Cineuropa 2014 (XXXII y fin): Maratón

Sigo defendiendo que el maratón de Cineuropa es, en Compostela, la auténtica fiesta del cine. Este año furon unas 15 horas de cine, comiendo, bebiendo y divirtiéndonos entre amigos, con el ambiente habitual que, aunque cada vez se pone más serio, sigue siendo de ganas de despiporre. Igual es por eso de no meter alcohol y tener limitaciones con las latas... Pero bueno, lo de siempre, quien quiera cine en silencio y con ese criterio habitual para ver películas en la sala, no debería ir al maratón, que la mayoría de pelis se ponen en el resto del programa, y aquí estamos siempre para eso, aplaudir a unos niños que le meten una cucaracha a su madre en la boca, reírnos de frases no demasiado acertadas en los guiones o de un asesino que escapa y se tropieza o silbar cuando aparece una menor desnuda en una película mexicana de los 70. Diversión y fiesta para el cierre del festival. Al menos para mí, porque aun quedarían otros 2 días que yo prefería utilizar para descansar. Que este año me metí 40 pelis, contando las 9 de este maratón.

-地獄でなぜ悪い [Jigoku De Naze Warui] (Why Don't You Play In Hell? (Sion Sono, 2013):


Sion Sono nunca defrauda. Sus películas son una locura llena de sangre y situaciones bizarras, de esas joyas perfectas para ser proyectadas en este tipo de eventos. Esta no es menos: una comedia alocada que juega con yakuzas y metacine, a base de unos personajes que quieren hacer pelis desde el amateurismo más absoluto y la hija de un yakuza que quiere dedicarse a ser actriz. Lógicamente, acabarán encontrándose, pero no sin antes dar mil vueltas absurdas que solo sirven de preludio para la secuencia del clímax: un despiporre larguísimo lleno de sangre y slapstick, que consigue además rendir homenaje a la historia del cine asiático, desde las luchas a katana de Kurosawa hasta los excesos balísticos de John Woo.

Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.0 Técnica: 8.5 Guión: 7.0 Actuación: 7.0
Total: 7.5


-Backcountry (Adam MacDonald, 2014):


Una pareja que va al campo a pasar un fin de semana. Allí les pasan cosas chungas. A que es un argumento original? Pues igual de original es todo el resto de la película, oigan. Una cinta que va a base de tópico, con la naturaleza siendo la culpable aquí, más que el cabrón del campo (existían las dos posibles variantes) y que lo único interesante del guión es el cómo funciona a base de MacGuffins en su primera mitad. Poco ofrece, con una fotografía ramplona incapaz incluso de aprovechar los espacios naturales que se le brindaban, demostrando además el montaje que ni siquiera había una previsión concreta sobre la narración, empalmando planos que no vienen a cuento. Como los desenfoques constantes que se hacen. Peli pocha que ni siquiera resulta divertida a pesar de tener a un Jeff Roop que recuerda a un joven Fernando Alonso enfrentándose a un Eric Balfour igualito a Zlatan Ibrahimović, con todo el posible despiporre estúpido que podría tener.

Nota:
Originalidad/Riesgo: 4.0 Técnica: 4.0 Guión: 5.5 Actuación: 7.0
Total: 5.0


-La Tía Alejandra (Arturo Ripstein, 1979):


La carrera de Arturo Ripstein está muy olvidada, y sin embargo tiene un par de joyas del calibre de esta o El Castillo De La Pureza, antecedente de la griega Canino. Ambas convergen, además, en el uso de un espacio cerrado en una casa, sin necesidad de apenas salir de ella para narrarnos la historia. Y aquí destaca la ambientación malrollera que impregna toda la cinta, una atmósfera que nos hace saber que nada bueno puede ocurrir gracias a ese personaje que es la propia tía Alejandra. Además, se juega muy bien hasta el final al hecho de no dejar claro si todo lo que ocurre es fruto de la casualidad o la causa es la mujer que da título al film, por mucho que se deje entrever que así es, en un planteamiento que recuerda totalmente a La Profecía, de la que bebe claramente aunque utilizando brujería en vez del anticristo. Una pena que la falta de medios le haga perder a la hora de acabar de ambientar la casa.

Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.0 Técnica: 6.5 Guión: 7.5 Actuación: 6.0
Total: 7.0


-Wake In Fright (Ted Kotcheff, 1971):


Australia es, en su gran mayoría, sinónimo de desierto y de espacio casi inhabitado. Así que no es raro que en medio de esa nada que es el desierto, un personaje pretenciosamente intelectual siente que su vida se está desperdiciando. Pero qué pasa si, al enfrentarse al modo de vida en esas ciudades perdidas acaba descubriendo que no es más que sus habitantes? Pues que se lo pasará bien, se dejará llevar, beberá y descubrirá que él es igual que la gente a la que desprecia. Brutal en su planteamiento, la película es una de estas que se basan más en desarrollo del personaje que en una historia en sí misma, siendo sobre todo Gary Bond quien mantiene la cinta arriba, con sus idas y venidas. Destacar, en la parte negativa, los asesinatos de canguros que se ven, rodados durante una cacería real, pero totalmente innecesarios.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.0 Técnica: 7.0 Guión: 7.5 Actuación: 7.5
Total: 7.5


-Ich Seh, Ich Seh (Goodnight Mommy) (Severin Fiala / Veronika Franz, 2014):


Una madre que se ha hecho la cirugía estética, dos hermanos y los problemas entre los tres cuando los niños no aceptan que esa señora que está con la cara vendada sea su madre. Una película que empieza bien, más dentro de un tono dramático que de terror pero que rápidamente degenera y busca una imaginería excesiva, especialmente en su parte final y en su clímax. Muy bestia, con imágenes totalmente explícitas y un poco una mezcla que coge los elementos de tortura, estética y violencia de Funny Games con niños malvados, al estilo de ¿Quién Puede Matar A Un Niño?, con cierto problema en el guión, haciéndose evidente demasiado pronto. Además, una estética muy bonita, aprovechando la casa de diseño y consiguiendo una narración elegante y fría, aunque nunca tan fría como la habría hecho Ulrich Seidl, productor de la misma.

Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.0 Técnica: 8.0 Guión: 8.0 Actuación: 7.5
Total: 8.0


-Family (John Landis, 2006):



Uno de tantos episodios de Masters Of Horror. Realmente cualquiera de ellos suele ser bueno para un maratón, con ese aire de cine fantástico bien hecho, con buen ritmo y con esa duración de 1 hora que se agradece cuando ya se llevan más de 7 horas de cine. En este caso, una buena idea, con un personaje bastante enfermo y poco más. La historia queda definida muy rápido y solo el giro final consigue salvarla y darle buen nivel a todo lo que ha ido preparando. Sencillez y claridad televisiva, con fotografía muy luminosa y unas actuaciones adecuadas al producto. No es la hostia, pero eso, tiene buenas ideas y buen oficio.

Nota:
Originalidad/Riesgo: 6.5 Técnica: 7.0 Guión: 6.0 Actuación: 6.0
Total: 6.5


[Película Sorpresa]-Under The Skin (Jonathan Glazer, 2013):



La verdad es que en su momento se me había escapado esta peli, que mucha gente puso como pequeña joyita. Francamente, puede que fuese el hecho de que eran ya sobre las 8 de la mañana, pero vaya peñazo. Una película que solamente ofrece estética, sin demasiado fondo, con muy buena ambientación en su primera mitad pero que se diluye enormemente hacia el final. Scarlett Johansson haciendo de protagonista con aire muy borderline, planos que parecen oníricos para mostrar asesinatos y un final sorpresa totalmente sacado de la manga que sólo se salva si su intención es simbólica, cosa que ni siquiera deja demasiado clara. Qué la salva? pues una fotografía preciosa (ventajas de grabar en Escocia), un par de desnudos de la actriz (que fue lo que le dio más fama a la peli), una banda sonora en la que vuelve a salir Sandstorm, igual que ya pasó en el festival con Filth (qué pasa, se puso de moda en el Reino Unido en 2013?!?!) y eso, la ambientación enrarecida y malsana de su primera media hora.

Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.0 Técnica: 7.0 Guión: 3.5 Actuación: 7.0
Total: 6.0


-No Way To Treat A Lady (Así No Se Trata A Una Dama)(Jack Smight, 1968):



Una película totalmente americana que, sin embargo, transmite un aire inglés por todos sus poros. Investigación sobre un criminal que juega con la policía al más puro estilo de algunos grandes asesinos en serie reales como el del Zodíaco o Jack El Destripador. La película tiene muchísima elegancia y mucho oficio, y el relato funciona muy bien, especialmente en su presentación. Después, va aumentando la repetición de motivos con la investigación, aunque aumenta el ritmo y evita caer en la monotonía por medio de réplicas cojonudas y escenas muy bien escritas, destacándose entre todas aquella en la que el protagonista presenta su novia a su madre. Todo un ejemplo de como coger una trama secundaria y emplearla para crear personaje y apoyar el ritmo narrativo.

Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.5 Técnica: 6.5 Guión: 8.0 Actuación: 6.0
Total: 7.0


-When A Stranger Calls (Llama Un Extraño) (Fred Walton, 1979):



Una cosa que odio son esas películas con una fotografía tan oscura que parece que jueguen a hacer que el espectador se tenga que esforzar para entender qué ocurre en la imagen. Algo que ocurre aquí desde un principio y hasta el final. Entiendo la falta de medios, pero coño, al menos iluminar mínimamente. A esto le sumamos un guión que no parece tener muy claro qué pretende, con una primera parte medianamente buena que da título al film, seguido de una persecución constante al extraño que llamaba en esa primera parte llevada a cabo por un personaje totalmente falto de carisma y que acaba aburriendo y un desenlace sacado de la manga, reintroduciendo a la protagonista de la primera parte sin nada de preparación y de un modo bastante torpe. Para rematarlo, aun por encima ni siquiera es capaz de saber cuando terminarlo, cayendo en un innecesario alargamiento de la trama.

Nota:
Originalidad/Riesgo: 6.0 Técnica: 3.0 Guión: 2.0 Actuación: 5.0
Total: 4.0

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Cineuropa 2014 (XXX): Plemya (The Tribe)

Título: Плем'я [Plemya]


Director: Miroslav Slaboshpitsky


Año: 2014


País: Ucrania / Países Bajos


Duración: 130

A un internado para sordos llega un nuevo alumno (Grigoriy Fesenko). Allí se dará cuenta de que para sobrevivir tendrá que ser duro y aguantar vejaciones, así como ayudar en ellas, en una trama que incluso mezcla a un par de chicas que se prostituyen con camioneros para poder salir adelante en ese mundo desquiciado y decadente.

130 minutazos de película tramposa que pretende contarnos una historia muy sencilla solamente con ese mérito de que los diálogos estén hechos con lenguaje de signos. Pero le llamo tramposa por la pretensión completa de no usar subtítulos, evitando que los que no hablamos lenguaje de signos nos podamos enterar de qué es lo que dicen los personajes, por mucho que muchos de los signos los entendamos por lógica. De verdad, no entiendo de dónde viene esta idea, porque al fin y al cabo ellos hablan, y me da lo mismo que sea con lenguaje de signos que en ucraniano. Solamente eso ya quita a uno de quicio, aunque podría amañarlo.

Si a esta pretensión de evitar que mucho del público tenga acceso a los diálogos le sumamos una historia muy sencilla y muy tópica de la cual lo único realmente destacable es el final y también una puesta en escena basada en planos secuencia (muchos de los cuales ni siquiera acaban de aportar nada) nos queda una película difícil de ver, bastante coñazo, vacía y plana. Eso sí, consigue valer mínimamente la pena por un par de escenas, como la visita a una 'doctora' o ese final que decíamos antes. Y los actores, pues sin llegar a hacerse queridos e incluso resultando forzados en más de una ocasión.

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Originalidad/Riesgo: 7.0
Técnica: 7.5
Guión: 3.0
Actuación: 5.0

TOTAL: 6.0

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Cineuropa 2014 (XXIX): White Dog

Título: Fehér Isten


Director: Kornél Mundruczó


Año: 2014


País: Hungría / Alemania / Suecia


Duración: 119

Cuando Lili (Zsófia Psotta) se va a vivir de nuevo con su padre (Sándor Zsótér) durante unos meses, este le recibe de manera hostil. Principalmente, porque junto a la niña viene un perro, y él tendrá que pagar licencia por poder tener el perro en casa, cosa a la que no está dispuesto, así que termina por abandonarlo tras una discusión con Lili. La vida del perro irá llevándolo dando tumbos para poder sobrevivir en un mundo violento en el cual nadie quiere a los perros, salvo la protagonista. Y Lili tendrá que madurar para aprender a vivir sin su perro, obligada a comenzar a entenderse con su padre al mismo tiempo.

Esta es una de esas pelis que parecen tener muy claro el lugar al que quieren llegar. Solo así se explica lo mal escrito que está el guión, y sin embargo lo grande que es el momento del giro hacia el final del film. Todo el resto del tiempo, el guión resulta evidente, incluso anodino y maniqueo, con todos los humanos malvadísimos hacia los perros y los perros con comportamientos tremendamente humanizados. Casi como si fuese una película de Disney (incluso en algún momento parece que se va a convertir en La Dama Y El Vagabundo). Por suerte no llega a tanto, pero sí que realmente resulta un problema en lo que transmite la cinta. Ahora bien, llegado a ese clímax en el que se nos muestran todos los 274 perros utilizados en la película, la fuerza de la narración se vuelve impresionante.

Técnicamente, tampoco es una película especialmente resaltable, resultando incluso algo cobarde en algunas decisiones como las utilizaciones de la música que la propia protagonista tocaba por encima de las imágenes, nuevamente un tópico demasiado evidente. Resulta curioso, por cierto, que se le dedique la peli a Miklós Jancsó, supongo que por su muerte en este año, porque la influencia no se ve por ningún lado, más allá de que como uno de los grandes directores de la cinematografía húngara pueda haber hecho algo de mella en la vida de Mundruczó. También querría hablar de unos actores que no hacen más que quedarse en lo superficial y no llenan a sus personajes, que aun por encima ni siquiera consiguen ser lo suficientemente coherentes. Solamente Zsófia Psotta consigue mantenerse bien para que el film no se hunda definitivamente.

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Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 7.0
Guión: 4.0
Actuación: 6.0

TOTAL: 6.0

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Cineuropa 2014 (XXVIII): The Smell Of Us

Título: The Smell Of Us


Director: Larry Clark


Año: 2014


País: Francia / Bélgica


Duración: 92

Unos adolescentes que dedican su tiempo a patinar con su skate en el parque comienzan a prostituirse, sobre todo con hombres mayores. Tienen problemas un poco más fuertes que la mayoría de adolescentes, y su modo de vida no hace otra cosa que provocarles cierto rechazo y replanteamientos sobre qué intentan y qué quieren exactamente. Así, aunque nunca llegan a abandonar el parque de skate, también sus relaciones con el resto de habituales de la zona irá variando.

Como dijo el señor Carlos Pensado en cuanto salimos de ver la película, "hay directores de una sola peli". Este es el caso de Clark, obsesionado en rodar una y otra vez lo mismo, y haciéndolo con su particular estilo. Esto es: adolescentes urbanos y un poquito marginales teniendo sexo, bebiendo y drogándose y apenas teniendo contacto con el mundo adulto que les rodea. Y el que tienen, todavía es para empeorar las cosas. Personajes límite, explotados pero carentes de una finalidad en una historia que apenas existe, dejando que sean las escenas sueltas las que vayan marcando la evolución, más estética y más por pinceladas, de la cinta.

La película, como ocurre habitualmente con el cine del de Oklahoma, se queda en un punto vacío, intentando provocar pero sin llegar a ser excesiva, simplemente señalando esa provocación. Vale, que es un poco más fuerte y explícita que las anteriores, y puede que en ciertos círculos lo consiguiese (de hecho no es raro ver cómo salen algunas personas de la sala viendo esta), pero desde luego siempre se ha quedado lejos de romper moldes. El problema es que, cuando tu película no pretende contar casi nada, sino dejar que la estética de unos chavales totalmente autodestructivos llenos de problemas y frustraciones la guíe, al menos deberías conseguir que esas imágenes rompan y desgarren algo en el espectador. Pero no, lo único que consigue es un par de escenas bastante bizarras y, al menos, unas actuaciones que mantienen bien la cinta, porque aun por encima lo alejada que se queda la narración y lo fría que resulta hace que sean los actores los que la aguanten.

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Originalidad/Riesgo: 6.5
Técnica: 6.0
Guión: 5.5
Actuación: 7.5

TOTAL: 6.5

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Cineuropa 2014 (XXVII): A Pigeon Sat On A Branch Reflecting On Existence

Título: En Duva Satt På En Gren Och Funderade På Tillvaron


Director: Roy Andersson


Año: 2014


País: Suecia / Alemania / Noruega / Francia


Duración: 101

Un par de vendedores de artículos de broma, Jonathan (Holger Andersson) y Sam (Nils Westblom), van ofreciendo sus productos por distintos lugares de la ciudad. A nadie parecen interesarle demasiado las novedades que ofrecen, y eso que son de primera calidad: cosas como unos dientes de vampiro, una bolsa que al apretarla se ríe o una máscara de goma. En su devenir, cosas extrañas e inesperadas se irán sucediendo y mezclando con recuerdos, sueños e historias.

Lo que nos brinda aquí Roy Andersson solo se podría definir como una comedia contemplativa. Dos conceptos cinematográficos a priori diametralmente opuestos, pero que sin embargo se unen para hacer una película que, desde luego, no puede dejar a nadie indiferente. No en vano uno mira las votaciones que recibe y varían siempre entre por debajo de 4 y acercándose al 10. La historia se nos muestra cortada en escenas que se yuxtaponen casi a modo de sketches, aunque opte por seguir el devenir de un par de personajes y mantenga muchos nexos en común para crear humor basado en la repetición de motivos así como de juegos lingüísticos que se apreciaban incluso sin saber sueco (así que sabiéndolo seguro que se pillarían muchos más). Todos esos personajes, siempre en los límites de un patetismo enorme y muy humano, acaban por generar situaciones que rompen la lógica común por lo fuera de lugar que están. Destacar a esos dos protagonistas que son los vendedores de artículos de broma Sam y Jonathan, los vendedores más tristes del mundo, irónicamente, o la profesora de baile que se acerca demasiado a un alumno, que siempre se ve forzado a apartarla de sí mismo. Por dejar de lado los momentos de absurdo reminiscente de los Monty Python con el rey Carlos XII entrando en un bar con parte de su ejército.

Técnicamente, nos plantea simplemente una narración en base a planos estáticos observando y alejándose de los personajes, que en su quietud y ese mantenerse mostrando todo apoya tremendamente el humor de lo patético con el que juega todo el guión. Obviamente, para esto hay que tener en cuenta a los actores, geniales en esa muestra de apatía absoluta y frialdad nórdica en sus acciones. Con ello consigue eso, un cúmulo de patetismo mostrado fríamente y muestras de absurdo que, claro, no es apto para todxs lxs espectadores, lo que hizo que en sala nos estuviésemos riendo solamente unos cuantos, ante el estupor de una gran mayoría. Pero es precisamente por esto que merece la pena intentar verla.

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Originalidad/Riesgo: 9.5
Técnica: 8.5
Guión: 9.0
Actuación: 8.0

TOTAL: 9.0

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Cineuropa 2014 (XXV): Saint Laurent

Título: Saint Laurent


Director: Bertrand Bonello


Año: 2014


País: Francia / Bélgica


Duración: 150

Biopic sobre la figura del diseñador de moda Yves Saint Laurent (Gaspard Ulliel), narrándonos el auge de su trabajo en los años 60 y 70, así como su caída personal en las drogas y en la autocomplacencia. Un hombre que, con sus diseños para pasarela y para prét à porter revolucionó el mundo de la moda, convirtiéndose en una marca que aun a día de hoy sigue asociada a la más alta costura. Vemos al Saint Laurent humano, trabajador y culto, al tiempo que también al autodestructivo, obsesivo y con serios problemas durante determinadas épocas.

Que un servidor no es un especialista en moda es evidente nada más verme. La ropa no es algo que domine, y aunque puedo entender de conceptos abstractos como la elegancia o la belleza, nunca me he preocupado excesivamente ni por lo que está de moda en la calle ni mucho menos en las pasarelas. Así que el de los diseñadores es uno de esos gremios artísticos que escapan de mi jurisdicción. Sincerado esto (más que nada para excusar ya los errores que pueda cometer al hablar de Yves Saint Laurent), debo reconocer que un biopic que pintaba a un tío que revolucionó el mundo de la moda en los 60 y 70 de tal modo que su familia reniega totalmente del mismo, pues me atraía para ver si tan llevado al extremo estaba. La cuestión es que no es para tanto. Sus adicciones no son precisamente un secreto y sus escarceos amorosos, pues tampoco deberían ser motivo para escandalizarse. Puede que se le haya llevado a un punto demasiado de divo atormentado por su propio éxito, pero el personaje se hace humano y consigue ese punto a medio camino entre la pena y la admiración por alguien que triunfa en su arte, haciendo lo que le apetece, pero a cambio de vivir solo para ello. Es llamativo que apenas se haga aquí relación a otros diseñadores que competían con él en su carrera primigenia, dando la impresión de que vivía en un campo totalmente inexplorado, aun habiendo sido pupilo de Dior, sin ir más lejos.

La verdad es que el ritmo se mantiene bastante bien, sobre todo al comienzo. Destacan varios juegos en pantalla múltiple, especialmente el primero, que nos va mostrando las colecciones de finales de los 60 mientras en el otro lado de la pantalla vemos los conflictos de la época, que no fueron pocos, entre los que habría que destacar el Mayo del 68 por aquello de ambientar la peli en París. De todos modos, en la parte final se pierde bastante la fuerza, al acabar dando demasiadas vueltas a la caída y casi desaparición del artista, que de hecho durante un rato se muestra simplemente como un ente ausente. Algo curioso y muy interesante como concepto en un biopic. De todos modos, eso, acaba por alargarse demasiado y parecen sobrar unos cuantos minutos de metraje. Destacar, por otro lado, la banda sonora, genial introduciendo desde temas de Creedence Clearwater Revival hasta Wagner como quien no quiere la cosa y dándole, así, esa pátina de elegancia que también los propios personajes desprenden, destacándose un Gaspard Ulliel que está espléndido dando vida al diseñador.

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Originalidad/Riesgo: 6.5
Técnica: 7.5
Guión: 6.0
Actuación: 8.0

TOTAL: 7.0

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Cineuropa 2014 (XXIV): Güeros

Título: Güeros


Director: Alonso Ruiz Palacios


Año: 2014


País: México


Duración: 106

Tras una gamberrada que se ha pasado de rosca, la madre de Tomás (Sebastián Aguirre) decide mandarlo de Veracruz a Ciudad de México a vivir con su hermano Federico, ahora conocido como Sombra (Tenoch Huerta). Sombra vive con Santos (Leonardo Ortizgris), y ambos llevan una vida errática mientras en la universidad hay una huelga. Ellos hacen 'huelga de la huelga' y ni siquiera intentan salir de casa, en parte para evitar contactar con Ana (Ilse Salas), la chica que le gusta a Sombra. Con la llegada de Tomás, un encontronazo con los vecinos a los que les roban la electricidad y el descubrimiento de que un músico de rock mexicano que le encantaba a su padre está enfermo, Sombra accede a salir y vivir una pequeña aventura en la que se enfrentará a su vida a través de los distintos lugares de la ciudad que irán visitando.

Esta es una de esas películas que dan gusto siendo carne de festival puro y duro. Cine independiente, sin demasiado presupuesto, con buenos personajes, un poquillo de drama, sus buenos momentos de comedia, un par de rupturas de la cuarta pared y guiños al propio concepto de la película... Todo ello con muchísimo frescor, convirtiendo la historia en una road movie por Ciudad de México, creando esa sensación de mostrar una serie de realidades que explican muy bien lo que es el entorno urbano para los personajes de la generación de los protagonistas. Ya digo, la sensación, pues no soy quien para decir si es así. El único problema, a nivel de guión, es que al final acaba renqueando un poco a la hora de cerrar las tramas después de haberse ido un poco por las ramas durante un buen rato. Pero tampoco llega a resultar insoportable en esa pequeña alargada.

Rodada toda en un blanco y negro suave, con muy buen ritmo y sobre todo centrándose muchísimo en los personajes, tiene unos cuantos planos muy buenos, aunque no juegue demasiado a buscarlo. Consigue suplir el bajo presupuesto cogiendo imágenes rodadas aparentemente liándola en relaciones reales, y ayudándose de ese modo para lo que comentábamos arriba sobre acercarnos como espectadores a la realidad del entorno urbano de México D.F., o al menos a la del México D.F. de nuestros protagonistas. Protagonistas que se hacen muy creíbles y humanos, jugando con un cierto humor existencialista que deriva en apertura al mundo (una de las frases de Sombra, 'para qué salir de casa si acabaremos por volver a ella', define perfectamente el ambiente del comienzo, totalmente evolucionado al final, por ejemplo).

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Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 8.0
Guión: 7.0
Actuación: 7.5

TOTAL: 7.5

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Cineuropa 2014 (XXI): Ouroboros

Título: Ouroboros


Director: Carlos Rivero / Alonso Valbuena


Año: 2014


País: España


Duración: 90

Un par de monjes, tras un incendio en su monasterio, buscan encontrar el paraíso para poder acercarse a Dios. Juntos recorren su purgatorio y un camino que está lleno de dudas y de miedos, de obsesiones y de dificultades. Ahora remontan una y otra vez un río y el cañón que lo rodea, sin saber siquiera si encontrarán su ansiado paraíso. Han olvidado su vida hasta el punto de que ya no hablan su lengua materna, pero están llenos de fe en que llegarán. Al menos uno de ellos.

A lo largo de la historia no se han hecho muchas películas en latín. El imperio romano cayó demasiado antes de que el cine se hiciera un arte popular y nunca hubo un guionista romano lo suficientemente bueno escribiendo para pantalla. Por eso, y porque a día de hoy tampoco es que sea una lengua popular por aquello de haber muerto hace siglos. Así que me parece una decisión muy arriesgada y curiosa la de grabar una película en dicho idioma. Vale que si se usan monjes como personajes, eso le dé sentido. Pero igualmente el hecho de tomar esta decisión ya es llamativa de cojones.

A esto del idioma, que no deja de ser una cuestión menor y que solo muestra la pretensión de realismo y de fe en sus personajes que muestra el guión, se le suma una narrativa muy tranquila, que explora el espacio y busca que esos personajes se muevan por el mismo, aprovechándose para una fotografía preciosista, especialmente destacable en planos largos del río que van bordeando. Suma mucho juego con planos secuencia, a los cuales, gracias al color y al movimiento, apenas se les nota la duración y no resienten en absoluto el ritmo, adecuado a la propia actuación y al modo de comportarse de los personajes (y la supuesta profundidad de los mismos, que en realidad no es para tanto). También hay que tener en cuenta la banda sonora, compuesta por Mihály Víg, habitual en el cine de Béla Tarr, a quien agradecen en créditos y que sin duda fue una inspiración a la hora de plantear esta peli al igual que Dreyer. Aunque esto sea mucho más rápido y mucho menos contemplativo que el cine del húngaro y, como decía, menos profundo que el del danés. A destacar negativamente cómo destruyen el cadáver de un conejo a pedradas, espero que no muerto para el film, aunque todo pinta que así es, en una decisión innecesaria para lo que pretenden contar.

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Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 8.0
Guión: 7.5
Actuación: 6.5

TOTAL: 7.5

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Cineuropa 2014 (XX): El Corral Y El Viento

Título: El Corral Y El Viento


Director: Miguel Hilari


Año: 2014


País: Bolivia


Duración: 55

En la zona de Santiago de Okola, a orillas del Titicaca, en Bolivia, el principal modo de subsistencia se basa en la ganadería, y también en la pesca. Las condiciones económicas son bajísimas, los habitantes de la zona no tienen un gran acceso a los estudios y el hecho de tener su propia lengua y sus propias costumbres los aleja un poco más de las zonas vecinas. Pero ahí siguen, subsistiendo, tal y como los vemos en este documental.

Una cosa se vuelve cierta cuando uno ve documentales como este, y es que hay otros mundos, pero están en este. Arranca el documental con un chaval jugando, demasiado violentamente para mi gusto, con un gato. Los veremos a él y a su hermana, y a partir de ellos a la gente de la zona y su forma de vida en una granja perdida en medio del monte boliviano. Apenas hablan español, su lengua materna es el aymara. Este es el lugar de origen de la familia del protagonista, y aunque no está demasiado lejos de La Paz (a unas 3 horas), el nivel de vida es muy distinto del de la ciudad, en todos los niveles. Y ya no digamos del de occidente o de lugares no tan lejanos a Bolivia.

Técnicamente no es precisamente ninguna maravilla. Tampoco el guión. Ni siquiera es que sus personajes ni lo poco que cuenta sean excesivamente interesantes. Pero sin embargo, es impresionante ver las condiciones de vida de esta gente, ver lo apartados del mundo que están, viviendo en un país a priori no tan alejado de occidente, manteniendo su lengua aunque sea sin consciencia de que así mantienen su herencia cultural, cantando sus canciones, recitando sus poemas (en un pasaje del documental vemos a varios críos en la escuela realizando estas actividades a cámara) y, básicamente, sobreviviendo como pueden. Y qué cojones, puede que en un futuro esta zona se occidentalice y acabe desapareciendo en el olvido su herencia cultural en pos de una vida moderna. Pero este documento ya hará que al menos, esto quede como testigo de la realidad que ahí se vive ahora mismo.

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Originalidad/Riesgo: 7.0
Técnica: 5.0
Guión: 5.0
Actuación: 7.5

TOTAL: 6.0

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Cineuropa 2014 (XIX): A Viaxe De Leslie

Título: A Viaxe De Leslie


Director: Marcos Nine


Año: 2014


País: España (Galicia)


Duración: 75

La vida de Leslie Howard es de película. No solo fue actor y director en Hollywood, motivo por el cual es realmente conocido. También fue herido en la 1ª Guerra Mundial, director y actor teatral, hombre que acabó mal con la industria de la meca del cine y, posiblemente, espía en España durante la 2ª Guerra Mundial, muriendo en un extraño ataque aéreo en la costa gallega. A través de imágenes de su vida y obra, veremos este devenir vital tan extraño y digno de ser contado.

El cómo se vende un producto es curioso y esencial en su vida comercial. Cuando vendes tu obra como una historia contada solamente utilizando material de películas montado para crear un documental sobre Leslie Howard, pues suena impresionante y llama la atención. Ahora bien, si lo que has hecho es meter una voz en off sobre esas imágenes para ir contando la vida del actor metiendo algunos momentos de algunas pocas películas y de imágenes suyas en reportajes hablando de sí mismo, pues es un poco falso. Porque de prometer un trabajo de montaje maravilloso que crea una historia desde la técnica pasas a hacer un documental normal y corriente de un actor de época. Que no es malo, ojo, pero desde luego es mucho menos interesante y original.

Yo creo que este es el principal problema de la peli, el venderse a sí mismos con algo que no es. Porque no es mala, aunque le sobre mucho metraje y haya unos cuantos momentos en los que, directamente, no se cuenta nada y solo se rellena. Además, la historia del actor es lo suficientemente interesante e impresionante como para que el documental tenga su tirón. Por último, hay que reconocer la buena labor de documentación y lo interesante de muchas de las imágenes que se nos muestran, profundizando en el personaje y en su vida a través de las mismas y consiguiendo que el relato se vaya enlazando totalmente por ellas. Pero es que es eso, no deja de ser un docu normalito sobre un tipo con una vida curiosa, por mucho que se intente disfrazar con elementos como los créditos del principio a modo de cine clásico incluyendo a Hitler, Churchill o Franco como personajes y algún otro guiño similar. Por cierto, en esa interpretación como personajes de Churchill, Franco y Hitler, a destacar lo impresionante del póster incluyéndolos.

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Originalidad/Riesgo: 5.5
Técnica: 5.5
Guión: 5.5
Interés: 7.0

TOTAL: 6.0

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Cineuropa 2014 (XVII): Bande De Filles

Título: Bande De Filles


Director: Céline Sciamma


Año: 2014


País: Francia


Duración: 112

A sus 16 años, Vic (Karidja Touré) está un poco harta de su vida. Sufre maltratos en casa por parte de su hermano, y además por culpa de todo lo que tiene que hacer por casa cuidando a sus hermanas pequeñas, no le da tiempo a estudiar y poder progresar en su vida académica. Pronto se juntará con una pandilla formada solo por chicas y, con ellas, irá aprendiendo los valores de la vida mientras el mundo no cambia demasiado a su alrededor, por mucho que ella sí lo haga.

Contar una película se puede ver un poco como contar un chiste pero a mayor escala. Hay muchos caminos narrativos, desde el de Eugenio hasta el de Chiquito. Pero una parte importante, se cuente como se cuente el chiste, es el saber dónde está el punto de gracia para terminarlo sin joderlo con un epílogo que ya no tiene sentido. Lo mismo pasa con las películas, se pueden narrar como Béla Tarr o como Michael Bay, pero es importante saber cuando parar y cuando dejar de explotar la historia. Si hay algo que echarle en cara a esta cinta es precisamente el no saber parar a tiempo.

La historia comienza bien, con tema de suburbios franceses, pandilleros, peleas de chicas y la amistad entre esas pandilleras por encima de todo. Un poco como coger Switchblade Sisters pero haciéndolo sin aire exploit y pasándolo a las posibilidades actuales como pandillas, mucho más cutres y horteras que en los 70, pendientes del móvil de la música pop actual. La cuestión es que la peli, llegada a la hora y algo, se pega un giro enorme para caer en un tono de alarma hacia lo mal que puede acabar nuestra protagonista y resultando en un epílogo de media hora que hace que el clímax no solo termine, sino que incluso desaparezca de nuestro recuerdo. Si se puede comparar a algo esta cinta, es a esas atracciones que suben a los participantes a cierta altura para, desde allí, dejarlos caer en caída libre, como ocurre aquí con las sensaciones que provoca el film.

El principal problema es ese, el alargar demasiado sin contar nada en esa parte final y resultando incluso coñazo, con una protagonista demasiado protagonista que no aguanta el personaje con el suficiente carisma y olvidando al resto de su pandilla, personajes que creaban un protagonista coral que sí estaba resultando efectivo. Destacar, por cierto, las coreografías de las peleas, así como el buen uso de la cámara y el montaje, aguantando la coreografía mientras se pueda, con una cámara en mucho movimiento pero dejando ver para dar esa sensación de violencia. Por lo demás, no hay mucho más a destacar a nivel técnico.

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Originalidad/Riesgo: 6.5
Técnica: 7.0
Guión: 5.5
Actuación: 7.0

TOTAL: 6.5

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Cineuropa 2014 (XVI): Mommy

Título: Mommy


Director: Xavier Dolan


Año: 2014


País: Canadá


Duración: 139

El hijo de Diane (Anne Dorval), Steve (Antoine-Olivier Pilon), ha estado en un internado. Su cabeza no va muy bien y tiene ataques violentos sin saber controlarlos. Ella lo acoge en su casa, donde el padre, muerto, se siente como una presencia constante en la cabeza del menor. La vida entre ellos es dura, ella es una mujer de 46 años sin estudios a la que le cuesta encontrar trabajo, y él no para de destruír todo lo bueno que van consiguiendo por culpa de su carácter. Todo mejora un poco cuando entra en escena Kyla (Suzanne Clément), una vecina y profesora de adolescentes que está de año sabático, cansada de su vida, y que no dudará en echarles una mano para beneficiar en lo posible a Steve y así poder salvarlo del destino nada agradable que le espera como no aprenda.

Saben esa categoría que, bajo el noble saber popular, existe en el mundo del cine pero rara vez en la crítica que es el 'drama chungo de antena 3 de sábado por la tarde'? -una categoría falsa, por cierto, que cae en falacia de generalización, pero que me gusta mucho como definición-. Bueno, si no lo saben aquí se lo explican rapidito. Y si lo saben, pues es que es esa la mejor manera de definir el guión de esta cinta. Vale, igual exagero un poco, y la calidad narrativa es un poco más alta que en ese género inventado por el saber popular. Pero no deja de ser un psicodrama duro con personajes bastante estereotipados, que de hecho recuerdan, sobre todo en los ataques del crío, a lo que se nos muestra en programas como Hermano Mayor (y ya van dos referencias televisivas. Las dos chungas). Eso sí, todo bien adornado con un par de escenas fuertes, especialmente el final, para que todo gane en potencia. Una pena que esa potencia narrativa se pierda después con los minutos finales, a modo de epílogo, y totalmente sobrantes.

Donde sí hay que darle un voto de interés a Dolan es en la decisión visual de la cinta. Un formato de 1:1 que se hace super extraño y que se emplea en casi todo el film, encerrando a los personajes en una caja diminuta haciéndonos partícipes de su agobio y potenciando así el drama de la cinta. No obstante, le pasa un poco lo mismo que a las experimentaciones de Von Trier en films como Dogville, es decir, sorprende al comienzo pero después se vuelve parte integrante del film, para bien y para mal. Por otro lado, la cantidad de juegos con cámara lenta, para dar más drama de un modo un tanto cutre, o los desenfoques de la lente hacen que el espectador salga constantemente de la historia, aportando una idea estética que no conduce a ningún lado. De las actuaciones, pues cualquiera de los tres protagonistas mantiene bastante bien el tipo, aunque sin resultar especialmente llamativos ninguno de los tres más allá de los temas lingüísticos, con los préstamos y mezclas entre francés e inglés que se hace en la zona de Québec.

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Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 7.0
Guión: 5.0
Actuación: 7.0

TOTAL: 6.5

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Cineuropa 2014 (XV): Negociador

Título: Negociador


Director: Borja Cobeaga


Año: 2014


País: España


Duración: 79

En 2004, el político Manu Aranguren (Ramón Barea) va a Francia a un encuentro con Jokin (Josean Bengoetxea), un etarra con el que tendrá que negociar la tregua y el fin del conflicto y/o la violencia. Ese encuentro, fundamental para el devenir de la situación política vasca y española, irá mudando en función de diversos errores humanos y pequeñas cuestiones personales entre los dos negociadores, el mediador, la intérprete, y los propios jefes de ambos negociadores.

Durante muchos años, el llamado problema vasco fue una de las principales preocupaciones de los españoles. Y no, no hablo de lo mismo que Lendakaris Muertos, porque el follar o no follar sigue siendo una de las principales preocupaciones de los españoles. Y del resto de mortales. Hablamos de ETA. Simplemente por lo serio que, por lógica, se ha tratado siempre el tema del terrorismo, y por lo difícil que es tocar el tema todavía en según qué ámbitos, me parece valiente el hacer una comedia sobre las negociaciones con ETA, aunque sea una narración situada totalmente en el lado español y que no se atreve a cuestionar en absoluto la cuestión política. Una comedia muy satírica y patética, que me hace recordar lo que un día me dijo un amigo respecto a este tipo de decisiones políticas: 'la realidad es siempre mucho más cutre de lo que nos gusta pensar'. Se nos muestra aquí un buen trabajo de guión, en esa misma onda que Cobeaga ya explotó en esos dos éxitos que fueron Pagafantas y Ocho Apellidos Vascos, creando personajes que cometen errores por ser humanos, y que al final es esa misma humanidad la que los reconcilia con el espectador, jugando aquí, precisamente, con esos códigos de la relación Euskal Herría-España a un nivel similar a muchos de los sketches de Vaya Semanita, aunque mucho más suaves y aptos para que el público español pueda apreciarlos bien.

Técnicamente, sigue la estética de la comedia española actual, con unos cánones de trabajo de tinte realista, un ritmo alegre y suave y un trabajo de fotografía que se resume en dejar que sea la actuación lo que manda. Vamos, que si bien tiene oficio, poco nos aporta ya a estas alturas en ese nivel. El problema es que por culpa de esa decisión se basa mucho en que sean los actores quienes carguen con todo, y aquí hay veces que no están demasiado al nivel. Partiendo por el propio Ramón Barea, que tiene algunos bajones de credibilidad bastante grandes, sobre todo al comienzo, o la aparición de Carlos Areces, cuya vis cómica y su histrionismo se impone demasiado y hace que su personaje se quede forzado, aunque se parezca lo suficiente a Thierry como para que tenga cierta gracia por esa parte.

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Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 7.0
Guión: 8.0
Actuación: 6.0

TOTAL: 7.5

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Cineuropa 2014 (XIV): Magical Girl

Título: Magical Girl


Director: Carlos Vermut


Año: 2014


País: España / Francia


Duración: 127

La hija de Luis (Luis Bermejo), Alicia (Lucía Pollán), se está muriendo. Tiene leucemia. Es por ello que él procura hacerla feliz en todo lo posible mientras ella siga viva. Incluso, hasta el punto de pretender comprarle un traje basado en un anime que cuesta más de 6000 euros. Y eso, siendo un profesor en paro, es un problema puesto que para conseguir ese dinero tendrá que hacer cosas de las que no se sentirá orgulloso. Un día, mientras sigue tomando la decisión de conseguir el dinero por cualquier medio, conocerá a Bárbara (Bárbara Lennie), una mujer con ciertos problemas mentales y casada con un psiquiatra exitoso. El cruzarse ellos dos en ese momento marcará el resto de sus vidas y de los que les rodean.

La revelación del año 2014 en el cine español independiente. Una obra avalada por público y crítica (miedo me da cuando ocurre eso)... Pues bien, todo ese hype ha hecho que saliese diciendo a a mis conocidos que estaban por la sala: 'Está bien, pero no me ha parecido para tanto'. Me explico: la película no es mala en absoluto: su narración es correcta, tiene muy buen ritmo, los personajes están tan llevados hacia sus límites que molan y hacen que la película se vaya también hacia esos límites... Pero es precisamente ese gusto más por mostrar lo rarito de los personajes y por hacerlos borderline que hace difícil congeniar con ellos, y sus acciones tampoco ayudan, evitando todo ello que se vuelva una película redonda. La cuestión, es que, irónicamente, precisamente esas rarezas son también sus máximos valores, al conseguir sorprender continuamente a base de giros, meter ciertos momentos de humor negro, el hecho de situarse en un margen genérico bastante a su bola y, eso sí, de ocultar de un modo un poco tramposo mucha, muchísima información al espectador para ir dándosela en pequeñas cápsulas y así hacer que nunca pueda esperarse qué van a hacer a continuación los personajes.

Técnicamente, la película funciona muy bien, y a este respecto me gustaría destacar que el sonido es la polla. Esos giros con los que juega continuamente la cinta se ven muy marcados con un trabajo muy bueno de correlación de volúmenes y de sonidos fuertes y secos, como golpes o disparos. Unos disparos que asustan tanto como asusta un disparo real, algo raro de ver en cine, sorprendentemente. Además, su montaje fracturado, que va y viene entre la historia de los diferentes personajes y que nos los correlaciona, consigue mantener mucho frescor al tiempo que potencia esa extrañeza de los giros gracias a esas pequeñas correlaciones. Los personajes, a pesar de sus rarezas, al menos están bien interpretados, aunque con toda la información que ocultan da la impresión de que los actores son demasiado superficiales en sus actuaciones.

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Originalidad/Riesgo: 8.5
Técnica: 7.5
Guión: 8.0
Actuación: 7.5

TOTAL: 8.0

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Cineuropa 2014 (XIII): What We Did On Our Holiday

Título: What We Did On Our Holiday


Director: Andy Hamilton / Guy Jenkin


Año: 2014


País: Reino Unido


Duración: 95

Abi (Rosamund Pike) y Doug (David Tennant) viajan hasta Escocia junto a sus tres hijos, Lottie (Emilia Jones), Mickey (Bobby Smalldridge) y Jess (Harriet Turnbull), para celebrar el 75º cumpleaños del padre de Doug (Billy Connolly). Ellos se están divorciando, aunque como el padre de Doug no lo sabe pretenden ocultárselo ya que éste puede ser su último cumpleaños puesto que está enfermo. No obstante, está lo suficientemente bien como para seguir disfrutando de su vida y pretender enseñar eso a sus nietos, a que busquen el divertirse y ser felices, dejando las preocupaciones inútiles a un lado. Y ese amor por sus nietos, junto al caso que ellos le hacen, podrá llegar a crear ciertos problemas al resto de la familia.

Viendo las películas que estoy seleccionando en Cineuropa este año y en su relación con cómo me hacen sentir, estoy planteándome si mi cinismo y rencor hacia la humanidad están desapareciendo. Porque me pongo películas tan emotivas como esta, tan positivistas y tan enfáticas en los valores de sentimientos vitalistas y joder, me emociono. A lo mejor es porque están bien hechas, ojo. Porque en el caso de esta, desde luego que el guión, si bien no es especialmente original, es muy bueno. Un guión que no para de trabajar en pos del humor, un humor lleno de pequeños absurdos, de situaciones que nacen del patetismo vital y de unos personajes bien retratados y muy creíbles, además de una buena cantidad de réplicas brillantes por parte de todos ellos. Vale, no es un film que descubra nada nuevo, no deja de ser un sencillo canto a la vida y a disfrutarla con tus seres queridos, evidenciándolo y dejándolo patente, con unos niños que aprenden de su anciano abuelo, que ha vivido lo suficiente como para saber que es mejor ser feliz que no serlo.

Aparte del guión, la cinta nos ofrece unas actuaciones muy coherentes, destacándose los 3 críos protagonistas, que a pesar de su edad se echan a la espalda todo el grueso de la cinta y consiguen unos personajes muy reales. Por lo restante, poco a destacar; salvo unos cuantos planos geniales tirados desde helicóptero y aprovechándose del preciosismo del paisaje escocés poco más, ya que la narración y la puesta en escena tienen oficio pero dejan que sea el guión quien lleve la batuta a la hora de ir llevando el ritmo y el rumbo narrativo.

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Originalidad/Riesgo: 5.5
Técnica: 7.5
Guión: 8.0
Actuación: 8.5

TOTAL: 7.5

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Cineuropa 2014 (X): Funes, O Inventor Da Lúa

Título: Funes, O Inventor Da Lúa


Director: Enrique Otero


Año: 2014


País: España (Galicia)


Duración: 48

La historia de Eugenio –o Uxío- Funes es de lo más rocambolesca. Nacido en una aldea lucense en los años 20 y con una capacidad inventiva tremenda, sus conocimientos sobre mecánica lo llevaron hasta la NASA, donde construiría un curioso aparejo para evitar los cortocircuitos y de ese modo que no explotase la cabina al ser inyectado el oxígeno. Algo fundamental para la llegada del hombre a la Luna. Sin embargo, su genialidad no era tanta de cara a los negocios y su nombre ni siquiera se recuerda a día de hoy por Galicia ni en los registros de la NASA. Aquí se nos cuenta su historia.

De entrada, la narración llena del humor surrealista de Otero se presta para contar esta historia, la de un hombre que se hizo a sí mismo y a quien el poder del dinero se llevó por delante. Lo mismo que ocurriría a lo largo de la historia con otros tantos genios que se han quedado en el anonimato como le pasó mucho tiempo a Nikola Tesla o a Dennis Ritchie mientras que Edison o Steve Jobs son parte de la historia más por saber venderse que por su aportación al mundo. Además, las intervenciones de las personas que se entrevistan, y la puesta en escena de las reconstrucciones ayudan aun más a este tono surreal y genial de inspiración Jeunetiana que ya podíamos ver en trabajos de Otero como Crebinsky.

Vale, todo eso estaría muy bien, si no fuese porque la historia es demasiado perfecta en los cánones narrativos y, sobre todo, porque la mayoría de las entrevistas suenan a demasiado guionizadas. Solamente un par de los entrevistados resultan realmente creíbles, especialmente la prostituta portuguesa del final, desde luego lo mejor de lo que se nos muestra. Pero, como lo que se nos vende es la idea de documental puro y duro no seré yo quien dude de lo fidedigno de la historia. O sí. Y ojo, que si se vendiese como Mockumentary resultaría mucho más convincente y osado. Pero, la verdad es la que es y la realidad manda. O no.

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Originalidad/Riesgo: 7.0
Técnica: 6.5
Guión: 6.5
Interés: 6.0

TOTAL: 6.5

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Cineuropa 2014 (IX): What We Do In The Shadows

Título: What We Do In The Shadows


Director: Jemaine Clement / Taika Waititi


Año: 2014


País: Nueva Zelanda


Duración: 86

Viago (Taika Waititi), Deacon (Jonathan Brugh), Vladislav (Jemaine Clement) y Petyr (Ben Fransham) son vampiros que comparten piso en Nueva Zelanda. Cada uno se convirtió en vampiro en épocas muy distintas, con lo cual los problemas de comprensión mutua están ahí, especialmente con Petyr, que ya tiene 8000 años y es bastante poco sociable. Pero también están los problemas con la vida moderna, desde el poder entrar en los lugares solo cuando se les invita hasta la dificultad para vestirse y salir de casa sin poder mirarse al espejo. Una no-vida menos fácil de lo que podría parecer y cuyos altibajos se nos muestran en este genial documental.

Vaya despiporre de película. Partiendo ya de ridiculizar ese tono que tienen los documentales/realities al estilo de Españoles En El Mundo, ¿Quién Vive Ahí? o cosas así, vemos la vida de estos vampiros desde dentro, llenándose de guiños hacia un buen montón de mitos, desde el obvio Drácula hasta los de Crepúsculo, jugando con las distintas convenciones estilísicas de los vampiros en las distintas épocas, desde ese terrible vampiro a lo Nosferatu que es Petyr hasta ese medieval a lo Vlad Tepes que es Vladislav, o los más a un estilo dandy del siglo XIX. Mucho humor negro y absurdo, mucho juego con la presencia de los cámaras y la ruptura de la cuarta pared y, sobre todo, un sentido de la narración genial, creando, con ese tono de comedia pura y esa estética de reality, una historia que engancha gracias a los diversos problemas a los que se van enfrentando los vampiros.

De todos modos, gran parte de que la película funcione tan bien, es el hecho de que todos los actores están a un nivel estupendo. Histriónicos y llevados al extremo, pero perfectos para el tono de la narración y siempre dentro de sus personajes. Esto consigue que la historia sea totalmente creíble (dentro de la suspensión de incredulidad de la existencia de vampiros, hombres lobo y demás), y que los gags funcionen cojonudamente. Además, el aspecto técnico está muy bien cuidado, a pesar de ese tono de reality de grabación directa, e incluso los momentos de transformaciones, especialmente de los hombres lobo, son geniales, sin salirse en absoluto del principio bajo el que juega la peli.

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Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 8.5
Guión: 9.0
Actuación: 8.0

TOTAL: 8.5

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Cineuropa 2014 (VIII): Las Altas Presiones

Título: Las Altas Presiones


Director: Ángel Santos


Año: 2014


País: España


Duración: 95

Miguel (Andrés Gertrúdix) vuelve a su Pontevedra natal para localizar algunos espacios para una película producida por madrileños. Una vez que llega a su ciudad los espacios y la gente que conocía vuelven a surgir, y su visión de lo que le rodea le hace replantearse hacia donde se dirige su vida. Sus proyectos de gran cineasta se han ido diluyendo, las ganas ya no son las de cuando tenía 20 años y ahora mismo no tiene demasiado a lo que aferrarse dentro de su vida. Así, pasa sus días entre el trabajo visitando lugares abandonados, hablando con viejos amigos y pretendiendo reconocerse a sí mismo.

La relación entre la crisis económica y una cierta apatía personal que se respira a nivel social es algo obvio y evidente. No es necesario ponernos a escribir una tesis al respecto, creo. Y si es necesario no lo voy a hacer yo aquí. La cuestión es que esta relación se hace evidente y simbiótica en el film, en el que un treintañero cansado de su trabajo y su vida recorre Pontevedra acercándose a lugares abandonados y dejándose llevar por el paso de los días y sus pequeñas alteraciones en la monotonía. El hastío es lo que domina su personaje, y por tanto el film entero, que gira a su alrededor con pequeñas historias personales que le tocan, pero quedándose en un exterior extrañado e incómodo, nunca cerrándose y siempre dejando puertas abiertas hacia posibles derivas. Vamos, todo muy real y cercano, con ese carácter de dejadez como principal argumento narrativo para contar unas historias pequeñas que juntas hacen una peli también pequeña y modesta.

La cinta sigue, durante todo el metraje, al personaje de Miguel, consiguiendo Andrés Gertrúdix mantenerse correcto y dentro del mismo todo el tiempo, con comedimiento y mucha calma en ese personaje con el que no es difícil empatizar, sobre todo dentro de esta generación que estamos rondando los 30 y comprendemos perfectamente esa crisis existencial donde el abismo que encontramos delante se hace patente. En ese sentido, el film aguanta bien, y sus pretensiones, honestas y sencillas también ayudan a apreciar el trabajo hecho. La cuestión es que es una cinta que no llega a aportar excesivamente, resultando simplemente un pequeño relato generacional que llega algo tarde y que acaba resultando también demasiado apático en su forma. La narración, sencilla y directa, que solamente se permite algo de contemplación en los espacios abandonados que graba el protagonista para su trabajo, es también coherente con el resto del film, y es que eso es lo que queda tras verlo, una sensación de honestidad y coherencia.

A destacar, eso sí, ese pequeño canto hacia Pontevedra y sus guiños a la zona, especialmente importante en la cuestión musical con la inclusión no solo de Unicornibot en un concierto dentro del Liceo Mutante (como éste) que no podría más que hacernos sonreír a los que hemos vivido precisamente eso, sino también con otros grupos en la banda sonora, como los Fantasmage o los Telephones Rouges. También los espacios, los movimientos, las charlas, desprenden ese amor hacia lo propio, hacia los espacios conocidos y eso se agradece como espectador.

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Originalidad/Riesgo: 4.5
Técnica: 7.0
Guión: 6.0
Actuación: 7.0

TOTAL: 6.0

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Cineuropa 2014 (VII): The Land Between

Título: The Land Between


Director: David Fedele


Año: 2014


País: Francia / Australia / Marruecos / España


Duración: 78

Documental que, siguiendo a unos cuantos migrantes en las montañas del norte de Marruecos, nos acercan a su día a día, sus miedos, su sufrimiento y sus esperanzas. Les da voz, en fin, para así hacernos entender lo duro de su vida y lo jodido que les va a resultar el futuro. Las problemáticas de la migración de africanos a toda Europa a través de España no es algo nuevo. Desde luego que no. Para ello, tienen que saltar ese terrible ejemplo inhumano de como controlar una frontera que es la valla de Melilla, y una vez allí tener suerte para no ser capturados violentamente y desterrados de nuevo.

La forma narrativa aquí es lo de menos. Se trata, sencillamente, de la muestra de la vida de los migrantes, entrevistando a algunos de ellos y conviviendo en sus campamentos mientras ellos esperan para intentar saltar esa aberración que son las vallas de Melilla con las concertinas. Comen, duermen, extrañan a sus familias y sobreviven con lo que pueden mientras algunos se recuperan de las lesiones provocadas en anteriores intentos y otros montan escaleras para subir. Es curioso como, dentro de ese ambiente, hay una enorme desconfianza entre los habitantes y una fe inquebrantable en su dios, aceptando con resignación que si no pasan es porque él quiere prepararlos mejor antes de permitírselo.

Un documental que, vale, era necesario para mostrar la terrible situación de esta gente. No obstante, no me parece esta la mejor manera de retratarla. Desde un comienzo se niega a indagar ni a entrar realmente en los campamentos, pues siempre tenemos la sensación de una visión externa a los mismos, y de hecho esto se demuestra en que dos de los momentos más importantes sólo se consiguen con fuentes externas. Uno es la muerte de uno de los migrantes, con imágenes rodadas por el móvil de un compañero. Otro, el que abre la cinta, es un intento de salto, con imágenes conseguidas de Live Leak desde una cámara de vigilancia. El problema de todo esto? pues que como incluso dice alguno de los migrantes, parece que el tipo de la cámara solo esté ahí grabándolos sin interesarse por nada más, como si solo les interesase para luego vender las imágenes. Cosa que acaba perdiendo coherencia con el discurso que daba a entender el hecho de mostrar sus condiciones de vida y darles voz.

Por último, y aunque pueda ser una tontería para muchxs, querría comentar algo que me llamó la atención muy negativamente respecto a los subtítulos. No es por ponerme en plan nazi gramatical, pero que unos subtítulos tengan errores ortográficos constantes es algo realmente incómodo y que demuestra una falta de cuidado y desinterés muy lamentable, sobre todo si son los subtítulos del idioma original del director. Y ya que estoy criticando los subtítulos, también el plantear por qué traducir siempre Alá por Dios, no acabé de entender por qué hacerlo de ese modo, pero esto ya es solo una cuestión menor.

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Originalidad/Riesgo: 7.0
Técnica: 5.0
Guión: 4.0
Interés: 8.0

TOTAL: 6.0

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Cineuropa 2014 (V): Miss Julie

Título: Miss Julie


Director: Liv Ullmann


Año: 2014


País: Noruega / Reino Unido


Duración: 129

1880. Víspera de San Juan. En una mansión vemos a la cocinera Kathleen (Samantha Morton) y a un criado, John (Colin Farrell) hablando sobre su ama, la señorita Julie (Jessica Chastain). Ella es elegante y altiva, pero también solitaria, y sus bajos instintos la atraen hacia ese criado educado e inteligente que tenemos ante nuestra vista. La relación de desprecio mutuo está ahí, pero que a él también le atrae es evidente, incluso a pesar de tener una relación desde hace años con la cocinera. Este triángulo que se forma irá degenerando a lo largo de la noche hasta cotas inimaginables.

Gracias a las maravillas que protagonizó, especialmente bajo dirección del que fuese su pareja Ingmar Bergman, Liv Ullmann llegó a ser considerada por un servidor como la mejor actriz femenina que había visto en pantalla. Algo que no negaría hoy en día, la verdad. No obstante, y aunque se le nota una cierta similitud estética con el gusto del director sueco, parece que no acaba de cuajar aquí lo que se nos quiere contar con lo que al final se nos cuenta ni con el cómo se nos cuenta. Una pena porque con una historia de diálogos adaptada de una obra de August Strindberg que ya había sido llevada al cine en otras 3 ocasiones, con 3 personajes moviéndose entre muy poquitos sets y una intención dramática muy obvia, es imposible destacar realmente ninguna cualidad.

Para empezar, está el caso del guión, excesivo desde el comienzo. Tan excesivo que en alguna escena que se suponía debería estar al límite del drama la gente del público en la sala llegaba incluso a soltar risas. Un error provocado por la falta de respiración y de comedimiento en la intención de hacer un drama en cada secuencia. Además, está el continuo salir y entrar de los personajes, no en escena, que es normal sobretodo al adaptar una obra de teatro, sino en estado de excitación y de locura. Al respecto de los mismos, para mí no deja de ser curiosa la elección de Jessica Chastain, una actriz que provoca que físicamente la protagonista femenina no deje de ser como una extensión de Liv Ullmann un poco al uso de lo que ocurría en Persona, aunque no llegue a su nivel interpretativo, cuestión esencial para que la historia funcionase correctamente.

Al final, solamente en la parte técnica se le puede reconocer un mérito grande, especialmente en la fotografía y en el aprovechamiento del espacio para acabar creando una obra teatral filmada dentro de esa cocina y con los pequeños añadidos de las habitaciones y poco más. Pero esa parte técnica no acaba de justificar todo el resto del trabajo, que la arrastra hacia un tono casi telenovelesco a partir de una pretensión excesiva, analizando las diferencias entre clases y con una reflexión sobre la humildad, el ser humano, el sexo y el amor tan poco sofisticada que ni siquiera aporta.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 5.5
Técnica: 7.0
Guión: 4.0
Actuación: 7.0

TOTAL: 6.0

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