El Miedo Del Portero Ante El Penalti (Die Angst Des Tormanns Beim Elfmeter)

Título: Die Angst Des Tormanns Beim Elfmeter


Director: Wim Wenders


Año: 1972


País: República Federal Alemana / Austria


Duración: 101

Joseph Bloch (Arthur Brauss) es un portero de fútbol al que expulsan tras agredir a un rival y al árbitro. Debido a esto, se gana unos días libres, que empleará en ligarse a desconocidas hasta que a una de ellas decide estrangularla. Eso lo llevará a un pueblo fronterizo donde vive una antigua novia para alejarse de la ciudad y estar un poco tranquilo respecto al asesinato y a sí mismo.

En el mundo del fútbol siempre se habla de los porteros como una especie de raza de jugadores especiales, extraños y diferentes. Tipos que, de pequeños, tomaron la decisión de no ser el chaval que marca los goles y da los triunfos, el popular y molón, sino el que los evita y frustra las opciones del contrario. Como una especie de Papá Noël que entrase en la casa del vecino para después darte sus cosas, en lugar de traerte regalos nuevos. Pues con esta extrañeza juega esta película, con cuyo título más de uno y una podría pensar que esto se trataba de una especie de Evasión O Victoria, pero con el vacío existencial y la angustia vital ocupando el lugar de los nazis a la hora de enfrentarse en un encuentro futbolístico. Pues no. Aquí fútbol casi no hay, para eso vayan a su estadio local, que seguro que su equipo agradecerá su desembolso económico. El vacío existencial sí lo hay, pero aquí se habla de la vida privada de un futbolista, inhabilitado durante un tiempo por agredir a un contrario y al árbitro, que tras cargarse a una muchacha aleatoria termina por reencontrarse con una vieja novia, más por combatir superficialmente la soledad que por amor o por interés hacia ella más allá del sexo. Una historia sucia, incómoda y que plantea, por esos derroteros, la soledad del alma humana y el sinsentido existencial en el que nos movemos, desde la propia perspectiva de ese tipo extraño y solitario que, perfectamente, encaja en el rol de portero.

Una puesta en escena a la altura de la sordidez de la historia, muy en la onda de tantos otros ejemplos del nuevo cine alemán, recordando en su fotografía más a Fassbinder que al propio Wenders -cosas del presupuesto, imagino-, gracias a ese tono de color apagado e incómodo para la vista, ese granulado perfectamente perceptible o esos escenarios naturales descuidados y sucios. A ello sumamos la actuación de Arthur Brauss, distante y frío, convirtiendo a su personaje en un perfecto psicópata y el propio ritmo pausado que a Wenders le gusta tanto, casi sin música y jugueteando además con tramas que rodean al personaje sobre la muerte de un niño en las inmediaciones del pueblo en el que se hospeda. Todo listo para intentar acercarnos al miedo a ser descubierto del personaje, y sin embargo, solo nos lleva hacia su vacío vital interior.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.5
Técnica: 7.0
Guión: 6.0
Actuación: 7.0

TOTAL: 7.0

VER ENTRADA COMPLETA

La Leyenda Y El Alma De Nigger Charley

Título: The Legend Of Nigger Charley


Director: Martin Goldman


Año: 1972


País: USA


Duración: 98










Título: The Soul Of Nigger Charley


Director: Larry G. Spangler


Año: 1973


País: USA


Duración: 109

En La Leyenda de Nigger Charley, Nigger Charley (Fred Williamson) es un esclavo que, gracias a la mediación de su madre, consigue que su amo lo libere. Pero la vida no es fácil para un negro en el oeste, porque aun siendo libre la mayoría de los habitantes no lo admitirán como un ciudadano más. Por eso, junto a Toby (D'Urville Martin) y Joshua (Don Pedro Colley) acabará huyendo de su tierra para acabar luchando contra todo un pueblo típico del oeste americano, primero por sus vidas y luego defendiendo la granja de un pobre hombre y su hija.

En The Soul Of Nigger Charley, Charley (de nuevo Fred Williamson), luchará junto a Toby (de nuevo D'Urville Martin) contra el esclavismo uniendo a todos los negros que puede en su lucha por la libertad. Una lucha que incluye un atraco a un tren y el unirse a un grupo de pistoleros mexicanos en pos de sobrevivir en un ambiente hostil para ambos pueblos. De este modo, también conocerá a Elena (Denise Nicholas), parte de una especie de comuna negra, una mujer con carácter que hará aflorar los sentimientos que incluso Charley tiene.

La Leyenda De Nigger Charley: Williamson enseñando a disparar a D'Urville. O lo que es lo mismo, un herrero enseñando a disparar a un mayordomo. Por qué no?

La Blaxploitation es uno de los géneros exploit que mejor se supieron adaptar a todo tipo de historias. Desde las obvias películas sobre el hampa, la droga y los vigilantes (entendida la palabra en el sentido yankee) que no dejaban de derivarse directamente del propio mundo en el que se veía obligada a vivir la mayoría de la población negra del país hasta las historias de zombies como Sugar Hill o incluso las de artes marciales protagonizadas por Jim Kelly. Si a esa capacidad le sumamos un actor como Fred Williamson, capaz de adaptarse a la perfección a las líneas de explotación italianas como demostraría, sobre todo, en la magnífica Aquel Maldito Tren Blindado, pues blanco y en botella que algún día saldrían westerns protagonizados por negros. Aunque fuese con producción norteamericana. Unos westerns que, además, recogían el tema de la esclavitud para lograr aún más fuerza y comentario social en un momento en el que los panteras negras y los defensores de los derechos civiles estaban día sí y día también en las noticias.

Ahí es donde surge La Leyenda De Nigger Charley (por un lado, me alegro de que no se tradujera el nombre del protagonista a Negrata Charley o algo así, por muy cutre que suene el título español). Un film que arranca desde la dureza del encontronazo con la libertad en medio de una sociedad que no admite eso para un negro y se va mezclando rápidamente con influencias de spaghetti western, lleno de violencia y con la búsqueda de libertad convirtiéndose en leitmotiv de la acción. Un film que resulta prototipo de exploitation, con acción constante desde un comienzo y un desarrollo que no deja pie a demasiado descanso, trabajando desde una estructura de presentación-nudo-desenlace clásica y muy marcada. Solamente destacar negativamente el momento en el que los 3 hombres escapan de Virginia para encontrar su vida, donde el ritmo se ve tremendamente afectado.

Tras un final épico que nos deja a Charley siendo consciente de los beneficios y riesgos de la libertad en un país salvaje como era la América de mediados del XIX, en la segunda parte, El Alma de Nigger Charley, se nos presenta una situación muchísimo más americana, incluso con cierta influencia de Peckinpah y del western más clásico, con Charley descubriendo un escenario desolado donde los únicos supervivientes son un niño y un hombre al que dejaron atado al suelo para que las alimañas se lo llevaran. Los dos, por supuesto, negros. A partir de ahí, Charley y su siempre fiel Toby acabarán intentando provocar una especie de mini-revolución con los habitantes de algo similar a una comuna negra robando 100.000$ de un tren. Vamos, la idea de western que existe incluso desde antes de que fuese un género, con el Asalto Y Robo Al Tren. Una historia en la que se verán involucrados también latinos y que resulta muchísimo más lenta que la anterior, disponiendo gran parte del metraje en caminatas y charlas y no en acción, sumándose a ello una estructura mucho más clásica al meter trama amorosa y de cuidado y educación del crío, además de meter el discurso de liberación negra mucho más obvio y aburrido, provocando con todo ello el guiar toda la estructura con una monotonía que asusta por su ausencia casi total de giros. Sobre todo, si lo comparamos a los que tenía la primera parte.

La Leyenda De Nigger Charley: Fumando la pipa de la paz. Ningún tópico del cine de negros de los 70.

A todo esto, se suma un trabajo desde el punto de vista de la dirección que en La Leyenda se postula, como es coherente con el guión, con una visión más cercana al spaghetti. Destacan algunos planos donde la luz crepuscular se deja ver, jugando, sobre todo, con planos cercanos y un montaje muy dinámico durante los tiroteos. Eso sí, el clasicismo no está totalmente ausente, dejando una pátina de film americano bien definido. El Alma es más clásica, también en coherencia con ese guión, resolviéndose las situaciones con una planificación más estereotipada, obvia e incluso, valga la redundancia, plana. Para rematarlo, en los pocos tiroteos que se nos ofrecen, la falta de presupuesto se hace presente y no se consigue un aire de acción demasiado bueno ni potente.

Fred Williamson, por su parte, mantiene bastante bien el nivel de tío duro en ambos films, por mucho que sus debilidades sentimentales aparezcan en la segunda y en la primera no, incluso a pesar de que deja atrás a su chica y a su madre en la primera mitad del film, pero sin volver a acordarse de ellas. El otro actor común a ambas, D'Urville Martin, no deja de ser un simple escudero, un Sancho Panza que ayuda a Charley pero cuya personalidad no podría existir sin él. En este sentido, el actor sabe mantenerse en su sitio y apoya bastante bien el avance del film.

El Alma De Nigger Charley: Liberando a un preso de un castigo absurdo.

Entre el resto de actores, destacarían Don Pedro Colley en la primera y Pedro Armendáriz Jr. en la segunda, siendo ambos el tercer personaje con fuerza de cara a la violencia, aunque Don Pedro esté cerca de poder quitarle protagonismo a Williamson, consiguiendo una potencia en su personaje impresionante mientras que Armendáriz se mantenga siempre en un segundo plano. De hecho, destaca ya que éste segundo aparezca mediado el film, después del robo. Destacaría, también, Denise Nicholas en esta segunda, sumando ese punto amoroso que parecía innecesario dado cómo se estructuraba el personaje protagonista en la primera parte y que de hecho, poco aporta al film, salvo un final con cierta potencia.

El Alma De Nigger Charley: Negros cabalgando en el oeste. La imagen define estas dos películas.

Resumen:
Si bien La Leyenda De Nigger Charley es una película exploitation bastante pura, con mucha acción y ese aire molón que siempre tienen los protagonistas de la blaxploitation, en The Soul Of Nigger Charley se opta por un film mucho más obvio, menos violento y más clásico, pero también más anodino y mediocre.

PUNTUACION (Leyenda/Alma)

Originalidad/Riesgo: 8.0/6.5
Técnica: 7.0/6.0
Guión: 7.5/5.5
Actuación: 7.0/6.5

TOTAL: 7.5/6.0

VER ENTRADA COMPLETA

Blood Freak

Título: Blood Freak


Director: Brad F. Grinter, Steve Hawkes


Año: 1972


País: USA


Duración: 86

Un día, sin demasiada lógica, Angel (Heather Hughes) conoce a Herschell (Steve Hawkes), un musculoso motero, mientras conducen por la autopista. Angel lo lleva a su casa, donde está su hermana Ann (Dana Cullivan) drogándose con unos amigos. Angel es profundamente religiosa, al contrario de Ann, y Herschell procura dejarse llevar por ella. Pero la carne es débil, y Herschell acaba aceptando un porro embadurnado con ¡6 dosis de LSD! y se lía con Ann, empezando a salir con ella. Lo malo viene cuando, por culpa de una extraña reacción a un pavo trastocado con química que se come en su trabajo, Herschell desarrolla una cabeza de pájaro (digamos que de pavo, aunque podría ser cualquier cosa con pico) y comienza a volverse agresivo y a cargarse a gente para beber su sangre.

Al hablar de esta película, es difícil describirla mejor de lo que hicieron en su momento en Cinediondo: "Una película cristiana de terror gore antidrogas y transgénicos". Y es que esto es, a grandes rasgos, lo que se nos ofrece en esta cinta. Eso sí, hecho con un nivel de calidad ínfimo desde todas las ópticas, partiendo de un guión absurdo, sin una línea de acontecimientos lógica ni bien encadenada en la cual ni siquiera se nos explica cómo es posible que los personajes tengan informaciones que no podrían tener (acaso es que también están viendo la peli? Ah no, que al final se usa uno de los grandes tópicos para explicar errores en la narración!), hasta el montaje lleno de errores de raccord e incapaz de marcar mínimamente el ritmo narrativo. "Menos mal" que de vez en cuando nos meten al director hablando a cámara y soltando un absurdo discurso sobre la historia y la importancia de nuestros actos en nuestra vida. De verdad, todo lo escrito para esta película, dejando de lado lo rancio del mensaje que tiene, es que no tiene ningún sentido.

A ello, sumamos la dirección del propio protagonista Steve Hawkes junto con Brad F. Grinter, de lo más previsible y plana posible, y unos efectos de pacotilla, donde resalta el monstruo en que se convierte Herschell, que no viene a ser más que él mismo con una cabeza de pájaro (seguiremos suponiendo pavo) de lo más cutre imaginable. Pero bueno, esto último también sería por la falta de presupuesto y habría que perdonarlo. Lo malo es que ni se preocupan en disimular la cutrez sino que la muestran orgullosos como si diese algo de miedo! Mención aparte merece el sonido, donde los ambientes, metidos en postproducción, aparecen y desaparecen en cada corte de plano, o escuchamos el mismo grito repetido unas 4 veces seguidas, y las cuatro veces cortado; o si no, resaltar el momento en el que vemos que secuestran a una chica mientras patalea en absoluto silencio (supongo que porque no querría despertar a alguien en el barrio, no fuese que saliesen a salvarla del monstruo).

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 2.0
Guión: 1.0
Actuación: 2.5

TOTAL: 3.0

VER ENTRADA COMPLETA

Gritos Y Susurros

Título: Viskningar Och Rop


Director: Ingmar Bergman


Año: 1972


País: Suecia


Duración: 91

Lo primero, la sinopsis: Agnes está realmente enferma, y los únicos seres que le quedan en la vida son sus dos hermanas Maria y Karin y su criada Anna. Las vidas de estas mujeres se mueven entre dicotomías y falsedades que les permiten establecer lazos entre ellas, y aunque se conozcan desde niñas, ni siquiera son capaces de mostrarse a sí mismas como son.

Una vez más, el señor Bergman nos demuestra que se trata de uno de los mejores observadores y conocedores del ser humano que haya existido jamás, o al menos de los que lo hayan intentado demostrar artísticamente. Los personajes, perfectamente desarrollados, nos dejan ver lo más profundo de sí mismos, al tiempo que nos obligan a analizarnos a nosotros mismos, reflejados en la dualidad que el mentirnos a nosotros mismos sobre nuestra forma de ser para poder soportar la vida social nos provoca poco a poco, quemándonos y destrozándonos mientras sentimos la muerte acercándose inexorablemente (tomen análisis profundo, pero es que no se me ocurría nada menos pedante). Pueden ustedes pensar que esta idea es un poco simple y evidente, pero bueno, para eso está el arte, para mostrarnos las cosas de modo que parezcan evidentes y hacernos reflexionar sobre ellas.

Todo en este film está en su sitio adecuado en el momento que debe. Es uno de los mejores ejemplos de desarrollo de personajes que he visto jamás, con una ambientación y una narrativa sencillamente magnífica, que no teme introducir elementos de bizarrada para presentarnos a los personajes (solo diré una cosa: cristales en la vagina) y va creando una tensión que crece, crece y crece hasta un clímax sorprendente (spoiler: hay un elemento zombie cojonudo) y desde luego, unas actuaciones rozando la perfección, como es habitual en el cine de Bergman, siendo imposible destacar a ninguna de las 4 mujeres protagonistas (y teniendo en cuenta que una de ellas es Liv Ullmann, quiere decir que el nivel es realmente muy alto).

Todo esto, además, con una duración de unos 90 minutos que pasan con una velocidad brutal, prácticamente sin permitir respirar ante lo tremendamente crudo y personal que tenemos en la pantalla, demostrando que no es necesario hacer cine con planos muertos y duraciones de cientos de minutos para llegar a la profundidad más absoluta que el cine nos puede mostrar, y además crear sensaciones de auténtico terror en el camino.

Por poner alguna pega, que ya parezco un enajenado idólatra de Bergman (que reconozco serlo de muchos de sus trabajos), establecer lo extraño de la vuelta de los flashbacks al tiempo actual. Al principio me dejaron desubicado sin saber si seguía viendo el tiempo pasado o ya habíamos vuelto, pero realmente podríamos definirlo como un fallo menor, puesto que a lo largo del metraje se hace más sencilla la comprensión.

Resumiendo, que este es uno de esos films que se van directos a los de visión obligatoria para mejorar como persona. Todo en él se mueve en unas cotas de calidad altísimas, y supera con creces las pretensiones que se plantea.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 9.0
Técnica: 9.0
Guión: 8.5
Actuación 9.5

TOTAL: 9.0

VER ENTRADA COMPLETA