Cineuropa 2014 (XXXI) [Película Sorpresa]: Filth

Título: Filth


Director: Jon S. Baird


Año: 2013


País: Reino Unido / Alemania / Suecia / Bélgica / USA


Duración: 97

Una pandilla mata a un japonés en un túnel. Solamente hay una testigo, Carole (Shauna Macdonald). Su marido, Bruce (James McAvoy), es el encargado de investigar el crimen. Una investigación, además, que le podrá suponer un ascenso. Pero Bruce está más interesado en beber, follar y apostar que en hacer seriamente dicha investigación, por mucho que ese ascenso y todo lo que supondría sean una obsesión enfermiza para él. Una obsesión que también hace salir a la superficie a sus propios fantasmas.

Una comedia realmente divertida y, al mismo tiempo, retorcida, jugando con los tópicos de una investigación criminal aunque sin caer en la parodia sencilla. Hay mucha crítica llena de ironía hacia Escocia, lógica al tratarse de una adaptación de una novela de Irvine Welsh, así como a la corrupción de la institución policial y sobre todo un desarrollo del personaje principal absolutamente magistral. Porque básicamente toda la película se sustenta en la caída del mismo, desde su podio de autoconfianza y sobradez, hasta la aceptación de todas sus miserias, mucho más profundas de lo que el film nos deja entrever al comienzo. Pero siempre con muchísimo sentido del humor, réplicas brutales y precisamente con la sobradez de ese personaje como leitmotiv para que funcione el guión.

Lógicamente, para esto se nos narra siempre siguiéndolo a él, con un juego en la ocultación de información al espectador para mantener el interés en encontrar qué secreto oscuro se oculta en la vida del mismo. Además, haciendo muchísimo uso de planos tomados con mucho angular y bastante contrapicado, siempre con un color potente en la fotografía, dándole mucho más poder y presencia si cabe. De todos modos hay que destacar el uso de las alucinaciones, desde momentos repentinos con su subida de sonido para acojonar hasta conversaciones enteras, generando un ambiente enrarecido en esos momentos y llevándonos al interior del personaje, esencial para comprender la manera en que está narrada la historia. Para mejorar aun más la cosa, James McAvoy está espléndido y mantiene al personaje y el tono histriónico de todo el conjunto durante todo el metraje, posicionándose totalmente por encima de todos sus compañeros de reparto, que tampoco es que estén mal. Y ya como punto final, querría destacar la inclusión del Sandstorm de Darude dentro de la banda sonora, uno de mis temas favoritos del dance del final de los 90 y que a día de hoy sigue casi olvidado pese a haberlo petado entre 1999 y 2000.

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Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 8.0
Guión: 9.0
Actuación: 8.0

TOTAL: 8.5

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Cineuropa 2014 (XXVII): A Pigeon Sat On A Branch Reflecting On Existence

Título: En Duva Satt På En Gren Och Funderade På Tillvaron


Director: Roy Andersson


Año: 2014


País: Suecia / Alemania / Noruega / Francia


Duración: 101

Un par de vendedores de artículos de broma, Jonathan (Holger Andersson) y Sam (Nils Westblom), van ofreciendo sus productos por distintos lugares de la ciudad. A nadie parecen interesarle demasiado las novedades que ofrecen, y eso que son de primera calidad: cosas como unos dientes de vampiro, una bolsa que al apretarla se ríe o una máscara de goma. En su devenir, cosas extrañas e inesperadas se irán sucediendo y mezclando con recuerdos, sueños e historias.

Lo que nos brinda aquí Roy Andersson solo se podría definir como una comedia contemplativa. Dos conceptos cinematográficos a priori diametralmente opuestos, pero que sin embargo se unen para hacer una película que, desde luego, no puede dejar a nadie indiferente. No en vano uno mira las votaciones que recibe y varían siempre entre por debajo de 4 y acercándose al 10. La historia se nos muestra cortada en escenas que se yuxtaponen casi a modo de sketches, aunque opte por seguir el devenir de un par de personajes y mantenga muchos nexos en común para crear humor basado en la repetición de motivos así como de juegos lingüísticos que se apreciaban incluso sin saber sueco (así que sabiéndolo seguro que se pillarían muchos más). Todos esos personajes, siempre en los límites de un patetismo enorme y muy humano, acaban por generar situaciones que rompen la lógica común por lo fuera de lugar que están. Destacar a esos dos protagonistas que son los vendedores de artículos de broma Sam y Jonathan, los vendedores más tristes del mundo, irónicamente, o la profesora de baile que se acerca demasiado a un alumno, que siempre se ve forzado a apartarla de sí mismo. Por dejar de lado los momentos de absurdo reminiscente de los Monty Python con el rey Carlos XII entrando en un bar con parte de su ejército.

Técnicamente, nos plantea simplemente una narración en base a planos estáticos observando y alejándose de los personajes, que en su quietud y ese mantenerse mostrando todo apoya tremendamente el humor de lo patético con el que juega todo el guión. Obviamente, para esto hay que tener en cuenta a los actores, geniales en esa muestra de apatía absoluta y frialdad nórdica en sus acciones. Con ello consigue eso, un cúmulo de patetismo mostrado fríamente y muestras de absurdo que, claro, no es apto para todxs lxs espectadores, lo que hizo que en sala nos estuviésemos riendo solamente unos cuantos, ante el estupor de una gran mayoría. Pero es precisamente por esto que merece la pena intentar verla.

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Originalidad/Riesgo: 9.5
Técnica: 8.5
Guión: 9.0
Actuación: 8.0

TOTAL: 9.0

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Cineuropa 2014 (XXIV): Güeros

Título: Güeros


Director: Alonso Ruiz Palacios


Año: 2014


País: México


Duración: 106

Tras una gamberrada que se ha pasado de rosca, la madre de Tomás (Sebastián Aguirre) decide mandarlo de Veracruz a Ciudad de México a vivir con su hermano Federico, ahora conocido como Sombra (Tenoch Huerta). Sombra vive con Santos (Leonardo Ortizgris), y ambos llevan una vida errática mientras en la universidad hay una huelga. Ellos hacen 'huelga de la huelga' y ni siquiera intentan salir de casa, en parte para evitar contactar con Ana (Ilse Salas), la chica que le gusta a Sombra. Con la llegada de Tomás, un encontronazo con los vecinos a los que les roban la electricidad y el descubrimiento de que un músico de rock mexicano que le encantaba a su padre está enfermo, Sombra accede a salir y vivir una pequeña aventura en la que se enfrentará a su vida a través de los distintos lugares de la ciudad que irán visitando.

Esta es una de esas películas que dan gusto siendo carne de festival puro y duro. Cine independiente, sin demasiado presupuesto, con buenos personajes, un poquillo de drama, sus buenos momentos de comedia, un par de rupturas de la cuarta pared y guiños al propio concepto de la película... Todo ello con muchísimo frescor, convirtiendo la historia en una road movie por Ciudad de México, creando esa sensación de mostrar una serie de realidades que explican muy bien lo que es el entorno urbano para los personajes de la generación de los protagonistas. Ya digo, la sensación, pues no soy quien para decir si es así. El único problema, a nivel de guión, es que al final acaba renqueando un poco a la hora de cerrar las tramas después de haberse ido un poco por las ramas durante un buen rato. Pero tampoco llega a resultar insoportable en esa pequeña alargada.

Rodada toda en un blanco y negro suave, con muy buen ritmo y sobre todo centrándose muchísimo en los personajes, tiene unos cuantos planos muy buenos, aunque no juegue demasiado a buscarlo. Consigue suplir el bajo presupuesto cogiendo imágenes rodadas aparentemente liándola en relaciones reales, y ayudándose de ese modo para lo que comentábamos arriba sobre acercarnos como espectadores a la realidad del entorno urbano de México D.F., o al menos a la del México D.F. de nuestros protagonistas. Protagonistas que se hacen muy creíbles y humanos, jugando con un cierto humor existencialista que deriva en apertura al mundo (una de las frases de Sombra, 'para qué salir de casa si acabaremos por volver a ella', define perfectamente el ambiente del comienzo, totalmente evolucionado al final, por ejemplo).

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Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 8.0
Guión: 7.0
Actuación: 7.5

TOTAL: 7.5

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Cineuropa 2014 (XV): Negociador

Título: Negociador


Director: Borja Cobeaga


Año: 2014


País: España


Duración: 79

En 2004, el político Manu Aranguren (Ramón Barea) va a Francia a un encuentro con Jokin (Josean Bengoetxea), un etarra con el que tendrá que negociar la tregua y el fin del conflicto y/o la violencia. Ese encuentro, fundamental para el devenir de la situación política vasca y española, irá mudando en función de diversos errores humanos y pequeñas cuestiones personales entre los dos negociadores, el mediador, la intérprete, y los propios jefes de ambos negociadores.

Durante muchos años, el llamado problema vasco fue una de las principales preocupaciones de los españoles. Y no, no hablo de lo mismo que Lendakaris Muertos, porque el follar o no follar sigue siendo una de las principales preocupaciones de los españoles. Y del resto de mortales. Hablamos de ETA. Simplemente por lo serio que, por lógica, se ha tratado siempre el tema del terrorismo, y por lo difícil que es tocar el tema todavía en según qué ámbitos, me parece valiente el hacer una comedia sobre las negociaciones con ETA, aunque sea una narración situada totalmente en el lado español y que no se atreve a cuestionar en absoluto la cuestión política. Una comedia muy satírica y patética, que me hace recordar lo que un día me dijo un amigo respecto a este tipo de decisiones políticas: 'la realidad es siempre mucho más cutre de lo que nos gusta pensar'. Se nos muestra aquí un buen trabajo de guión, en esa misma onda que Cobeaga ya explotó en esos dos éxitos que fueron Pagafantas y Ocho Apellidos Vascos, creando personajes que cometen errores por ser humanos, y que al final es esa misma humanidad la que los reconcilia con el espectador, jugando aquí, precisamente, con esos códigos de la relación Euskal Herría-España a un nivel similar a muchos de los sketches de Vaya Semanita, aunque mucho más suaves y aptos para que el público español pueda apreciarlos bien.

Técnicamente, sigue la estética de la comedia española actual, con unos cánones de trabajo de tinte realista, un ritmo alegre y suave y un trabajo de fotografía que se resume en dejar que sea la actuación lo que manda. Vamos, que si bien tiene oficio, poco nos aporta ya a estas alturas en ese nivel. El problema es que por culpa de esa decisión se basa mucho en que sean los actores quienes carguen con todo, y aquí hay veces que no están demasiado al nivel. Partiendo por el propio Ramón Barea, que tiene algunos bajones de credibilidad bastante grandes, sobre todo al comienzo, o la aparición de Carlos Areces, cuya vis cómica y su histrionismo se impone demasiado y hace que su personaje se quede forzado, aunque se parezca lo suficiente a Thierry como para que tenga cierta gracia por esa parte.

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Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 7.0
Guión: 8.0
Actuación: 6.0

TOTAL: 7.5

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Cineuropa 2014 (XIII): What We Did On Our Holiday

Título: What We Did On Our Holiday


Director: Andy Hamilton / Guy Jenkin


Año: 2014


País: Reino Unido


Duración: 95

Abi (Rosamund Pike) y Doug (David Tennant) viajan hasta Escocia junto a sus tres hijos, Lottie (Emilia Jones), Mickey (Bobby Smalldridge) y Jess (Harriet Turnbull), para celebrar el 75º cumpleaños del padre de Doug (Billy Connolly). Ellos se están divorciando, aunque como el padre de Doug no lo sabe pretenden ocultárselo ya que éste puede ser su último cumpleaños puesto que está enfermo. No obstante, está lo suficientemente bien como para seguir disfrutando de su vida y pretender enseñar eso a sus nietos, a que busquen el divertirse y ser felices, dejando las preocupaciones inútiles a un lado. Y ese amor por sus nietos, junto al caso que ellos le hacen, podrá llegar a crear ciertos problemas al resto de la familia.

Viendo las películas que estoy seleccionando en Cineuropa este año y en su relación con cómo me hacen sentir, estoy planteándome si mi cinismo y rencor hacia la humanidad están desapareciendo. Porque me pongo películas tan emotivas como esta, tan positivistas y tan enfáticas en los valores de sentimientos vitalistas y joder, me emociono. A lo mejor es porque están bien hechas, ojo. Porque en el caso de esta, desde luego que el guión, si bien no es especialmente original, es muy bueno. Un guión que no para de trabajar en pos del humor, un humor lleno de pequeños absurdos, de situaciones que nacen del patetismo vital y de unos personajes bien retratados y muy creíbles, además de una buena cantidad de réplicas brillantes por parte de todos ellos. Vale, no es un film que descubra nada nuevo, no deja de ser un sencillo canto a la vida y a disfrutarla con tus seres queridos, evidenciándolo y dejándolo patente, con unos niños que aprenden de su anciano abuelo, que ha vivido lo suficiente como para saber que es mejor ser feliz que no serlo.

Aparte del guión, la cinta nos ofrece unas actuaciones muy coherentes, destacándose los 3 críos protagonistas, que a pesar de su edad se echan a la espalda todo el grueso de la cinta y consiguen unos personajes muy reales. Por lo restante, poco a destacar; salvo unos cuantos planos geniales tirados desde helicóptero y aprovechándose del preciosismo del paisaje escocés poco más, ya que la narración y la puesta en escena tienen oficio pero dejan que sea el guión quien lleve la batuta a la hora de ir llevando el ritmo y el rumbo narrativo.

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Originalidad/Riesgo: 5.5
Técnica: 7.5
Guión: 8.0
Actuación: 8.5

TOTAL: 7.5

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Cineuropa 2014 (IX): What We Do In The Shadows

Título: What We Do In The Shadows


Director: Jemaine Clement / Taika Waititi


Año: 2014


País: Nueva Zelanda


Duración: 86

Viago (Taika Waititi), Deacon (Jonathan Brugh), Vladislav (Jemaine Clement) y Petyr (Ben Fransham) son vampiros que comparten piso en Nueva Zelanda. Cada uno se convirtió en vampiro en épocas muy distintas, con lo cual los problemas de comprensión mutua están ahí, especialmente con Petyr, que ya tiene 8000 años y es bastante poco sociable. Pero también están los problemas con la vida moderna, desde el poder entrar en los lugares solo cuando se les invita hasta la dificultad para vestirse y salir de casa sin poder mirarse al espejo. Una no-vida menos fácil de lo que podría parecer y cuyos altibajos se nos muestran en este genial documental.

Vaya despiporre de película. Partiendo ya de ridiculizar ese tono que tienen los documentales/realities al estilo de Españoles En El Mundo, ¿Quién Vive Ahí? o cosas así, vemos la vida de estos vampiros desde dentro, llenándose de guiños hacia un buen montón de mitos, desde el obvio Drácula hasta los de Crepúsculo, jugando con las distintas convenciones estilísicas de los vampiros en las distintas épocas, desde ese terrible vampiro a lo Nosferatu que es Petyr hasta ese medieval a lo Vlad Tepes que es Vladislav, o los más a un estilo dandy del siglo XIX. Mucho humor negro y absurdo, mucho juego con la presencia de los cámaras y la ruptura de la cuarta pared y, sobre todo, un sentido de la narración genial, creando, con ese tono de comedia pura y esa estética de reality, una historia que engancha gracias a los diversos problemas a los que se van enfrentando los vampiros.

De todos modos, gran parte de que la película funcione tan bien, es el hecho de que todos los actores están a un nivel estupendo. Histriónicos y llevados al extremo, pero perfectos para el tono de la narración y siempre dentro de sus personajes. Esto consigue que la historia sea totalmente creíble (dentro de la suspensión de incredulidad de la existencia de vampiros, hombres lobo y demás), y que los gags funcionen cojonudamente. Además, el aspecto técnico está muy bien cuidado, a pesar de ese tono de reality de grabación directa, e incluso los momentos de transformaciones, especialmente de los hombres lobo, son geniales, sin salirse en absoluto del principio bajo el que juega la peli.

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Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 8.5
Guión: 9.0
Actuación: 8.0

TOTAL: 8.5

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El Abominable Hombre De La Costa Del Sol

Título: El Abominable Hombre De La Costa Del Sol


Director: Pedro Lazaga


Año: 1970


País: España


Duración: 86

Federico (Juanjo Menéndez) es un tipo que ha pasado toda su juventud estudiando, apartado de los placeres de la vida. Su padre, el Duque de Puentelarra (Jorge Rigaud), está bastante molesto con lo perdedor y sosainas que es su vástago, así que, después de mandarlo a un monasterio y así tirar por tierra el compromiso que Federico tenía con Cecilia (Paca Gabaldón firmando como Mary Francis) debido al poco partido económico de la unión, decide mandarlo a trabajar a un hotel como relaciones públicas, para que aprenda de la vida. La cosa se liará cuando el muchacho espabile más de lo esperado con las mujeres ricas y solitarias del hotel, mientras Cecilia intenta localizarlo para ver qué clase de hombre era su prometido.

Estamos en 1970. España es el destino turístico favorito de media Europa, por aquello de los precios bajos y el sol que da por la zona sur, este y sureste. Como hoy, vamos, pero sin Internet ni móviles, ni tanta locura por Mallorca. También una época donde el aperturismo del cine en otras latitudes más liberales ya hacía un tiempo que dejaba ver carne femenina. Aquí, poca cosa, pero al menos se hacían chistes subiditos de tono. Y de esto va tooooda la película. Juanjo Menéndez, un hombre totalmente olvidado en la historiografía cinematográfica nacional pero que en los 60 tuvo sus toqueteos con el éxito gracias a su innegable vis cómica hace aquí acopio de sus dotes interpretativas para pasar con su personaje en una evolución al estilo del Profesor Chiflado, iniciando como un pobre diablo perdedor que, una vez descubre su magnetismo, lo pone en todo en el asador para llevar a cabo su trabajo de contentar a las mujeres del hotel. Mujeres de buen ver a las que por supuesto no les veremos nada igual que tampoco comprenderemos su estado ansioso por llevarse a la cama al ínclito protagonista.

Poca chicha, unos cuantos gags sueltos y un guión totalmente caótico para el cual evolución significa simplemente que van pasando cosas sin que tengan necesariamente solución de continuidad, ni temporal ni de lógica de acción. Todo narrado con el saber hacer de Lazaga, que no es que sea nada que impresiona, pero sí consigue aportar un ritmo bastante pasable si tenemos en cuenta esos trompicones y falta de desarrollo que propone todo el guión. Sirve para pasar el rato y propone una idea de españolada de la época pero más comedida de lo habitual.

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Originalidad/Riesgo: 5.0
Técnica: 6.0
Guión: 3.0
Actuación: 5.0

TOTAL: 5.0

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Cineuropa 2013 (XXI): Maratón

Como ya viene siendo habitual, broche para el festival con el maratón. Lo que a mí este año se me dio por denominar "la verdadera fiesta del cine". Y lo seguiré haciendo: unas 14 horas de cine casi ininterrumpidas (salvo esos descansos para preparar la siguiente peli) repartidas entre 8 largometrajes y 2 cortos, buen ambiente y, como única pega, lo quisquillosos que se están poniendo restringiendo cada vez un poco más el acceso a sala con bebidas y comida, cuando tradicionalmente uno de los grandes atractivos de la sesión era ese parapetarse con bebidas energéticas, licor café y unas bolsas de patatas fritas, donuts y/o cualquier otra cosa que se le ocurra a uno, para ir manteniendo las fuerzas según pasan las horas. Pues este año, oficialmente ni alcohol ni latas ni botellas de cristal se podía meter. Ojo, entiendo el necesitar unos criterios, por el tema de conservación del Teatro Principal, y por eso hasta me parece bien el no dejar fumar. Pero es que si no hay confianza en que la gente no la va a montar, que no nos dejen ni pasar. Porque si algo sé sobre el ser humano, es que si de verdad quiere liarla, no necesita nada para ello.

En fin. A pesar de ello, la fiesta sí fue grande y la mayoría de la gente se lo pasó teta aplaudiendo asesinatos y mutilaciones. Aunque a alguna gente le moleste eso del ver cine no en silencio. Algo que defiendo habitualmente pero no aquí. Aquí se trata de la fiesta de ver cine todxs juntxs.

-No Tiene Gracia (Javi Camino, 2012):

El hecho de comentar este corto se me hace difícil como siempre que hablo de cosas de amigos. Uno intenta ser objetivo, pero cuando hay relación personal con la obra, es mucho más difícil. De todos modos, aquí lo que se nos presenta es un trabajo de ambientación cojonudo en una especie de rave con performance artística que se ha ido totalmente de las manos, con un personaje interpretado por Enrique Lojo intentando comprender qué es lo que ocurre. Todo el trabajo duro está en la ambientación, y está muy bien conseguido, preparando al espectador para un final totalmente inesperado y genial.

Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.0 Técnica: 8.0 Guión: 7.5 Actuación: 7.0
Total: 7.5


-La Carne Cruda (Samuel Lema Ferreira, 2013):

En 2002, Armin Meiwes fue detenido y procesado por matar a un hombre y comérselo. Todo hecho con el beneplácito de la víctima. Una historia real perversa y muy extraña, que a Samuel Lema le ha servido para inspirarse en este guión donde, cambiando los nombres y algunos acontecimientos, se narra este episodio de la historia reciente del canibalismo. Un corto tremendamente bien realizado, con buen ritmo y mucho gusto en los encuadres, buena foto en blanco y negro y unos efectos lo suficientemente convincentes, también gracias a ese trabajo de foto.

Nota:
Originalidad/Riesgo: 6.5 Técnica: 8.5 Guión: 7.0 Actuación: 7.0
Total: 7.5


-僵屍先生 [Geung Si Sin Sang] (Mr. Vampire) (Ricky Lau, 1985):

La primera de las pelis de la saga Mr. Vampire es de esas maravillas que son perfectas para ver en sesiones con gente con ganas de divertirse viendo cine. Una comedia de terror que combina perfectamente humor chusco y sin sofisticar con artes marciales y folklore asiático, con esos vampiros saltarines, mujeres fantasmas y rituales extraños para combatirlos. Una película cutre en muchos sentidos pero que se ríe de sí misma, no busca impresionar y funciona bien, incluso resultando divertidos algunos efectos a día de hoy, así como impresionantes las coreografías de más de una pelea, rodadas sin cortes y con especialistas marciales, como debe ser.

Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.5 Técnica: 6.0 Guión: 7.5 Actuación: 6.5
Total: 7.0


-Tony Manero (Pablo Larraín, 2008):

El patetismo de un personaje borderline obsesionado con Tony Manero y cuya vida es consecuencia directa de la pobreza económica y moral derivada de la dictadura pinochetista cobra vida en esta película de un modo prodigioso. Personajes muy bien definidos, un ritmo narrativo perfectamente acoplado al guión y una fotografía cojonuda para ayudar a ambientar la vida de nuestro protagonista. Un protagonista, interpretado por Alfredo Castro, que se echa encima todo el desarrollo narrativo y consigue entrar al espectador desde su aire totalmente ausente y psicopático. Desde luego, entretiene con esa idea tan original y además sabe explotar muy bien la situación.

Nota:
Originalidad/Riesgo: 9.0 Técnica: 8.5 Guión: 8.5 Actuación: 8.5
Total: 8.5


[Película Sorpresa]-뫼비우스 [Moebius] (Kim Ki-Duk, 2013):

Tras esta película, ya es oficial: a Kim Ki-Duk se le ha ido la pinza. Mucho. Y ha olvidado cómo dirigir. Porque entre manos tenemos una película con un guión muy bizarro, extraña y además sin diálogos. Pero también con un aire que en ocasiones, especialmente al final, roza el aspecto de teledrama chungo de sábado por la tarde. Resulta, un poco, como si un guionista mediocre hubiese escrito un posible guión del coreano llevándolo al extremo para que un director mediocre intentase hacer una especie de parodia del mismo a base de llevar mal al extremo todas las ideas narrativas que le hicieron triunfar en un pasado.

Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.0 Técnica: 5.0 Guión: 8.0 Actuación: 5.5
Total: 6.5


-La Horripilante Bestia Humana (René Cardona, 1969):


Cine basura mexicano realizado por el René Cardona original, a petición directa del mercado americano. Una historia absurda, con un guión totalmente psicotrónico y algunos momentos con algo de gore y un poquitín de carne femenina (la versión comentada es, por tanto, la internacional, que en México habían eliminado estas escenas). Además, con un par de escenas de peleas de lucha libre mexicana femenina metidas con calzador, como es norma. Así que todo eso que nos llevamos para el despiporre del público general. Por mucho que la dirección sea muy plana, las interpretaciones pésimas y la carencia de presupuesto sea una obviedad.

Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.5 Técnica: 4.0 Guión: 4.0 Actuación: 6.0
Total: 5.5


-Un Borghese Piccolo Piccolo (Un Burgués Pequeño, Muy Pequeño) (Mario Monicelli, 1977):


Una de esas películas que a día de hoy nos resultan sorprendentes por su mezcla de sobriedad absoluta con un guión muy bizarro e incómodo, pero que sin embargo no eran tan extrañas en un pasado. Miren si no mucho del cine de Hitchcock, Twisted Nerve o Las Manos En Los Bolsillos. Aquí, lo que se nos muestra es una historia dividida en 3 partes. Una primera en la que se nos narra la intención del protagonista por enchufar a su hijo en el ministerio en el que trabaja. Luego, un giro que cambia totalmente su vida, dejándola en una estasis narrativa del lento pasar de los días para, finalmente, caer en un final bestial y que acaba por definir mucho de ese bizarrismo y extremismo del que hablaba. Todo ello, como decía, mostrado con una sobriedad absoluta, siguiendo los cánones narrativos más clásicos y con influencia del cine inglés. Además, bien interpretada y con un ritmo pausado y mecánico, apropiado para esa narración sobria.

Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.5 Técnica: 8.0 Guión: 7.0 Actuación: 7.5
Total: 7.5


-Halley (Sebastian Hofmann, 2012):


La mejor manera de definir esta peli es que es la respuesta mexicana al Yo, Zombie de Andrew Parkinson. Eso sí, hecho con más y mejores medios y posibilidades. De hecho, al parecer es la primera película de ficción que rueda en el Polo Norte. Ahí es nada. Lo malo es que tanto la idea, como el desarrollo, como la forma de estar planteada la película son una copia de la inglesa. Con sus aciertos -como el propio ver el día a día del proceso de zombificación y los problemas sociales que plantea- y sus problemas -como el ritmo increíblemente lento y la poca capacidad para involucrar al espectador con lo que ocurre en pantalla-. Al final, lo que consigue es una película más bien mediocre, que aun por encima pierde aun más cuando sufre la comparativa con una película anterior casi igual.

Nota:
Originalidad/Riesgo: 5.5 Técnica: 6.0 Guión: 5.0 Actuación: 6.0
Total: 5.5


-Alligator (La Bestia Bajo El Asfalto) (Lewis Teague, 1980):


Lewis Teague es uno de esos directores con una capacidad especial para hacer mal cine. Y no malo en plan qué cutre, qué risas. No. Cine malo de verdad, del aburrido y sin ningún tipo de carisma ni capacidad narrativa. Y esta peli no es una excepción, obviamente. Cine cutre, exploit de Tiburón (incluso la banda sonora fusila de la de Spielberg cosa fina) mezclado con esa leyenda urbana de los cocodrilos de las alcantarillas yankees. Muchos, demasiados de hecho, animales que seguramente no se lo pasaron bien en rodaje, un ritmo narrativo inexistente y nada de tensión dramática ni desarrollo de personajes. Una de esas películas que cuesta incluso para tener de fondo.

Nota:
Originalidad/Riesgo: 4.0 Técnica: 2.5 Guión: 4.0 Actuación: 4.0
Total: 3.5


-Klip (Clip) (Maja Miloš, 2012):


Peli de adolescentes chonis y su vida. Cómo crece hoy una niña en Serbia, grabándolo todo con el móvil y aprovechando la conjetura para provocar un poquito a base de meter imágenes explícitas de mamadas y poco más. Eso sí, esas imágenes ya avisan claramente los créditos finales que fueron grabadas por adultos. Que no es bueno otro escándalo como el de A Serbian Film para la cinematografía de la exrepública yugoslava. O sí, vaya usted a saber. Al final, eso, una película sobre el paso de la adolescencia en la Serbia actual, con un poco de drama humano y que muestra el egoísmo del prototipo de choni adolescente y su descubrimiento del amor, el placer y, también, el dolor.

Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.0 Técnica: 6.0 Guión: 6.0 Actuación: 7.0
Total: 6.5

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Cineuropa 2013 (XIX): Gente En Sitios

Título: Gente En Sitios


Director: Juan Cavestany


Año: 2013


País: España


Duración: 83

Lo que aquí se nos ofrece son una serie de historias independientes que funcionan cada una por su cuenta y riesgo, jugando cada una con distintos valores creativos y/o géneros: aplicando toques de humor absurdo por aquí, algo de thriller por allá, algún elemento incluso de narrativa abstracta... Unas historias que nos crean un relato conjunto vacío, aunque triste y sorprendentemente cercano a la realidad.

Lo cierto es que según empieza, la estructura de sketches independientes se hace un pelín aburrida y problemática. No es que sea nada novedoso a día de hoy en el cine y tanta dispersión no acaba de funcionar. Por suerte, rápidamente se soluciona esto mediante montaje al empezar a ir hilando mínimamente entre los sketches con algunos guiños y, sobre todo, con ese fotógrafo que aparece de vez en cuando, en peculiar homenaje al tumblr que supuestamente inspira la película, en lo que sería una de las más altas cotas de lo posmoderno.

Las historias, que como dije van en todas las direcciones, parecen hacer un especial hicapié en el humor absurdo y con muchos tintes de posthumor, sin pretender hacer nada homogéneo y simplemente eso, resultando un juego entretenido. Por lo general, bien actuados y con un aspecto técnico que se ve demasiado perjudicado por la falta de medios, pues la cámara en mano, la pobre iluminación (cuando tiene alguna) y un montaje a veces demasiado a golpes dejan demasiado obvio el trabajo detrás de la cámara. Eso sí, tampoco se le puede echar demasiado en cara, pues al final se narra correctamente y lo importante está en el guión.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.0
Técnica: 6.0
Guión: 7.5
Actuación: 6.5

TOTAL: 7.0

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Cineuropa 2013 [Película Sorpresa] (XVII): Cheap Thrills

Título: Cheap Thrills


Director: E. L. Katz


Año: 2013


País: USA


Duración: 85

Craig (Pat Healy) y Vince (Ethan Embry) son dos viejos amigos del instituto que se encuentran casualmente en un bar. Craig está casado y es padre de una niña de 15 meses. Vince sigue viviendo la vida sencilla de un soltero. En ese mismo bar conocen a Colin (David Koechner) y Violet (Sara Paxton), una pareja que con la excusa de celebrar el cumpleaños de ella comienzan a pagar a los dos amigos para que hagan cosas cada vez más degradantes. La cuestión es que el dinero les viene bien a ambos, pues Craig acaba de ser despedido y Vince no gana demasiado en su curro, así que aceptan ese juego mientras se dejan llevar, ayudados por la farlopa, el alcohol y la avaricia.

Cheap Thrills es una de esas películas que funcionan sobre la intención formal de agredir al espectador en sus principios morales. Un ejercicio divertido, pero que no acaba de alcanzar totalmente. Dos personajes que escalan en su degradación dejando clara prueba de su avaricia, algunos momentos puntuales con humor negro, un poco de thriller y un par de toques gore, lo suficiente para impactar algo pero sin arriesgarse a no poder ir a una sala comercial; incluso por debajo de la escala de Saw, Hostel o demás torture porn comercial. Y lo mismo que ocurre con el gore, le pasa con los elementos de thriller. Impacta un poco y tensa lo mínimo para entretener, pero no llega a importarnos qué ocurre con los personajes pues la definición es tan plana y obvia que solo el primer giro resulta mínimamente rompedor. En la degradación, sí, bueno, ahí sí que llega, aunque con tal velocidad y simplicidad en el guión que tampoco es que consiga ni hacer temblar mínimamente los valores con los que pretende jugar. Sólo lo suficiente como para que se escandalicen esos espectadores que se meten en la sala pensando que el cine sólo debe ser drama humano realista y/o pretensiones intelectuales.

El aspecto técnico, pues bien los efectos, con una pretensión cercana basada en bastante cámara en mano y buen ritmo. Oficio y pretensión meramente narrativa, tanto por parte de la cámara como del resto de elementos. A destacar el juego con música diegética y poco más. Las actuaciones, pues en correlación con sus personajes, planos y avanzando y modificando su conducta en función de lo necesario para la historia, sin demasiado interno que los guíe.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 5.5
Técnica: 7.0
Guión: 4.0
Actuación: 5.5

TOTAL: 5.5

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Cineuropa 2013 (IX): Quai d'Orsay

Título: Quai d'Orsay


Director: Bertrand Tavernier


Año: 2013


País: Francia


Duración: 113

Un buen día Arthur (Raphaël Personnaz) es contratado por Alexandre (Thierry Lhermitte), ministro de exteriores francés, para que le escriba los discursos y vigile el lenguaje. Para tener a alguien que le diga qué decir, vamos. Pero Arthur no es más que una pieza más del equipo que se encarga de analizar, comprender y preparar toda la maquinaria de imagen que es la vida de un ministro, un ministro con demasiados delirios de grandeza en todos los aspectos de su vida, a pesar de ser una persona bastante mediocre. Todo se vuelve más complicado cuando todo se ve envuelto en una más que posible guerra que los Estados Unidos quieren iniciar contra Lusdemistán, país inventado pero situado en oriente próximo, con petróleo y dictador, en una referencia nada oscura a la invasión de Irak y el trabajo llevado a cabo por Villepin como ministro de exteriores francés en esa época. Todo, basado en un cómic de Christophe Blain y Abel Lanzac, siendo de hecho éste último un exconsejero real de Villepin.

Una obra cinematográfica basada en un cómic basado en unos eventos tristemente reales que se convierte en una comedia absurda por cómo se lleva a los personajes hasta el histrionismo más absoluto, dando miedo al no saber hasta dónde es real lo contado y hasta dónde exageración del proceso creativo. Lo que sí tenemos claro es que la base es real y documentada de primera mano, y no es difícil imaginar el caos tan absoluto que puede ser un gabinete de prensa en una crisis como aquella. La gracia viene al mostrar la ineptitud y contradicciones del ministro, que una y otra vez se reitera en su pretenciosidad e incongruencia, limitando el trabajo de sus ayudantes y sabiéndose por encima del bien y el mal mientras lo hace.

El problema viene a ser que, si bien la película funciona, es ágil y las situaciones arrancan la carcajada del público una y otra vez, acaba volviéndose repetitiva al no tener un camino hacia el que orientarse y sobre el cual cimentar un conflicto, y simplemente optar por repetir una y otra vez gags de lo inútil que es el ministro. Incluso hay algún chiste repetido casi tal cual hasta 3 veces, como es el caso de los diferentes intelectuales a los que se le pide reescribir el discurso. Por lo demás, agilidad en el montaje, unos decorados impresionantes en interior de un gran palacio, buenas actuaciones y todo muy bien iluminado y fotografiado. Pero sin conseguir llenar, al dejar demasiado peso narrativo en un guión que no sabe resolverse.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 6.5
Guión: 6.0
Actuación: 7.0

TOTAL: 6.5

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Lásky Kačenky Strnadové

Título: Lásky Kačenky Strnadové


Director: Svatopluk Innemann


Año: 1926


País: Checoslovaquia


Duración: 97

Kačenka Strnadová (Zdena Kavková) es una jovenzuela de campo que sabe poco de la vida. Por eso la mandan a Praga a buscar trabajo y a que se gane un futuro lejos de su pueblo natal. Kačenka tiene en el pueblo a un novio, Vincek Kroutil (Vlasta Burian), que la acompañará a la ciudad solo para que allí el amor de la mujer se vea empequeñecido cuando ésta conoce a un excéntrico hombre de negocios llamado Richard Romanovský (Jiří Sedláček). Vincek se verá entonces obligado a recuperar a su amada.

A veces en la sencillez es donde está la verdadera grandeza. Esta es una frase de 0'60, pero también es el mensaje que nos manda en cierto modo la película, tanto por su contenido formal como por su historia. Tal sencillez consigue crear aquí una obra que se mantiene correctamente -y más si tenemos en cuenta cómo era la cinematografía checoslovaca allá por los felices años 20- aun a pesar de las obviedades de una puesta en escena simplista y una historia de folletín como es la de la muchacha de campo que llega a la gran ciudad para encontrarse con que allí la gente es distinta. Por fortuna, la gran idea de meter aquí a un muchacho que la acompaña y que también choca de frente contra ese nuevo mundo consigue aportar un ritmo interesante y jugar muy bien con los dos protagonistas, siendo al final el hombre quien se lleva el gato al agua como protagonista, por mucho que el comienzo y el título de la película (traducido sería aproximadamente El Amor De Kačenka Strnadová) parezcan indicar lo contrario.

La ternura que despiertan ambos en su lucha diaria y en su amor se ve enlazada con una puesta en escena, como digo, simple y sin ningún aporte novedoso, demostrándose ya como una de esas películas que necesitaban la llegada del sonoro como agua de mayo para solventar la cantidad de intertítulos que se ponían para explicarnos, y la narración nada visual donde lo importante siempre es ver a los personajes y una cámara estática y con bastante tendencia a la frontalidad, aunque nos depare algunos planos muy buenos, especialmente en los interiores, y deje tintes de lo que entonces era modernidad por mucho que se aboque a la tendencia más natural. Por otro lado, el montaje ayuda bastante a mantener un ritmo narrativo adecuado, aunque en la parte final se resienta por la repetitividad de motivos.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.5
Técnica: 7.5
Guión: 6.0
Actuación: 7.0

TOTAL: 7.0

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Bigfoot Y Los Henderson (Harry And The Hendersons)

Título: Harry And The Hendersons


Director: William Dear


Año: 1987


País: USA


Duración: 110

Volviendo de un día de campo en el que el pequeño Ernie Henderson (Joshua Rudoy) ha matado su primer conejo con ayuda de su padre George (John Lithgow), este atropella un extraño animal en mitad del bosque. Tras darse cuenta que se trata de un Bigfoot, George decide que entre ellos dos, su mujer Nancy (Melinda Dillon) y su hija Sarah (Margaret Langrick) van a cargar al enorme animal en el coche y llevárselo para casa, con la intención de sacar dinero de su descubrimiento. El problema es que el bigfoot al que creían muerto se despierta, dándose cuenta rápidamente toda la familia que es un ser inteligente y cariñoso al que proteger del vil ser humano en lugar de explotarlo cruelmente, enseñándoles una lección de vida y respeto a la naturaleza que George nunca podría haber imaginado.

A veces, ideas asentadas sobre un concepto a priori absurdo como lo sería la aceptación de un extraterrestre como un miembro nuevo de la familia -si, hablamos de E.T.- acaban teniendo muchísimo éxito, provocando la llegada de nuevas ideas basadas en el mismo concepto en los años siguientes. Este es el caso de Harry Y Los Henderson -también salida de Amblin- que si bien nace como una película con esa idea, acabaría por conseguir el éxito una vez reconvertida en una sitcom, al estilo de ALF aunque eso sí, sin el cinismo del kelmakiano. Ese mismo problema está ya implícito en la película, ya que la mala baba brilla por su ausencia y los buenos sentimientos son los que triunfan en una cinta infantil y facilona, que no obstante tiene ese punto de crítica al ser humano y su capacidad para destruirlo todo, por mucho que la perspectiva que use sea tremendamente maniquea y simplista.

De todos modos, y siendo conscientes de la pretensión de ser un film familiar hecho en los 80, con su punto de aventuras, sus guiños de humor y su enorme carga de buenos sentimientos, la película está mínimamente bien hecha. La puesta en escena es correcta aunque muy obvia y provocando un montaje un tanto incoherente en ciertas partes. Pero donde se lleva la palma es en el diseño de Harry, ese Bigfoot bonachón que escapa del salvajismo hasta el punto de ser vegetariano (en realidad un vegetariano bastante de escaparate, porque pasa de comer carne pero al pescado sí le da, lo cual es difícil de considerar vegetarianismo) y que enseña a su nueva familia que el amor entre especies es lo que puede salvar el mundo (y no, esta vez no hablamos de zoofilia, para eso pónganse La Bestia, por ejemplo). El principal problema es que, con todo lo facilón que pretende ser todo, la evolución de los personajes y situaciones carece de lógica, pasando George Henderson de ser un cazador violento y chapado a las costumbres más rednecks a ser un gran defensor de los animales en menos que canta un gallo, por no citar la transformación de su hijo, de psicópata obsesionado con las armas y la sangre a niño que ama a los animales simplemente con un cambio de localización. De todos modos, si dejamos estos detalles y vacíos de guión a un lado y nos tragamos los momentos lacrimógenos necesarios para que todos estos buenos sentimientos vengan a nosotros, la peli se deja ver.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 4.5
Técnica: 6.5
Guión: 5.0
Actuación: 5.5

TOTAL: 5.5

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El Erótico Enmascarado

Título: El Erótico Enmascarado


Director: Mariano Ozores


Año: 1980


País: España


Duración: 87

 
Manolo (Fernando Esteso) tiene un problema, y es que, a pesar de que años atrás fue un famoso actor porno superdotado, ha perdido su potencia sexual hasta el punto de volverse impotente. Todo por culpa de un desafortunado accidente en la cama. Y su novia Julia (Azucena Hernández) no aguanta más sin tener relaciones. Ahora Manolo debe ir a la clínica del dr. Alcañices (Antonio Ozores), un psiquiatra especializado en patologías sexuales que además no dudará en engañarlo para tener una excusa con la que divorciarse de su mujer, Marta (María Salerno), y así poder casarse con su amante, Azucena (África Pratt).

El nivel de absurdo a la hora de plantear un guión se puede mostrar ya desde el título, como ocurre en esta cinta. Una constante de humor grueso como marcan los cánones de la factoría Ozores, y más desde la llegada de la democracia. Una democracia de la que empieza hablando nuestro protagonista en una clase, dejando también pie a la crítica política y a los chanchullos que han venido a ser una tónica en todos los años democráticos de España (y en los antidemocráticos, vaya), dejando así unas cuantas pinceladas de ataque a la clase gobernante (y riéndose bastante de ambos lados) en medio de un guión donde el enredo y la falsedad de la gente son la base para un humor de chascarrillo simple pero efectivo y la muestra, sobre todo en la primera parte de la película, de señoras en porretas. Eso sí, al final el guión deja algunas cuestiones abiertas y no acaba de cuajar el comportamiento de algunos personajes, pero ya da lo mismo mientras la situación se vuelva lo más absurda posible.

Por supuesto, la dirección no deja nada a la imaginación en cuanto a esos cuerpos femeninos, y la base del desarrollo del film está más en el avance por diálogos que por acción, estableciendo secuencias largas en escenarios muy determinados, donde la evolución de la acción se alterna con conversaciones rocambolescas y llenas de malentendidos, en más de una ocasión con una segunda lectura picantona y donde no escasean los momentos que parecen más improvisaciones sobre una base que un guión cerrado e interpretado en sí mismo. En lo relacionado a la técnica, nada destacable, factura simple y de búsqueda realista en todos los aspectos visuales, con un par de momentos buenos pero sin pretensiones de destacar en absoluto, y un trabajo de sonido con doblaje pero bastante bien efectuado. Es decir, la tónica ozorista de la época.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.5
Técnica: 6.0
Guión: 5.5
Actuación: 6.5

TOTAL: 6.0

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Las Pequeñas Tiendas De Los Horrores

Título: The Little Shop Of Horrors


Director: Roger Corman / Charles B. Griffith (No está en créditos) / Mel Welles (No está en créditos)


Año: 1960


País: USA


Duración: 72










Título: Little Shop Of Horrors

Director: Frank Oz


Año: 1986


País: USA


Duración: 94

Seymour (Jonathan Haze (versión ‘60), Rick Moranis (versión ‘86) es un patán. Trabaja en una floristería sin demasiado éxito, y su jefe, el sr. Mushnik (Mel Welles (versión ‘60), Vincent Gardenia (versión ‘86)), está a punto de despedirlo. Es entonces cuando la otra trabajadora, Audrey (Jackie Joseph (versión ‘60), Ellen Greene (versión ‘86)), le pide a Seymour que le enseñe la nueva planta que tiene al jefe, para evitar el despido. La planta termina por ponerse en exposición, y gracias a ella consiguen una afluencia de gente nunca antes vista en esa tienda. Pero la planta se marchita demasiado pronto si no le dan su alimento favorito: sangre.

Si fuese una secuela, parecería que había prosperado muchísimo

No es que la botánica sea un tema habitual dentro del cine. Aunque existan cosas como Troll, El Jardín De La Alegría o Adaptation, donde podemos ver el cultivo y/o la recolección como una parte relativamente importante de la trama, no es algo común. Y en este grupo, deberíamos meter por méritos propios La Pequeña Tienda De Los Horrores y su remake a modo de musical adaptado, La Tienda De Los Horrores, de las cuales pretendo analizar sus diferencias en relación a los 26 años de diferencia que hay entre ambas y las más que obvias diferencias de presupuesto.

Dos películas con un argumento obviamente idéntico, pero con una serie de diferencias que las llevan a puntos totalmente divergentes en su status fílmico. Mientras que la versión del 60, dirigida por Corman (y según la IMdB también por el guionista Charles B. Griffith y por Mel Welles, uno de los protagonistas, aunque no salgan en créditos), establecía un argumento que no paraba de jugar con el humor negro y absurdo, con personajes memorables como el hombre que comía plantas o la mujer que cada día tenía un muerto en su familia, en la del 86, dirigida por la voz de Yoda, Frank Oz (también director de El Cristal Oscuro o In & Out), opta por un formato más blanco, donde, aunque obviamente se mantienen elementos de la original como la necesidad de sangre de la planta, todo se vuelve mucho más inocente, y tristemente, menos humorístico. Eso, por descontar que el formato se tira más hacia la musicalidad, al adaptar el libreto del musical nacido tras el estreno de la primera versión. Pero es algo implícito cuando se hace un musical así que no lo vamos a criticar precisamente.

Ese momento en el que descubres que a tu planta le gusta la sangre humana...

Estamos, por tanto, en dos perspectivas totalmente divergentes de la misma historia, pero también, ante dos formas totalmente distintas de producir. La versión del 60, de presupuesto muy limitado, busca la reducción de espacios al mínimo exponente, y también la reducción de planos, recordando en mucho a una obra de teatro filmada, o a una sitcom en formato fílmico. En el 86, aunque los espacios siguen limitándose lo máximo posible, el dinamismo desde la perspectiva de dirección es mucho mayor, involucrándose con los espacios, y dotando a la planta de unos efectos que, en el 60 habrían costado una cantidad de dinero que Corman ni siquiera podría gastar (ni querría, probablemente). Nuevamente, debemos tener en cuenta la relación musical, que obviamente, en un momento donde el musical de horror estaba en auge gracias a films como The Rocky Horror Picture Show, no duda en recoger los mecanismos de narración de coreografías, con todo lo que ello conlleva.

Es en una de estas coreografías donde encontramos uno de los puntos que mejor ejemplifican las diferencias entre ambos films. Y esto son spoilers, así que sáltense el párrafo si quieren. Mientras que en la canción de presentación del dentista en el film de Oz se evidencia por texto su gusto por el daño ajeno (en una canción que es uno de los momentos álgidos del film), este gusto en la película de Corman estaba implícito en sus acciones y en sus palabras, pero nunca se llegaba a evidenciar su sadismo. Algo similar a lo que pasa, en esa misma consulta, en las apariciones estelares de Jack Nicholson y Bill Murray. Mientras que el primero hace un personaje de loco que ahora todos sabemos que le iba al pelo, y lo clava dejando evidencia absoluta de su masoquismo desde un primer momento, Bill Murray hace de su personaje otro loco absolutamente genial, pero mucho menos extremo, y, como comentaba arriba sobre el humor de la cinta, mucho más infantil.

Humor visual de una cara de goma como la de Bill Murray vs Jack Nicholson soltando frases masoquistas absurdas y gritando de placer

Donde también se nota la diferencia de presupuestos es en la puesta en escena y la ambientación, siendo obviamente mucho más rica y persuasiva la del 86, frente a la simplicidad casi apática de la versión del 60. Incluso la calidad actoral es superior con Rick Moranis que con Jonathan Haze haciendo de Seymour, pero no consigue el carisma del Seymour antiguo. Curiosamente, en los casos de Ellen Greene frente a Jackie Joseph y de Vincent Gardenia frente a Mel Welles, me quedo en todas las facetas con los actores de la versión antigua. También se les reconoce que en aquella no necesitaban tener dotes de canto y baile, cosa que siempre dificulta una actuación.

Con todo ello, y a pesar de esa cutrez que destila el film de Corman frente a la vistosidad colorista del de Oz, la película original acaba resultando mucho más efectiva como comedia, y consigue un ritmo mucho más interesante, también con 20 minutos menos de duración, cosa que hay que tener en cuenta. Gracias principalmente a esas cosas que se dejaron en el tintero en la versión ochentera, de escenas y personajes llevados al extremo de lo bizarro sin miedo a ser políticamente incorrecto, y a los absurdos que llevan la historia hacia su cauce por vía, siempre, del patetismo.

Tampoco ayuda la selección de una historia más centrada en la relación de amor entre Seymour y Audrey en la versión moderna, cosa que está en ambas, pero aquí explicitada y puesta al frente, en otra de las decisiones que llevan a verla como un intento de no desagradar al público y darle lo que siempre recibe, propio de la industria, y que representa muy bien la evolución hacia lo maquinal y pacato que sufre la sociedad desde hace más de 40 años, representándose en el final y en esa mirada cínicamente nostálgica hacia la familia ideal de los años 50 que tiene Audrey.

Lo que hace tener pasta para poder currarse la planta, y no tener que enseñarla solo a cachos...

Resumen:
Dos películas muy distintas, la primera mucho más absurda y extrema pero también más cutre en su puesta en escena y trabajo técnico, pero la segunda demasiado penalizada por ser más correcta políticamente resultando más trabajada industrialmente.

PUNTUACION ('60/'86)

Originalidad/Riesgo: 8.5/6.5
Técnica: 6.0/7.0
Guión: 8.5/7.0
Actuación: 7.5/6.0

TOTAL: 7.5/6.5

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Mutant Aliens (Alienígenas Mutantes)

Título: Mutant Aliens


Director: Bill Plympton


Año: 2001


País: USA


Duración: 81

Earl Jensen (Voz de Dan McComas) emprende un viaje espacial, pero al llegar al espacio, se da cuenta de que está perdiendo combustible, pues alguien ha pulsado el botón inadecuado. Su jefe (Voz de George Casden), verdadero causante y principal beneficiado de este desaguisado, le echa la culpa a su hija Josie (Voz de Francine Lobis), que 20 años más tarde, ya crecidita, es la primera en ver como Earl vuelve desde el espacio. A su llegada, el astronauta cuenta una historia rocambolesca sobre cómo sobrevivió gracias a unos aliens con forma de nariz, aunque no todo será tan idílico como parece presentar.

Con el estilo de dibujos propio de Bill Plympton, y su capacidad para el delirio más absoluto, se nos presenta una película entretenida, con una crítica social muy ácida, en especial hacia el poder y hacia los medios y con unos niveles de entretenimiento más que elevados. La historia no para de dar vueltas, a cual más rocambolesca y absurda, y no duda en dejarse llevar por la imaginación surrealista pero hilándolo todo bastante bien. Además, algunos momentos realmente bestias nos golpean en la cara directamente, sumándose a toda esta ambientación imaginativa y extraña al mundo real.

Vale, puede que el estilo de Plympton no sea una demostración de técnica pictórica ni de animación de la hostia (al menos no en el sentido al que estamos acostumbrados). Y que los principios lógicos bajo los que se rige el mundo real, aquí no tengan cabida y se salten a la torera. Pero qué coño, es ficción, y para más inri animación, así que vale la pena no pensar en ese tipo de detalles y dejarse la incredulidad en el bolsillo. Eso sí, para acabar de quedar perfecto podría acabar de cerrarse un poco más el guión y evitar algún punto vacío. Por otro lado, destacar también la sencillez de medios con un presupuesto ínfimo de 200.000$ (compárenlos, si quieren, a una peli menor de Disney como El Libro De La Selva 2, que costó 20.000.000$, todo según datos de IMDb), con el que Plympton logra demostrar que el talento está por encima del presupuesto, y que su decisión de no fichar por Disney en pos del trabajo personal ha valido la pena para nosotros, espectadores. Porque lo importante es que la peli funciona, y muy bien, aunque al espectador no acostumbrado pueda costarle un poco entrar en su particular estilo. Pero son los riesgos que se toman, a sabiendas, al hacer algo diferente y personal.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.5
Técnica: 7.5
Guión: 8.0
Actuación: 7.0

TOTAL: 8.0

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Superbad (Supersalidos)

Título: Superbad


Director: Greg Mottola


Año: 2007


País: USA


Duración: 113

Evan (Michael Cera) y Seth (Jonah Hill) son dos colegas inseparables que están a punto de graduarse en el instituto. Aún son vírgenes, y quieren dejar de serlo antes de que eso ocurra, es decir, en 2 semanas. Un día, casi por casualidad Seth consigue que Jules (Emma Stone), una tía muy potente del instituto, les invite a una fiesta en su casa, pero los dos amigos tendrán que comprar la bebida junto a Fogell (Christopher Mintz-Plasse), el tercero de la pandilla, ya que este se va a hacer un carnet falso. La compra de la bebida los llevará por una serie de líos que cada vez complican más que puedan llegar a la fiesta y mojar.

Desde Porky's a American Pie, el tema de la pérdida de la virginidad alrededor de los 18 años ha dado unas cuantas comedias desfasadas y gamberras. El problema, que la repetición de motivos e ideas ha ido minando la capacidad de hacer gracia de muchos de estos guiones, y así, muchas veces no han sabido conseguir la fuerza necesaria para sostenerse. En este caso, se aprecia además una clara secuenciación en diversas partes y etapas, con casi más elementos de road movie a tropiezos, y con un seguimiento de diversas tramas que, al menos, dan vida al metraje y hacen un producto entretenido pero poco más, que es a grandes rasgos lo que pretendía.

El problema es que todo se vuelve excesivamente obvio, y la realización no lo es menos, recogiendo la línea estética de una cámara sin pretensión de innovar, sino de dejar que sea el guión el que funcione por sí mismo junto a los actores, y un montaje que hace lo mismo. Y sí, el guión plantea algunos momentos gamberros y divertidos aún con la obviedad, donde destacaría todo lo concerniente al dibujar penes o lo que es la trama con los dos maderos y las referencias subculturales que se dispersan aquí y allá. Pero también muchísimos lugares comunes, sobre todo en la trama principal que, como decía al principio, le resta interés si uno ya ha visto unas cuantas cintas del género. Los actores, con lo que se espera de ellos, destacando a Christopher Mintz-Plasse, y si quieren a Michael Cera por la parte sentimental.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 6.5
Guión: 6.5
Actuación: 7.0

TOTAL: 6.5

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