sábado, marzo 28, 2009

Un Día De Furia

Título: Falling Down


Director: Joel Schumacher


Año: 1993


País: Francia / USA / Reino Unido


Duración: 113










Michael Douglas interpreta a D-Fens, un personaje que en medio de un atasco infernal, decide bajarse del coche e irse a pie al cumpleaños de su hija. En su camino, se encontrará con situaciones que podría resolver bajando la cabeza y asintiendo, pero él no es así. Está harto y no dudará en utilizar la violencia contra todo aquel que le toque los cojones metiéndose en su camino. Por otro lado, un sargento de la policía en su último día de trabajo, decidirá involucrarse en el día de D-Fens.

Hay días que te pones una película a sabiendas de que la vas a dormir, y sabes que el porcentaje de error en tu diagnóstico, es muy bajo porque estás sumamente cansado. Ese fue el caso cuando me puse a ver Un Día de Furia y, sin embargo, no ocurrió. Y es que es un film muy divertido desde el comienzo: No necesita más de diez minutos para comenzar con la violencia que nos guiará durante toda la historia y que el título español tanto nos promete, y no baja el ritmo en todo el film, sino que se va aumentando progresivamente.

Además, está la reflexión sobre la vida moderna, quizás demasiado evidente y poco profunda que se nos va transmitiendo en la personalidad del personaje de Michael Douglas, que, para darle más dureza y hacerle ganar un hueco en cualquier corazón antisocial, en créditos directamente es denominado por su apodo: D-Fens. Cuestión aparte merece ésta del personaje, y es que logra convertirse, a pequeña escala y salvando las diferencias en una especie de Tyler Durden o Travis Bickle en su cruzada violenta y desquiciada contra el mundo. Realmente, creo que es el mejor papel del señor Douglas de cuantos he visto, y además, sus comentarios de ultraamericano pasado de rosca consiguen hacernos mostrar una sonrisa en toda la cinta.

Todo esto, por no decir que su aspecto es genialmente noventero, de esas películas que sabes exactamente a qué momento de la historia pertenecen, y sin por ello dejar de ser extrapolables a muchos años más tarde. Es lo que tiene el drama humano: siempre estuvo ahí, y siempre estará. Y aquí, además de la violencia destructora (sin gore, lo siento muchachos), existe la cuestión del conflicto humano. Sabemos que D-Fens es un loco, pero siempre actúa por causas justas, y además quiere ir a ver a su hijita el día de su cumpleaños. Cómo alguien podría no entender que se vuelva tan loco contra los que se ponen en su camino?

Como siempre, con mi ánimo de buscarle los defectos a todo, podría criticar ciertos momentos ya con la cinta tirando hacia el final, que se vuelven excesivamente extravagantes y grandilocuentes en su estilo de principios de los ’90, como cuando D-Fens se cuela en el campo de golf o se carga la obra de la carretera. Además, la personalidad del detective Prendergast, interpretado por Robert Duvall, peca de ser un poco discordante para mi gusto, quizás teniendo demasiado poco tiempo en pantalla para todo lo que se nos podría contar sobre él, pero claro, es mucho más interesante poner al que representa el caos y la destrucción.

A modo de resumen: violencia, buen ritmo, la locura que conlleva el drama, grandes frases (de hecho quiero comentar que uno de los diálogos fue usado por Internal Bleeding en el Driven To Conquer), y por todo lo que ello conlleva, diversión. Eso sí, quizás demasiado superficial en el contenido, pudiendo haber llegado a más lejos de donde llega.





PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 7.5
Guión: 7.5
Actuación: 8.0

TOTAL: 8.0

VER ENTRADA COMPLETA

¿Qué Fue De Baby Jane?

Título: What Ever Happened To Baby Jane?


Director: Robert Aldrich


Año: 1962


País: USA


Duración: 134










¿Qué Fue De Baby Jane? es el drama de 2 hermanas que en tiempos pasados alcanzaron el éxito, primero Jane en la infancia, y luego Blanche en una edad más adulta, viendolo esta truncado al quedarse postrada en una silla de ruedas tras un supuesto accidente en el cual también la primera estaba involucrada. Bajo esta situación, vemos los roces entre la hermana cuidadora y la dependiente, y cómo poco a poco van haciendo mella en la salud mental sobre todo de Jane, cuya vida desde la caída del estrellato parece haber sido una constante de querer recuperarlo.

Es curiosa la fascinación que las enfermedades psiquiátricas nos provocan, y si se nos presentan en una pantalla, todavía más. Puede que mucha gente lo niegue, diga que no, que se sitúe desde el punto no morboso de la historia.... Mienten. Esta película mola, y mola precisamente por la locura de Baby Jane Hudson y las perversiones. Como El Quimérico Inquilino. Como Psicosis. Como Que El Cielo La Juzgue. Como The Baby. Necesito decir más? Probablemente no.

Centrándome de nuevo en el film tras esta demostración de conocimientos cinéfagos automasturbatoria y más propia de un gafapasta, decir que sólo encuentro una pega: el blanco y negro. Y no porque no me guste el cine en blanco y negro, sino porque un film como el que nos ocupa, si hubiese sido rodado en el technicolor de los años 50 y 60, con la alegría que desprende, hubiese logrado destrozar aún más nuestra mente al ir progresando la historia.

Dejando aparte este pequeño detalle, debo decir que la narrativa del film es asombrosa. Muy poco a poco, nos va introduciendo en la vida de las dos hermanas protagonistas, cerrándonos a su mundo, obligándonos a sufrir por lo que ocurre dentro de esas 4 paredes, mientras la intensidad va subiendo sin dejarse notar, hasta que llega un punto en el cual estamos a punto de explotar y deseamos que la historia lo haga, pero solamente hace un amago de estallar, mostrándonos escenas de una crueldad inusitada como cuando Jane sirve animales muertos en la cena para evitar que Blanche coma y tenga fuerzas, y nos hace sufrir un poco más con ellas, y sólo estalla cuando debe hacerlo, cuando cierra todas las posibles opciones, redondeando todo lo que vimos anteriormente en esa espiral de violencia psicológica que es la historia, y destrozándonos totalmente en su final.

Todos los aspectos del film, de hecho, se encaminan a lograr este ritmo, desde un guión sin fisuras, el montaje, las actuaciones, e incluso las localizaciones y su variación lumínica y espacial nos van guiando y provocando una angustia cada vez mayor, consiguiendo crear un drama psicológico, o psicodrama, o como quieran definirlo, absolutamente terrorífico.

Por tanto, una película brillante, capaz de crear un clima de terror basado en el drama psicológico y que plantea la subida al éxito y posterior bajada del estrellato con sus consecuencias, con una puesta en escena que roza la perfección para llevarnos por el camino que quiere en todo momento gracias a todos los elementos que tiene a su disposición.




PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 9.0
Técnica: 9.0
Guión: 9.0
Actuación: 8.5

TOTAL: 9.0

VER ENTRADA COMPLETA

Wall·E

Título: Wall·E


Director: Andrew Stanton


Año: 2008


País: USA


Duración: 98










Estamos en el s.XXVIII aproximadamente. La Tierra ha sido casi destruída hace 700 años por la radiación, así que los humanos viven vagando por el espacio en una nave gigantesca con todas las comodidades. WALL•E es un robot destinado a la Tierra para recoger basura y hacer posible que la humanidad regrese algún día. Su único amigo es una cucaracha, hasta que un día llega EVE, un robot encargado de buscar algún atisbo de vida orgánica en el planeta. WALL•E se siente atraído inmediatamente, e intenta disfrutar del amor como ha visto que ocurre en Hello Dolly!. EVE, no obstante a que gusta de las atenciones de WALL•E, sigue su programación básica al ver una planta que el robot que da nombre al film le enseña. WALL•E, que no acaba de entender lo que ocurre, la perseguirá hasta donde haga falta para salvarla y protegerla.

Cuando alguien habla de esta película, es raro no escuchar hablar de lo increíble de las animaciones, o lo bonita (y por tanto buena) que es. Bien, pues para leer esas cosas, se van a otra parte. Yo la voy a despedazar de un modo bastante cruel, pues me parece que se ha sobrevalorado, y basándome en estas buenas críticas que tiene.

Arrancaré destruyendo la alabanza de las animaciones. No estoy diciendo que sean malas, no me malinterpreten, pero es que no es nada absolutamente novedoso e increíble. Las partes ambientadas en la Tierra son las más interesantes, por ese punto cyberpunk postapocalíptico que se presenta, con la gran ventaja que supone la animación para llevar esto al extremo. Un paisaje desolado, abandonado, y lleno de chatarra por todas partes. Pero la animación, bastante normal. Dentro de la nave, me recuerda en el colorido a la última de los Wachowsky, Speed Racer, pero pasado por un punto mucho menos delirante y de animación pura que en la citada.

Respecto a lo de “bonita”, pues qué quieren que les diga, reconozco que la historia de amor que guía la historia es sumamente entrañable, pero es que ver tan solo esto, sería un análisis muy poco profundo. En realidad trata de un film distópico al más puro estilo!. Tenemos por un lado una humanidad robotizada y condenada a la ignorancia y a no hacer nada, bebés que se desarrollan en matrices mecanizadas, al estilo de Un Mundo Feliz, y robots manejando todo para la buena y vacía vida de estos humanos, y que resultan ser más humanos que los que reciben el nombre, eso sí, para no hacer esto demasiado largo, no me meteré en la verosimilitud de por qué los robots desarrollan sentimientos, ni cómo o de dónde nace la planta que encuentra Wall•E en un frigorífico y que es la base de toda la historia, ni otros tantos defectos de guión que existen, pero que si me los explicaran y dejaran un poquito aparte la bonita historia de amor, habría logrado engancharme bastante más.

Otro detalle destacado muchas veces: La primera media hora no tiene diálogos, y no aburre!. Punto 1: es mentira. Vale que no hay diálogos hablados con voz, pero creo que la gente que sólo sabe hablar con palabras, debería morir. HAY MÁS FORMAS DE DIÁLOGO QUE UNA CONVERSACIÓN. Además, incluso se dicen cosas, aunque sean muy vagas y apenas entendibles. Punto 2: claro que no aburre, es la presentación de los dos personajes, de su relación, con todo lleno de música de esa para que la gente sepa si debe asustarse o llorar, que tantas veces sobra en el cine, referencias a Hello Dolly que nos ponen tiernos, y además, explosiones. Conclusión: Tiene diálogos, música y acción. Así claro que no aburre (y que conste que un poquito sí, pero poco).

Lo que sí destacaría por mi parte es el final de los créditos, con la animación del logo de Pixar y la interacción con Wall•E, y el personaje del robot limpiador M-O, que podríamos definir recordando a la ardilla de Ice Age. Es el mismo personaje, simple y llanamente, pero que siempre me hace reir, soy así de simple.

Por tanto, un film sobrevalorado de un modo brutal, ensalzado por lo bonito de los robots (y sí, todos pensamos en cortocircuito al ver a Wall•E, así que eso no debería ser tan bien considerado), que al no decidirse entre la distopía o la historia de amor, e intentar durar 90 minutos para que todos los públicos puedan tragarla, se queda en un punto muerto, con demasiados vacíos en el guión, y una banda sonora basada en referencias populares, para agradar al público más gafapastil y hacerles sentirse cultos e inteligentes.





PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 5.0
Técnica: 8.5
Guión: 4.0
Actuación: 7.5

TOTAL: 6.5

VER ENTRADA COMPLETA

Y Más Críticas

Eso, acabo de subir otras 4 críticas.


Anatomía De Un Asesinato
Wall·E
¿Qué Fue De Baby Jane?
Un Día De Furia


VER ENTRADA COMPLETA

Anatomía De Un Asesinato

Título: Anatomy Of A Murder


Director: Otto Preminger


Año: 1959


País: USA


Duración: 160











Paul Biegler (James Stewart) es un abogado con más bien pocas ganas de trabajar después de no haber sido reelegido como fiscal. Un buen día, cuando empieza a quedarse sin dinero ni para pagar a su secretaria, le surge un caso de defensa de un hombre que ha matado al supuesto violador de su mujer. A pesar de lo complicado que parece en un principio, decide aceptarlo, y defenderlo como sea ante los hombres que ostentan ahora su antiguo puesto en la fiscalía.

El cine de juicios no me atrae. Es un hecho. No sé si es por lo extremadamente dialogado que es este género, si es que no creo en la justicia, o si es que no me gustan los abogados. Todo esto, a excepción de 12 Hombres Sin Piedad, film que me encanta, y en la cual apenas aparece nadie fuera de los 12 miembros del jurado, así que supongo que se trata del último de los supuestos.

Aún así, debo admitir que esta es una de las mejores películas de este género que he visto. El ritmo que el señor Otto Preminger logra ofrecernos aquí es impresionante, sobre todo en la parte inicial, antes del comienzo del juicio, y es increíble como se pasa de rápida la primera hora de las poco más de 2 y media que dura. No obstante, el juicio se hace monótono, como suele suceder, con testificaciones una y otra vez y a pesar de lo que el guión intenta provocar en el espectador, que es un cambio de opinión respecto al caso en sí, cosa que logra al menos conmigo, acaba resultando excesivamente denso, al mostrársenos el juicio prácticamente íntegro a nivel audiovisual, pareciendo obviar solo ciertas partes de llamadas, juramentos, etc.

El personaje principal, bien interpretado por el señor James Stewart, con algunos de los momentos de más cabreo que le he visto nunca, logra llevarnos a lo largo de toda su investigación del caso y el juicio con grandes momentos de frases lapidarias, cambios de registro en su momento exacto, y ciertas dosis de humor en todo ello, aligerando la pesadez del juicio, y en una lucha constante a lo largo del mismo contra un genial George C. Scott y un solvente Brooks West, que aún a pesar de esta manía mía hacia su profesión, consigue hacerme sentir realmente la rivalidad que existe entre la fiscalía y la defensa.

Lo dicho. Un film de juicios que pese a su duración no se hace extremadamente pesado para lo que suele ser el género, bien interpretado y dirigido, y que no se me olvide citar la banda sonora a base de jazz compuesto por el señor Duke Ellington, que aunque no se muestre demasiado, se agradece cada vez que suena.





PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.5
Técnica: 7.5
Guión: 7.0
Actuación 8.0

TOTAL: 7.5

VER ENTRADA COMPLETA

domingo, marzo 15, 2009

Aluvión de Críticas

Pues eso, que he metido unas cuantas críticas nuevas. A saber:

Otto; Or, Up With Dead People
Gritos Y Susurros
Trilogía de Death Note en imagen real
Dead Leaves


VER ENTRADA COMPLETA

Dead Leaves

Título: Dead Leaves


Director: Hiroyuki Imaishi


Año: 2004


País: Japón


Duración: 55













Retro y Pandy son un hombre y una mujer con deformaciones (ella tiene una mancha en un ojo, él tiene una televisión por cabeza, es decir que están casi a la par) que aparecen de golpe en la Tierra sin recordar nada. Teniendo en cuenta que están desnudos y hambrientos, deciden robar un banco, y descubren ser increíblementes poderosos. No obstante, son capturados y enviados a la prisión de la Luna, llamada Dead Leaves. Allí, intentarán descubrir su pasado al tiempo que intentan huir.

Si tuviese que definir esta película con una palabra, esa sería sin duda ‘diseño’. Si tuviese que aportar otra palabra a esa primera, sería ‘violencia’. Esto es básicamente lo que Dead Leaves nos ofrece: unos 50 minutos de violencia casi sin pausa, y con una estética tremendamente cuidada y especial que la separa de la animación japonesa a la que estamos habituados, convirtiéndola, aunque solo sea por ello, en una obra digna de atención.

Les podría intentar explicar como es su estética, pero me quedaría corto, y además no tendría sentido perder tanto espacio cuando ustedes pueden buscar imágenes fácilmente. Solamente citar que es interesante que no constituye solo la presencia formal, sino que también ayuda estructuralmente en la salvaje narrativa, basada en una constante de disparos, golpes, monstruos y humor sexual y escatológico que tan aprovechado está en el mundo del anime.

De hecho, quizás sea esta velocidad constante el principal problema de esta cinta. La violencia está presente todo el tiempo, pero eso no siempre es bueno, ya que aquí desemboca en una falta de interés hacia los personajes que se arrastra hasta el final, y es una pena porque habría ganado si quisiéramos saber el pasado de la protagonista, o por qué están allí, pero no ocurre, simplemente sirve como un fino hilo conductor que nos daría igual dejar inconcluso.

Es muy dificil, por tanto, el ponerse criticar la trama, ya que queda supeditada al espectáculo visual que se nos presenta, y solamente evoluciona a un nivel de videojuego estilo mato a monstruo, viene monstruo más grande al que mato para que venga otro y así hasta el final, cosa que no tiene por qué ser mala, pero que para no dejar frío al espectador debería ahondar más en los personajes. Eso sí, podríamos destacar la relación que existe entre un cuento que la protagonista recuerda y la experiencia que está viviendo, otro punto no lo suficientemente profundizado, pero que logra darle un aire siniestro a la historia muy interesante entre tanto colorido.

Por lo demás, no tengo demasiado que decir, un film que es básicamente lo que pretende ser, una propuesta innovadora y violenta (aunque sin pasarse de gore) dentro del anime, con sus partes de humor japonés, sus burradas exageradísimas y monstruos que están bien hasta cierto punto.





PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.5
Técnica: 8.0
Guión: 5.5
Actuación: 6.0

TOTAL: 7.0

VER ENTRADA COMPLETA

Trilogía Death Note (Imagen Real)

Título: Desu Notô


Director: Shusuke Kaneko


Año: 2006


País: Japón


Duración: 126













Título: Desu nôto: The Last Name


Director: Shusuke Kaneko


Año: 2006


País: Japón / USA


Duración: 141













Título: L: Change The World


Director: Hideo Nakata


Año: 2008


País: Japón


Duración: 129













Veamos, de entrada, desconozco totalmente el manga original de la historia, así que solo haré comparaciones entre el anime y estas 3 películas. Eso lo explico por si algunx de ustedes ya pasa de mi criterio solamente por hablar sin saber de qué hablo cuando cito Death Note.

Avisado esto, comencemos con la sinopsis de la obra general para que incluso los menos avispados sepan de que hablo: Yagami Light es un adolescente japonés que posee una libreta, la Death Note, que tiene el poder de provocar la muerte a todo aquel cuyo nombre esté escrito en ella, siempre y cuando quien lo escribió tuviese su cara en la cabeza en ese momento. Con esta libreta, comienza a asesinar a todos los maleantes del mundo, para erigirse como Kira, el Dios de un mundo sin crímenes. Por otro lado está L, el mejor detective del mundo, que acepta el reto de desubrir y cazar a Kira, para lo cual emplea su intelecto superior y sus propios medios técnicos.

Con esta premisa, se nos ofrece una adaptación a imagen real de uno de los animes y mangas de más éxito de los últimos años. La calidad de lo ofrecido entre las tres películas es bastante irregular, haciendo difícil su análisis conjunto, y les explico:

La primera es una adaptación directa de la primera saga, pero perdiendo la frescura y el interés del anime, en pos de hacerlo un poco más accesible para el público, aunque retocando también algunos de los defectos que este tenía, como el comienzo, que era absolutamente ridículo y que aquí, directamente se obvia. Su aspecto en cuanto a las actuaciones, cámara, montaje y narrativa en general, rozan el estuli de una TVmovie, eso si, una TVmovie como solo podría hacerse en Japón.

En la segunda, sin embargo, se opta por mezclar la segunda y tercera saga del anime, logrando escoger solo lo bueno, y cargándose tanto la compañía (ya le gustaría a Michael Scofield ser uno de los guionistas de Death Note) como a los dos criajos de la tercera saga, y mostrándonos un duelo entre Kira y L muy superior al de la serie, y con un aspecto fílmico también superior al de la primera, con un ritmo asombroso, e incluso mejores actuaciones a pesar de ser los mismos actores, probablemente porque ya habían cogido rodaje con los personajes, siendo la mejor con mucha diferencia, de las 3 películas aquí reseñadas.

Para la tercera nos espera un spin off que nos muestra lo ocurrido a L durante la elipsis que hay al final de la segunda (me costó escribir esto sin hacer spoilers), un tiempo en el cual se dedica a salvar al mundo de un potente virus fabricado a base de mezclar el del ébola y el de la gripe. Aquí podemos ver a L como un héroe de película más al uso, viajando de un lado a otro, protegiendo a dos niños e incluso enfrentándose a un secuestro de un avión aún más jodido que el de Delta Force. La dirección aquí cae en manos de Hideo Nakata, convirtiéndola en la más peliculera de las 3, a costa de caer en lugares demasiado comunes a día de hoy, pero logrando un film entretenido y que nos permite observar un pequeño desarrollo del entramado que Watari había construído alrededor de L para la lucha contra el crimen.

Resumiendo la trilogía conjunta, una historia bastante buena, que hace aguas en algunos momentos, sobre todo en la primera, pero que mejora y completa la serie de anime, y supongo que al manga, sin perder prácticamente el espíritu original de la historia.





PUNTUACIÓN

Originalidad/Riesgo: 5.0 // 7.5 // 6.5
Técnica: 6.0 // 7.0 // 7.5
Guión: 5.5 // 8.5 // 6.0
Actuación 4.5 // 6.0 // 6.5

TOTAL: 5.5 // 7.5 // 6.5

VER ENTRADA COMPLETA

Gritos Y Susurros

Título: Viskningar Och Rop


Director: Ingmar Bergman


Año: 1972


País: Suecia


Duración: 91













Lo primero, la sinopsis: Agnes está realmente enferma, y los únicos seres que le quedan en la vida son sus dos hermanas Maria y Karin y su criada Anna. Las vidas de estas mujeres se mueven entre dicotomías y falsedades que les permiten establecer lazos entre ellas, y aunque se conozcan desde niñas, ni siquiera son capaces de mostrarse a sí mismas como son.

Una vez más, el señor Bergman nos demuestra que se trata de uno de los mejores observadores y conocedores del ser humano que haya existido jamás, o al menos de los que lo hayan intentado demostrar artísticamente. Los personajes, perfectamente desarrollados, nos dejan ver lo más profundo de sí mismos, al tiempo que nos obligan a analizarnos a nosotros mismos, reflejados en la dualidad que el mentirnos a nosotros mismos sobre nuestra forma de ser para poder soportar la vida social nos provoca poco a poco, quemándonos y destrozándonos mientras sentimos la muerte acercándose inexorablemente (tomen análisis profundo, pero es que no se me ocurría nada menos pedante). Pueden ustedes pensar que esta idea es un poco simple y evidente, pero bueno, para eso está el arte, para mostrarnos las cosas de modo que parezcan evidentes y hacernos reflexionar sobre ellas.

Todo en este film está en su sitio adecuado en el momento que debe. Es uno de los mejores ejemplos de desarrollo de personajes que he visto jamás, con una ambientación y una narrativa sencillamente magnífica, que no teme introducir elementos de bizarrada para presentarnos a los personajes (solo diré una cosa: cristales en la vagina) y va creando una tensión que crece, crece y crece hasta un clímax sorprendente (spoiler: hay un elemento zombie cojonudo) y desde luego, unas actuaciones rozando la perfección, como es habitual en el cine de Bergman, siendo imposible destacar a ninguna de las 4 mujeres protagonistas (y teniendo en cuenta que una de ellas es Liv Ullmann, quiere decir que el nivel es realmente muy alto).

Todo esto, además, con una duración de unos 90 minutos que pasan con una velocidad brutal, prácticamente sin permitir respirar ante lo tremendamente crudo y personal que tenemos en la pantalla, demostrando que no es necesario hacer cine con planos muertos y duraciones de cientos de minutos para llegar a la profundidad más absoluta que el cine nos puede mostrar, y además crear sensaciones de auténtico terror en el camino.

Por poner alguna pega, que ya parezco un enajenado idólatra de Bergman (que reconozco serlo de muchos de sus trabajos), establecer lo extraño de la vuelta de los flashbacks al tiempo actual. Al principio me dejaron desubicado sin saber si seguía viendo el tiempo pasado o ya habíamos vuelto, pero realmente podríamos definirlo como un fallo menor, puesto que a lo largo del metraje se hace más sencilla la comprensión.

Resumiendo, que este es uno de esos films que se van directos a los de visión obligatoria para mejorar como persona. Todo en él se mueve en unas cotas de calidad altísimas, y supera con creces las pretensiones que se plantea.






PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 9.0
Técnica: 9.0
Guión: 8.5
Actuación 9.5

TOTAL: 9.0

VER ENTRADA COMPLETA

Otto; Or, Up With Dead People

Título: Otto; Or, Up With Dead People


Director: Bruce La Bruce


Año: 2008


País: Alemania / Canadá


Duración: 94













La historia, para que sepan de qué hablo: Otto es un chaval convertido zombie y del cual desconocemos cuanto tiempo lleva en este estado. Para poder sobrevivir en sociedad y que no lo palicen por ser gay y ser zombie, decide que debería buscar un modo de conseguir dinero y dormir bajo techo. Encuentra la solución en una película porno gay de zombies que una artista absolutamente underground (como es evidente con esa temática) está produciendo y rodando desde hace años debido a la falta de financiación, con un claro y duro mensaje político de destrucción de los valores sociales.

Es decir, en esta película hay zombies, y hay sexo homosexual, y hay metacine, y hay experimentación, y hay discurso político-nihilista, y hay una penetración vía intestinal tal y como le gustaban al buen señor Dahmer (bueno, casi), y hay poco presupuesto (y además se nota). Debo seguir? No, no debo, es excesivo. Con esta enumeración cualquier ser cabal debería ir corriendo al primer lugar cercano a su casa donde pongan la película y verla (ya sea el bar del Paco o el museo de arte moderna/contemporánea de su ciudad), como hicimos otras muchas personas cuando supimos que teníamos la oportunidad de verlo (lo menos éramos 7 personas en la sala, te cagas).

No obstante, no es oro todo lo que reluce, y es que la cinta es de esas que te dejan con un sentimiento ambiguo y no sabes a ciencia cierta si te gusta o no, ya que es excesivamente densa para lo tremendamente freak de la trama, y su ritmo es pausado, como el caminar de un buen zombie, cosas que suelen pesar en argumentos tan disparatados, recordando en cierto modo a joyas como The Addiction por esta mezcla de cine de género (en un caso son vampiros y en otro zombie), discurso filosófico, y elementos sobre la humanización del monstruo, o la monstruización del humano.

Además, se mueve de un modo tremendamente complejo para el espectador respecto a la realidad y la ficción introducida dentro del film, descontando que algunas de las actuaciones no destacan precisamente por su calidad, ni el montaje es precisamente una obra maestra que sentará cátedra, dejando patente esta falta de presupuesto de la que hablaba, y con la que normalmente soy bastante más permisivo que en esta ocasión, porque hay algo que no me lo permite, quizás todo el trabajo de la fotografía y experimentación fílmica que contiene.

Resumiendo, que no creo que tengan todo el día para estar ahí leyendo mis sandeces y con esto ya se habrán hecho una idea de por qué ver (o no) el film. Deja al espectador más frío de lo que debería, y sin embargo mola sobretodo por el argumento y ciertas partes de la narrativa y la técnica.






PUNTUACIÓN

Originalidad/Riesgo: 9’5
Técnica: 6’5
Guión: 7’0
Actuación 3’5

TOTAL: 6’5

VER ENTRADA COMPLETA
Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...