Escuros, Roncos E Compasados: Trailer

Algo tarde teniendo en cuenta que lleva una semana circulando por ahí, y excusándome como siempre en el exceso de trabajo y agobio en que ando metido, anuncio y pego aquí el trailer de "Escuros, Roncos e Compasados (Orixes do Death Metal Galego)", para ir mostrándoles de qué pasta estará hecho.

Es solo un adelanto y aún falta más de lo que me gustaría para el estreno, pero cada vez lo vemos más cerca, y eso solo nos da ánimos para seguir adelante. Por lo pronto, aquí está el trailer versión Youtube y Vimeo. Usen la que quieran.

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Caminos Bizarros: Actualización Enero 2012

Hale, pues ahí va la primera entrada de actualizaciones de Caminos Bizarros para llegar al blog del 2012, de un mes de Enero que no ha sido todo lo bueno que podría (dejando de lado guerras internetiles absurdas y avariciosas como todas las guerras) y que ha estado marcado por curro y sobre todo rayadas de última hora con Escuros, Roncos e Compasados. Por suerte, en breve podrá estar ya un trailer en las mejores webs de alojamiento de vídeos. O al menos en Youtube y Vimeo.

Pero lo dicho, que ahí van las mejores visitas de Enero.

(Si quieren ver solo las de este mes, pulsen la entrada completa, que aquí ya las incluyo.)



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Se Incontri Sartana Prega Per La Tua Morte

Título: Se Incontri Sartana Prega Per La Tua Morte


Director: Gianfranco Parolini (firmando como Frank Kramer)


Año: 1968


País: Italia / Francia / RFA


Duración: 95

Una diligencia es atacada para robar un cofre de oro que transporta. Pero lejos de conseguirlo, los ladrones se encuentran con que son atacados a su vez por los hombres de Lasky (William Berger). A partir de aquí, todo se torna un cruce de traiciones y ataques llevados por la avaricia entre el propio Lasky, Sartana (Gianni Garko firmando como John Garko), Morgan (Klaus Kinski) y Mendoza (Fernando Sancho), a los que se suman desde la óptica política Stewal (Sydney Chaplin) y Alman (Gianni Rizzo), engañándose mutuamente sobre dónde está realmente el oro y cómo se lo quiere quedar cada uno.

Segunda aparición como Sartana por parte de Gianni Garko, tras Baño De Sangre Al Salir El Sol. Solo que aquí, sin nada que ver con aquel villano loco y fratricida, y en una historia que se desenvuelve por sí misma, hasta el punto de que si no es porque de repente le empiezan a llamar Sartana, el personaje podría pasar a la historia sin nombre. Y curiosamente, es en esta cinta donde comienza a ganar renombre como uno de los personajes míticos de la historia del Spaghetti Western, también gracias a que los distribuidores acortaron el título a Sartana en medio mundo.

Centrándonos en el contenido de la peli, un guión bastante caótico y que opta por no dar ninguna información al espectador, llegando al punto de que hasta mediada la cinta no sabemos con exactitud qué papel juega cada personaje dentro de la trama, ni qué es lo que ocurre con el cofre de oro. Principalmente, esto ocurre por lo centrado de la narración en hacer que los personajes molen mucho desde un comienzo, con secuencias que en su totalidad van dejando claro que Sartana es un duro, pero que también lo son Morgan, Mendoza y sobre todo Lasky. Con ello, secuencia a secuencia presenta unos cuantos planos memorables y bastante arriesgados, mezclando con soluciones de guión originales y violentas, que muestran ese espíritu de SW puro, con influencias (por no decir copias), eso sí, del sr. Leone y del sr. Corbucci como demuestra incluso el propio guión con elementos como el cubrir con metal un disparo o el uso de la Gatling. Cuenta con una fotografía de exteriores bastante pasable, especialmente si la comparamos a la de interiores, donde se consigue que siempre parezca que es de noche, chocando bastante cada vez que hay un paso de interior a exterior. Por otro lado, unas actuaciones bastante buenas, principalmente las de Gianni Garko y por supuesto Klaus Kinski, aunque este salga poco. Pero el hecho de tener a Fernando Sancho también por ahí lo compensa, y William Berger también ayuda al respecto, aún siendo el más forzado de todos.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.5
Técnica: 7.5
Guión: 7.0
Actuación: 7.0

TOTAL: 7.0

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La Chute De La Maison Usher (La Caída De La Casa Usher)

Título: La Chute De La Maison Usher


Director: Jean Epstein


Año: 1928


País: Francia / USA


Duración: 63

Un día a Allan (Charles Lamy) le llega una carta. Es de su amigo Roderick Usher (Jean Debucourt), que le pide que le acompañe a su casa a pasar unos días. Al llegar allí, descubre la extraña enfermedad que Lady Madeleine (Margerite Gance) -la mujer de Roderick- sufre, y que atormenta el alma de su amigo. Porque ella está muriendo lentamente según su esposo termina de pintar un cuadro que la representa, y que casualmente parece más lleno de vida según ella empeora.

La casa Usher, típica chabolilla de la campiña anglosajona.

Creo que no es necesario decir que Poe es uno de los escritores que más han podido influenciar al cine, especialmente al de terror. Ahí están las clásicas cintas dirigidas por el sr. Corman para que protagonizase Vincent Price, con ejemplos en la propia versión de La Caída De La Casa Usher, El Pozo Y El Péndulo o La Máscara De La Muerte Roja. Pero también El Gato Negro del sr. Fulci, nuevamente La Caída De La Casa Usher del sr. Svankmajer o las dos historias contadas en Los Ojos Del Diablo por los sres. Romero y Argento (donde se incluía nuevamente El Gato Negro, dirigido por el italiano). Y por supuesto, en la época de las vanguardias, alguien también tendría que hacer su versión, saliendo esta cinta como resultado.

Lo que prima aquí es, sobre todo, un gusto por el juego estético por parte del sr. Epstein, consiguiendo transportar en gran medida las sensaciones poéticas que emergían del relato original a la pantalla con simbolismo y un aire de irrealidad casi onírica. Todo esto mediante un juego con el movimiento de la imagen bebedor del impresionismo francés, pero con una supeditación a las percepciones de los personajes, con ralentizaciones en más de una ocasión, primerísimos planos, superposiciones de imágenes…

Con la imagen parada, parece un fotograma sin más, pero su tratamiento del movimiento ralentizado es espectacular.

Por supuesto, todo esto ayudado enormemente por la fotografía de aire expresionista que desarrollan Georges y Jean Lucas, repleta de oscuridad y subjetivización de espacios, como la gran habitación principal de la mansión, que deja a los personajes en un gran plano general, solitarios en la lejanía y frialdad de la estancia. Además, el montaje, con una pausa y tranquilidad que permite a esa fotografía expandirse y dejar al relato buscar su propio ritmo, con un trabajo excelente en cuanto a experimentación se refiere en lo ya referido arriba de ralentís, superposiciones, etc. Destacar la parte final, donde la locura aumenta exponencialmente y todo se va ofreciendo a nuestra mirada con una claridad pasmosa.

De esto hablamos cuando hablamos de esa habitación principal.

Con todo, admito que en algún momento, la narración, precisamente por toda esa búsqueda de sensaciones y a la falta de una historia un poco más hilvanada, o un poco más compleja al menos -ya que no deja de ser un relato escrito en 20 páginas sin apenas aportes narrativos nuevos- resulta un tanto pesada y difícil de digerir, pero realmente acaba compensándolo precisamente en ese goce estético y de narración personal que propone.

Eso sí, para ello Epstein no duda en añadir cosas propias (junto a un jovencísimo Luis Buñuel que supuestamente rechazó de pleno esta idea) a lo presentado por Poe en el relato, añadidos que de hecho no aportan y estropean en parte la historia, como la relación de marido y mujer entre Roderick Usher y Lady Madeleine, que en el relato eran hermanos, o la escena al comienzo donde un lugareño no quiere acercarse a la mansión, como si del castillo de Drácula se tratase. Eso por no citar el cuadro, inexistente en el relato y primordial aquí, y que no deja de recordar a El Retrato De Dorian Gray. Vamos, que termina por hacer un mejunje de literatura del XIX más que interesante pero que no recoge más que la estructura primordial de La Caída De La Casa Usher de Poe.

[Actualización del 04-02-2012: Acabo de recordar otra influencia, mayor que la de El Retrato de Dorian Gray, para eso del cuadro que roba vida, en El Retrato Oval, escrito por el propio Poe]

La susodicha Lady Madeleine, en plena experimentación visual mientras posa.

La actuación de Jean Debucourt, mucho más protagonista que en el relato como Roderick, también influye y sus modos de loco, especialmente en las miradas a cámara de los primeros planos, aportan mucha de la interiorización de todo el relato, aunque eso sí, con esa ayuda de la fotografía que citábamos más arriba. Más comedido está Charles Lamy, que pasa casi desapercibido, al no necesitarse como narrador en algo que vemos nosotros mismos, aunque siga llevando la voz cantante en los textos que se muestran. Marguerite Gance, por su parte, perfecta por su presencia, pues es lo único que aporta, pero dándole al personaje la apatía moribunda que necesita.

La locura y la descentralización del rostro, siempre compañeros tan fieles.

Resumen:
Una adaptación bastante libre del relato de Poe pero que sin embargo consigue transmitir las mismas sensaciones, gracias a un trabajo técnico muy personal que bebe directamente del impresionismo y del expresionismo, en pos de subjetivizar e interiorizar las sensaciones del narrador antes que simplemente contarnos la historia.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.5
Técnica: 9.5
Guión: 7.5
Actuación: 7.5

TOTAL: 8.0

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Escuros, Roncos e Compasados (Orixes do Death Metal Galego)

Pues resulta que en un momento tan estúpidamente delicado como lo es el actual con el reciente cierre de Megaupload (aún no he decidido qué hacer para volver a poner en descarga directa de nuevo mis archivos, esperen noticias pronto), la SOPA, la PIPA, Hadopi, la ley Sinde reloaded, y demás intenciones de poner puertas, vallas, paredes y hasta alguna ventana al campo por parte de la clase que pretende dirigir el mundo, al señor Carlos Pensado y a un servidor se nos ocurre terminar el documental que llevamos meses preparando, sobre el Death Metal noventero gallego.

Su título será "Escuros, Roncos e Compasados (Orixes do Death Metal Galego)" y si bien todavía no está disponible por ningún lado (dejen que se calme la cosa y podamos decidir en función de la libertad que nos quede disponible), ya pueden ir mirando información y agregándose a la página de Facebook, donde iremos dando, en tiempo real, todas las informaciones pertinentes al respecto de novedades, estreno, pases en festivales, distribución e incluso críticas, si las hay.

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Brainscan (Juego Mortal)

Título: Brainscan


Director: John Flynn


Año: 1994


País: Canadá / USA / Reino Unido


Duración: 96

Michael (Edward Furlong) sufrió un accidente cuando era un crío. Ya de adolescente, es un adicto al terror en todas sus formas, y le encantan los videojuegos. Por eso cuando aparece en el mercado Brainscan, su amigo Kyle (James Marsh) no tarda en convencerlo de que lo pruebe. Pero Brainscan es más complejo que los demás videojuegos, y hará pasar un infierno a Michael, cuando ve en las noticias que un asesinato que cometió en el videojuego.

Peli que sigue en gran medida el arquetipo de videojuego que atrapa al usuario haciéndole perder la noción de lo real, sin demasiado que aportar al subgénero frente a cosas como Arcade. Como novedad, el hecho de que es a raíz de una especie de hipnosis, ahorrándose así la complejidad de que pase el mundo real a ser un mundo virtual. Que aquí no había el presupuesto de Tron. De este modo, la evolución se va haciendo a golpes a medida que el protagonista pasa discos (que vienen a ser, básicamente, niveles). Ahora bien, en ningún momeno llega a enganchar en exceso, y deja algún vacío de guión que no queda resuelto con un final bastante obvio.

Eso sí, con una estética bastante buena dentro de no resultar excesivamente arriesgada, sombría y propia de rodear al personaje principal. Destacar también el riesgo que supone el transmitir las sensaciones del protagonista al jugar, optando por intentar, sobre todo en el primer asesinato, el ponernos la vista subjetivamente en su nivel, pero consiguiendo un resultado bastante pobre al respecto de transmitir sensaciones. Destacar la banda sonora, tirando a lo oscuro como marca el propio personaje principal, con White Zombie, Pitchshifter o Primus en el contraste, siendo el momento en que suenan estos últimos de lo mejor de toda la peli.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 5.5
Técnica: 6.5
Guión: 4.0
Actuación: 6.0

TOTAL: 5.5

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Caminos Bizarros: Actualización Diciembre 2011

Hemos terminado 2011, y sorpresa, parece no haber cambiado nada con el año que estrenamos estos días. Y aunque el señor Dani Villaverde me lanzaba una especie de reto para escoger las mejores búsquedas bizarras del año, por una vez en la vida no caeré en aceptarlo y seguiré con el listado mensual. Pero me encantaría que ustedes sí hiciesen su listado de los mejores. Que para algo esto permite comentarios. Así que lo dicho, aquí va la última lista de Caminos Bizarros para llegar al blog!

(Si quieren ver solo las de este mes, pulsen la entrada completa, que aquí ya las incluyo.)



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Man On The Moon

Título: Man On The Moon


Director: Milos Forman


Año: 1999


País: Reino Unido / Alemania / Japón / USA


Duración: 118

Biopic sobre la vida de Andy Kaufman (Jim Carrey), humorista que triunfó en Estados Unidos durante los años 70, contada desde que comienza a triunfar en clubs de comedia hasta que George Shapiro (Danny DeVito) lo descubre y lo hace triunfar en la televisión nacional. Desde allí, buscará la destrucción de valores mediante su humor extraño, negro, violento y desde luego corrosivo, además de su propia destrucción profesional.

El mítico número de Mighty Mouse.

Antes de comenzar el análisis, supongo que todxs ustedes conocen la vida y obra de Andy Kaufman. Y si no es así, les animo a que la lean en la Wikipedia o en algún otro lugar, porque es fascinante. Y digo la de Andy Kaufman por no meterme a teorizar sobre si Jim Carrey es o no él. Que a fin de cuentas, lo que siempre digo cuando hablo de esta conspiranoia, es que si alguien fue capaz de fingir su muerte para hacerse pasar por un actor 10 años más joven que acabó teniendo éxito, ese fue Kaufman. Pero hoy me ceñiré a la historia oficial y daremos por supuesto que Jim Carrey solo es un admirador de Andy Kaufman con la enorme suerte de haberlo interpretado en la pantalla.

Dicho esto, decir que la fusión entre el talento de Milos Forman y Jim Carrey, con Danny DeVito metido por el medio y arriesgándolo todo para hablar de la leyenda que fue Andy Kaufman, es uno de esos augurios que uno sabe que o se acaba convirtiendo en una peli mofa de sí misma, o en algo cojonudamente divertido. O ambas cosas simultáneamente.

El guión, básicamente establece una relación más o menos veraz de lo que fue la vida de Kaufman, recogiendo los mejores momentos de su vida profesional, y mezclándolos con parte de la vida privada, con un trabajo de investigación cojonudo (algún incidente que no spoilearé, se descubrió aquí que era un montaje). Además, estableciendo un gran juego con el espectador al estilo de Kaufman, engañándole constantemente al respecto de lo que era el personaje real o el creado de cara a la galería, y descubriéndoselo después poco a poco, para dejar ver también al Andy real, con sus obsesiones como el rechazo a las drogas y el vegetarianismo, entre otras muchas.

Tony Clifton, acompañado como se merece.

Con ello, el guión funciona muy bien, es muy veloz, y para quienes disfrutamos del humor de Kaufman muy entretenida. Eso sí, quizás en la parte final resulte excesivamente sentimental, y aunque se hace bonita y tierna, eso solo le da un aire de producto para poder vender en Hollywood fácilmente. Además, se echa de menos un poco más de caso a Tony Clifton y una continuidad un poco más marcada, sin tantos saltos. Pero claro, tampoco sería plan de llevar la peli hasta las 3 horas, que eso tampoco sería comercial, y estamos hablando de una peli ya muy difícil para el público al que iba dirigida.

Lo importante es que el personaje principal queda muy bien retratado (como personaje de ficción. Como relación a la realidad, por lo que sé de Kaufman también, pero eso solo lo sabrán quienes le conocieron), y con una interpretación de Jim Carrey muy a la altura de lo que se espera de él, con sus momentos de locura absoluta e histriónica, sus caídas hacia una actuación más suave… También muy correcto Danny DeVito, aunque con un personaje que sirve mucho más de apoyo a la cordura, con lo cual pierde gracia en pos de una mayor intensidad dramática.

Los falsos Shapiro y Zmuda, o los reales DeVito y Giamatti, o qué se yo.

Por parte de Paul Giamatti, algo similar a lo que pasa con DeVito, que tiene un papel mucho más secundario y no llega a desarrollarlo en exceso. En el tiempo que tiene en pantalla, está aceptable, y con algún momento bastante bueno. Y por cierto, citar la aparición de personajes reales de la historia como George Shapiro o Bob Zmuda (interpretados por DeVito y Giamatti respectivamente), haciendo cameos cojonudos que le dan aún mayor credibilidad a la cinta solo por involucrarlos en el proyecto.

Con todo esto, una puesta en escena por parte de Milos Forman que opta por la fórmula clásica para quedarse ausente casi todo el tiempo, dejando que sea la historia y los personajes quienes cobren importancia para el espectador. Por supuesto, con ello consigue una narrativa sin fisuras, rápida como el guión y donde destacan las actuaciones, presentadas desde un punto de vista medio entre el espectador directo, la historia desde la perspectiva de los personajes, y la propia realidad televisiva, de la cual, aún así, tiende a escapar. Con ello, nos acerca a Kaufman, si, pero siempre dejando toda esa pátina del personaje como algo esencial en él, y permitiendo con ello que la leyenda siga en eso, leyenda.

El pequeño Andy Kaufman, en sus 4 minutos de aparición en la peli.

Combinada esta dirección con una fotografía de Anastas Michos tradicional, tendiendo a la iluminación natural y a los planos de simple visión, de acuerdo con esa puesta en escena que comentaba antes. Para ello, también un montaje de continuidad hecho a tres bandas por Adam Boome, Lince Klingman y Christopher Tellefsen que tampoco arriesga y se queda en la fórmula clásica, dando ritmo a la historia y simplemente haciendo su trabajo sin pretensión de que se note a la hora de ver la peli. Destacar aún así algún momento como es el paso de las distintas mujeres en la parte de la lucha libre mixta.

La banda sonora, nuevamente en esa misma onda natural y sin hacerse notar, con buena mezcla entre esa realidad televisiva y la realidad de Kaufman en los momentos de actuación (especialmente destacables los comentarios durante las peleas), y con la dificultad durante las canciones, bien solventada, con oficio y nuevamente, rigiéndose a normas ya establecidas por la industria. Porque sí, esto, a fin de cuentas, acaba teniéndolo casi todo industrial, a pesar de que la historia es contracultura pura.

Pena que este estilo de lucha libre no llegase a WWE o a UFC.

Resumen:
La vida profesional de Andy Kaufman, el gran genio del antihumor, o humor dadá o como quieran llamarlo, resumida a grandes rasgos con un guión muy bien desarrollado (aún con sus partes sensibleras) y contada con mucho oficio, pero sin riesgos de fuera de la industria hollywoodiense. A destacar la magnífica actuación de Jim Carrey.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 7.0
Guión: 8.5
Actuación: 9.0

TOTAL: 8.0

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Alambradas De Violencia (Pochi Dollari Per Django)

Título: Pochi Dollari Per Django


Director: León Klimovsky / Enzo G. Castellari (No está en créditos)


Año: 1966


País: Italia / España


Duración: 85

Django Reagan (Anthony Steffen) es un cazarrecompensas. Se ha cargado a la mitad de la banda que había robado un banco, pero queda aún la otra mitad. Así que va a un pueblo de Montana a buscarlos. Allí se hace pasar por el nuevo sheriff, y se encuentra en medio de una lucha a muerte entre los ganaderos y los colonos en relación al derecho a poner alambradas en los campos de los segundos, de modo que los animales de los primeros no puedan pisarlos, pero tampoco pasar cuando los hay que mover.

León Klimovsky, ese capo de la serie B y exploitation española, junto a Enzo G. Castellari, ese otro capo de la serie B y exploitation italiana (siendo esta su primera peli, aunque no esté en créditos), haciendo un western hispanoitaliano, que ya en el título original deja claro que se va a intentar vender bajo la sombra de Django, aunque no tenga absolutamente nada que ver con ella. Qué tenemos que esperar de esto? Pues curiosamente una historia que se sale un poco de los márgenes del spaghetti western para recoger elementos del western más clásico (aquello de la lucha entre agricultores y ganaderos y aspectos de la dirección y la ambientación), pero que por supuesto no se olvida de la violencia, del cazador de recompensas y de esa ambigüedad de personajes rudos y fríos que acaban haciendo justicia y consiguen la catarsis del espectador por medio de eso y de la violencia. Eso sí, en este caso se llegan a pasar de ser buena gente y la ambigüedad solo está un poco por la situación en la que viven. Ojo, más culpa del guión por esos ramalazos de western clásico que de los actores, que si bien no se lucen, al menos mantienen el tipo -al menos en la versión doblada en italiano, que es la que supongo versión original teniendo en cuenta la producción y el título original de IMDb, levantándome una vez más la pregunta de si se debe hablar de versión original en el exploit italiano-.

Narrado todo con una puesta en escena bastante simple, plana y previsible, la peli llega a hacerse anodina por momentos, y no es que aporte mucho si dejamos de lado las cuestiones que citábamos en el párrafo anterior. Un montaje de Antonio Jimeno tirando a demasiado evidente, sobre todo en las acciones de los especialistas, y falto de ritmo. Y la fotografía de Aldo Pinelli, un poco por encima del resto de aspectos técnicos, pero aún así la dejaría en normalita y con oficio, pero sin destacar en casi nada al igual que la parte sonora. Pero bueno, al menos es apañadito y entretiene si lo observamos en su globalidad. Y tanto el comienzo como la parte final, están bastante bien.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.5
Técnica: 5.5
Guión: 6.0
Actuación: 6.0

TOTAL: 6.0

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Superbad (Supersalidos)

Título: Superbad


Director: Greg Mottola


Año: 2007


País: USA


Duración: 113

Evan (Michael Cera) y Seth (Jonah Hill) son dos colegas inseparables que están a punto de graduarse en el instituto. Aún son vírgenes, y quieren dejar de serlo antes de que eso ocurra, es decir, en 2 semanas. Un día, casi por casualidad Seth consigue que Jules (Emma Stone), una tía muy potente del instituto, les invite a una fiesta en su casa, pero los dos amigos tendrán que comprar la bebida junto a Fogell (Christopher Mintz-Plasse), el tercero de la pandilla, ya que este se va a hacer un carnet falso. La compra de la bebida los llevará por una serie de líos que cada vez complican más que puedan llegar a la fiesta y mojar.

Desde Porky's a American Pie, el tema de la pérdida de la virginidad alrededor de los 18 años ha dado unas cuantas comedias desfasadas y gamberras. El problema, que la repetición de motivos e ideas ha ido minando la capacidad de hacer gracia de muchos de estos guiones, y así, muchas veces no han sabido conseguir la fuerza necesaria para sostenerse. En este caso, se aprecia además una clara secuenciación en diversas partes y etapas, con casi más elementos de road movie a tropiezos, y con un seguimiento de diversas tramas que, al menos, dan vida al metraje y hacen un producto entretenido pero poco más, que es a grandes rasgos lo que pretendía.

El problema es que todo se vuelve excesivamente obvio, y la realización no lo es menos, recogiendo la línea estética de una cámara sin pretensión de innovar, sino de dejar que sea el guión el que funcione por sí mismo junto a los actores, y un montaje que hace lo mismo. Y sí, el guión plantea algunos momentos gamberros y divertidos aún con la obviedad, donde destacaría todo lo concerniente al dibujar penes o lo que es la trama con los dos maderos y las referencias subculturales que se dispersan aquí y allá. Pero también muchísimos lugares comunes, sobre todo en la trama principal que, como decía al principio, le resta interés si uno ya ha visto unas cuantas cintas del género. Los actores, con lo que se espera de ellos, destacando a Christopher Mintz-Plasse, y si quieren a Michael Cera por la parte sentimental.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 6.5
Guión: 6.5
Actuación: 7.0

TOTAL: 6.5

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The Wind (El Viento)

Título: The Wind


Director: Victor Sjöström (firmando como Victor Seastrom)


Año: 1928


País: USA


Duración: 79

Una muchacha de Virginia, Letty (Lillian Gish), se va al oeste, a un pueblo donde el viento sopla constantemente con gran fuerza y donde vive su primo Beverly (Edward Earle). La mujer de Beverly, Cora (Dorothy Cumming), tiene celos de la joven y termina por echarla, teniendo que casarse Letty con un vecino que la cortejaba desde que llegó a la zona, Lige (Lars Hanson). Vivirá infeliz, y las visitas de Rodd q (Montagu Love), un hombre que había conocido en el tren que la llevó desde Virginia, no harán más que complicar las cosas.

Una de esas pelis donde el elemento extraño que sobrevuela el conjunto hace parecer que se trata de algo innovador y original aunque, en realidad, al final la base es el melodrama puro y duro con solo algunas pinceladas de interés. Al menos en la versión que conseguí ver, porque la versión larga y con final no feliz parece ser mucho más interesante por agradar menos al espectador. Eso sí, aquí está todo muy bien llevado y con los giros tan bien colocaditos que el ritmo no se pierde en ningún momento. Y cuando se pierde, se recurre a las escenas donde el viento acojona de lo lindo.

El principal interés está en la dirección de Sjöström, que le da una fluidez y un ritmo a la narrativa cojonudo, rodando las escenas al aire (y nunca mejor dicho) de manera que realmente transmiten una sensación de fragilidad ante el clima impropia de una cinta hollywoodiense de la época. Ayuda obviamente el director de fotografía John Arnold, que sin embargo en las escenas de interior acaba por dar un tono mucho más tradicional, y el buen montaje de Conrad A. Nervig, principal impulsor de esa fluidez que comentaba antes, y con un par de superposiciones que tanto gustaban en el cine mudo y tan buen resultado ideográfico daban. Por cierto, Lilian Gish está espléndida en su papel protagonista, aunque comienza excesivamente comedida.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 7.5
Guión: 6.0
Actuación: 7.5

TOTAL: 7.0

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Caminos Bizarros: Actualización Noviembre 2011

Nueva actualización, y última del año (porque la de Diciembre se hará en Enero, igual que esta, por poco), de la entrada que más gente extraña hace entrar al blog: Caminos Bizarros para llegar al blog! Y nuevamente, la gente me va sorprendiendo. Aunque Noviembre fue un poco más normalito.

(Si quieren ver solo las de este mes, pulsen la entrada completa, que aquí ya las incluyo.)



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Un Hombre Está Tumbado En El Suelo

Y ahora que ya se estrenó Un Hombre Está tumbado En El Suelo, me llena de orgullo y satisfacción anunciar que ya está subido a Megaupload, para toda la gente que lo quiera descargar:

Un Hombre Está Tumbado En El Suelo

Y si, esto es gratis y no hay intención de vendérselo a ningún precio que ustedes puedan considerar excesivo, como debería ser habitualmente la cultura. Por eso me gustaría pasar la gorra para que, si sienten que esto merece algún apoyo ecnómico, lo puedan hacer:

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6 Curtas, 6: Estreno de Un Hombre Está Tumbado En El Suelo y otros 5

Eso, que me congratula poder anunciar por fin el estreno del corto "Un Hombre Está Tumbado En El Suelo", después de meses luchando y esperando, en el magno evento "6 Curtas, 6", que nos reunirá, al menos creativamente, con colegas como Gonzalo Alonso, Andrés Carrasco, Loli Iglesias, Daniel Villaverde y Paulo Fernández, que también presentan "A Mí Me Gustan Los Espaguetis", "As Pequenas Batallas", "Comando 42", "Bilingüismo Cordial" y "O Día Que Ana Deixou De Ser Ana Para Seguir Sendo Ana" respectivamente.

Pero bueno, todo eso ya lo pueden ver en el cartel, así como la hora, el lugar y el inmejorable precio. Por cierto, dar las gracias al Teatro Principal y a sus trabajadores, por todas las facilidades y buen hacer que ponen de su lado.

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Fin de Cineuropa 2011: Maratón

El maratón más largo al que he asistido, y, si no me equivoco, el más largo de la historia del festival. Unas 17 horas de cine con algunos descansos que ponían fin a un Cineuropa que a mí se me quedó escaso. Quizás porque no asistí a mucho, quizás porque duró poco más de 3 semanas. Y como decía en el post anterior, un Cineuropa en el que me quedo con la frustración de no haber visto casi ninguna de las mejor votadas, pero con la satisfacción de que lo que ví, sin haber sido la hostia, al menos fue cumpliendo unos mínimos estándares de calidad, que es lo que exijo a un festival.

Y con esta reflexión, pasamos a los análisis de las pelis del maratón, que por cierto, estuvo lleno de grandes momentos gracias en gran parte a Shion Sono y al buen humor con respeto que se destiló este año por el principal, sin grandes vociferadas, ni gente que hacía callar a la mínima, y si con grandes aplausos a violencia y/o sexo gratuitos:


-Carabás (Francisco Calvelo, 2011):

Un corto tremendamente sorprendente, rodado con cámara en mano y evitando en todo momento la muestra explícita de lo que acontece por medio de planos muy cerrados. Gracias a ello funciona a la perfección en su primera mitad aunque cuando todo el secreto y la extrañeza se van diluyendo, y al mismo tiempo se nos permite ver al monstruo que pone en marcha toda la acción, pierde muchos enteros y consigue incluso algunos momentos bastante risibles involuntariamente. No obstante, lo que decía, en general logra enganchar y hasta da mal rollo en algún punto.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.5 Técnica: 7.5 Guión: 7.0 Actuación: 7.0
Total: 7.5

-恋の罪 (Koi No Tsumi) (Guilty Of Romance) (Shion Sono, 2011):

Degeneración y decadencia para una peli con una estructura que, con su esquema de continuo avance en espiral hacia el fondo de sí misma que hace el personaje de Megumi Kagurazaka, consigue un ritmo cojonudo, plagado de buenos momentos. Eso sí, por ratos resulta algo repetitiva y aún por encima, con los giros tan brutales (y alguno positivamente sorprendente), dan al mensaje de gusto por la decadencia un cierto aire forzado e impostado que, si hacemos la comparación obvia con Belle De Jour, sale malparada sobre todo en cuanto a sordidez. Pero tampoco importa si no nos ponemos a observarla desde su moralidad filosófica, y solo la pensamos como entretenimiento, donde sí funciona bastante bien.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.5 Técnica: 8.0 Guión: 7.5 Actuación: 7.0
Total: 7.5

-冷たい熱帯魚 (Tsumetai Nettaigyo) (Cold Fish) (Shion Sono, 2010):

Un comienzo bastante extraño y poco movido, para ir desatando poco a poco una locura violenta que llega a extremos absolutamente hiperbólicos, que dió grandes momentos de risas y aplausos en la sala. Entretenimiento, humor negro a raudales, unas cuantas pinceladas gore muy bien hechas y por supuesto muestras de degeneración variadas. De destacársele algún problema, sería ese avance sin pausa que tiene hacia adelante, sin pararse a pensar ni a explicar momentos concretos o evoluciones de los personajes. Pero vamos, que como locura llena de asesinatos, personajes desquiciados y situaciones absurdamente brutales, es la hostia.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.0 Técnica: 7.5 Guión: 8.5 Actuación: 7.5
Total: 8.0

-Attack The Block (Joe Cornish, 2011):

Una magnífica idea de serie B que se mantiene como una peli fantástica llena de acción y aventura a la vieja usanza de adolescentes pero remozada a los nuevos tiempos, y no hecha mirando con añoranza a lo que había en los 80. Eso sí, con los medios actuales y un presupuesto que le permite desarrollarse por cauces que mezclan una invasión de aliens que acojonan de lo lindo con cine de pandillas. Pero pandillas modernas, con críos de los barrios bajos londinenses, con sus tópicos de porreros, citas a videojuegos y gusto por el rap más gangsta. Gracias a esto, se aligera bien a base de humor pero eso sí, hay un poco de bajón en la parte final donde la crítica social se hace patente y la heroicidad hace pagar un poco el pato del resto de desarrollo más coñero.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.0 Técnica: 8.0 Guión: 8.0 Actuación: 7.5
Total: 8.0

-Susan In Red (Franck Giordanengo, 2011):


Desgraciadamente, la maravillosa y ridícula estructura de Compostela de cara a que los que vivimos en las afueras podamos aparcar nuestros coches cuando vamos a la ciudad, me hizo perderme este corto, puesto que tuve que ir a quitar el coche de un parking al ser ya horas de poder dejarlo en la calle fácilmente, con intención de que me dejaran de cobrar el tiempo como en un servicio de prostitución de lujo. Una pena, porque me comentaron mis compañerxs de palco que estuvo bien.
Nota:
Originalidad/Riesgo: - Técnica: - Guión: - Actuación: -
Total: -

-愛のむきだし (Ai No Mukidashi) (Love Exposure) (Shion Sono, 2008):

La peli a la que todxs le teníamos miedo. 4 horas de una misma historia dentro de un maratón, suena excesivo a todas luces. Y sin embargo, esta peli, con su primera hora totalmente descacharrante en cuanto a humor absurdo, homenaje al cine de artes marciales pero con chistes guarros del tipo que gusta a los japoneses y una defensa del ser pervertido como forma de vida no ya respetable, sino admirable, consigue hacerse muy llevadera. Por supuesto, en 4 horas le da tiempo a subir de intensidad, bajar de nuevo, tener momentos de bastante tedio, evolución muy previsible, giros imposibles... Por citar algo, las presentaciones que se suceden tras esa primera hora son un claro ejemplo de estos bajones. Pero en general, toda la mezcla de perversión, acción, drama adolescente y cristianismo consigue hacer que, en general, la peli sea muy divertida, especialmente para visionado colectivo.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.5 Técnica: 8.0 Guión: 8.0 Actuación: 7.5
Total: 8.0

-Hors Satan (Bruno Dumont, 2011):

Y después de esas 4 horas que sin embargo se hacían llevaderas, llegaban ahora unas 2 horas (ni llegaba a ellas) de tedio absoluto, a pesar de la promesa de posesión demoníaca que se entendía de la sinopsis (ojo, que la hay, pero es que ni se hace un esfuerzo porque nos importe lo más mínimo, más bien todo lo contrario). Una peli vacía y pretenciosa en sus formas, con silencios forzados en mitad de diálogos que aunque dan forma de profundidad, nada pueden con el fondo, fotografía feísta, ritmo nulo, personajes totalmente muertos y vacíos, y muchos, muchos planos de gente andando.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 5.5 Técnica: 2.0 Guión: 1.0 Actuación: 4.0
Total: 3.0

-The Wicker Man (El Hombre De Mimbre) (Robin Hardy, 1973):

La peli sorpresa del maratón. Una de esas películas casi olvidadas de los 70, que demuestran por un lado que en Inglaterra también se hacía cine de explotación, y que Christopher Lee es, como ya dije en otra ocasión, el actor con mejor carrera de la historia del cine. Una maravilla que pone en duda, mediante una investigación policial, todos los cimientos de la cultura cristiana, con momentos absolutamente grandiosos, como lo es el final, y que si peca de algo es de un montaje que la deja sin demasiado ritmo y una banda sonora folkie que acaba siendo casi más risible que ambientadora, especialmente por los momentos en los que se mete.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.5 Técnica: 6.5 Guión: 8.0 Actuación: 7.5
Total: 7.5

-L'Humanité (Bruno Dumont, 1999):

Otra peli de Bruno Dumont, también llena de tedio, pero aún así mucho más entretenida que Hors Satan. Un personaje principal interpretado por Emmanuel Schotté que da más risa que otra cosa con su aire abstraído y extraño, que no da cargado demasiado bien con la posible profundidad de la historia a la hora de mostrarnos su paso por la vida calmado y sin interés. Y el resto de personajes tampoco ayudan, así como la foto, excesiva en su uso de angulares grandes o el montaje, obvio y sin emoción. Si mola en algo, es precisamente en lo inútil del personaje principal para su trabajo, y cómo la investigación va totalmente independiente a él.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 6.0 Técnica: 3.0 Guión: 4.0 Actuación: 3.5
Total: 4.0

-Mañana Me Voy (Gael Herrera, 2011):

No entendí exactamente por qué se proyectó este corto, si fue una cosa pirata, si fue simplemente que se coló por amiguismo, pago de favores/drogas, o qué coño pasó, porque no estaba en el programa, y desde luego la calidad no era para estar aquí. Pero se proyectó, así que me tocará analizarlo.
Una especie de proyecto de colegas, digno de práctica para clase de alguien que no sabe qué hacer, trabaja en una empresa de tv local (que ni citaré para no promocionar) y se le ocurre algo de última hora. Así, retazos recogidos del informativo, grabaciones de un feísmo fotográfico dentro de la redacción que da miedo, e incluso cosas que rozan con la ilegalidad en cuanto a derechos de imagen (cosa que aplaudo siempre que lo grabaran para el corto, y fuesen conscientes de a lo que se podían atener). Lo peor, que la idea de la historia no es mala, y podría molar si estuviese bien desarrollada narrativamente igual que aprovecha desde la perspectiva de producción la visita de Ratzinger a Compostela para meter calles llenas de extras. Y Olalla Tesouro (que sí, colaboró para Exceso Antropomórfico, así que ni intentaré ser objetivo con ella), no está mal en su papel, con lo poco que lo puede desarrollar con todo ese caos narrativo totalmente incoherente y más que aparentemente falto de previsión.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 6.0 Técnica: 0.5 Guión: 3.0 Actuación: 6.5
Total: 4.0

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Cineuropa 2011/3: De cómo afronté la última semana antes del maratón.

Y vamos enfocando ya el final de Cineuropa 2011. Un festival donde, mirando atrás, me doy cuenta de que seleccioné excesivamente en base a directores, y por ello (y por incompatibilidad de horarios), me quedé sin ver cosas como The Artist o Les Neiges Du Kilimandjaro. Una pena, porque fueron de lo mejor votado del festival. Pero bueno, supongo que las podré ver en alguna otra ocasión si son tan cojonudas.

Sin embargo, lo que si conseguí ver esta semana, que culminará con el maratón, fue:


-Faust (Fausto) (Aleksandr Sokurov, 2011):

Iba dispuesto a ver una de esas pelis de simple contemplación y contenido vacío que tanto le gusta hacer a Sokurov y me encuentro, por el contrario, con una peli donde el trabajo de cámara y montaje está relativamente encauzado bajo unos cánones más tradicionales (aunque el principio de cine como arte y no como espectáculo es el que sigue primando en todo el trabajo), que incluso me llama a ver el resto de la tetralogía del poder. Su trabajo con lentes anamórficas extrañas se mantiene, pero en pequeñas dosis que incluso le dan sentido y voz de narrador a la imagen, al enrarecerlo todo y dar ese aspecto de sueño. De todos modos, el desarrollo se torna tremendamente literario, fundamentándose todo en base a diálogos que dan un aire pesado que enlaza con la estética del film, pero llevándolo a que se vuelva más difícil de digerir.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.0 Técnica: 7.0 Guión: 6.0 Actuación: 7.0
Total: 7.0

-A Torinói Ló (O Cabalo De Turín) (Béla Tarr, Ágnes Hranitzky, 2011):

La verdad es que salí de esta peli con dudas sobre como puntuarla aún después de aplaudirla en la breve y tímida ovación que se llevó al terminar. Si bien siempre he criticado el cine contemplativo vacío, que no muestra nada ni evoluciona, hay una poética en las imágenes y en los movimientos de los planos secuencia que nos presenta que me enganchó desde un comienzo. Porque es que realmente, lo único que se muestra, es el tedio de una familia rural piamontesa del s. XIX, pero de un modo muy bello mediante planos secuencia de entre 4 y 6 minutos de duración, combinándose con un compás musical que se clava en el cerebro desde la primera repetición. Eso sí, con un drama ausente, basado más en el seguir adelante y simplemente vivir, esperando a la muerte pero sin perseguirla que en nada más, cosa que ayuda a esa poética pero deja un poco vacía la posible profundidad que podría tener el film. Y eso que no le falta cierta reflexión sobre ese devenir de la muerte y el sinsentido de la vida que enlazaría precisamente con el origen nietzscheano de la historia.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 9.5 Técnica: 9.0 Guión: 7.0 Actuación: 7.5
Total: 8.5


-Jerichow (Christian Petzold, 2008):

Una peli bastante normalita, con ciertos toques de tv movie incluso, tanto por su simplicidad de personajes, localizaciones e historia como por su trama repleta de elementos de amor, venganza y engaños bastante tópica. Aún así, consigue algún momento bastante interesante y los personajes están bastante bien desarrollados e interpretados. Pero en general eso, una historia sencilla, con más oficio que otra cosa, y sin ofrecernos nada especial. Lo único, el tratamiento que se puede encontrar sobre la guerra de Afganistán y la inmigración en Alemania como elementos pegados al guión, rodeándolo pero sin atacar directamente un discurso al respecto.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 5.5 Técnica: 6.0 Guión: 6.0 Actuación: 7.0
Total: 6.0

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