos son tan grandes como las que hay entre ellos y de este modo Koreeda nos plantea una reflexión al respecto de cómo actuar, pegándole una pequeña hostia a los valores japoneses actuales para recordar que en la vida ser feliz es más importante que ser exitoso.

Como suele suceder con él, el acercamiento humano es lo primordial en la cinta y la cámara y el montaje se estructuran en función de ello. Los personajes están a nuestra altura en todo momento y lo que mueve al argumento es el drama humano. En este caso, en esa relación paterno-filial y la transformación que sufre Ryoata al descubrir la importancia de lo pequeño y de la familia, más allá de la relación sanguínea. Eso sí, todo este camino, ya un poco trillado en el cine, se hace largo por las vueltas que va dando y lo obvio del mensaje, como si quisiese masticar todo muy muy bien y eliminar la posibilidad de algún punto un poco más oscuro que el resto dentro de la historia.


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Originalidad/Riesgo: 6.5
Técnica: 7.5
Guión: 8.0
Actuación: 7.5

TOTAL: 7.5

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domingo, noviembre 24, 2013

Cineuropa 2013 (XIV): Costa Da Morte

Título: Costa Da Morte


Director: Lois Patiño


Año: 2013


País: Galicia


Duración: 81











La "Costa Da Morte" es una parte concreta de la geografía gallega que comprende algunas de las zonas más agrestes de nuestra costa. Si nos vamos a tópicos, la gente allí es ruda, suele vivir del mar (faenando, yendo a los percebes o realizando cualquier otra actividad relacionada) y sus tradiciones y fiestas siguen muy presentes en relación al paganismo aunque habiendo sido adoptadas por el catolicismo. Pues esto es un homenaje a ese paisaje tan especial que se forma en esa entrada abrupta del mar en la tierra y viceversa.

Personalmente, me da miedo esta tendencia cinematográfica según la cual para contar cosas ya no es necesario contar nada. Una tendencia según la cual unas imágenes bonitas yuxtapuestas en un orden casi azaroso y un ritmo pausado que nos obligue a pensar ya es suficiente. Una falsa aplicación de la poesía, en resumen. O quizás no tan falsa en ocasiones. Pues bien, obviamente digo esto porque en Costa Da Morte Lois Patiño es lo que nos ofrece: un montón de imágenes (algunas preciosas, hay que admitirlo) de paisajes de la Costa da Morte, con actividades tradicionales como los percebeiros, unos tíos yendo de caza, una cantera, pesca, una verbena... un poco un mural que nos llevaría a ver la realidad de la zona. Pero claro, como muestra de paisajes que es, solo de un modo tremendamente superficial, alejado y vacío, olvidando la humanidad que se debería respirar y que parecen querer transmitir algunas imágenes, en pos de un trabajo más estético.

Sumamos al mejunje unos diálogos que aparecen de vez en cuando, a medias entre el tinte documental y la ficción, casi siempre supuestamente pertenecientes a personajes que vemos alejados en los planos y que tienden a sonar demasiado forzados, aunque al menos sean útiles para dar un poco de ese toque humano que decía antes que faltaba. Por mucho que se quede lejos. Al final, la película nos deja el sabor de poder ser una especie de transfer directo desde una imaginaria exposición fotográfica con textos sobre el paisaje, algo tópico en ese género pero desde luego relativamente novedoso en formato audiovisual.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.0
Técnica: 7.5
Guión: 3.0
Actuación: 2.0

TOTAL: 5.0

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Cineuropa 2013 (XIII): Môj Pes Killer

Título: Môj Pes Killer


Director: Mira Fornay


Año: 2013


País: Eslovaquia / República Checa


Duración: 90











Marek (Adam Mihál) tiene un perro al que entrena todos los días. También tiene problemas económicos, una madre ausente y un hermanastro pequeño por parte de esa madre y fruto de un lío con un gitano que ya no parece hacerse responsable. Todo duro pero más o menos asumible, salvo por el entorno extremadamente racista y lleno de odio hacia los gitanos en el que Marek se mueve y que él asume como normal dejándose guiar por sus amigos skins o su tío, aparentemente también de tendencias filofascistas.

El racismo es malo y provoca sufrimiento. Además, el mundo de los nazi skins está lleno de violencia. Que estas reflexiones plasmadas en una película nos sorprendan solo puede suponer que no hemos visto una película en nuestra vida. Y son, básicamente, las que nos deja esta cinta eslovacocheca. Reconozco que, habiendo vivido en Chequia, en un solo mes me di cuenta de que el tema del racismo hacia los gitanos era un asunto serio en la zona, al menos en Moravia. Y ni siquiera hacía falta pisar las zonas más hundidas socialmente. Pero vamos, que aun así tampoco me parece suficiente excusa para hacer la enésima producción al respecto, con unos protagonistas también bastante prediseñados.

Como puntos de interés, señalar que al menos a nivel narrativo se muestra bastante bien la humanidad del protagonista en los instantes finales de la película y su deambular perdido le da un aire interesante. Además, la puesta en escena, fría y extendiendo la duración de los planos, sumados a una fotografía de tonos apagados, no hace sino sumar en este aspecto borderline que tanto Marek como el mundo que le rodea comparten, añadiendo también ese aire de desolación al que ayuda la campiña fría y las localizaciones en que se rueda, a ambos lados de la frontera.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 5.0
Técnica: 7.5
Guión: 6.5
Actuación: 7.5

TOTAL: 6.5

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jueves, noviembre 21, 2013

Cineuropa 2013 (XII): El Futuro

Título: El Futuro


Director: Luis López Carrasco


Año: 2013


País: España


Duración: 68











A principios de los 80 la sociedad española estaba cambiando terriblemente. El período de la transición llegaba a su fin y la apertura había dejado ya su huella en la juventud y su forma de divertirse. En esta película vemos a esa juventud y esas nuevas maneras de enfrentarse al ocio en una fiesta en pleno 1982, año de elecciones.

Francamente, lo poco que se puede decir sobre esta película ya es más de lo que ella nos dice a nosotros. Gente bailando, bebiendo, fumando y esnifando en una fiesta, diálogos a medias que apenas se escuchan y música, mucha música. Al menos, bien escogida, con temas de grupos como Aviador Dro, Parálisis Permanente, Flácidos Lunes o Ataque de Caspa en lugar de irse a los tópicos de la movida. Eso es toda la película. Alguno de los pedazos de diálogos se pueden salvar, como el de los dos chavales hablando de ETA y las dos posiciones al respecto o algún momento equiparable a la situación laboral actual, pero poco más.

Además, su pretensión de darse un aire como de metraje encontrado termina por volverse en su contra al tratar excesivamente el negativo para estropear la imagen, siendo la parte final un simple continuo de saltos, errores de audio y fotogramas quemados, todo a propósito y con un fin un poco más experimental si cabe que el resto. En consecuencia, lo único que podemos sacar en claro son ciertos tintes de pensamiento al respecto del cambio social que suponen estos últimos 30 años en cuanto a las relaciones, siendo la situación actual algo originado en aquellos días. Pero es que como casi ni vemos relaciones en la película, tampoco podemos comparar más allá de lo que nosotros, como espectadores, llevemos en nuestra cabeza. Al menos, disfrutemos de la música mientras nos deja el montaje.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 3.0
Guión: 1.5
Actuación: 2.0

TOTAL: 3.0

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Cineuropa 2013 (XI): La Jungla Interior

Título: La Jungla Interior


Director: Juan Barrero


Año: 2013


País: España


Duración: 80











Tras pasar un par de días en la antigua casa de su tía Enriqueta (Enriqueta White) reflotando viejos recuerdos, Juan (Juan Barrero) se va a trabajar a Costa Rica, a buscar una orquídea y un mosquito presumiblemente extinguidos. Pero lo que importa es que mientras está allá, descubre que su novia Gala (Gala Pérez Iñesta) se ha quedado embarazada, así que cuando vuelve, su relación variará enormemente.

La intimidad y la cercanía entre Juan y Gala son la base sobre la que se estructura el film. Director/actor y actriz tenían una relación en la vida real y elementos como la noticia del embarazo sucedieron como en la película, incluso mientras él estaba trabajando en Costa Rica. Al igual que lo relacionado con la tía Enriqueta (Chimo Bayo no tiene nada que ver aquí, ojo). Esa intimidad consigue dar un tono de cercanía a la película muy grande, jugando con las distancias y las diferencias entre las dos partes involucradas. Además, destacar la manera en que sigue todo el proceso del embarazo, mostrándonoslo sin tapujos y haciendo hincapié en más de un momento en la sexualidad y el cuerpo de la mujer, llegando hasta el hecho de enseñar el parto y las estrías provocadas, todo de un modo natural y, reitero, muy cercano.

Ahora bien, el problema principal aquí está en que por mucho que se muestre esa relación y su evolución, la película se queda pequeña y no llega a contar prácticamente nada. No involucra al espectador en absoluto y la decisión de mostrarlo todo con cámara en mano y mucha sensación de tiempo pasado entre una toma y otra tampoco ayuda, dejando fuera de cámara demasiados elementos que podrían resultar más interesantes y dejándonos fuera de esa relación, que sabemos que va mucho más allá, dando de este modo un aspecto falso a la cercanía con la que juega. Destacar, por cierto, un gran momento de la peli donde un rito pagano consistente en colocarse musgo sobre el cuerpo para atraer la fertilidad es utilizado del modo más explícitamente poético posible, rompiendo con lo anterior y lo posterior.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 6.0
Guión: 3.5
Actuación: 7.5

TOTAL: 6.0

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Cineuropa 2013 (X): The Unspeakable Act

Título: The Unspeakable Act


Director: Dan Sallitt


Año: 2012


País: USA


Duración: 91











Los 17 son una edad complicada, y más en casos como el de Jackie (Tallie Medel), una adolescente que está locamente enamorada de su hermano mayor, Matthew (Sky Hirschkron). Su vida transcurre tranquila mientras crece y se relaciona con sus semejantes, siendo sólo su hermano quien conoce totalmente su obsesión incestuosa. Por mucho que su madre y su hermana sepan que ahí hay algo raro y hasta terminen por mandarla a tratamiento psiquiátrico.

Esta es una peli de quiero y no puedo. De entrada, el de la muchacha protagonista con esa intención de zumbarse a su hermano, que con una perspectiva mucho más convencional, pasa de ella sexualmente aunque se siente bien con la atención y la intimidad que tienen. Después, con la propia técnica narrativa, con una obsesión por el plano fijo y jugando con las geometrías de los planos, incluso sin música, presumiblemente intentando dar un aire frío y distante. Un aire que, debido a los colores, al montaje y a las actuaciones no acaba de llegar. Y al final, ya con menos importancia, con un guión que pese a profundizar parece quedarse a medio camino al dejar sin definir a todos los personajes excepto a nuestra protagonista.

En sus méritos, una actuación bastante buena por parte de la protagonista, y esa perspectiva nada tradicional para afrontar el tema del incesto, dejándolo como un tabú social lógico, a pesar de lo cual hasta encuentra cierta ternura en el enamoramiento adolescente presenciado. También eso, el hecho de ser capaz de profundizar en la mente de Jackie, tanto por medio de lo que vemos como de lo que nos narra y lo que le va contando a su psicóloga. Llama la atención, en cuanto a la narración, una constante en los planos, como ya he dicho jugando con la geometría de los objetos, pero aberrando la imagen solo un poquito, imperceptible a primera vista pero que sin duda afecta al modo en que observamos la imagen. Quizás esté en esto otra parte de esa falta de frialdad que transmite, al dar a los planos un aspecto no del todo perfecto o de extrañamiento a nivel más subconsciente.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.5
Técnica: 7.0
Guión: 6.0
Actuación: 7.0

TOTAL: 6.5

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domingo, noviembre 17, 2013

Cineuropa 2013 (IX): Quai d'Orsay

Título: Quai d'Orsay


Director: Bertrand Tavernier


Año: 2013


País: Francia


Duración: 113











Un buen día Arthur (Raphaël Personnaz) es contratado por Alexandre (Thierry Lhermitte), ministro de exteriores francés, para que le escriba los discursos y vigile el lenguaje. Para tener a alguien que le diga qué decir, vamos. Pero Arthur no es más que una pieza más del equipo que se encarga de analizar, comprender y preparar toda la maquinaria de imagen que es la vida de un ministro, un ministro con demasiados delirios de grandeza en todos los aspectos de su vida, a pesar de ser una persona bastante mediocre. Todo se vuelve más complicado cuando todo se ve envuelto en una más que posible guerra que los Estados Unidos quieren iniciar contra Lusdemistán, país inventado pero situado en oriente próximo, con petróleo y dictador, en una referencia nada oscura a la invasión de Irak y el trabajo llevado a cabo por Villepin como ministro de exteriores francés en esa época. Todo, basado en un cómic de Christophe Blain y Abel Lanzac, siendo de hecho éste último un exconsejero real de Villepin.

Una obra cinematográfica basada en un cómic basado en unos eventos tristemente reales que se convierte en una comedia absurda por cómo se lleva a los personajes hasta el histrionismo más absoluto, dando miedo al no saber hasta dónde es real lo contado y hasta dónde exageración del proceso creativo. Lo que sí tenemos claro es que la base es real y documentada de primera mano, y no es difícil imaginar el caos tan absoluto que puede ser un gabinete de prensa en una crisis como aquella. La gracia viene al mostrar la ineptitud y contradicciones del ministro, que una y otra vez se reitera en su pretenciosidad e incongruencia, limitando el trabajo de sus ayudantes y sabiéndose por encima del bien y el mal mientras lo hace.

El problema viene a ser que, si bien la película funciona, es ágil y las situaciones arrancan la carcajada del público una y otra vez, acaba volviéndose repetitiva al no tener un camino hacia el que orientarse y sobre el cual cimentar un conflicto, y simplemente optar por repetir una y otra vez gags de lo inútil que es el ministro. Incluso hay algún chiste repetido casi tal cual hasta 3 veces, como es el caso de los diferentes intelectuales a los que se le pide reescribir el discurso. Por lo demás, agilidad en el montaje, unos decorados impresionantes en interior de un gran palacio, buenas actuaciones y todo muy bien iluminado y fotografiado. Pero sin conseguir llenar, al dejar demasiado peso narrativo en un guión que no sabe resolverse.


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Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 6.5
Guión: 6.0
Actuación: 7.0

TOTAL: 6.5

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Cineuropa 2013 (VIII): Dime Quién Era Sanchicorrota

Título: Dime Quién Era Sanchicorrota


Director: Jorge Tur Moltó


Año: 2013


País: España


Duración: 63











En Navarra existe el desierto de las Bardenas. Ahí donde el Quijote de Terry Gilliam naufragó y donde hoy en día los atractivos de la zona se fundamentan, además del propio desierto, en una base militar y ovejas pastando. Pero no siempre fue así, y en un pasado la zona fue fundamental en la defensa del Reino de Navarra. Y en esa época, en el s. XV para más exactitud, un bandolero llamado Sanchicorrota se ocultaba por la región. Un bandolero bueno, que robaba a los ricos para dárselo a los pobres y que todo el mundo conoce en la zona.

Tal y como está construido el documental, la historia del bandolero sólo sirve como un principio de acercamiento, y enseguida se percibe que lo realmente importante es lo humano y la realidad. Personajes propios de la región hablando a cámara, hablando con el director (a quien escuchamos en más de una ocasión), siempre manteniéndose ese aire de patetismo que sólo la realidad puede llegar a dar. Un patetismo desde el que, no quiero que se me malinterprete, se conserva la dignidad y lo que hace realmente es acercarnos a lo filmado. Así, la humanidad de los pastores de ovejas de las Bardenas se nos va mostrando, consiguiendo sacarnos más de una sonrisa y desde luego creando un aire muy humano.

Jorge Tur Moltó (cámara, sonidista, productor, guionista, director del film...) consigue mostrarnos esta película tan sencilla y al tiempo tan compleja dejando que sea la realidad la que se torna protagonista. Que uno de los entrevistados está hablando con otro sin quitarse el micro y se me olvidó apagar la cámara? Pues la recoloco sin hacer corte y dejo que eso se quede, porque es una conversación cojonuda. Que los aviones de la base se meten por el medio de las declaraciones con su sonido? Es parte del montaje final. Incluso un descubrimiento de unos restos que el director hace de casualidad crean al final una coherencia que demuestra todo este principio de lo real como base del documental. Hasta el uso de la cámara, desenfocándose y sin buscar grandes planos, responde a este principio. Aunque no es que los planos desenfocados o que no buscan la perfección del encuadre sean ya una innovación que impresione en el cine.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.5
Técnica: 7.0
Guión: 7.5
Interés: 6.0

TOTAL: 7.5

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viernes, noviembre 15, 2013

Cineuropa 2013 (VII): Los Ilusos

Título: Los Ilusos


Director: Jonás Trueba


Año: 2013


País: España


Duración: 93











Un director de cine llamado León (Francesco Carril), en medio de una especie de crisis personal, es el protagonista de esta historia donde su vida y la de sus allegados va delimitándose en torno al día a día, a buscar algún pequeño resquicio al que atarse para vivir, a preparar una nueva historia, conseguir un papel, hablar con esta actriz o aquella... Todo, al mismo tiempo que vemos cómo el universo interno del film se relaciona completamente con el propio hecho de la grabación, con el repetir de las tomas y rompiendo los principios narrativos tradicionales para dar rienda suelta al film como entidad.

Los Ilusos es una película, ante todo, fruto del día a día. Del día a día de sí misma. Una película que se fue conformando a medida que el rodaje iba evolucionando, que solo nace de una idea y solo muere cuando ya no hay más bola que rascar. Y cuya vida se ve indefectiblemente ligada a la mesa de montaje. Porque ahí es donde están los principales valores de la cinta, en su falta de intención de contarnos nada y sin embargo hacerlo, jugando con la narrativa alterándola y manoseándola como si fuese un trozo de plastilina, mostrando una y otra vez claquetas dentro del plano, disertaciones sobre el cine, cortes de imagen sobre continuidad de sonido, diferentes tomas de una misma secuencia...

Eso sí, el nivel de pretenciosidad que se deriva de todo ello, y especialmente del guión es elevadísimo. Citas aquí y allá, intelectualidad caduca, reflexiones más bien vacías sobre la vida y el cine y, eso sí, un par de guiños más cínicos a la propia pretensión que, colocados ahí en medio, uno ya no sabría decir a ciencia cierta hasta donde lleva la ironía y hasta donde la crítica real. Con ello, una historia pequeñita, fruto de unos amigos divirtiéndose con la cámara, mostrándose ante ella y dejando clara constancia de la simplicidad de la vida aun a pesar de esa actitud elevada. Las actuaciones, por cierto, a un nivel totalmente lleno de altibajos, aunque en consonancia con ese aire amateur con el que Jonás Trueba ha sabido adornar todo el conjunto.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 6.0
Guión: 6.5
Actuación: 7.0

TOTAL: 7.0

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miércoles, noviembre 13, 2013

Cineuropa 2013 (VI): 郊遊 [Jiao You] (Stray Dogs)

Título: 郊遊 (Jiao You)


Director: Ming-liang Tsai


Año: 2013


País: Francia / Taiwan


Duración: 138











Un hombre y sus dos hijos, un adolescente y una niña pequeña, se las van arreglando para sobrevivir con lo poco que gana el padre sujetando carteles. Un buen día, en el supermercado, una de las trabajadoras se fija en la niña y, observando su comportamiento, se da cuenta de que es posible que necesite ayuda.

Una pareja de niños y su padre sin dinero, una posible madre. La necesidad de esos niños de alguien que los pueda cuidar en mejores condiciones. Y todo ello, contado con el principio narrativo de la pausa absoluta. Nada parece avanzar nunca en los planos que se nos van pasando ante nuestras retinas. Y, sin embargo, sí que suceden cosas; muchas, constantemente. Pero a un ritmo tan pausado y natural que la historia se va diluyendo entre las acciones y los escasos diálogos con los que cuenta el film. Los planos se suceden y en algún momento el tiempo parece congelarse, sólo vemos una imagen estática de alguno de los personajes, sintiendo y obligándonos a sentir a nosotros como espectadores.

Para rematarlo, una fotografía no excesivamente bonita, aunque llegando a jugar con el feísmo en más de una ocasión, especialmente en los planos interiores, lo cual da sentido a lo mostrado. De este modo Ming-liang Tsai crea un film de visión complicada por su naturaleza contemplativa pero cargado de sentimientos, aunque desde el montaje llegue a excederse en su pretensión. Y es que hacia la parte final del film, en 20 minutos apenas veremos 2 planos fijos con personajes casi totalmente estáticos. Es decir, mucho valor experimental a nivel narrativo jugando con el plano muerto, pero de digestión sumamente difícil como espectador. Al menos, los actores con su aire extraño y siempre lindando la línea normal de la realidad, consiguen hacernos creer los personajes y de este modo involucrarnos en la pequeña historia que nos va mostrando la película.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.5
Técnica: 7.0
Guión: 5.5
Actuación: 7.0

TOTAL: 7.0

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Cineuropa 2013 (V): La Herida

Título: La Herida


Director: Fernando Franco


Año: 2013


País: España


Duración: 95











La vida de Ana (Marian Álvarez) es bastante común. Trabaja en una ambulancia en los turnos de traslados de enfermos al hospital, tiene una relación sentimental que no va demasiado bien, vive con su madre, que está divorciada y con la que tiene cierta distancia y tiene un amigo especial en un chat de Internet. Pero su mente no es tan normal, y sus depresiones, altibajos y descontrol respecto a sus emociones le hace estar demasiado a menudo soñando con el suicidio, atacando a sus seres cercanos y, obviamente, afectando a su vida en general.

Es innegable, de entrada, el trabajo de guión respecto a la creación del personaje de Ana. Una personalidad compleja, llena de contradicciones y momentos de locura mezclados con transiciones mucho más normales, mientras ella intenta aferrarse a una vida que no puede alcanzar debido a lo intenso que se vuelve todo para ella. Eso sí, también está ahí el vacío absoluto al que ella se deja arrastar en su día a día, haciendo siempre lo mismo y sin apenas ganas por vivir, encerrándose en sí misma y con la obsesión de que todo el mundo está en su contra.

La puesta en escena, centrada en ella, busca el seguirla constantemente mediante primeros planos y así acercarnos como espectadores a su mente más que al mundo que la rodea. Incluso en momentos en los que el personaje camina, la cámara apenas se separa, persiguiéndola de cerca y eliminando absolutamente los decorados y escenarios, pues apenas importan para lo que se nos quiere narrar. No obstante, los problemas que presenta la cinta se hacen patentes en elementos como el vacío al que cae el guión en su intención de mostrar la locura de Ana, dejando el sabor de boca de algo que podría haber acabado siendo algo mucho más interesante pero que no llega a involucrarnos lo suficiente. Además unas actuaciones no demasiado convincentes especialmente en el nivel conversacional. De todos modos reconozco que, gracias a la naturalidad que se busca en todo momento y a ese modo de acercamiento al personaje por medio de primeros planos, al menos todo termina por conseguir resultar convincente si lo miramos desde una perspectiva global.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 6.0
Guión: 5.0
Actuación: 6.0

TOTAL: 6.0

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domingo, noviembre 10, 2013

Cineuropa 2013 (IV): The Act Of Killing

Título: The Act Of Killing


Director: Joshua Oppenheimer / Anónimo / Christine Cynn


Año: 2012


País: Dinamarca / Noruega / Reino Unido


Duración: 159











En 1965 el golpe de estado de Suharto dio comienzo a una era de terror y violencia hacia los comunistas en Indonesia. Miles fueron asesinados cruelmente por milicias y gángsters afines al gobierno. Gentes que a día de hoy no han recibido ningún tipo de castigo oficial y de los cuales unos cuantos siguen vagando con el recuerdo de lo sucedido en sus mentes pero sin siquiera ser conscientes de haber hecho nada malo. Esos verdugos son los protagonistas de este documental, que a medio camino entre el making of y el documental puro, nos los muestra escenificando los crímenes cometidos por ellos mismos, siempre jugando con distintos elementos de los géneros cinematográficos que los protagonistas escogen.

Queda muy claro, tras ver este film, cómo muchas veces los verdugos no son seres crueles e hijos de puta, sino personas con la cabeza tan lavada y tan manipulada que ni siquiera son capaces de comprender las atrocidades que han cometido. Es impresionante ver cómo los protagonistas del film hablan del pasado con total naturalidad, siempre a medio camino entre la consciencia de lo brutal y la capacidad para abstraerse por medio de la seguridad de que lo hecho era justo y necesario. Por último, y no menos importante, también la muestra de la realidad actual en Indonesia y lo terrible que es que casi 50 años más tarde siga sin cambiar nada prácticamente en la estructura de poder, hasta el punto de que el presidente apoye a los paramilitares y a los gángsters. Una realidad que ha llevado a la mitad del equipo a aparecer como anónimos, por miedo a las represalias. Así que ole sus huevos por haber arriesgado todo lo que han arriesgado para crear este documento.

En cuanto al resultado final, el relato terrorífico de las andanzas de los verdugos se mezcla a la perfección con las imágenes recreadas en distintos estilos cinematográficos, siendo las musicales el extremo de lo bizarro y generando una película dentro del propio documental que no sólo sirvió como excusa para acercarse a ellos, sino que además nos hace ver la brutalidad de las torturas y, al menos por algún momento, crea en Haji Anif, principal protagonista, la consciencia del sufrimiento de sus víctimas. Toda esta mezcla de materiales, dispuestos de manera no cronológica pero sí con mucha intención narrativa crea un discurso que, como el propio Herzog, productor de la peli, señala, resulta tremendamente poderoso, surreal y terrible. Un discurso que sobrecoge, pero precisamente por esto mantiene la tensión en todo momento, al pasar entre las diferentes atrocidades y con ello llegando a ser capaz de hacernos sentir asco y al mismo tiempo pena por esos personajes. Todo a pesar de mantener siempre la cámara bastante al margen y dejando que sean ellos quienes se expresen -por mucho que el montaje tenga un posicionamiento claro de repulsa-.


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Originalidad/Riesgo: 10.0
Técnica: 8.5
Guión: 9.0
Interés: 8.0

TOTAL: 9.0

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sábado, noviembre 09, 2013

Cineuropa 2013 (III): Paradies: Hoffnung (Paradise: Hope)

Título:Paradies: Hoffnung


Director: Ulrich Seidl


Año: 2013


País: Austria / Francia / Alemania


Duración: 92










Melanie (Melanie Lenz), hija de Teresa y sobrina de Anna Maria es enviada a un campamento para ver si baja varios kilos que le sobran. En el campamento conocerá a grandes amigas que le ayudarán a crecer y hacerse un poco más adulta, pero también a un médico del que caerá perdidamente enamorada y al que intentará seducir por todos los medios, a pesar del desdén con que el adulto parece tratarla.

Lo principal para hablar de esta cinta es la expresión vergüenza ajena. Y no en el sentido en el que se suele utilizar al hablar de cine, es decir, hablando de una peli terriblemente mala. En realidad, es con lo que juega Seidl en esta tercera parte de su trilogía Paradies, con esas niñas que se están convirtiendo en adultas e intentan encajar en un mundo que las desprecia por su condición física mandándolas a sufrir a un campamento. Unos personajes que, además, no parecen tener demasiado amor propio y aceptan el desprecio social como lo natural, a pesar de terminar por mostrarse como simples adolescentes que quieren vivir.

La factura continúa la línea marcada en las anteriores, Love y Faith, con su aire sórdido y narración fría, sin apenas juzgar lo que acontece, aunque aquí la cámara se acerque en algunas ocasiones a los personajes, consiguiendo crear cierto sentimiento de lástima. Por norma general, la idea es rodar cada espacio desde un mismo tiro de cámara una y otra vez en cada ocasión que se utiliza en la película, jugando además con las propias formas geométricas del decorado y dando así ese aspecto frío y maquinal a la dirección, ya una marca de la casa.

Eso sí, aquí, a pesar del drama que se narra y la crueldad de lo que le ocurre a la protagonista, el humor hace acto de presencia constantemente, sobre todo mediante esos guiños de vergüenza ajena y lo histriónico de algún personaje, como el profesor de gimnasia. De todos modos, deja la sensación de que podría haberse explotado un poco más esa esperanza de la protagonista, ya que desde luego no llega a la desesperación que por genética le debería tocar, dado lo que vimos en las anteriores entregas.


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Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 7.5
Guión: 6.0
Actuación: 6.5

TOTAL: 7.0

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Cineuropa 2013 (II): Jeune Et Jolie

Título:Jeune Et Jolie


Director: François Ozon


Año: 2013


País: Francia


Duración: 95










Isabelle (Marine Vacht) es una preciosa jovenzuela de 17 años que, una vez perdida la virginidad con su amor de verano, decide probar a ejercer la prostitución con hombres mayores que ella, habitualmente en hoteles de lujo y a ciegas, para sacarse un dinerillo fácil mientras aprende de la vida y disfruta de las fantasías que le proporciona este trabajo.

Una película que se destaca desde un comienzo con ese aire de burguesía acomodada que necesita evasión tan propio de tanto cine francés. Pero en este caso el hastío de la vida llega antes que la propia adultez, y no en la mediana edad, lo cual, dentro de lo que cabe, es un relativo soplo de aire fresco.

Llama la atención su protagonista, que con su frescura y belleza se hace totalmente con la cámara y carga a sus espaldas el peso de la película, comprendiendo muy bien las emociones y contradicciones del personaje al tiempo que va madurando y haciéndolo patente para el espectador. De este modo, queda en segundo plano el trabajo de cámara, suave y útil para acercarnos a los personajes, aunque en más de un momento a Ozon se le de por llevarnos hacia aspectos de la historia que quedan solamente en el aire, como es la sexualidad extraña del hermano pequeño. Pero no importa demasiado, pues lo contado funciona bien y entretiene, dejando tras de sí una historia sórdida y realista, pero que llega.



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Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 7.5
Guión: 7.5
Actuación: 8.0

TOTAL: 7.5

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Cineuropa 2013 (I): Le Week-End

Título:Le Week-End


Director: Roger Michell


Año: 2013


País: Reino Unido


Duración: 93










Una pareja de clase media acomodada, buen nivel sociocultural y en plena crisis de la mediana edad se van a pasar un fin de semana en Paris coincidiendo con su 30º aniversario, por aquello de recordar los buenos viejos tiempos en los que eran jóvenes, con futuro y mucho amor mutuo.

Hasta aquí, todo normal, no? Bueno, pues si les digo que todo el film se convierte en ellos dos vejándose para acabar volviendo a encontrarse, basando su relación en un desprecio mezclado con necesidad obsesiva y miedo a la soledad, además del cariño y la complicidad establecidos con el paso del tiempo, lxs más avezadxs ya podrán pensar que sí, se trata de uno de esos films-cliché que no aportan prácticamente nada nuevo. Además, el marco parisino creando una pequeña guía de viaje tampoco ayuda a hacerla especialmente novedosa.

Por fortuna, no todo son malas noticias, pues siguiendo este esquema tópico y manido, al menos el guión está bastante bien escrito, dejándonos muy buenos momentos tanto a nivel de humor como de complicidad entre los dos protagonistas, haciendo que la cinta avance con buen ritmo y al final el conjunto deje ese buen sabor de boca que suelen dejar este tipo de filmes. La dirección ayuda también, con una fotografía que, si dejamos de lado esas imágenes preciosas pero tópicas de la ciudad de la luz, sabe transportarnos bien al pequeño mundo de nuestra pareja, conviviendo con ellos constantemente y aportando calidez a las actuaciones, bastante buenas a excepción de Jeff Goldblum.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 5.0
Técnica: 6.0
Guión: 7.0
Actuación: 6.0

TOTAL: 6.0

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Cineuropa 2013: Comienza.



Comienza Cineuropa. Y como cada año intentaré, desde este espacio, ir dejando mis opiniones de todo aquello que vaya viendo en el festival de cine de Compostela. Serán 21 días en total, con cine de todo tipo, y yo intentaré ir a todo lo posible a pesar de lo limitado de mi agenda. Porque el festival se lo merece, y parece que cada año, a base de recortes, cueste más mantenerlo en la cresta de la ola. Y ya nos llega con el poco cine que queda en Compostela como para perder también este mes en el que la vida de la ciudad vieja se ve salpicada día sí y día también por las largas colas de gente intentando entrar al cine.

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