The Swimmer (El Nadador)

Título: The Swimmer


Director: Frank Perry / Sydney Pollack (Aunque no está en créditos)


Año: 1968


País: USA


Duración: 95

Ned Merril (Bud Lancaster) aparece un buen día, al final del verano, en la casa de campo de unos amigos suyos. Está vestido sólo con un bañador y le apetece darse un chapuzón en su piscina. Charlando con sus amigos, comprueba que todo el mundo en el condado tiene ya una piscina, con lo cual podrá ir nadando de piscina en piscina hasta llegar a su casa. Un camino en el cual tanto nosotros como él descubriremos que no todo es tan maravilloso, ni en ese valle ni en su vida.

Suele ocurrir, en la narrativa, que el camino seguido por el protagonista de manera física es, en realidad y de una manera profunda, un camino recorrido interiormente hasta llegar a madurar o mejorar. Esta es la impresión que nos deja El Nadador, donde el camino de piscinas y los encuentros con personajes que ha conocido a lo largo de su vida llevan a Ned, y a nosotros, a descubrir la verdad sobre su vida, de la cual no sabemos nada. Así, de presentársenos un oasis de tranquilidad deudor del sueño americano en un condado de casitas con jardín, piscina y fiestas privadas constantes donde todos son amables y se tienen cariño, su camino hacia casa se va convirtiendo al mismo tiempo en una bajada a los infiernos donde veremos que ni Ned es tan buen tipo, tan buen padre y tan buen marido como aparenta y él mismo pretende ser, ni el sueño americano es algo tan idílico y tranquilo.

Lo principal a destacar, aparte del trabajo por capítulos que supone el guión en sí mismo, es esa nula presentación del personaje dada la cual, nosotros como espectadores no tenemos ningún dato en el que apoyarnos para entender qué ocurre con él. De tal modo que la película nos va sorprendiendo y juega con nuestras expectativas para mostrarnos esa realidad cruel que ha vivido Ned, en un perfecto juego narrativo donde además, cuanto más nos acercamos a él más vemos su interior y dejamos de quedarnos con esa superficial cordialidad y amistad para entender el tremendo egoísmo del que ha llegado a ser grande en la vida y solamente piensa en los demás de puertas afuera. La actuación de Burt Lancaster, perfecta para lo que requiere la película, y aguantando muy bien el peso constante de la misma, haciéndonos entrar en ese juego que propone y engañándonos desde un comienzo con la diferencia entre interior y exterior del personaje. Por poner un pero a la película, sería que la repetición constante del mismo esquema capitular acaba resultando algo cansino y se podría echar de menos un poco más de explicación sobre todo lo que ha ocurrido.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.5
Técnica: 7.5
Guión: 8.0
Actuación: 7.5

TOTAL: 8.0

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Después de años, nueva actualización de Mondo Extraño, Mondo Estúpido

Tras años de silencio, vuelve a la palestra la serie fotográfica Mondo Extraño, Mondo Estúpido con 8 nuevas fotografías sin desperdicio para mostrar cuán divertido y extraño es el mundo de hoy!


Por si pasan de entrar a la propia entrada de la serie, estas son las subidas:

Cualquier Lugar Y Excusa Sirve Para La Reivindicación Freak


Alain Prost, Trolleando En Las Calles De Ferrol.


Eso Pasa Por Meterte Donde No Te Llaman.


Un Traje Para Que Tu Conejo Mascota Pueda Desactivar Bombas En Zanahorias.


Hacer Regalos Con Segundas, Nivel Leisure Suit Larry.


-Perdona, ¿Me Das Fuego?
-¿Crees Que Los Mecheros Nacen En Los Árboles?
-Sí, Como Los Pañuelos.


Menos Mal Que Este Dibujo Me Explica Cómo Activar El Mecanismo De La Hoguera De Mano!


Como Todxs Sabemos, Los Egipcios Usaban Tablas De Surf Como Mesitas Para La Tele, Y Trajes De Neopreno Como Estanterías.

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Salmo Rojo de Miklós Jancsó: Cuando el plano es el principio y el fin.

Se suele decir que el plano es la razónde ser del cine, el elemento base sobre el que trabaja el medio. Si nos centramos en su máxima expresión tanto a nivel de extensión temporal como de significancia, el plano secuencia, podremos citar a grandes defensores como Bazin, para quien la falta de montaje nos acercaba a la realidad, o a Tarkovsky, para quien fue la manera de manejar el tiempo sobre el que esculpir, o a Pasolini, que lo vio como la máxima representación del presente subjetivo. Tres hombres con tres visiones diferentes del cine, pero con una conclusión común respecto a la aproximación a la realidad que supone un plano secuencia.

Es en base a este principio del plano secuencia como fin estético del cine bajo el cual trabaja Miklós Jancsó, hasta el punto de demostrar que se puede dar la situación de amalgamar, en cinco minutos llenos de vida con una cámara que no para y una coreografía de actores y técnicos perfecta, muchísimo más de lo que ofrecen miles de films en 300, 400 o 500 planos montados. Porque la simplicidad, a veces, es la demostración más absoluta de genialidad. O al menos la simplicidad aparente, porque un plano secuencia de 5 minutos alberga una complejidad detrás de la cámara y un trabajo de previsión que habitualmente habrá llevado varias horas o incluso días.

Habitualmente, al hablar del plano secuencia se cita el comienzo de Sed de Mal. No voy a discutir aquí la genialidad del plano ni de Orson Welles. También en ocasiones hablamos de La Soga, una de las películas mejor planteadas en cuanto a narración y su relación con la historia narrada de los 120 años que llevamos de cine. Pues bien, aunque lo que aquí presento sea algo posterior, siendo filmado en 1972, demuestra que Hungría ya antes de Béla Tarr era una tierra pródiga en los planos secuencia y en el tiempo real como unidad narrativa. Y si no, baste con mirar la secuencia que transcurre entre el minuto 32 y el minuto 37 de Még Kér A Nép (Salmo Rojo). Una asombrosa maravilla donde se nos muestra la lucha proletaria contra el opresor y la iglesia de un modo impresionante. Un plano que, insertado dentro de una película mucho más compleja, consigue crear ambiente, presentar la situación y darle un final en un simbolismo sencillo pero con una potencia inigualable al juntarse con la poética de la cámara y su movimiento sin fin con el que consigue hacer que olvidemos que no hay un solo corte en dicha secuencia. Ni falta que hace, porque cuando se hacen las cosas tan bien, el cine, la realidad y la magia parecen uno.

Por cierto, dudo que sea casual que, de lo poco que se puede ver del film en youtube, la escena que aquí describo esté completa, de principio a fin. Siento que no tenga subtítulos, cuando sería interesante para acabar de captar el mensaje y las proclamas, pero bueno, lo importante es esa muestra del talento visual condensado en un plano de 5 minutos:

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Caminos Bizarros: Primer Trimestre de 2013

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Abobo's Big Adventure

Título: Abobo's Big Adventure


Creador: Roger Barr


Año: 2012


País: USA


Plataforma: Adobe Flash

Abobo es un personaje que vive en el mundo de los videojuegos de la NES. Pero nunca ha tenido la ocasión de demostrar su verdadera valía. Ahora, llega su turno cuando unos impresentables secuestran a su hijo Aboboy. Así que Abobo tendrá que abrirse paso por ese submundo de la NES hasta conseguir liberar a su churumbel.

Esto es solo el menú de selección, y ya emociona a uno sólo con el pulsar A.

Si hay una palabra que sirva para describir este videojuego esa es homenaje. Partiendo de su personaje protagonista, fusilado del final de la primera fase del Double Dragon original de la NES, el juego nos lleva por un precioso viaje retrogamer, recopilando todo tipo de guiños y, por qué ocultarlo, directamente cogiendo fases y conceptos de otros juegos.

Así, la primera parte es, básicamente esa primera fase del Double Dragon, la segunda es uno de los escenarios acuáticos de Mario, la tercera está sacada del Urban Champion, la cuarta del Legend Of Zelda, pasando a una quinta que es el Pro Wrestling pero con intro del Balloon Fight, la sexta Megaman, la séptima el Contra (o Probotector en Europa), y un final que es, directamente, el Punch Out. A todo ello, se le van sumando personajes invitados, apareciendo Donkey Kong en esa primera fase al igual que los esbirros del Kung Fu Master, Annie The Mermaid (de los Goonies 2, el juego), Bubbleman de Megaman o Tiburón en la segunda, un Kirby gigante al que nos enfrentaremos mezclado con el Krang de Las Tortugas Ninja en la fase tipo Contra o un Gizmoduck sacado del pato Darkwing. A los que sumamos apariciones estelares de otros como RoboCop, el perro del Duck Hunt o incluso Doc. Brown. Vamos, una referencia constante que hay que jugar para comprender en toda su extensión y hacernos una idea.

De este modo, el sistema de juego va variando de fase en fase, y la dificultad para pasar cada una dependerá de lo duchos que seamos en cada tipo de juego. Así, si uno se ha pasado media vida jugando Beat-Em Ups, la primera no repercutirá dificultad, pero puede que la del Zelda ya sea más difícil, o viceversa. Lo que está claro es que si uno es un fan de los videojuegos antiguos y de la subcultura pop de los años 80 disfrutará enormemente porque tampoco estamos hablando de un videojuego imposible. Esto es, quizás, lo único que no ha cogido de esos juegos de la NES. Porque incluso en la fase del Contra (uno de los considerados entre los más difíciles de la historia) una vez morimos se nos recuerda el truco de las vidas para ayudarnos a pasar la fase (y esas vidas extra las conservaremos hasta el final). El caso es que la jugabilidad es total si tenemos en cuenta esas variaciones de escenarios y su simplicidad resulta tremendamente adictiva. Además, añade algo tan de la nueva generación de juegos como son los logros, con algunos tan absurdos como el aguantar la historia inicial o mi favorito: el logro ironía que consiste en lanzar un bidón explosivo contra otro bidón que es un personaje.

Estos esbirros que venían en tropel siempre me parecieron unos cobardes. Menos mal que además eran débiles.

Por cierto, a todas estas, el apartado gráfico también cumple con las expectativas, pillando el diseño de los escenarios de manera directa desde los juegos, igual que las bandas sonoras. Todo da ese gran aspecto de juego antiguo, pixelado y simple que nos devolverá, a través del flash, a esa primera época dorada de los videojuegos, donde lo importante era el juego en sí, y no la historia o el realismo. De todos modos, los momentos donde está la historia presente y nos enseña un poco, avanzan bien y van dando explicación a esos cambios, introduciendo por cierto elementos muy bestias. Porque esta es otra de las constantes que nos encontraremos: un nivel de violencia enorme y desfasado, que juega con el humor que conlleva el comerse la cabeza de un niño como manera de recuperar vida, entre otras lindezas similares.

A todas estas, comentar que el juego es gratuito y se puede jugar aquí, funcionando bajo un régimen de donación para aquellos que lo deseen. Incluso, en caso de que esa donación voluntaria supere los 5$, nos harán el obsequio de un minijuego donde Aboboy será el protagonista. Un minijuego muy sencillo, con Aboboy exprimiendo gente, coches y dinosaurios y destruyéndolo todo en un parque de atracciones, donde por cierto salvará al mundo primero de dichos dinosaurios, calamares gigantes y por último de los extraterrestres.

Por si alguien echaba de menos una versión robótica sacada de sitios ajenos a la NES.

Resumen:
Un juego-homenaje que sirve para rememorar todas esas horas utilizadas (que no perdidas) delante de nuestra tele de tubo catódico y con mandos cuadrados y solo dos botones. Todo ello bien hecho, fusilando cosas de aquí y de allá y, sobre todo con una idea de distribución libre a cambio de donación voluntaria. Algo que desde aquí defiendo positivamente.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 9.0
Jugabilidad/Técnica: 8.5
Guión/Historia: 7.0
Diversión/Adicción: 9.5

TOTAL: 8.5

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Django Unchained (Django Desencadenado)

Título: Django Unchained


Director: Quentin Tarantino


Año: 2012


País: USA


Duración: 165

El Dr. Schultz (Christoph Waltz) es un cazarrecompensas alemán que rescata y libera a un esclavo llamado Django (Jamie Foxx) para que le ayude a cargarse a tres hermanos y cobrar entre los dos la recompensa que ofrecen por ellos. Una vez que se ve libre, Django confiesa a Schultz que querría comprar a su mujer para así liberarla a ella también, así que al alemán se le ablanda el corazón y decide echarle una mano en sus planes, introduciéndose en el feo mundo de los esclavistas.

Christoph Waltz y su carreta con muela. Uno de los mejores vehículos de la historia del oeste.

Parece que el sr. Tarantino cada vez gusta más de las historias grandilocuentes y llenas de vueltas. Bueno, a excepción de Reservoir Dogs y Jackie Brown, lo cierto es que siempre ha tenido esta tendencia, máxime si consideramos Kill Bill como un todo, porque incluso con una exploit de como Death Proof, necesitaba crear dos mitades muy diferenciadas dentro del film y llegar a rondar las dos horas de duración en su versión más completa. Pues bien, esta tendencia, en Django Desencadenado, también está desencadenada. Probablemente porque al tratarse de una sola trama contada cronológicamente, esa grandilocuencia se ve perjudicada frente a esas películas anteriores del director nacido en Knoxville.

La historia comienza muy bien, como un western muy influenciado por el spaghetti pero con ese trasfondo del esclavismo como base narrativa, dejando claramente una muesca de pelis como The Legend Of Nigger Charley pero también Mandingo. No obstante, de pronto ese trabajo de aventura en el oeste se rompe para dar pie a un drama esclavista bastante puro, que sigue recogiendo ciertas cosillas de western que se arrastran desde esa presentación. Un drama que, para más inri, decide gustarse excesivamente y dar vueltas y giros lentamente, recreándose en la horrible situación de los esclavos de un modo que, a estas alturas del film, no llega a aportar demasiado y solamente retrasa el desenlace de una historia para la cual ya había suficiente material sembrado.

Eso es, sirviéndose cañas en 1858. Quién quiere verismo histórico?

Por el camino, unas cuantas escenas memorables, desde la discusión entre los miembros de un Ku Klux Klan primigenio –que de hecho recuerda también a los encapuchados de Django- que sí, es muy divertida pero poco aporta a la trama, hasta el cameo de Franco Nero dando pie a explicar cómo se escribe y se pronuncia Django van haciendo, al menos, entretenido el camino hasta el final. Además, la acción se va metiendo en pequeñas y calculadas dosis, en su mayoría incluso dando algunas vueltas de más con una extraña obsesión por buscar un mayor realismo frente a esas victorias absurdas que un héroe exploit podría tener siempre. Y a fin de cuentas, vale, no nos creeríamos que un tipo se cargue a 40, pero ya llevarse a 10 por delante una y otra vez es igual de increíble.

Quisiera reflexionar, también, que la violencia mostrada en la peli es bastante explícita en relación a la tónica habitual Tarantino, con un exceso de sangre en los disparos que se va hasta lo grandguiñolesco y una pretensión de diversión en ella sin preocupación por lo inverosímil (lo que choca con esas vueltas para que resulte creíble que los personajes sobrevivan). Vamos, la violencia se vuelve aquí espectáculo, y su presencia incluso tiende a provocarse de tal modo que solo podamos aplaudir como aplaudiríamos ante un film de acción al estilo de Los Mercenarios. Esto cobra aun más importancia si tenemos en cuenta que nace de ese avance lento de la historia, porque como espectadores esos momentos se aplauden enormemente al servir como relax.

Elegancia.

Todo ello, como es habitual en Tarantino desde Kill Bill, con fotografía de Robert Richardson. Una fotografía que se mueve muy bien en relación al ambiente que busca el film en cada momento, jugando con convenciones exploit como los zooms o con los tonos cálidos propios de los westerns (por cierto, destacar lo bien que se utiliza el barro del suelo del pueblo, algo que viene directamente de Django), pero también destacándose en ese ambiente casi irreal de las haciendas gigantescas de los campos de algodón, de donde destacaría un momento como el paseo en la zona de árboles. Además, un trabajo muy bueno con el movimiento de cámaras, forzando los efectos dramáticos de un modo genial.

Solo intentar molar menos le habría hecho crear un gran personaje.

El montaje, donde Fred Raskin recoge el testigo de la desaparecida Sally Menke después de que ésta hubiese montado todos los films de Tarantino, parece mantenerse bastante bien al nivel. Algunos errores de raccord sin mucha importancia e incluso algún salto de eje que tampoco supone un gran problema son sus principales errores dentro de la convención habitual de la técnica. Por lo demás, destacar su buen hacer en esas secuencias de acción, donde supone una de las bases para ese aire desenfadado y excesivo que plantean. Además, su combinación con una banda sonora espectacular -desde la canción de Django hasta un tema compuesto ex profeso por Ennio Morricone- y un trabajo de sonido bastante adecuado, ayuda mucho a la hora de crear esa carcasa más que interesante.

En el plano actoral, destacar a Christoph Waltz. Nuevamente, clava a su personaje desde un primer momento, con su aire siempre altivo e incluso confiado. No es casualidad que la mejor parte del film coincida con la parte en la que tiene un mayor protagonismo y control sobre la situación. Jamie Foxx, por su lado, pues también lo hace bastante bien aunque se fuerce en algún momento muy concreto. Pero nada, realmente se le perdona, pues su personaje es complejo y además juega con esos conceptos de actuación dentro del propio film, lo cual nunca es sencillo.

Esa fotografía de fondo, de lo mejor de esta parte del film.

Destacar, también, a Don Johnson, que se mueve perfectamente en su papel de terrateniente tan excesivo que se convierte fácilmente en un villano perfectamente sacado de cualquier peli de los 70 o incluso del mundo del cómic. Algo similar intenta Leo DiCaprio pero con mucho menos carisma a pesar de tener mucho más tiempo en pantalla. Su personaje, si bien resulta creíble, no consigue aportar ese tinte de crueldad que se corresponde a sus acciones, quedándose a las puertas incluso cuando pretende ser abiertamente malvado. Aun por encima, no le ayudan ni Samuel L. Jackson, que resulta tan absolutamente sobreactuado que no resulta creíble y hasta se pasa de la línea de poder hacer gracia con su personaje cliché de negro más racista aun que su amo -perdiendo así el poder subversivo que tenía este personaje- ni Dennis Christopher, que acaba por resultar bastante soso, aunque hay que decir que más por guión que por actuación.

Violencia, violencia, violencia, y por eso le amamos a usted!

Resumen:
Se hace larga y el guión parece dar vueltas simplemente alargándola sin demasiado sentido en su parte central y final, aunque se compensa con buenas escenas divertidas, dosis de violencia-espectáculo y una puesta en escena y trabajo de cámara bien diseñado y planteado, con influencias exploit y spaghetti pero con esa manera de coger influencias habitual de Tarantino.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 7.5
Guión: 6.5
Actuación: 7.5

TOTAL: 7.5

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Django

Título: Django


Director: Sergio Corbucci


Año: 1966


País: Italia / España


Duración: 91

Mientras un grupo de indeseables azota y tortura a una mujer por prostituirse con mexicanos, un misterioso personaje aparece cargando con un ataúd. Es Django (Franco Nero), y se carga a esos indeseables. Coge a la prostituta, Maria (Loredana Nusciak) y se la lleva a un burdel cercano, desde donde se enfrentará a toda la guardia del Mayor Jackson (Eduardo Fajardo) y después se aliará con una banda mexicana, rival de éste, para conseguir el oro que Jackson guarda en un fuerte cercano.

Es imposible mejorar la presentación de un personaje poniendo su nombre, y título de la peli, sobre un ataúd.

Por aquí ya he dejado patente la importancia de este spaghetti western al comentar films como Alambradas De Violencia (Pochi Dollari Per Django), Yo Soy Trinidad (Django Spara Per Primo) o Sukiyaki Western Django. Pelis que, directamente, recogían el nombre del genial personaje creado por Sergio Corbucci en 1966 y que se convertiría en uno de los iconos más utilizados del spaghetti western –incluso homenajeado por Miike en esa última peli que cito o por Tarantino en su Django Desencadenado- a pesar de no tener una secuela oficial hasta 1987, ya pasado todo el fenómeno y quedándose en una simple película directa a vídeo, en lugar de ensalzar aun más la figura del pistolero del ataúd.

La importancia se la ganó gracias a la gran capacidad de Corbucci para crear una historia directa, sin concesiones, donde la perspectiva del espectador es totalmente externa, aun sintiéndose constantemente atraído al héroe y necesitar apoyarlo pues es el único que no parece un grandísimo hijo de puta. Esto, a pesar de que en ningún momento sepamos casi nada de él; sólo unas nociones respecto a su atribulado pasado y ciertas pautas de comportamiento según avanza el film. Pero tampoco necesitamos más, pues es el misterio y la ocultación lo que hacen tan grande al personaje interpretado por Franco Nero.

Un hombre y su ataúd. Mucho más útil que una maleta, aunque solo sea por la significación psicológica.

De entrada, nuestro personaje se perfila como un vaquero sin caballo, que camina portando un ataúd cuyo contenido desconocemos, entrando en un pueblo de mala muerte donde la pulcra arena ha sido convertida en barro. Un barro que se convierte en una constante del film y que mancha la historia en conjunto, impregnándola de un halo de desesperación y suciedad. Esta entrada en la ciudad, por cierto, ocurre después de ver, en un prólogo, la increíble capacidad de nuestro protagonista con el revólver, cargándose a 5 hombres para acabar salvando a una prostituta de una muerte segura. A partir de esto, la presentación está hecha. No necesitamos ni queremos más.

Lo siguiente que se nos ofrece es una historia de traiciones, con la violencia como eje motor –si no, de qué iba a ser un spaghetti western-, donde veremos a Django luchar contra un cacique racista y luego unirse a unos bandidos mexicanos, todo con la ayuda que venía dentro de su sempiterno ataúd y con el individualismo como marca de comportamiento de todos los personajes. A ello, le juntamos la pequeña pero importante historia de amor que se establece entre la prostituta y él y un final apoteósico y legendario dentro de los spaghetti. Así tenemos una película redonda del género y una de las mayores aportaciones italianas fuera de Sergio Leone al western, si no la mayor.

La puesta en escena de Corbucci, como siempre, consigue un aire nihilista donde la vida no importa y la violencia es lo único que impera. En apariencia, la fotografía de Enzo Barboni no resulta especialmente innovadora dentro del género, recuperando esos zooms, esos tonos cálidos, esa cámara que escapa de su eje vertical y esos primeros planos que Leone y Massimo Dallamano (hubo más en la foto pero destaquemos al milanés) estaban poniendo de moda en el país. Sin embargo, apoyándose mucho en ese aire sucio que da el barro del que hablaba antes, el ataúd y sus connotaciones o las cruces del cementerio en la escena final, la muerte y la suciedad están siempre presentes, como una sombra que nos persigue. Y cuando la muerte nos acecha tan constantemente, la fuerza de la historia gana enteros, así como la desesperación de la misma. A ello, sumamos un montaje de Nino Baragli (“casualmente” también montador de El Bueno, El Feo Y El Malo) y Sergio Montanari que sabe aprovechar a la perfección esa fotografía y marcar el ritmo en los tiroteos y peleas, consiguiendo meternos dentro y ver la muerte aun más cerca. También una banda sonora de Luis Bacalov cuyo tema principal ya está en los anales del cine y conseguimos terminar de crear un film de acción y tiros, sí, pero con una carga moral que plantea el sentido de la vida de un modo genialmente deprimente, aunque no llegue a la altura de la siguiente peli de Corbucci, El Gran Silencio –obra maestra todavía a reivindicar a este respecto-.

Es de todo ese barro de lo que estamos hablando.

Franco Nero, en su trabajo, está casi perfecto. Frío y distante, su mirada de niño bueno en algún momento le traiciona y nos hace ver demasiada humanidad en su personaje. Una humanidad que en otras ocasiones sería positiva al acercarnos a él, pero que en esta ocasión nos aleja de la intención primigenia del film. Igualmente, en general no se le puede reprochar nada más, y cuando sus ojos se clavan en sus enemigos resultan tan acojonantes como su imposible velocidad con el revólver.

Por otro lado, el enemigo poderoso que resulta Eduardo Fajardo funciona a la perfección, y este sí que con la frialdad y maldad que se le presupone. También muy bien José Bódalo en su papel de líder de la banda mexicana, siguiendo los cánones estereotipados de su personaje pero, quizás precisamente por eso, resultando creíble y apoyando muy bien el desarrollo del film. Por último, destacar a la bella Loredana Nusciak, que con su mirada y su presencia consigue terminar de mostrar a Django como un personaje donde sólo vive la venganza, pues solo así podría escapar de la atracción que la romana provoca a la cámara. Por otro lado, destacar además lo que profundiza en su personaje a pesar de no tener demasiado tiempo en pantalla para ello, escapándose de un mero papel como florero.

Capuchas: abaratan costes, hacen cierta referencia al Ku Klux Klan y probablemente influyan directamente en cierta escena concreta de Django Desencadenado.

Resumen:
Un western violento donde la muerte es una presencia constante que nos sobrevuela, creando un ambiente sórdido y sucio y consiguiendo crear a uno de los personajes eternos dentro de la imaginería de los spaghetti.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.5
Técnica: 8.0
Guión: 8.5
Actuación: 7.5

TOTAL: 8.0

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