lunes, diciembre 21, 2009

Spanish Movie

Título: Spanish Movie


Director: Javier Ruiz Caldera


Año: 2009


País: España


Duración: 85











Ramira (Alexandra Jiménez) entra a trabajar en una mansión para cuidar a los hijos de Laura (Silvia Abril), quien también convive con su hermano Pedro San Antón, paralizado de cuello para abajo. Pero pronto acabará matando al niño, volviéndose todo cada vez más extraño y absurdo en toda la mansión y lo que rodea la desaparición del niño.

Desde la aparición de Scary Movie, por algún motivo se comenzó a emplear siempre el calificativo Whatever Movie para definir a las spoofs movies (llegando a plantear Maddox la Vague Genre Movie directamente). Atrás y olvidados quedaron los años de Top Secret, Hot Shots! o los ¡Aterriza Como Puedas! y demás pelis protagonizadas por el señor Nielsen, siempre traducidas en España con un Loquesea Como Puedas, ya sea Agárralo Como Puedas, Espía Como Puedas, 2001: Despega Como Puedas

No obstante, a las Epic Movie, Disaster Movie o Date Movie, también se sumaron títulos como Zombies Party (odio esa traducción), Casi 300 o No Es Otra Estúpida Película Americana. Y aunque no podamos meter todas ellas en el mismo saco ni de calidad, ni de factura, ni de humor, sí podemos encontrar un cierto éxito relativamente común (aunque las haya que tuvieran menos, todas consiguieron llegar a cubrir gastos, que ya es algo). Si a esto le sumamos la supuesta crisis, reformas legales, y críticas que rodean al cine español en la primera década de los 2000, pues no es de extrañar que a una mente iluminada (en este caso los señores de Telecinco) se le ocurriera adaptar esa fórmula de éxito de las spoof con el cine español de más éxito recogiendo los últimos 20 años, pero centrándose en los inmediatamente anteriores. La idea al menos es reseñable por no buscar simplemente una excusa para cobrar subvenciones, sino aprovecharlas para sacar algo de pasta.

Pues bien, la idea es bastante sencilla, y, sobre una base que mezcla El Orfanato con Los Otros, introduciendo personajes parodiados de Mar Adentro y Volver, se plantea un guión muy sencillo, que avanza en base a gags de humor sencillo y adaptable para todo el público de sala comercial, pecando de una falta absoluta de interés en la trama, que simplemente se estructura como hilo conductor de unos chistes, y desembocando en un caos de intentar cerrarse con guiños de un modo caótico (y eso sí, los chistes son de dudosa comprensión fuera de España en muchos casos (el meter Como Una Ola en gags de Mar Adentro, es un buen detalle, pero para aquí)).

Y es que ese es el principal problema de la peli, el exceso de búsqueda de gags y guiños pesa en la historia, llegando a fragmentar lo presentado en forma de anuncios publicitarios y, aunque haya momentos que hagan gracia, funcionan cada uno por separado, nunca como un conjunto ni como un continuo que vaya manteniendo el mismo nivel y cree la diversión que debería tal y como se plantea el film. A esto se le suma, que hay que tener en cuenta en su contra que muchos de los gags no son originales precisamente, y recogen el humor ya sentado en obras como las citadas Agárralo Como Puedas (esos chistes de no comprensión de frases) o Top Secret (recuerdan la lupa y el ojo del librero? Pues eso). Aún así, el ritmo narrativo se presenta con un mínimo de lucidez y no se hace pesada en casi ningún momento, gracias a lo cual al menos se hace ligera y mínimamente entretenida, que ya es algo.

Técnicamente, pues un film hecho con oficio, bebiendo y dependiendo demasiado del formato televisivo, y poco más, puesto que lo principal a lo que se dedica es a la muestra de los gags del mejor modo a precio más barato (y es que momentos como el que la niña coge al hada, son un poco burdos para el 2009 en una producción de cierto presupuesto). A ello se le suman un par de robos de planos, como sería el del baño, en “homenaje” a otras pelis (en este caso El Orfanato, aunque ya lo había robado de Dawn Of The Dead), y una presentación estética y fotográfica netamente simplista, incluso aparentando en las tomas falsas que se introducen en los créditos que han sido rodadas con multicámara por aquello de simplificar aún más las cosas para empaquetar y presentar.

Y desde el montaje, se busca esta misma simplicidad favorable al guión que desde la fotografía, ayudando en ese falseamiento para abaratar los costes de efectos y, sencillamente, presentar todo en relación a los guiños, con un ritmo bastante aceptable y no demasiados errores (que aún así algún error podría pasar por hecho a propósito y se zafa). El sonido, por su parte, evidenciando demasiado los foleys, y aceptable por lo demás. Agradecer y destacar el empleo del doblaje de Leslie Nielsen habitual en su cameo, y también algunos guiños de la banda sonora, versioneando en el límite de lo legal temas como la B.S.O. de Superman.

En cuanto al reparto, pues una búsqueda de renovar y abaratar nuevamente con la utilización de gente con origen televisivo, entre los cuales destaca un Carlos Areces con una interpretación bastante buena y momentos de buen humor (destaco el propio autoguiño, donde lee páginas de Ocurrió Cerca De Tu Casa), quedándose también en un buen nivel Alexandra Jiménez, teniendo en cuenta el tipo de papeles que requería el guión, y el nivel de humor que realmente contiene. Silvia Abril, por su lado, relativamente bien, aguantando bastante bien, pero con demasiados momentos bastante sosos y forzados.

Entre el resto del reparto, y dejando aparte los cameos de gente como Alejandro Amenábar, Álex De la Iglesia o Jaume Balagueró, destacar a Luis Zahera, bastante simpático en sus apariciones, y a Berto Romero y Andreu Buenafuente en esa parodia entre dibujos de gente pequeña que son Los Pitufos y David El Gnomo. Sí querría destacar negativamente a Joaquín Reyes en su papel de Fauno, aunque esté más correcto en el sketch suelto donde se parodia a Los Lunes Al Sol con toda la plana de Muchachada Nui y con una influencia de El Ángel Exterminador.

En resumen, un producto bastante falto de originalidad, que dentro de lo que cabe, es lo que pretende ser, una peli con unos cuantos chistes, en ocasiones demasiado evidentes, que no se hace aburrida, pero tampoco entretiene lo que debería.










PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 5.0
Técnica: 6.0
Guión: 6.5
Actuación: 6.0

TOTAL: 6.0

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sábado, diciembre 12, 2009

The Street Fighter (Trilogía)

Título: 激突!殺人拳 (Gekitotsu! Satsujin Ken)


Director: Shigehiro Ozawa


Año: 1974


País: Japón


Duración: 87











Título: 殺人拳2 (Satsujin Ken 2)


Director: Shigehiro Ozawa


Año: 1974


País: Japón


Duración: 89











Título: 逆襲!殺人拳 (Gyakushû! Satsujin Ken)


Director: Shigehiro Ozawa


Año: 1974


País: Japón


Duración: 83











Una vez retirado, En esta trilogía, Sonny Chiba interpreta a Takuma Tsurugi, un matón a sueldo, maestro del karate callejero, y que ha sufrido mucho en su vida por la muerte de su padre. Esto lo ha transformado en un ser rudo e individualista, que no dudará en llevarse por delante a quien sea necesario para que su ley se imponga, a veces centrado solo por el valor monetario, pero siempre bajo unos principios morales muy fuertes que le harán enfrentarse a las mafias, la policía o quien sea necesario.

No es muy común el estrenar 3 películas de una saga en un mismo año. Para ello es necesario rodarlas casi simultáneamente, y tener un modo de trabajo muy definido. Y vale, desde El Señor De Los Anillos (1,2,3) mucha gente ha hecho cosas similares, como pasaría con Kill Bill o Matrix (2,3) (aunque en estos casos eran 2 las que se rodaron simultáneamente). Sin embargo, en el 74 en Japón ya había quien inventara la fórmula, dando como resultado esta trilogía.

Las tres partes son básicamente el mismo concepto, con dobles traiciones que caen sobre Tsurugi, quien se librará a base de kárate de todos los mafiosos que se le echan encima (casi siempre desarmados, que aún siendo mafiosos, creen en los códigos de honor). Con esto, se nos ofrece un espectáculo de acción y artes marciales brutal, con algunas partes gore francamente memorables, especialmente en la 1ª, con arrancamiento de partes a algunos de los malos, y mucho, mucho entretenimiento.

Todo ello con una base absolutamente asentada con esos pretextos de acción y venganzas que consiguen crear un ritmo muy adecuado, especialmente en la primera entrega (y es que va perdiéndose en bastante medida en las otras dos partes), cerrándose cada una de ellas, pero necesitándose mutuamente para llegar a crear el conjunto.

Tras ver semejante espectáculo de ostias y absoluta dureza, una cosa queda clara: Sonny Chiba es un héroe de acción al nivel de grandes nombres grabados a fuego en esta categoría como Clint Eastwood, Chuck Norris o Charles Bronson. Y que su personaje, Takuma Tsurugi, debería estar ensalzado como uno de los más entrañables duros jamás vistos, al nivel de Harry Callahan o John McClane. Y es que como marcan los cánones, no sólo es un grande en el combate cuerpo a cuerpo y en la violencia como método más adecuado para resolver problemas, sino que además desprende un profundo sentimiento de misoginia, racismo y antihippismo a lo largo de los tres filmes.

Sería destacable toda la cuestión de la ambientación y la fotografía, mucho más oscuro e insinuante que en los tópicos del cine de kung fu, con un protagonista que realmente era un buen artista marcial (muchas partes no emplean cortes y se ve claramente que no se trata de dobles), además de contar con una banda sonora que se queda grabada en la mente del espectador durante días.

Por otro lado, citar el uso de flashbacks a la 1ª parte que se hace en la 2ª, planteado tanto para rellenar tiempo como para explicar un poco el sentido de ciertos personajes en la historia. Respecto a esto es muy extraña la utilización de un flashback que nos lleva a la niñez del protagonista, empleado en las 3 partes, siendo en la 3ª ya regocijo de los espectadores su aparición, así como la del maestro de una escuela de Kung Fu, Kendo Masaoka (interpretado por Masafumi Suzuki), que comienza siendo enemigo de Tsurugi y termina por ser maestro y amigo. Aún así destacar lo que comentaba antes del buen trabajo de montaje en los combates, mostrándose enteros y sin cortes, ganando en ritmo y credibilidad gracias a ello.

Puntos en contra, quizás echarle en cara la bajada de calidad narrativa que es la 3ª parte, con excesivas escenas de puro relleno, y algún deus ex machina por el medio, y este hecho de las repeticiones de escenas de la 1ª a lo largo de la 2ª, que cortan un poco el sentido del visionado como una unidad narratológica, que es lo que para mí tiene sentido en esta saga.

Por tanto, una trilogía interesante, con muy buenas dosis de violencia y artes marciales, y convirtiendo a Sonny Chiba en un gran héroe de acción al nivel de los grandes del género, a pesar de bajar enormemente la calidad según evoluciona la saga.









PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5 // 7.0 // 6.5
Técnica: 7.5 // 6.5 // 5.5
Guión: 8.0 // 8.0 // 6.0
Actuación: 8.5 // 8.0 // 8.0

TOTAL: 8.0 // 7.5 // 6.5

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sábado, noviembre 28, 2009

El Secreto De Sus Ojos

Título: El Secreto De Sus Ojos


Director: Juan José Campanella


Año: 2009


País: Argentina / España


Duración: 127










Una vez retirado, Benjamín Expósito (Ricardo Darín) decide escribir una novela basada en un caso que le impactó y cambió la vida 30 años atrás. Para ello, llama a su compañera de trabajo de entonces, Irene (Soledad Villamil), con la cual siempre hubo algo más que compañerismo, pero nunca se atrevieron a reconocerlo mutuamente, y juntos, acaban rememorando ese tiempo pasado y lo ocurrido entonces.

Qué es la justicia sino una forma de venganza? Un castigo por malas acciones cometidas? Una forma de mantener el orden social? Pues que quieren, a mi eso me suena en gran medida a venganza, o a excusas para justificarla. Pero esto ya quedaba bastante bien explicado en films como 12 Hombres Sin Piedad y en otros como La Naranja Mecánica vemos que en gran medida incluso acaba quedándose corta en relación a lo que los afectados querrían hacer con los acusados, con lo cual incluso podríamos verla (desde un punto de vista demagógico) como un modo de proteger a los criminales.

Y aquí, en cierto modo, se trata lateralmente esta misma cuestión. Y es que aunque la trama se centre en contar la investigación para la captura de un violador y asesino, la verdadera historia que se nos va contando, es la que atraviesa transversalmente esta investigación entre los dos protagonistas, punto de inicio y fin del relato que se nos hace.

Este punto de arranque nos sirve para ir ejecutando una presentación de los dos protagonistas y hacernos ver quienes son y dónde van a ir a parar, soltando la información justa para que los tramos de flashbacks que supone la novela nos sorprendan y nos involucren, jugando con ciertos datos que ya se nos van dando desde el tiempo presente y explicándolos en gran medida.

De este modo, el guión evoluciona en ambos tiempos narrativos simultáneamente, permitiéndose con ello el fragmentarlos absolutamente, y cometiendo los errores al respecto precisamente en el tramo final, donde ya se ha terminado la novela y el tiempo pasado, y el cierre de toda la historia global se va llevando a cabo saltando de un lado a otro con una conexión poco marcada entre ellas (aunque perfectamente coherente, las elipsis son demasiado grandes para mi gusto).

Además, el final del caso para mí ahonda demasiado y acaba cayendo en vueltas innecesarias (personalmente le habría puesto un pequeño punto más de sadismo, aunque reconozco lo dado que soy a los excesos en ese plan). No obstante, el ritmo narrativo es más que bueno, y los giros de la historia realmente son sorprendentes e inesperados, logrando hacerse entretenida e ir imprimiendo ese punto de importancia paralela a la investigación y a la historia entre los protagonistas.

A nivel técnico, destaco los planos secuencia con los que el sr. Campanella nos introduce dentro de la película, ayudándose con una fotografía naturalista muy sencilla, que hace mucho más creíble y realista toda la cinta, consiguiendo, aún así, algunos planos bastante preciosistas en algunos momentos como ese en el que Sandoval espera, borracho, a que Benjamín consiga que su mujer le deje dormir en casa. También hay que destacar algunos planos que precisamente pretenden este preciosismo, pero se hacen extraños en el conjunto por lo poco naturales de los mismos, y cortan un poco el sentimiento que produce el resto de la cinta, como algún aberrado en el interior del juzgado.

El montaje, perfectamente sincronizado con el ritmo que exige el guión, y jugando muy bien sin perderse entre los dos tiempos narrativos, consiguiendo fundirlos en uno, y donde solo le echaría en cara algún momentillo más problemático al romper esos planos secuencia que nos brinda la cinta en pos de una simplificación narrativa. El sonido, excepto algún momento que parece no estar bien la voz dentro de las actuaciones, sin sincronía, pareciendo apuntar a doblajes a priori innecesarios, en general logra pasar inadvertido, teniendo incluso un buen trabajo en la diferencia de ambientes y de la sonoridad que nos hace sentir cada plano.

Y los actores, francamente convincentes, especialmente Ricardo Darín, que aunque dude en algún momento, logra crear a un personaje y desde un principio nos deja ver sus sentimientos más allá de su expresividad corporal. Algo menos de esto lo hace Soledad Villamil, que acaba necesitando expresarlos por vía dialogal, pero también por la personalidad del personaje. Y eso si, ambos muy bien en cuanto a la variación entre el pasado y el presente y el aprendizaje y maduración de sus personajes al respecto.

También destacable Pablo Rago, quien convence, y mucho, en todas las facetas y profundidad de su personaje, con la locura y dificultad que su dolor supone. Ya me convenció menos Javier Godino, que no acaba de ser lo suficientemente asqueroso como para que lo odies, aunque de todos modos logra crear al personaje en la medida de lo posible con el poco tiempo que tiene en pantalla. Del resto, todos bastante solventes, y Guillermo Francella especialmente divertido en todas sus facetas, siendo destacable en sus momentos de borrachera, pero también en sus genialidades, sorprendiendo en su monólogo sobre la Pasión, (que me hizo pensar en GELP y su película mientras lo escuchaba).

Vamos, un film sobrio, contundente, y muy bien estructurado, que logra hacerse entretenido y muy fluido, además de jugar con el espectador a la hora de narrar la historia que se le quiere narrar.









PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 8.5
Guión: 8.0
Actuación: 8.0

TOTAL: 8.0

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martes, noviembre 17, 2009

El Bueno, El Feo Y El Malo

Título: Il Buono, Il Brutto, Il Cattivo.


Director: Sergio Leone


Año: 1966


País: Italia / España / RFA


Duración: 186











Un hombre sin nombre se alía con un bandido para sacar tajada de las recompensas que ofrecen por él. Tras traiciones mutuas, acaban descubriendo el paradero de un tesoro enterrado, pero cada uno conoce solo uno de los dos datos necesarios para encontrarlo, por lo que se ven obligados a colaborar. A esto se suma un pistolero mercenario que también acaba tras el tesoro, y no dudará en hacer lo posible para encontrarlo, por sucio que sea.

Tras dos películas del mismo género hechas por el mismo director, el mismo actor protagonista, y el mismo compositor de una música más que característica, se podría pensar que no es posible lograr una tercera obra de características y éxito similar. Pues este no es el caso. De hecho, ocurre lo contrario, ya que todas las partes involucradas ponen aquí el listón más alto de toda la trilogía, logrando crear una narrativa absolutamente épica, con un trabajo de ambientación tanto ante las cámaras como en su banda sonora grandilocuente a más no poder, y excediendo ya totalmente los límites del género del western tal y como se entendía hasta ese momento.

Y es que aquí nos encontramos con elementos propios del western, evidentemente, sobre todo en cuanto a la individualidad de los personajes, clave del personaje del sr. Eastwood en la trilogía del sr. Leone, pero también con un punto de aventura mucho mayor, con una historia enorme, en la cual ocurre de todo a los protagonistas, que se cruzan, se engañan, se intentan matar… Y todo hasta el desenlace final, con el ya famoso duelo a seis manos en el cementerio.

Además, hay que tener en cuenta el gran elemento antibelicista que plantea, mostrando todo el horror de la guerra, algo que está habitualmente fuera de la vida de los cowboys, pero importante en la vida de un hombre como Sergio Leone, un italiano obligado a vivir en su adolescencia la 2ª Guerra Mundial. A este respecto, me parece sencillamente impresionante el plano en cuanto el Feo llega al cementerio, capaz de helar la sangre a cualquier persona, o el trabajo respecto a la creación de los oficiales de los bandos, similar a la posterior Apocalypse Now.

Como digo, la historia es, por definirla en una palabra, épica. Todo el viaje que abarca en la vida de sus personajes, y cómo se van enredando en la trama los tres protagonistas está perfectamente hilado, sin errores, y con un ritmo constante, que permite los descansos suficientes al espectador para no hacerse larga ni difícil de seguir, aún a pesar de lo complejo de la trama, llena de giros que no hacen otra cosa que ir aumentando la tensión y la duración de 180 minutos con que cuenta, necesarios para llegar a introducir todo en una misma cinta.

Ayuda también la perfecta planificación técnica, que se mueve con soltura entre los estilos ambientales que toca, que viajan desde un pueblo del oeste, hasta las trincheras del frente guerrillero, o el duelo final en el cementerio. Y todo ello se hila sin chocar, y al mismo tiempo sí se definen de un modo muy claro si las planteamos por separado, tanto en la fotografía y selección de planos como en el trabajo de montaje y la creación del ritmo. La música, pues qué decirles, si es una de las bandas sonoras más famosas de la historia del cine, y no por casualidad. Ambienta a la perfección la historia, al mismo tiempo que tiene personalidad para hacerla única e inolvidable, y servir como representante de la película siempre que se escucha.

Falla, eso sí, en el sonido, como otros westerns italianos, debido a ese elemento que es el doblaje, que obliga a jugar con demasiados momentos grabados en postproducción, notándose en ciertos momentos, perdiendo por esto a veces el realismo y sacando al espectador de la película en cierto modo. No obstante, salvo los doblajes, estos sonidos no resultan demasiado cantosos en ningún momento.

Respecto a las actuaciones, Clint Eastwood, haciendo su papel de antihéroe de toda la trilogía, de personaje duro y frío pero a la vez medianamente preocupado por el bien, a un nivel altísimo. Lee Van Cleef, haciendo de malo, y creando un personaje tremendamente creíble y odiable. Y Elli Wallach, nuevo en la trilogía, creando un personaje más estereotípico, como el sucio y traidor bandolero que acompaña al Bueno, pero consiguiendo no dejar dudas sobre su personaje en ningún momento. Es curioso, porque del resto del elenco, apenas se puede dar importancia a ningún personaje, y a pesar de ayudar enormemente en el desarrollo de la historia apenas tienen tiempo frente a la cámara. No obstante, debo admitir que están también a un nivel muy alto.

En resumen, un western que ya evoluciona hacia un punto que estaría fuera de la clasificación de géneros, con un trabajo genial desde todos los puntos de vista, y de visionado obligatorio para todo cinéfago y cinéfilo.








PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 9.5
Guión: 9.0
Actuación: 9.0

TOTAL: 9.0

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domingo, noviembre 15, 2009

La Muerte Tenía Un Precio

Título: Per Qualche Dollaro In Più


Director: Sergio Leone


Año: 1965


País: Italia / España / RFA


Duración: 132











Cuando la banda del Indio decide liberarlo de la cárcel, dos cazarrecompensas deciden ir tras él, cada uno por su cuenta. Pero ambos son realmente buenos en su trabajo, así que deciden hacer un pacto para lograr el mayor beneficio mutuo. Un pacto que no dudarán en saltarse en busca de sus propios intereses individuales.

Si algo tiene éxito, y además un éxito justificado, para qué cambiarlo? Bajo esta premisa se pudo haber planteado la segunda entrega de la llamada trilogía del dólar, repitiendo director, protagonista y compositor de la música (del resto del equipo, poco se recicló). Incluso en ciertos elementos de la trama, la similitud con Por Un Puñado De Dólares es evidente, aunque presenten cada una su propia personalidad dentro de esta cercanía.

Además, en esta ocasión aparece un personaje como el hombre de negro interpretado por Lee Van Cleef, que plantea un contrapunto desde el lado de los menos malos para el de Clint Eastwood, complementándolo y aportando a la trama alguien capaz de estar por delante del personaje principal, aún sin ser un enemigo exactamente, sino un colaborador independiente con sus propios intereses.

Y es que esto es uno de los elementos básicos sobre los que bascula todo el argumento, las diferencias entre los personajes, que se mueven bajo sus propios intereses, sabiendo que les conviene colaborar en ocasiones, pero buscando siempre sacar el máximo beneficio. Y por supuesto, también hay violencia, engaños al espectador, y poca de la sordidez de las cantinas o de la vida más allá del trabajo de los cazarrecompensas, más habitual en otros westerns.

Pero tampoco necesita esta sordidez, puesto que el guión funciona sencillamente en cuanto que nos lleva a apoyar a los personajes principales, no sabiendo nunca hasta donde están engañándose mutuamente, y creando con esto en relación a la captura de los forajidos un interés en el espectador que le lleva a olvidar todo menos el objetivo, y la violencia reinante en los spaghetti westerns del sr. Leone. Así, consigue un ritmo muy bueno, que solo aparenta caer en ocasiones para, en estos descansos, aprovechar para girar y cambiar las tornas, y los esquemas del espectador y continuar así con la historia.

A esto, le ayuda una técnica muy bien planteada, con una capacidad de enganchar a pesar de la falta de diálogos hablados en fragmentos bastante largos, aprovechando para, mediante el montaje y la estructuración de planos, y su combinación con la música, crear los sentimientos necesarios en el espectador y contarle, sin apoyarse más que en la técnica y las actuaciones gestuales de los actores, algo mucho más complejo de lo que podría lograrse con diálogos. Especialmente, destacaría los momentos de tensión previos a los duelos, tremendamente bien orquestados y que ponen de los nervios deseando conocer el resultado de los mismos.

Echaría en cara el aspecto del sonido y los doblajes, como siempre en el cine orientado a la venta internacional y grabado en postproducción ya ni pensando en el propio mercado en el cual ha sido creado. No obstante, nada de esto entorpece el desarrollo narrativo del film, ya que el trabajo de sincronía y falseamiento desde la imagen y el montaje está elaborado para hacer que no cante demasiado.

Frente a las cámaras, pues Clint Eastwood interpretando al personaje que le haría famoso, duro, frío y calculador, pero que en esta ocasión se sorprende en varias ocasiones, ante el personaje de Lee Van Cleef, tan frío y calculador como él, en una combinación interpretativa que al mismo tiempo no permite al espectador el decantarse por ninguno de ellos, y sin embargo desconfiar continuamente de lo que ambos ocultan tras lo que se nos deja ver. Además, el papel de Gian Maria Volontè como rival de ambos se presenta con mucho trabajo interno y realmente logra su objetivo de ser odiado. Y también citar a Klaus Kinski haciendo un papel muy secundario como parte de la banda, pero con sus rarezas y lograr ser recodado, como debe ser con Kinski, al tratarse de un pistolero jorobado.

Vamos, una película muy bien hilada, con un trabajo muy bueno en todos sus aspectos, que engancha y juega con las sensaciones del espectador constantemente, convirtiéndose gracias a ello en un referente obligado de la historia del cine.







PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 9.5
Guión: 8.0
Actuación: 8.5

TOTAL: 8.5

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lunes, noviembre 09, 2009

Por Un Puñado De Dólares

Título: Per Un Pugno Di Dollari


Director: Sergio Leone


Año: 1964


País: Italia / España / RFA


Duración: 99











Un pistolero yankee misterioso llega a un pueblecito de México gobernado por dos bandas rivales. Aunque al principio parece posicionarse a favor de una de ellas, pronto veremos que sus planes no conciernen a nadie más que a sí mismo, que solo intenta ganarse la vida, y a los que considera injustamente dañados en el conflicto.

A ver, a estas alturas, hacer una crítica de cualquiera de las pelis de la trilogía del dólar no es precisamente algo novedoso. Todos estamos de acuerdo en ello. No obstante, y precisamente por su importancia, no puedo resistirme a hacerlo yo también. Precisamente por ser la primera de las tres, la importancia de Por Un Puñado De Dólares recae, ya no tanto en la técnica desarrollada tras las cámaras para contarnos la historia, sino en lo que rompe con las premisas básicas de los westerns llegados de América, centrándose en un aspecto mucho más violento del mundo del oeste, aunque de todos modos aprovechando las líneas argumentales basadas en la individualidad y la codicia. Y curiosamente, aprovechándose de cine japonés, copiando Yojimbo para estructurar el guión.

De este modo, se nos plantea una historia con un protagonista absoluto, presentado como tal ya desde un comienzo, y del que no tarda en mostrársenos que su vida solo se rige por sus propias normas, y que sabe cómo alcanzar lo que quiere en todo momento. Vamos, que es un tipo duro de cojones, con el que más vale no enemistarse. Y precisamente por este personaje que se come tanto la historia, ésta se ve obligada a hacer bastantes giros para mantener al espectador enganchado, siempre bajo la premisa de la violencia, aunque sin obviar unos principios morales de justicia, que nuestro héroe acaba representando, aunque sea juez y verdugo en más de una ocasión.

De este modo, el ritmo apenas decae, exceptuando algunos momentos mientras se prepara el desenlace final, donde el film comienza a plantearse de un modo más repetitivo, pero sin ser un problema que se note excesivamente. Por otro lado, también hay que tener en cuenta en relación a estos giros argumentales cómo no llegamos a entrar nunca en la mente del protagonista, buscando más que una catarsis o una identificación con él, una admiración que nos lleva a apoyarlo, precisamente porque además es el único con coraje y un sentido de la justicia del pueblo al mismo tiempo (porque en el cine, la violencia sí representa justicia).

Además, todo esto viene apoyado por un gran trabajo tras la cámara, que nos coloca en todo momento en la posición mental adecuada para opinar sobre los personajes lo que el sr. Leone quiere, y de este modo condiciona al espectador, pero ayudando a introducirlo en la historia y a hacerle disfrutar del film. Y aún por encima, nos encontramos con algunos planos francamente magníficos tanto a nivel narrativo como estético, y quiero citar al respecto el momento del intercambio de prisioneros visto desde la puerta de la cantina, sencillamente genial, o los subjetivos del final.

Donde echo en falta algo es en la fotografía, al contar con demasiadas noches americanas, que si bien están justificadas, como suele ocurrir no acaban de dejar claro que estamos viendo escenas nocturnas. De todos modos en interiores sí está tremendamente cuidada, dando un aspecto muy poco forzado, pero ayudando enormemente en este condicionamiento del espectador que citaba respecto a la forma de los planos. La música también ayuda a este condicionamiento, y estando a cargo de Ennio Morricone también sienta cátedra, innovando enormemente, y clavándose en la memoria colectiva, aún sin llegar al nivel de las dos colaboraciones con Leone posteriores.

Lo que sí se podría echar en cara son los doblajes, probablemente condicionados por presupuestos y por el hecho de contar con actores de demasiadas nacionalidades distintas. Pero de todos modos, ni siquiera son demasiado cantosos en el aspecto sonoro, y no afectan a la narración en absoluto, ya que las actuaciones se basan mucho en el aspecto físico y sobre todo, en la mirada de los personajes, donde claro, Clint Eastwood es un grande con su mirada. El resto del elenco está también a un nivel muy alto, y consiguen crear, en conjunto, un pueblo y unas bandas muy reales y creíbles, con cada uno de los roles muy bien definidos, especialmente entre los Rojos, quienes tienen mucha más importancia en todo el film.

Vamos, una obra que no solo innovó enormemente, sino que lo hizo con mucha calidad, y, aunque tiene algún defecto que otro, resulta absolutamente recomendable para comprender la evolución ya no solo del western, sino del cine, a partir de los años 60.







PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.5
Técnica: 9.0
Guión: 8.0
Actuación: 8.0

TOTAL: 8.5

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sábado, noviembre 07, 2009

Trilogía Del Dólar

Pues decir que en los próximos días, dentro de lo que sea capaz (que últimamente atiendo a demasiadas cosas, y el festival de Cineuropa no hará sino complicarlo todo), subiré las críticas de la trilogía del dólar de Sergio Leone, base sobre la que se establece todo el spaghetti western, y también uno de los pilares de la evolución cinematográfica que dejó atrás al hollywood clásico.


Como de costumbre, emplearé este post como miniarchivo:




Per Un Pugno Di Dollari (Por Un Puñado De Dólares)

Per Qualche Dollaro In Più (La Muerte Tenía Un Precio)

Il Buono, Il Brutto, Il Cattivo. (El Bueno, El Feo Y El Malo)

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domingo, noviembre 01, 2009

Manos, The Hands Of Fate

Título: Manos: The Hands Of Fate


Director: Harold P. Warren


Año: 1966


País: USA


Duración: 74











Una pareja viaja con su hija y su perro por una zona rural de los USA, cuando por equivocación se pierden en mitad de un desierto. Intentando salir del mismo, llegan a una casa habitada por un extraño tipo que no deja de hablar de su amo, pero ellos se quedan a pasar la noche allí, que ya es tarde. Por la noche, empezarán a descubrir que quizá el amo no esté solo en la mente del guardián, y que quizá no fue bueno quedarse allí.

Realmente, la fama que tiene este engendro de ser la peor película de la historia, es más que merecida. No entiendo en absoluto como alguien puede, bajo ningún concepto, hacer algo tan horrible y ser capaz de presentarlo en lugar de quemar la única copia que tiene. Joder, lo peor es que el reclamo de lo mala que es, funciona lo suficiente como para que yo no sea precisamente el primero que cae en él, ni seré el último, de eso estoy seguro. Aún por encima, todo es resultado de una apuesta que hizo un vendedor de fertilizantes para demostrar lo sencillo que era rodar una peli (apuesta que yo no le daría por ganada), lo cual da pie a tantos chistes fáciles... Y tampoco quiero prohibirles que la vean, al menos, solo perderán unos 70 minutos de su vida, aunque les parecerán muchos más.

Intentaría sacar algo bueno del film, pero es realmente muy difícil. Ya de entrada, contamos con una narración tremendamente incoherente, que no tiene clara más que la línea argumental muy por encima, y no sabe ni como ir guiando al espectador por la historia, a pesar de lo sencillo de la misma. Y es que su ritmo es completamente aleatorio, con elipsis, dilataciones y montaje paralelo que nunca nos cuentan prácticamente nada, o directamente solo sirven para aburrir y rellenar metraje. Lo peor es que hay algún momento que parece surgir de una buena idea, en especial el final de la cinta, y que aún así no logra enganchar nunca debido a lo mal plasmado que está todo y a su poca potencia narrativa.

Técnicamente, es quizás donde más horripilante se vuelve, y es que de hecho, si ya de entrada no se sabía como narrar la historia, el montaje todavía ayuda más en esta tarea de destruir neuronas de los espectadores, gracias a planos que se quedan durante mucho más tiempo del necesario para contarnos la acción, fallos de continuidad y saltos de eje delirantes, una claqueta que se ve retirándse de plano (y eso que hay unos 5 segundos que sobran de ese plano aún después del momento claqueta), música que se hace presente en demasiadas ocasiones gracias a que se corta donde no debe, encuadres que no tienen ningún sentido, cambios de plano que no solo no aportan nada sino que solo sirven para hacer que entendamos menos lo que ocurre porque nos obligan a pensar en el cambio de plano… Vamos, que casi cualquier error que puedan encontrar en las normas básicas de montaje y narrativa, aquí está con varias muestras. Y no se equivoquen, soy el primero que desprecia el seguimiento riguroso de estas normas, pero es que aquí se saltan sin quererlo, haciendo la película una cosa cuyo visionado se vuelve más agónico a medida que transcurre.

No obstante, quiero decir algo bueno en la técnica, y es que a medida que se ve que el rodaje ya llevaba algún tiempo, comienzan a verse algunos planos, e incluso algunas secuencias que logran una calidad estándar, o al menos se acercan a ello, mostrando que el equipo al menos iba adquiriendo un mínimo de oficio y empezaba a tener alguna idea más o menos decente sobre cómo hacer cine.

Lo que hay delante de las cámaras tampoco ayuda precisamente a mejorar el film, estando todos los actores a un nivel jodidamente bajo, ayudados además por una selección de tomas que parece haber sido hecha con métodos dadaístas, si es que hubo algún tipo de selección, porque no me creo que muchas de ellas sean precisamente la mejor que se grabó.

Vamos, que estoy de acuerdo en el título de la peor película de la historia, o al menos sí merece estar directamente en el top 5. Un conjunto de sinsentidos y momentos que solo provocan vergüenza ajena y casi te hace preguntarte qué le había hecho el cine al director para que él se vengara de este modo.






PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 3.5
Técnica: 0.5
Guión: 0.5
Actuación: 1.0

TOTAL: 1.5

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domingo, octubre 18, 2009

Death Racers

Título: Death Racers


Director: Roy Knyrim


Año: 2008


País: USA


Duración: 90











En un futuro cercano, un terrorista se hace fuerte en una zona llamada La Zona Roja, poblada por criminales, y amenaza con envenenar todo el agua desde ese punto neurálgico. Para evitar esto, el Senador decide ofrecer la libertad a 8 presos a cambio de que hagan una carrera donde los atropellos de criminales dan puntos, para llegar a capturar al terrorista.

Si el remake de un film exploitation es ya algo que llama de un modo morboso y bizarro a cualquier zinéfago, una película que explote el posible éxito de este remake, es ya una visión obligada, por muy pocas esperanzas que se pueda tener en la calidad de la misma. Y menos, si tenemos en cuenta que está producida por The Asylum, una compañía que destaca precisamente por sus absurdas explotaciones de títulos tales como Transmorphers, Pirates Of Treasure Island, o The Terminators.

Si sumamos a esto la colaboración en el film de los raperos de Insane Clown Posse, sórdidos capaces de todo, pero siempre unidos a proyectos absurdos y con cierto divertimento como eran los videojuegos de Backyard Wrestling o Big Money Hustlas (cosas que, a fin de cuentas, tienen lógica con su carrera musical), pues sabemos que estaremos ante una cinta que puede ser de lo peor (y que en ciertas cosas lo será), pero que también puede ser tremendamente divertida por lo bizarro.

Pues bien, aquí se destaca antes de nada un montón de errores en cuanto a la continuidad del guión, que se fragmenta continuamente y pretende mantenerse en ritmo mediante la mezcla de la carrera con la presentación televisiva de la misma, tal y como se hacía en La Carrera De La Muerte Del Año 2000 (film de donde evidentemente recoge también elementos como los atropellos y su puntuación, o la ambientación en un futuro distópico), y la trama de politiqueo que crea el conflicto, aunque nada le importe al espectador, puesto que a ninguna de ellas se le da un interés real, ni una importancia mínima en el desarrollo.

Y es que la historia no acaba de centrarse ni de dar fuerza al conflicto, y el argumento se queda como algo que sobrevuela un montón de escenas con cosas en común, pero no demasiada lógica en cuanto a su continuidad. No obstante, no hay que negar la búsqueda de violencia porque sí y ciertos momentos bien pensados de cara al entretenimiento, que se pierden en ese poco trabajo de cara a conseguir enganchar al espectador con un mínimo de historia, conflicto y desarrollo de personajes.

Estos errores del guión se ven acrecentados por el pésimo trabajo tras las cámaras, evidenciando constantemente la grabación en vídeo, con un exceso de cámara en mano, y una fotografía horrible, que satura demasiado, llegando a ser incluso incómoda para la vista debido a que a esto se le suman sombras tremendamente marcadas que no dejan ver las zonas más oscuras de la imagen, todo ello errores estúpidos que serían fácilmente remediables, y solo le dan aspecto cutre al film sin necesidad de ello.

Si ya nos fijamos en el montaje, aparentemente llevado a cabo por alguien que cogía por primera vez un programa de edición, y le resulta divertido repetir el mismo plano, meter todas las transiciones y efectos posibles a lo largo del film, e incluso utilizar moviola en varios (muchos) momentos del mismo, es cuando vemos el despropósito real que supone la cinta. Eso sí, hay que reconocer que al menos hay alguna noción de montaje, y se intenta orientar al espectador colocando siempre la misma imagen chunga en 3D para explicarnos que vamos a ver escenas en el interior, siendo incapaz de plantear lo absurdo y ridículo que es esto a la 4ª vez que vemos ese mismo interior. Y también se le debe reconocer que trampea bastante bien los cutrefectos empleados con los golpes y chorretones de sangre, cuestión bastante difícil de zafar teniendo en cuenta lo ridículo de los mismos.

Efectos estos metidos en su mayoría en digital, y cometiendo errores, por supuesto, en momentos como disparos de armas que no se ven pero si se escuchan. Y es que el sonido tampoco se queda atrás en cutrez, puesto que introduce muchísimos foleys, que se meten sin ecualizar correctamente para que no destaquen respecto al resto del sonido, aparecen momentos en los que se escucha a los actores repetir la frase al final de una toma y al principio de la siguiente… y no olvidemos la BSO, que sirve de catálogo para Psychopathic Records, metiendo sobre todo temas de ICP, pero al menos sin quedar demasiado mal respecto a la película en sí misma.

Las actuaciones son todavía más bajas si cabe, destacando un poco por encima los Insane Clown Posse, que a fin de cuentas se interpretan a sí mismos, y a Jennifer Keith, quien al menos es capaz de transmitir mínimamente lo que su personaje siente internamente, aún a pesar de verse bastante forzada todo el metraje. Y nadie más destacaría en absoluto, forzándose todos los actores, y presentando personajes completamente vacíos todo el tiempo.

Vamos, una película realmente mala, con algunas ideas buenas e incluso algún buen momento, pero que cayó en las manos menos aconsejables para llevar a buen fin un proyecto.





PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 5.5
Técnica: 3.0
Guión: 4.0
Actuación: 2.5

TOTAL: 4.0

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lunes, octubre 12, 2009

Death Race (La Carrera De La Muerte)

Título: Death Race


Director: Paul W.S. Anderson


Año: 2008


País: USA / Alemania / UK


Duración: 111











En un futuro cercano, las prisiones son controladas por empresas privadas. En una de ellas, se saca dinero emitiendo a todo el mundo carreras a muerte entre los reclusos. Pero tras un accidente del piloto estrella, la empresa debe buscar a un sustituto. Ese sustituto será Jensen Ames (Jason Statham), un antiguo piloto encarcelado tras ser acusado de asesinar a su mujer.

Lo primero que quiero destacar sobre este film, es el hecho de que en realidad, no se trata de un remake. En absoluto. Sencillamente es una película que toma elementos de la original, y los remezcla con muchas otras ideas, estableciendo un conjunto nuevo. De hecho, poco se mantiene del espíritu de La Carrera De La Muerte Del Año 2000, y aquí se busca un film de mucha más acción, que no obstante cuenta con un guión tradicional donde entra una historia más argumentada, pero que explota mucho menos los medios con los que cuenta, y peca de ser bastante tópica y mucho más políticamente correcta que la versión del 75. Y es que incluso desaparece el elemento principal del encanto de la original, que eran los puntos dados por los atropellos de gente inocente, así como esa pequeña crítica social que se hacía con todo el seguimiento de la violencia por parte de los espectadores y el descerebramiento producido por la televisión.

De este modo, mezcla la idea de la carrera mortal, más similar a videojuegos como Deathtrack, con power ups al estilo del Mario Kart, y elementos de pelis exploitation como sería La Historia De Ricky y sus cárceles dominadas por empresas y alcaides cabrones, o 1997: Rescate En Nueva York, por lo de la isla reconvertida en cárcel hipervigilada de la que es imposible escapar, de donde si quieren, también pueden ver influencias de La Roca.

Con estas premisas y homenajes/copias/influencias, el film comienza ya de un modo muy claro, estableciendo la diferencia con la obra del 75, y rompiendo con todo en cuanto a su estética, los disparos de los coches, y Frankenstein interpretado (bueno, doblado), por David Carradine en un accidente digamos que bastante grave. A partir de aquí, ya con la carrera y la situación social presentada por texto en pantalla, se nos mete de lleno en la historia de Jensen Ames (Jason Statham), en una estructura que peca de una falta de presentación, y no nos permite saber casi nada de la vida del protagonista, llevándonos a toda velocidad hasta el conflicto que supone la cárcel y la carrera. Este problema de la poca información, ocurre a menudo a lo largo del film, que se queda así demasiado vacío, al no tener motivaciones reales para las situaciones que presenta.

Los giros se colocan de modo canónico, avanzando el guión sin demasiados errores, pero por caminos demasiado explorados ya por el cine de acción, con una venganza que no logra la suficiente fuerza dramática a pesar de que lo intenta constantemente con flashbacks a la primera escena, y situaciones que no acaban de conseguir la profundidad que intentan transmitir como sería la charla con Hennessey (Joan Allen) sobre la hija de Jensen.

A nivel técnico, se aprovecha muy bien el presupuesto con el que se contaba en cuanto a hacer una película espectacular, llena de explosiones, disparos y violencia, pero aún así el sr. Anderson no acaba de explotarlo correctamente, al alargar demasiado algunas escenas, como sería toda la primera carrera, e introduciendo planos bastante tópicos, donde destaco la llegada de las mujeres, consiguiendo con esto atraer puntualmente al espectador target del film, pero sin mucho interés en realidad, quedándose en algo anecdótico y excesivamente gratuito.

La frialdad de la fotografía y la textura que se le da al film, excesivamente oscura y áspera, ayuda en cuanto a la ambientación cruda y ruda carcelaria y de la propia idea de la carrera, pero no introduce al espectador en la historia, convirtiéndose en un mero observador por culpa de ella y de sus caídas en lo tópico y evidente. Tampoco ayuda el montaje, hecho con oficio, pero pasándose con las partes montadas a toda velocidad, simplemente siendo impresionantes, pero sin contar nada realmente, a modo de supuesto lucimiento del montador pero siendo también vacío, principal problema del film.

Toda esta frialdad, se refleja también en las actuaciones, sólidas en cuanto a la dureza y al estereotipo dramático de un film de acción de estas características, pero faltándoles profundidad, ya que ni Jason Statham logra que nos interesemos o nos parezca que su personaje es algo más que dureza en ningún momento, y parece guiarse solo por odio y violencia en su vida (excepto en la primera escena, donde parece estar metido con calzador). Joan Allen no consigue dar fuerza ni maldad a su personaje, perdiendo mucha credibilidad por ello, y a quien destacaría sería a Ian McShane y Frederik Koehler, que hacen un buen equipo en el box, consiguiendo buena compenetración entre ellos y haciendo un buen papel ambos (cada uno en su rol, eso sí). Entre los demás, no destacaría a nadie, pues se mueven por tópicos vacíos que sencillamente son creíbles externamente pero no parecen tener nada más que esa faceta externa.

Por tanto, un film que pierde la oportunidad del guión de establecer una narrativa interesante en cuanto a la violencia y fuerza del relato, quedándose en un simple film de coches y acción que se acerca mucho al mundo de los videojuegos pero se queda en lo superficial.








PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.5
Técnica: 7.0
Guión: 7.5
Actuación: 6.0

TOTAL: 7.0

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jueves, octubre 08, 2009

La Carrera De La Muerte Del Año 2000

Título: Death Race 2000


Director: Paul Bartel


Año: 1975


País: USA


Duración: 84











En un futuro cercano, el mayor entretenimiento de USA es una carrera en la cual, además de intentar llegar lo antes posible a la meta, es importante llevarse por delante a pacíficos viandantes para acumular puntos. Pero hay organizaciones rebeldes que no están de acuerdo con la celebración de esta carrera, símbolo del gobierno autoritario que se ha impuesto en el país, así que intentarán desbaratarla por todos los medios.

Realmente, esta es una de las películas que mejor definen el espíritu del cine exploitation: hacer cine sin importar nada más que que impresione y llame a la gente buscando el morbo y/o la diversión porque sí y, por supuesto, ganar dinero con ello. Y es que veamos, quien puede negar lo divertido que resulta pensar en conducir coches con el objetivo de atropellar gente? A juzgar por el éxito que tuvo su día el Carmageddon (exploitation videojueguil directa de esta peli), o qué es lo que hacemos todos la primera vez que cogemos un GTA, nadie puede negarlo. Y además, combinándose esto con una carrera, que ya sabíamos que en la narrativa molaban gracias a cosas como Los Autos Locos, y que después se copiaría en films como Los Locos Del Cannonball.

Bien, pues aún por encima, aquí también entra en juego el aspecto cyberpunk de los coches y una ambientación postapocalíptica que siempre mola aunque aporte tan poco a la trama como aquí. Digo esto porque la trama se centra principalmente en la carrera, y solo se toma como excusa este futuro apocalíptico para entender la existencia de la misma, pero ni la tecnología ni la sociedad en general distan mucho de los años 70. Y aunque se puede ver en ello un cierto aspecto de crítica a la sociedad y a la industria del entretenimiento, realmente es algo que solo está ahí para llenar un poco más, y hacerse más disfrutable mediante lo que sería ese punto subversivo.

De todos modos, la trama solo es una excusa, y realmente el guión son un cúmulo de escenas medianamente hilvanadas, donde podemos ver persecuciones, explosiones, algunas mujeres desnudas y poco más, rebotando estas escenas importantes para aparecer, manteniendo más bien poca coherencia entre ellas en muchos casos. De hecho, la presentación pasa casi inadvertida, y de repente se nos mete ya en el meollo de la carrera, aún sin saber exactamente a qué se enfrentan los protagonistas. Así, nunca quedan claras muchas cosas de su procedencia, ni de cómo se inventó, ni de sus normas, ni de cómo la sigue la gente, ni por qué hay unas pocas personas en la calle aunque se esté celebrando… y sin embargo, todo da igual, puesto que lo que pretende es eso, suponer un montón de momentos medianamente recordables, muy disfrutables, y con frases muy grandes que consiguen hacer grande a la película.

Y esto se hace también desde la técnica, que ni se plantea hacer otra cosa que esa muestra de las escenas de guión con el menos presupuesto posible, quedando en ocasiones demasiado cutres y evidentes (lo de saltar cuando el coche pasa cerca NO CUELA) y en ocasiones directamente sin sentido (raccords como una montaña en un acantilado!). En las escenas de interior, por su lado, el look televisivo cobra mucha importancia (y me refiero más allá de las escenas directamente grabadas para que se suponga que es de la televisión del mundo de ficción en que se nos sumerge), y donde mejor se desenvuelve la fotografía es en los interiores de los coches y en los momentos directamente en carretera.

Estos momentos de carretera, montados en su mayoría con cámara rápida que le da más encanto al film por su cutrez, e incluso en alguna ocasión logra dar buen aspecto a la velocidad de los coches. O al menos, hace divertidas las persecuciones y los giros. El resto, pues bastante correcto, fallando en los falseamientos de los atropellos, pero más bien porque no parece haber ni metraje bueno para poder engañar. Así que lo más decente se queda en el sonido, donde aún así también encontramos grandes errores como diálogos donde canta que los personajes hablaban en tomas distintas (llegándose a repetir alguna frase), doblajes y foleys tremendamente evidentes…

Y tampoco los actores se lucen mucho. David Carradine se pasa el tiempo declamando el texto sin mucho carisma, logrando a partir de la mitad de la cinta ir dando un mínimo de profundidad al personaje, pero sin ser ninguna maravilla nunca (y sin destacar ni favorable ni desfavorablemente las escenas donde no está él bajo la máscara, curiosamente). Stallone por su parte, exagerándose muchísimo, en una interpretación que para la película que se trata está más que justificada y supone la mejor y más divertida de todas. Por su lado, la tercera en importancia, Simone Griffeth, se queda en la media del film, siendo adecuada para el mismo, pero con muchos altibajos y poca naturalidad en muchas ocasiones, a pesar de pretenderlo. Del resto, destacaría a Louisa Moritz y Don Steele, que consiguen hacerse creíbles en su hiperexageración de los presentadores de televisión, sirviendo además de como narradores, como elementos de diversión y crítica social aún más evidente que la que establece el propio guión al respecto de los medios y las masas.

Vamos, un film que, aunque contenga muchos errores en todos los aspectos, resulta muy divertido de ver gracias a su guión sin sentido pero creado en pos de la espectacularidad sin complejos.









PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 9.0
Técnica: 5.5
Guión: 8.5
Actuación: 6.0

TOTAL: 7.5

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martes, octubre 06, 2009

Las Carreras De La Muerte

Pido disculpas por el bajón de posteos que supuso el término con las influencias de Tarantino (ya saben que lo de postear no es lo mío, procuro atender a demasiados quehaceres y cuesta ponerse aquí delante a subir las críticas y cosas que voy preparando) y de paso informo de que las próximas críticas que se subirán son las que conforman la Trilogía de las Carreras de la Muerte, es decir:

La Carrera De La Muerte Del Año 2000

Death Race (La Carrera De La Muerte)

Death Racers



Si me decanté por estas tres películas para subirlas es por lo jodidamente grande que me parece una película que influyó tanto posteriormente como es Death Race 2000, a pesar de haberse planteado desde un comienzo como una carsploitation pura y dura, llegando a inspirar a videojuegos u otras pelis.

Además, a ella se le suman su remake de acción pura hecho 33 años después de su estreno, y lo que es más sorprendente: la exploitation (o clon de combate) del remake. Es decir: el clon de combate del remake de un film exploitation! La sola idea me provoca escalofríos.

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viernes, septiembre 25, 2009

Subidas Nuevas Fotos

8 nuevas y fantásticas (o algo) fotografías subidas a la serie Mondo Extraño, Mondo Estúpido. Pasen Y Vean! No Se Pierdan El Espectáculo Del Siglo!


Por si pasan de entrar a la propia entrada de la serie, estas son las subidas:





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viernes, septiembre 18, 2009

Aquel Maldito Tren Blindado

Título: Quel Maledetto Treno Blindato


Director: Enzo G. Castellari


Año: 1978


País: Italia


Duración: 95











En la 2ª Guerra Mundial, un grupo de soldados americanos que se dirigen a ser juzgados consiguen liberarse gracias a un ataque sorpresa alemán. En su camino para escapar hasta Suiza, se encontrarán envueltos en una misión que no les corresponde para infiltrarse y robar un tren nazi que transporta una bomba peligrosísima.

Qué sería del cine sin la guerra, fuente inagotable de historias, y base, para bien o para mal, de la sociedad humana y su evolución a lo largo de los siglos. Base que, por suerte, parece que se ha ido calmando tras la barbaridad que supuso la 2ª GM (o por lo menos, la tendencia no es a que cada vez sean más violentas como ocurrió hasta ese momento). Y por supuesto, siendo el conflicto más violento de la historia, y además contemporáneo al crecimiento del cine, ha sido el más tratado en el celuloide. La lista de ejemplos es interminable, y nos encontramos films tan dispares como Evasión O Victoria, Salvar Al Soldado Ryan, Banderas De Nuestros Padres, Cartas Desde Iwo Jima, Pearl Harbor, Tora! Tora! Tora!, El Submarino (Das Boot), El Hundimiento

Y por supuesto, los italianos no iban a ser menos que el resto del mundo, especialmente en los setenta, con toda la exploitation en pleno auge y las pelis de guerra sucias triunfando por todo el mundo gracias a Doce Del Patíbulo (después ya vendrían otros tiempos y la explotación de la 2ª GM se convertiría en sentimentaladas influenciadas por La Lista De Schindler del estilo de La Vida Es Bella), así que se pusieron manos a la obra apareciendo ahí el macaroni combat, que combina elementos del spaghetti western y de ese cine bélico que citaba antes, con representantes tan dignos como la presente.

Aquí las influencias bélicas claramente vienen dadas por films como La Gran Evasión (la estética del Teniente Yeager (Bo Svenson) evidencia bastante esto) o La Gran Ilusión, especialmente en toda la primera parte con la mezcla de discurso social y la escapatoria de los protagonistas hacia Suiza, sirviéndose, eso sí, de los elementos básicos de explotación por medio de explosiones, disparos, e incluso algo de carne femenina en una escena que ya El Blog Ausente se encargó de lanzar hacia lo más alto de la representación icónica pop con este post.

De este modo, los elementos con los que se juega desde la dirección, van enfocados directamente a esta búsqueda de espectacularidad, consiguiendo una ambientación bastante buena a pesar del bajo presupuesto, y dando, gracias a esta fijación por lo espectacular, más importancia al guión y su narrativa que a la narrativa audiovisual en cuanto a la cuestión dramática. Un guión que evoluciona bien, con giros bien marcados que, aunque son excesivamente radicales, no acaban de chocar y suponen una evolución bastante natural de la historia.

Gracias a esto, el ritmo del film es más que adecuado, aunque le echaría en cara el último pedazo, que debido a la separación de los protagonistas pierde fuerza, y aunque la historia sí tenga un aspecto y un desarrollo bastante bien pensado, desde la dirección no se ha sabido aprovechar todo el potencial que la misión y su ejecución tenían, cargándose el final al quitarle toda la fuerza dramática por no saber a qué atender y fijarse demasiado en las explosiones y no en lo heroico (aunque quizás era la intención precisamente el no convertirlos en héroes, lo que explicaría el final de Tony (Peter Hooten)).

Eso sí, el trabajo de edición también cobra importancia en ese tramo final, especialmente con todo el montaje paralelo que no acaba de conseguir contar correctamente todas las historias, y pierde en cierto modo al espectador entre ellas (aunque es difícil no entender qué ocurre, y es esa simplicidad la que salva al montador del linchamiento). Destacaría aquí negativamente las escenas a cámara lenta, con un sentido dramático nulo y que solo evidencian más los trucos del cine, sacando al espectador de la película.

No obstante, el montaje del resto del film sí que se presenta casi sin problemas, a excepción de errores que parecen más de falta de metraje que de técnica en la cabina. Este mismo problema parece evidenciarse en el sonido, en ocasiones demasiado desincronizado en los diálogos (aunque por lo general bien cuadrado), y con algunos folies bastante cantosos como el mordisco a la manzana para romper un cuello, pero también dentro de lo salvable en general.

Las actuaciones, por su parte, en el límite, siendo salvables gracias al tipo de cinta de que se trata, especialmente en el caso de Fred Williamson (de hecho unos años más tarde se estrenaría un remontaje haciéndolo protagonista absoluto, convirtiendo la película en una blaxploitation con el bonito nombre de G. I. Bro), con un personaje bastante simple (como todos aquí) y duro, pero que al menos logra ser creíble en su dureza. Bo Svenson, por su parte, otro de los más destacables, además de por el uso de 2 idiomas (la diferenciación de los idiomas que hablan las facciones aquí es tenida en cuenta, no como en tantas cintas del estilo), por la creación del personaje más complejo del film, aunque no convenza en muchos momentos. Por el resto destacaría a Michael Pergolani con su ladronzuelo chusco que al menos relaja la tensión del film, y a nadie más, por lo simple de sus personajes y lo limitado de las actuaciones.

Vamos, un film muy divertido que representa muy bien el espíritu de los Macaroni Combat, con sus explosiones y elementos exploitation, además de las típicas carencias y aciertos de la explotación italiana.








PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.0
Técnica: 7.0
Guión: 7.5
Actuación: 6.0

TOTAL: 7.0

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miércoles, septiembre 16, 2009

Grindhouse

Título: Grindhouse


Director: Robert Rodriguez / Quentin Tarantino / Rob Zombie / Edgar Wright / Eli Roth


Año: 2007


País: USA


Duración: 191











La cinta se divide en dos películas, que se basan en los estereotipos del cine exploitation para hacerle un homenaje, acompañadas por trailers falsos también orientados a este homenaje. Así, partimos de un trailer sobre un mexicano que se venga de los que lo traicionaron, para pasar a la primera película, donde a causa de un gas de origen militar, la población se va transformando en zombies, dependiendo toda la supervivencia de personajes muy variados entre los que destacan El Wray (Freddy Rodríguez) y su ex novia Cherry Darling (Rose MacGowan). Tras otros tres trailers, uno sobre mujeres lobo en el ejército nazi, otro de una casa donde los crímenes se cometen en cuanto los protagonistas hacen cualquier cosa y otro sobre asesinatos en el día de acción de gracias, se pasa a la segunda película, donde un doble de acción loco emplea su coche para asesinar a mujeres jóvenes.

Lo cierto es que la idea de una película homenaje a las grindhouse hecha a cuatro manos (más otras seis manos en los trailers) mediante dos fragmentos semiindependientes filmados y escritos al estilo de los films exploitation, me parece algo jodidamente grande, y especialmente si está conseguido del modo que la presente cinta lo está, dando el aspecto perfecto y logrando que, en un visionado en grupo, la experiencia sea completa para lo que representaban esas grindhouse. O al menos, a cómo nos las imaginamos los que no vivimos esa época pero aún así nos resulta interesante.

De este modo, en la sección dirigida por el sr. Rodríguez, se nos plantea una peli de zombies a la vieja usanza, que sería perfectamente plausible 25 o 30 años antes de su producción, bebiendo enormemente del sr. O’Bannon y su El Retorno De Los Muertos Vivientes en cuanto a la ambientación bastante festiva, la capacidad de los zombies para hablar aún estando contagiados y la presencia militar y origen de la enfermedad, aunque aquí no sólo buscan cerebros, retomando esto de La Noche De Los Muertos Vivientes y siguientes films de la saga del sr. Romero. Con esta base, en esta sección la estructura es canónica, repartiéndose el protagonismo entre varias tramas protagonizadas por tópicos como policías, el tipo duro y su novia o médicos, que van a desembocar a un punto común de cara a la defensa ante los zombies, usando en todo ello un tinte de exploitation sin límite, sirviendo como ejemplo de esto la metralleta en la pierna de Rose McGowan, o los zombies aniquilados con el helicóptero, cosa muy divertida que curiosamente también aparecería en 28 Semanas Después, estrenada el mismo año (y no se quien copió a quien la idea).

A pesar de todo ello, el ritmo se resiente en ciertos momentos, debido a la falta de personalidad de algunos de los personajes y a la repetición en que se cae al explicar todas las partes dramáticas y dejar bastante de lado el leitmotiv básico que son los zombies. Aún así, mediante el juego con la película gastada y las malas condiciones en que estaban las películas de las grindhouse, se llega a un punto muy interesante narrativamente, especialmente en cuanto al rollo perdido, empleado de un modo que sencillamente, nos lleva a lo que nos interesa y se deja de zarandajas. Una pena que en el fragmento del sr. Tarantino este guiño esté mucho menos conseguido y la elipsis que supone no esté tan bien aprovechada.

Y es que el fragmento de Tarantino sí alcanza un ritmo más interesante, moviéndose entre los films de coches como sería Punto Límite: Cero o 60 Segundos, que los personajes citan constantemente (con una buena rajada al remake de 60 segundos incluída), o Convoy, de donde sale el pato que lleva Stuntman Mike (Kurt Russell) en su coche, pero con una gran influencia de las pelis de asesinos como los giallos (sirvan El Pájaro De Las Plumas De Cristal o Torso como ejemplos), y de las pelis del sr. Meyer por sus protagonistas fuertes y decididas (y aquí citaría Faster, Pussycat! Kill! Kill! por aquello de la similitud temática y también por la camiseta que lleva Shanna (Jordan Ladd) con una imagen de Tura Satana). Aquí la estructura se presenta más alterada, formando un film con más importancia y marca de autor que lo que sería Planet Terror, puesto que se segmentaría en dos pedazos, cada uno con su presentación, su nudo y su desenlace para explicarnos el primero quien es exactamente Suntman Mike y el segundo mostrarnos el encontronazo de las chicas con él. El problema que presenta esta segunda película es el riesgo a que el espectador no sepa con quién identificarse y se desoriente, al desaparecer casi absolutamente al que teníamos por protagonista en la segunda mitad, aunque al final acabe apareciendo.

Todo esto se presenta con grandes guiños entre ambos segmentos, y así el hospital y la doctora Block (Marley Shenton) aparecen en ambas, o en la radio de Planet Terror se dedica un tema a Jungle Julia (Sydney Tamiia Poitier), que veremos morir después en Death Proof, situando así cronológicamente antes Death Proof que Planet Terror pero ambientadas en un mundo común. Otro caso sería el de actores que salen en ambas en distintos papeles, como es el caso de Rose MacGowan o el propio Tarantino, jugando todo ello con el espíritu de las exploitation y su recurrencia actoral.

Y no podemos olvidar los trailers falsos, que están ahí finalizando la experiencia, dando mucha importancia al bizarrismo de la mezcla de ideas de las exploitations como es el caso del fragmento dirigido por Rob Zombie, a camino entre Ilsa, La Loba De Las SS y Werewolves On Wheels, o el trailer de Machete, que mezcla películas como La Ley De Murphy con Desperado en lo que se podría denominar mexploitation de acción (como si Desperado no lo fuese). Además, estos trailers siguen los mismos juegos con las referencias a un mismo mundo y actores comunes que las películas, y resaltando también el anuncio de comida de los Acuña Brothers, referencia directa a Rolling Thunder.

Técnicamente, todo el conjunto está marcado por el juego con la mala calidad de las copias que se exhibían, remarcándose todo lo dirigido por Rodríguez, tremendamente gastado, y empleando precisamente estos defectos para recalcar momentos del guión, o zonas de la pantalla, y dando mucha más tensión en determinadas escenas sencillamente introduciendo suciedad o variando el color del tinte, como es el caso del momento final de Bruce Willis, consiguiendo así una personalidad muy propia empleando de modo inteligente estos aspectos. En la parte de Tarantino este aspecto se cuida menos, y salvo el grano y ciertas partes quemadas, apenas cobra importancia, y de hecho no consigue emplearlo para jugar con ello narrativamente, sino que se queda en algo meramente estético.

Además en Planet Terror se nos plantea un film con muchos efectos, muy bien logrados, puesto que cosas como la pierna amputada y sus accesorios parecen muy creíbles, aunque el CGI cante en algunas ocasiones, como es el caso de los zombies derritiéndose, cosa que se oculta también con la película gastada en más de una ocasión. La ambientación y la fotografía lograda aquí, como decía antes, bebe muchísimo de los zombies del sr. O’Bannon, pero también en cierto modo de los del sr. Fulci en Nueva York Bajo El Terror De Los Zombi, Miedo En La Ciudad De Los Muertos Vivientes o Zombie 3. El montaje juega con las distintas tramas, estableciéndose excesivamente en paralelo, sin dejar que la trama evolucione demasiado bien cronológicamente, principal error del ritmo que presenta. Destacar la música, por supuesto compuesta por el propio Rodriguez, y que bebe directamente de la música de los Goblin, esencial para la evolución del género, pero con una cierta personalidad que ayuda a la ambientación texana del guión.

Death Proof por su parte se orienta más hacia un cine donde priman los diálogos, y de hecho, es con lo que juega principalmente, introduciéndonos en la historia mediante juegos de planos muy largos en tiempo donde solo hablan, destacándose las secuencias de carretera, filmadas con un muy buen trabajo de los dobles o de los efectos (momentos en los que Zoe (Zoe Bell) parece estar encima del coche todo el tiempo, aguantando embestidas, y saltos como el del final, similar a los de Dirty Mary, Crazy Larry o El Sheriff Chiflado son ejemplos de esto), trabajo que se muestra en cámara, dando mucha más tensión gracias a ello a estas escenas. La fotografía juega con un aspecto muy claro, permitiéndonos ver todo en casi todo momento, aunque con muchas partes con fondos muy poco importantes o directamente desenfocados, muy en la línea de Tarantino y de muchos films exploitation. Destaca también el hecho de que algunos focos se hacen muy evidentes, cosa que ocurre también en Planet Terror, y que logra hacer más guiños a las cagadas técnicas. La música, también muy importante, aunque acompañando mucho más que mostrándose por encima de la historia, sigue el estilo habitual de los films de Tarantino con esa mezcla de estilos con temas clásicos principalmente sacados de los setenta, como sería Jeepster, de T. Rex.

En los trailers, el aspecto técnico está también muy trabajado en la intención de seguir con los homenajes a la exploitation, y así, destacaría negativamente Don’t, el dirigido por el sr. Wright, que no llega a tomarse en serio, y no define nada la película que se trata, recordándome a trailers como el de Tick…Tick…Tick… por la repetición cansina de motivos. El del sr. Zombie resulta excesivamente limpio y moderno, y el del sr. Roth sí consigue resultar exploitation en Thanksgiving, recordándome en su fotografía y asesinatos rituales extraños a El Hombre De Mimbre.

A nivel interpretativo, la parte de Rodríguez es la más floja, destacando positivamente Rose MacGowan y Freddy Rodríguez, especialmente ella en su evolución, y él en su dureza siempre divertida y exagerada. No obstante, el resto de personajes son mucho más flojos y así, por ejemplo, Josh Brolin fuerza mucho su personaje, sin saber definir su personalidad en ningún momento más allá del guión, cosa similar a la que le ocurre a Michael Biehn, quien exagera de un modo tremendo al sheriff y su odio irracional hacia El Wray (Freddy Rodríguez). En Death Proof, las actuaciones resultan más comedidas y naturales, también porque la historia lo requiere. De todos modos, Tracie Thoms en su estereotipo de negra sí lo exagera enormemente perdiendo credibilidad y contrastando con el resto (aunque dándole protagonismo, todo hay que decirlo) y Kurt Russell tampoco acaba de crear correctamente a Stuntman Mike, faltándole mucho de locura para lo que es el personaje. Como ya hice antes, destacaría a Zoe Bell, que aunque no se sobre dramáticamente, si muestra un muy buen trabajo en las escenas de acción (para eso es doble).

En resumen, una obra de homenaje para todo el cine exploitation y las dobles sesiones que dan nombre a la misma, muy divertida de ver para los zinéfagos en sus juegos referenciales y con un visionado colectivo más que interesante para comprender el espíritu de las salas Grindhouse, que es una pena no haber disfrutado en las salas de casi ningún lado.







PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 9.0
Técnica: 8.5
Guión: 8.0
Actuación: 6.5

TOTAL: 8.0

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