Teorema

Título:Teorema


Director: Pier Paolo Pasolini


Año: 1968


País: Italia


Duración: 94











Título: Teorema


Autor: Pier Paolo Pasolini


Año: 1968


País: Italia


Edición: Edhasa, 2005 (ISBN: 84-350-0965-3)

A una familia burguesa llega con preaviso un extraño visitante. No sabemos quien es ni por qué ha ido a esa casa concretamente, pero rápido veremos que sus interacciones tanto con la familia como con la sirvienta llevarán a los habitantes de esa casa a descubrimientos sobre sí mismos y sus sentimientos más internos.

No es complicado encontrar obras fílmicas adaptadas directamente desde la narrativa escrita. Desde los comienzos del cine se han hecho cosas; ya con Nosferatu, La Madre, o King Kong estamos poniendo ejemplos de esto, y mucho más que vendría después. Lo que ya no es tan común, es que el desarrollo de la obra literaria y la obra cinematográfica vayan con cierta simultaneidad, como ocurre tanto en la presente como en 2001: Una Odisea Del Espacio. Curioso que estos dos ejemplos, además, comparten año de estreno.

En este caso, de hecho, es curiosa y necesaria la comparativa entre obra literaria y la fílmica, al tratarse además de un mismo autor manejando dos medios distintos para contar lo mismo, y haciéndolo de un modo simultáneo. Evidentemente, ambas plantean unas diferencias básicas al contemplarse como dos medios distintos, y en la novela existe un tratamiento psicológico mucho mayor, cuestión bastante importante en la historia planteada que realmente hace que considere el medio idóneo para la profundización más intelectual en el mensaje.

No obstante, como el bizarrismo y la experimentación que plantea son bastante altos, considero interesante e inteligente su planteamiento audiovisual, aunque las expectativas no acaban de lograrse, en gran medida por un excesivo comedimiento a la hora de mostrar y evidenciar toda la sexualidad que conforma y guía el relato para poder comprenderse. Aún así, reconozco más que correcta, y superior a la descrita en el libro, toda la ambientación y caracterización física de los personajes, mostrándose en ese punto de fealdad sórdida que tan bien representa Pasolini (y sí, Saló O Los 120 Días De Sodoma es un claro ejemplo de lo que digo).

Con estas premisas, el relato se argumenta en base a una estructura que experimenta con una hiperfragmentación que nos lleva por escenas que funcionan por sí mismas y solo estructuran la historia en una base muy leve, dividiéndose en tres partes temporales muy definidas, con una leve presentación de los personajes, el encuentro de cada uno con esa entidad demiúrgica que es el huésped (base de la adaptación/homenaje que es Visitor Q), y el final que es toda la reacción de cada miembro de la familia tras la partida del mismo.

Así, dentro de cada una de las partes, realmente es insustancial en qué orden sucede todo, tal y como nos deja evidente la novela, y de hecho los personajes prácticamente ni interactúan entre ellos, lo cual los convierte en extraños a los que les suceden cosas, aunque sean parte de una misma familia. Sólo podríamos ver en cierto modo continuidad cuando se corta la historia de cada uno en una suerte de narrativa en paralelo que evita la caída del ritmo al centrarse en una sola historia demasiado tiempo.

De hecho, es gracias a esta característica por lo que el guión y la historia en general mantiene un ritmo adecuado, solventándose y apoyándose (en el libro), además, en todas las descripciones de los sentimientos internos de los personajes, haciendo tremendamente vivo y profundo el relato, además de aprovecharse para evidenciar un poco más todo el mensaje tremendamente sesgado al lado comunista que Pasolini pretende dar con la gloria a la campesina, quien saca provecho de la visita del huésped, y la caída al pozo de miserias de los burgueses al verse enfrentados a sí mismos, especialmente en el caso de las mujeres y su sentimiento de culpabilidad impuesto por su rol social.

A nivel técnico, comentar que en el film presenta un trabajo excesivamente cortante, que no acaba de entrar en el film ni de conseguir mostrarnos a los personajes con la intensidad necesaria, especialmente si comparamos a esa narrativa perfectamente explicativa y totalmente indirecta que se emplea en la novela, que casi se podría ver como un guión de cine con algo más de tratamiento para el disfrute del lector.

La fotografía que se plantea está totalmente empachada de esa suciedad sórdida que comentaba antes que tenía la ambientación y, mostrándose con una iluminación poco recargada y sin destaque, consigue unas variaciones tonales que apoyan mucho esta idea. Eso sí, la colocación de la cámara no siempre es la más positiva para apoyar el desarrollo de la historia, y en ocasiones peca de no llegar a orientar correctamente la situación dentro de la escena.

A esto se le suma un montaje totalmente cortante, que, especialmente en la primera mitad del film se dedica a empatar planos con planos, sin apoyar especialmente el ritmo narrativo, y haciendo que chirríe y se evidencien demasiado los problemas que citaba de la fotografía.

Donde está más acertada la película es en el tratamiento sonoro, especialmente en cuanto a la música, ambientando perfectamente tanto con piezas del Requiem de Mozart como con partes de Ennio Morricone, planteándose con todo ello separaciones muy grandes que al mismo tiempo logran todo el aspecto de extrañamiento que la experimentación narrativa propuesta requiere. Incluso en cuanto a los doblajes se hace un buen tratamiento, y apenas se evidencian a excepción de momentos concretos por cuestiones de bocas tapadas que se escuchan igual que sin tapar, y primeros planos donde no acaba de cuadrar el movimiento de la boca con la voz.

Los actores, pues como decía no consiguen llegar a toda la profundización de los personajes, evidenciándose de este modo mucho mejor su evolución y su forma de ser en la novela. Aún así, y a pesar del trabajo con doblajes, destacar a Massimo Gerotti, que consigue una naturalidad muy grande en su personaje, y que solo le pesa el poco tiempo en pantalla para poder crearlo correctamente. Por su parte, Laura Betti perfecta en su comedimiento y su representación de mujer servicial que no ha conocido otra cosa, especialmente después de pasar el trauma que supone el encuentro con el huésped.

El huésped, interpretado por un Terence Stamp que no da la talla, mostrándose en ocasiones demasiado infantil y en otras demasiado adulto y protector, que lejos de formar parte de un mismo personaje lo desestructura y rompe su poder y forma sobre los miembros de la familia. Por su parte, Silvana Margano consigue que su personaje no sea nadie y por ello tenga poder, pero yerra en el encuentro con el huésped, al verse demasiado suelta en la situación previa. Andrés José Cruz Soublette y Anne Wiazemsky, con una muy buena evolución de sus personajes, cada uno en su dirección, y forzando la chica en su momento de transgresión, pero correcta.

Por tanto, tanto un film como una novela interesantes, con una buena experimentación y una propuesta novedosa, consiguiendo el libro un buen ritmo y un planteamiento intelectual muy interesante, y fallando el film en el aspecto técnico, aportando toda la historia mucho bizarrismo y sexualidad explorada (el libro llegando mucho más lejos en este respecto).

PUNTUACION PELICULA

Originalidad/Riesgo: 9.0
Técnica: 6.5
Guión: 7.5
Actuación: 7.0

TOTAL: 7.5

PUNTUACION NOVELA

Originalidad/Riesgo: 9.0
Estilo: 8.0
Argumento: 8.5
Personajes: 8.0

TOTAL: 8.5

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I'm Drunk

Quiero hacer oficial el hecho de que me he unido para tocar el bajo con el grupo de brutal death I'm Drunk. Pueden visitar aquí el myspace, y supongo que iré dando informaciones al respecto de las novedades que tengamos que ofrecer tipo conciertos, discos y demás cosas.

Como curiosidad, decir que el grupo nace como una oda al alcohol a ritmo de blast beat y ritmos pesados, motivos más que suficientes para atraerme a unirme, que además tenía mono de tocar, después de más de año y medio desde que dejara Extinción.

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The Pig Keeper's Daughter

Título: The Pig Keeper's Daughter


Director: Bethel Buckalew


Año: 1972


País: USA


Duración: 92

Moonbeam (Terry Gibson), la hija del criador de cerdos es conocida por el pueblo por ser una muchacha inocente, que se deja hacer de todo por los hombres. Sus padres quieren conseguir que encuentre a un hombre que la quiera y la cuide, y cuando un forastero llega, no dudan un instante en plantearse el juntarlos. Por otro lado, está Pretty Patty (Patty Smith (A.K.A. Peggy Church)), una joven virginal, que cada vez tiene más interés en qué se sentirá.

No les ocurre que, con solo leer el título y sentirlo resonando dentro de sus cabezas, notan una tremenda sordidez que se desprende de él? Personalmente, me ocurre. Lo de hablar sobre la hija de un granjero, especializado en la cría de cerdos, me parece que deja muy clara la intención de sexploitation, con la suciedad y la estupidez por banderas, como corresponde a tantas cintas del género, haciéndonos pensar en pelis como la muy similar ya desde el título The Farmer’s Daughters, que no obstante presentaba un cariz más pornográfico que la presente, además de ser más seria y compleja en la trama. Además, todos nos hacemos una idea de los peligros estereotipados de jugar con las hijas del rural, como en el cortometraje Amor Serrano, y esto no hace sino añadir interés, o al menos curiosidad, hacia el visionado de la película en sí misma. Y a esto ya le podríamos sumar las ideas que desvelan PsyOpus en su tema homónimo por introducir más sordidez en las relaciones con los cerdos.

La pena es que una vez que la ponemos, se queda, como prometía, en la simple muestra de varias escenas de sexo, pero con un hilo conductor sumamente fino y sin demasiada gracia en los interludios, a pesar de que en cierto modo sí se busca ese tono de comedia que atraía en un principio. La gran pena es el hecho de que no existe un conflicto apenas definido para unir todo esto, dejando todo el film en una anécdota de imágenes diseñadas para la muestra de carne. Y a ver, sé que es una película cuya intención es la muestra de sexo y nada más, pero joder, por culpa del descuidar el elemento narrativo, no se logra interesar en absoluto al espectador, y se demuestra que esto hace ganar en gran medida a otras obras del género, ya que es la razón principal por lo que films como Garganta Profunda, Emmanuelle o las obras de Russ Meyer lograron hacerse un mínimo hueco en la memoria colectiva cinéfaga, frente a obras como la presente, o la mayoría del porno, tanto hardcore como softcore, moderno.

Además, el ritmo se destroza en varias ocasiones por culpa de estas escenas de sexo, resultando tremendamente largas y repetitivas, a pesar de lo cual debo admitir que sí tienen algo de gracia en cuanto al cómo llegar hasta el momento del folleteo, especialmente el extraño gag del tipo atado y la sugestión de una violación homosexual (que no llega a más que a la sugestión, para variar el resto del film).

Si a todo esto le sumamos una dirección no excesivamente buena, cuyos únicos méritos están en algunos planos para mostrarnos los descomunales pechos de casi todas las actrices, pero que hace más que evidente el hecho de que se intentaba no mostrar demasiado los genitales de los actores (grandes momentos de ellos tapándose con la pierna para evitarlo), y que, aunque intenta innovar en cuanto a algunas aberraciones o algunos planos hechos con objetos en primer plano, no consigue dramatizar ni contar nada con ellos, solo darle un poco más de variedad a lo que vemos.

Ya respecto al sonido, estamos ante un despropósito mayúsculo, con las voces de los polvos grabadas a posteriori pero sin pretender siquiera doblar a los actores, pareciendo solo ambientar con gemidos y algunas frases no demasiado acertadas. A esto, le añadimos fallos de raccord de sonido en varias ocasiones, sin preocuparse de que los diálogos queden uniformes, y marcando qué planos son tomados desde más cerca del actor.

Y los actores, sencillamente horribles. Ellas, escogidas solamente por sus cualidades físicas, con unas tetas que recuerdan a las de divas ochenteras como Sabrina Salerno, pero que realmente no son capaces de hacer nada más que mostrarse, y ellos, pues poco mejor lo hacen, aunque sí lo suficiente para el tipo de película que estamos planteando. Destacaría, aún así, al criador de cerdos, interpretado por Buck Wayne, y que logra al menos transmitir la suciedad que plantea el personaje en sí mismo.

Vamos, una sexploitation justita, que ni plantea el estructurar una historia, y que tampoco acaba de resultar demasiado excitante, aunque cuenta con mujeres de bustos generosos y algunas situaciones divertidas.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 5.0
Guión: 3.0
Actuación: 2.5

TOTAL: 4.0

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Spanish Movie

Título: Spanish Movie


Director: Javier Ruiz Caldera


Año: 2009


País: España


Duración: 85

Ramira (Alexandra Jiménez) entra a trabajar en una mansión para cuidar a los hijos de Laura (Silvia Abril), quien también convive con su hermano Pedro San Antón, paralizado de cuello para abajo. Pero pronto acabará matando al niño, volviéndose todo cada vez más extraño y absurdo en toda la mansión y lo que rodea la desaparición del niño.

Desde la aparición de Scary Movie, por algún motivo se comenzó a emplear siempre el calificativo Whatever Movie para definir a las spoofs movies (llegando a plantear Maddox la Vague Genre Movie directamente). Atrás y olvidados quedaron los años de Top Secret, Hot Shots! o los ¡Aterriza Como Puedas! y demás pelis protagonizadas por el señor Nielsen, siempre traducidas en España con un Loquesea Como Puedas, ya sea Agárralo Como Puedas, Espía Como Puedas, 2001: Despega Como Puedas…

No obstante, a las Epic Movie, Disaster Movie o Date Movie, también se sumaron títulos como Zombies Party (odio esa traducción), Casi 300 o No Es Otra Estúpida Película Americana. Y aunque no podamos meter todas ellas en el mismo saco ni de calidad, ni de factura, ni de humor, sí podemos encontrar un cierto éxito relativamente común (aunque las haya que tuvieran menos, todas consiguieron llegar a cubrir gastos, que ya es algo). Si a esto le sumamos la supuesta crisis, reformas legales, y críticas que rodean al cine español en la primera década de los 2000, pues no es de extrañar que a una mente iluminada (en este caso los señores de Telecinco) se le ocurriera adaptar esa fórmula de éxito de las spoof con el cine español de más éxito recogiendo los últimos 20 años, pero centrándose en los inmediatamente anteriores. La idea al menos es reseñable por no buscar simplemente una excusa para cobrar subvenciones, sino aprovecharlas para sacar algo de pasta.

Pues bien, la idea es bastante sencilla, y, sobre una base que mezcla El Orfanato con Los Otros, introduciendo personajes parodiados de Mar Adentro y Volver, se plantea un guión muy sencillo, que avanza en base a gags de humor sencillo y adaptable para todo el público de sala comercial, pecando de una falta absoluta de interés en la trama, que simplemente se estructura como hilo conductor de unos chistes, y desembocando en un caos de intentar cerrarse con guiños de un modo caótico (y eso sí, los chistes son de dudosa comprensión fuera de España en muchos casos (el meter Como Una Ola en gags de Mar Adentro, es un buen detalle, pero para aquí)).

Y es que ese es el principal problema de la peli, el exceso de búsqueda de gags y guiños pesa en la historia, llegando a fragmentar lo presentado en forma de anuncios publicitarios y, aunque haya momentos que hagan gracia, funcionan cada uno por separado, nunca como un conjunto ni como un continuo que vaya manteniendo el mismo nivel y cree la diversión que debería tal y como se plantea el film. A esto se le suma, que hay que tener en cuenta en su contra que muchos de los gags no son originales precisamente, y recogen el humor ya sentado en obras como las citadas Agárralo Como Puedas (esos chistes de no comprensión de frases) o Top Secret (recuerdan la lupa y el ojo del librero? Pues eso). Aún así, el ritmo narrativo se presenta con un mínimo de lucidez y no se hace pesada en casi ningún momento, gracias a lo cual al menos se hace ligera y mínimamente entretenida, que ya es algo.

Técnicamente, pues un film hecho con oficio, bebiendo y dependiendo demasiado del formato televisivo, y poco más, puesto que lo principal a lo que se dedica es a la muestra de los gags del mejor modo a precio más barato (y es que momentos como el que la niña coge al hada, son un poco burdos para el 2009 en una producción de cierto presupuesto). A ello se le suman un par de robos de planos, como sería el del baño, en “homenaje” a otras pelis (en este caso El Orfanato, aunque ya lo había robado de Dawn Of The Dead), y una presentación estética y fotográfica netamente simplista, incluso aparentando en las tomas falsas que se introducen en los créditos que han sido rodadas con multicámara por aquello de simplificar aún más las cosas para empaquetar y presentar.

Y desde el montaje, se busca esta misma simplicidad favorable al guión que desde la fotografía, ayudando en ese falseamiento para abaratar los costes de efectos y, sencillamente, presentar todo en relación a los guiños, con un ritmo bastante aceptable y no demasiados errores (que aún así algún error podría pasar por hecho a propósito y se zafa). El sonido, por su parte, evidenciando demasiado los foleys, y aceptable por lo demás. Agradecer y destacar el empleo del doblaje de Leslie Nielsen habitual en su cameo, y también algunos guiños de la banda sonora, versioneando en el límite de lo legal temas como la B.S.O. de Superman.

En cuanto al reparto, pues una búsqueda de renovar y abaratar nuevamente con la utilización de gente con origen televisivo, entre los cuales destaca un Carlos Areces con una interpretación bastante buena y momentos de buen humor (destaco el propio autoguiño, donde lee páginas de Ocurrió Cerca De Tu Casa), quedándose también en un buen nivel Alexandra Jiménez, teniendo en cuenta el tipo de papeles que requería el guión, y el nivel de humor que realmente contiene. Silvia Abril, por su lado, relativamente bien, aguantando bastante bien, pero con demasiados momentos bastante sosos y forzados.

Entre el resto del reparto, y dejando aparte los cameos de gente como Alejandro Amenábar, Álex De la Iglesia o Jaume Balagueró, destacar a Luis Zahera, bastante simpático en sus apariciones, y a Berto Romero y Andreu Buenafuente en esa parodia entre dibujos de gente pequeña que son Los Pitufos y David El Gnomo. Sí querría destacar negativamente a Joaquín Reyes en su papel de Fauno, aunque esté más correcto en el sketch suelto donde se parodia a Los Lunes Al Sol con toda la plana de Muchachada Nui y con una influencia de El Ángel Exterminador.

En resumen, un producto bastante falto de originalidad, que dentro de lo que cabe, es lo que pretende ser, una peli con unos cuantos chistes, en ocasiones demasiado evidentes, que no se hace aburrida, pero tampoco entretiene lo que debería.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 5.0
Técnica: 6.0
Guión: 6.5
Actuación: 6.0

TOTAL: 6.0

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The Street Fighter (Trilogía)

Título: 激突！殺人拳 (Gekitotsu! Satsujin Ken)


Director: Shigehiro Ozawa


Año: 1974


País: Japón


Duración: 87











Título: 殺人拳２ (Satsujin Ken 2)


Director: Shigehiro Ozawa


Año: 1974


País: Japón


Duración: 89











Título: 逆襲！殺人拳 (Gyakushû! Satsujin Ken)


Director: Shigehiro Ozawa


Año: 1974


País: Japón


Duración: 83

Una vez retirado, En esta trilogía, Sonny Chiba interpreta a Takuma Tsurugi, un matón a sueldo, maestro del karate callejero, y que ha sufrido mucho en su vida por la muerte de su padre. Esto lo ha transformado en un ser rudo e individualista, que no dudará en llevarse por delante a quien sea necesario para que su ley se imponga, a veces centrado solo por el valor monetario, pero siempre bajo unos principios morales muy fuertes que le harán enfrentarse a las mafias, la policía o quien sea necesario.

No es muy común el estrenar 3 películas de una saga en un mismo año. Para ello es necesario rodarlas casi simultáneamente, y tener un modo de trabajo muy definido. Y vale, desde El Señor De Los Anillos (1,2,3) mucha gente ha hecho cosas similares, como pasaría con Kill Bill o Matrix (2,3) (aunque en estos casos eran 2 las que se rodaron simultáneamente). Sin embargo, en el 74 en Japón ya había quien inventara la fórmula, dando como resultado esta trilogía.

Las tres partes son básicamente el mismo concepto, con dobles traiciones que caen sobre Tsurugi, quien se librará a base de kárate de todos los mafiosos que se le echan encima (casi siempre desarmados, que aún siendo mafiosos, creen en los códigos de honor). Con esto, se nos ofrece un espectáculo de acción y artes marciales brutal, con algunas partes gore francamente memorables, especialmente en la 1ª, con arrancamiento de partes a algunos de los malos, y mucho, mucho entretenimiento.

Todo ello con una base absolutamente asentada con esos pretextos de acción y venganzas que consiguen crear un ritmo muy adecuado, especialmente en la primera entrega (y es que va perdiéndose en bastante medida en las otras dos partes), cerrándose cada una de ellas, pero necesitándose mutuamente para llegar a crear el conjunto.

Tras ver semejante espectáculo de ostias y absoluta dureza, una cosa queda clara: Sonny Chiba es un héroe de acción al nivel de grandes nombres grabados a fuego en esta categoría como Clint Eastwood, Chuck Norris o Charles Bronson. Y que su personaje, Takuma Tsurugi, debería estar ensalzado como uno de los más entrañables duros jamás vistos, al nivel de Harry Callahan o John McClane. Y es que como marcan los cánones, no sólo es un grande en el combate cuerpo a cuerpo y en la violencia como método más adecuado para resolver problemas, sino que además desprende un profundo sentimiento de misoginia, racismo y antihippismo a lo largo de los tres filmes.

Sería destacable toda la cuestión de la ambientación y la fotografía, mucho más oscuro e insinuante que en los tópicos del cine de kung fu, con un protagonista que realmente era un buen artista marcial (muchas partes no emplean cortes y se ve claramente que no se trata de dobles), además de contar con una banda sonora que se queda grabada en la mente del espectador durante días.

Por otro lado, citar el uso de flashbacks a la 1ª parte que se hace en la 2ª, planteado tanto para rellenar tiempo como para explicar un poco el sentido de ciertos personajes en la historia. Respecto a esto es muy extraña la utilización de un flashback que nos lleva a la niñez del protagonista, empleado en las 3 partes, siendo en la 3ª ya regocijo de los espectadores su aparición, así como la del maestro de una escuela de Kung Fu, Kendo Masaoka (interpretado por Masafumi Suzuki), que comienza siendo enemigo de Tsurugi y termina por ser maestro y amigo. Aún así destacar lo que comentaba antes del buen trabajo de montaje en los combates, mostrándose enteros y sin cortes, ganando en ritmo y credibilidad gracias a ello.

Puntos en contra, quizás echarle en cara la bajada de calidad narrativa que es la 3ª parte, con excesivas escenas de puro relleno, y algún deus ex machina por el medio, y este hecho de las repeticiones de escenas de la 1ª a lo largo de la 2ª, que cortan un poco el sentido del visionado como una unidad narratológica, que es lo que para mí tiene sentido en esta saga.

Por tanto, una trilogía interesante, con muy buenas dosis de violencia y artes marciales, y convirtiendo a Sonny Chiba en un gran héroe de acción al nivel de los grandes del género, a pesar de bajar enormemente la calidad según evoluciona la saga.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5 // 7.0 // 6.5
Técnica: 7.5 // 6.5 // 5.5
Guión: 8.0 // 8.0 // 6.0
Actuación: 8.5 // 8.0 // 8.0

TOTAL: 8.0 // 7.5 // 6.5

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El Secreto De Sus Ojos

Título: El Secreto De Sus Ojos


Director: Juan José Campanella


Año: 2009


País: Argentina / España


Duración: 127

Una vez retirado, Benjamín Expósito (Ricardo Darín) decide escribir una novela basada en un caso que le impactó y cambió la vida 30 años atrás. Para ello, llama a su compañera de trabajo de entonces, Irene (Soledad Villamil), con la cual siempre hubo algo más que compañerismo, pero nunca se atrevieron a reconocerlo mutuamente, y juntos, acaban rememorando ese tiempo pasado y lo ocurrido entonces.

Qué es la justicia sino una forma de venganza? Un castigo por malas acciones cometidas? Una forma de mantener el orden social? Pues que quieren, a mi eso me suena en gran medida a venganza, o a excusas para justificarla. Pero esto ya quedaba bastante bien explicado en films como 12 Hombres Sin Piedad y en otros como La Naranja Mecánica vemos que en gran medida incluso acaba quedándose corta en relación a lo que los afectados querrían hacer con los acusados, con lo cual incluso podríamos verla (desde un punto de vista demagógico) como un modo de proteger a los criminales.

Y aquí, en cierto modo, se trata lateralmente esta misma cuestión. Y es que aunque la trama se centre en contar la investigación para la captura de un violador y asesino, la verdadera historia que se nos va contando, es la que atraviesa transversalmente esta investigación entre los dos protagonistas, punto de inicio y fin del relato que se nos hace.

Este punto de arranque nos sirve para ir ejecutando una presentación de los dos protagonistas y hacernos ver quienes son y dónde van a ir a parar, soltando la información justa para que los tramos de flashbacks que supone la novela nos sorprendan y nos involucren, jugando con ciertos datos que ya se nos van dando desde el tiempo presente y explicándolos en gran medida.

De este modo, el guión evoluciona en ambos tiempos narrativos simultáneamente, permitiéndose con ello el fragmentarlos absolutamente, y cometiendo los errores al respecto precisamente en el tramo final, donde ya se ha terminado la novela y el tiempo pasado, y el cierre de toda la historia global se va llevando a cabo saltando de un lado a otro con una conexión poco marcada entre ellas (aunque perfectamente coherente, las elipsis son demasiado grandes para mi gusto).

Además, el final del caso para mí ahonda demasiado y acaba cayendo en vueltas innecesarias (personalmente le habría puesto un pequeño punto más de sadismo, aunque reconozco lo dado que soy a los excesos en ese plan). No obstante, el ritmo narrativo es más que bueno, y los giros de la historia realmente son sorprendentes e inesperados, logrando hacerse entretenida e ir imprimiendo ese punto de importancia paralela a la investigación y a la historia entre los protagonistas.

A nivel técnico, destaco los planos secuencia con los que el sr. Campanella nos introduce dentro de la película, ayudándose con una fotografía naturalista muy sencilla, que hace mucho más creíble y realista toda la cinta, consiguiendo, aún así, algunos planos bastante preciosistas en algunos momentos como ese en el que Sandoval espera, borracho, a que Benjamín consiga que su mujer le deje dormir en casa. También hay que destacar algunos planos que precisamente pretenden este preciosismo, pero se hacen extraños en el conjunto por lo poco naturales de los mismos, y cortan un poco el sentimiento que produce el resto de la cinta, como algún aberrado en el interior del juzgado.

El montaje, perfectamente sincronizado con el ritmo que exige el guión, y jugando muy bien sin perderse entre los dos tiempos narrativos, consiguiendo fundirlos en uno, y donde solo le echaría en cara algún momentillo más problemático al romper esos planos secuencia que nos brinda la cinta en pos de una simplificación narrativa. El sonido, excepto algún momento que parece no estar bien la voz dentro de las actuaciones, sin sincronía, pareciendo apuntar a doblajes a priori innecesarios, en general logra pasar inadvertido, teniendo incluso un buen trabajo en la diferencia de ambientes y de la sonoridad que nos hace sentir cada plano.

Y los actores, francamente convincentes, especialmente Ricardo Darín, que aunque dude en algún momento, logra crear a un personaje y desde un principio nos deja ver sus sentimientos más allá de su expresividad corporal. Algo menos de esto lo hace Soledad Villamil, que acaba necesitando expresarlos por vía dialogal, pero también por la personalidad del personaje. Y eso si, ambos muy bien en cuanto a la variación entre el pasado y el presente y el aprendizaje y maduración de sus personajes al respecto.

También destacable Pablo Rago, quien convence, y mucho, en todas las facetas y profundidad de su personaje, con la locura y dificultad que su dolor supone. Ya me convenció menos Javier Godino, que no acaba de ser lo suficientemente asqueroso como para que lo odies, aunque de todos modos logra crear al personaje en la medida de lo posible con el poco tiempo que tiene en pantalla. Del resto, todos bastante solventes, y Guillermo Francella especialmente divertido en todas sus facetas, siendo destacable en sus momentos de borrachera, pero también en sus genialidades, sorprendiendo en su monólogo sobre la Pasión, (que me hizo pensar en GELP y su película mientras lo escuchaba).

Vamos, un film sobrio, contundente, y muy bien estructurado, que logra hacerse entretenido y muy fluido, además de jugar con el espectador a la hora de narrar la historia que se le quiere narrar.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 8.5
Guión: 8.0
Actuación: 8.0

TOTAL: 8.0

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El Bueno, El Feo Y El Malo

Título: Il Buono, Il Brutto, Il Cattivo.


Director: Sergio Leone


Año: 1966


País: Italia / España / RFA


Duración: 186

Un hombre sin nombre se alía con un bandido para sacar tajada de las recompensas que ofrecen por él. Tras traiciones mutuas, acaban descubriendo el paradero de un tesoro enterrado, pero cada uno conoce solo uno de los dos datos necesarios para encontrarlo, por lo que se ven obligados a colaborar. A esto se suma un pistolero mercenario que también acaba tras el tesoro, y no dudará en hacer lo posible para encontrarlo, por sucio que sea.

Tras dos películas del mismo género hechas por el mismo director, el mismo actor protagonista, y el mismo compositor de una música más que característica, se podría pensar que no es posible lograr una tercera obra de características y éxito similar. Pues este no es el caso. De hecho, ocurre lo contrario, ya que todas las partes involucradas ponen aquí el listón más alto de toda la trilogía, logrando crear una narrativa absolutamente épica, con un trabajo de ambientación tanto ante las cámaras como en su banda sonora grandilocuente a más no poder, y excediendo ya totalmente los límites del género del western tal y como se entendía hasta ese momento.

Y es que aquí nos encontramos con elementos propios del western, evidentemente, sobre todo en cuanto a la individualidad de los personajes, clave del personaje del sr. Eastwood en la trilogía del sr. Leone, pero también con un punto de aventura mucho mayor, con una historia enorme, en la cual ocurre de todo a los protagonistas, que se cruzan, se engañan, se intentan matar… Y todo hasta el desenlace final, con el ya famoso duelo a seis manos en el cementerio.

Además, hay que tener en cuenta el gran elemento antibelicista que plantea, mostrando todo el horror de la guerra, algo que está habitualmente fuera de la vida de los cowboys, pero importante en la vida de un hombre como Sergio Leone, un italiano obligado a vivir en su adolescencia la 2ª Guerra Mundial. A este respecto, me parece sencillamente impresionante el plano en cuanto el Feo llega al cementerio, capaz de helar la sangre a cualquier persona, o el trabajo respecto a la creación de los oficiales de los bandos, similar a la posterior Apocalypse Now.

Como digo, la historia es, por definirla en una palabra, épica. Todo el viaje que abarca en la vida de sus personajes, y cómo se van enredando en la trama los tres protagonistas está perfectamente hilado, sin errores, y con un ritmo constante, que permite los descansos suficientes al espectador para no hacerse larga ni difícil de seguir, aún a pesar de lo complejo de la trama, llena de giros que no hacen otra cosa que ir aumentando la tensión y la duración de 180 minutos con que cuenta, necesarios para llegar a introducir todo en una misma cinta.

Ayuda también la perfecta planificación técnica, que se mueve con soltura entre los estilos ambientales que toca, que viajan desde un pueblo del oeste, hasta las trincheras del frente guerrillero, o el duelo final en el cementerio. Y todo ello se hila sin chocar, y al mismo tiempo sí se definen de un modo muy claro si las planteamos por separado, tanto en la fotografía y selección de planos como en el trabajo de montaje y la creación del ritmo. La música, pues qué decirles, si es una de las bandas sonoras más famosas de la historia del cine, y no por casualidad. Ambienta a la perfección la historia, al mismo tiempo que tiene personalidad para hacerla única e inolvidable, y servir como representante de la película siempre que se escucha.

Falla, eso sí, en el sonido, como otros westerns italianos, debido a ese elemento que es el doblaje, que obliga a jugar con demasiados momentos grabados en postproducción, notándose en ciertos momentos, perdiendo por esto a veces el realismo y sacando al espectador de la película en cierto modo. No obstante, salvo los doblajes, estos sonidos no resultan demasiado cantosos en ningún momento.

Respecto a las actuaciones, Clint Eastwood, haciendo su papel de antihéroe de toda la trilogía, de personaje duro y frío pero a la vez medianamente preocupado por el bien, a un nivel altísimo. Lee Van Cleef, haciendo de malo, y creando un personaje tremendamente creíble y odiable. Y Elli Wallach, nuevo en la trilogía, creando un personaje más estereotípico, como el sucio y traidor bandolero que acompaña al Bueno, pero consiguiendo no dejar dudas sobre su personaje en ningún momento. Es curioso, porque del resto del elenco, apenas se puede dar importancia a ningún personaje, y a pesar de ayudar enormemente en el desarrollo de la historia apenas tienen tiempo frente a la cámara. No obstante, debo admitir que están también a un nivel muy alto.

En resumen, un western que ya evoluciona hacia un punto que estaría fuera de la clasificación de géneros, con un trabajo genial desde todos los puntos de vista, y de visionado obligatorio para todo cinéfago y cinéfilo.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 9.5
Guión: 9.0
Actuación: 9.0

TOTAL: 9.0

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