Boss Nigger

Título: Boss Nigger


Director: Jack Arnold


Año: 1975


País: USA


Duración: 87

Boss Nigger (Fred Williamson) y Amos (D'Urville Martin) son dos cazarrecompensas negros que un buen día tras cargarse a unos forajidos y salvar a una muchacha en problemas llegan a una ciudad sin sheriff, recayendo de este modo todo el poder aparente en el alcalde y sus ayudantes. Así que, ni cortos ni perezosos, los dos hombres decidirán coger los puestos de sheriff y ayudante pese a quien le pese y devolver la ley a la ciudad, aprovechando la coyuntura para sacar un poco de dinero en base a multas y aunque para ello acaben teniendo que enfrentarse al racismo y al sistema corrupto que impera en ese pueblo.

Se puede ser más duro? Lo veo difícil.

Canta la canción que sirve como banda sonora a los créditos “Un hombre negro/en una ciudad de blancos/tiene problemas” (la traducción es mía). De este modo quedan claras las intenciones del film, así como los derroteros por los que va a tirar. Y escuchando el aire funky del tema, también su calidad de cine blaxploitation, por si aun teníamos dudas teniendo en cuenta el título, el argumento y el año de producción.

La historia nace, básicamente, de una especie de transposición de los personajes de la bilogía de Nigger Charley, y es que ahí están Fred Williamson y D'Urville Martin, repartiendo leña y siendo un tipo duro y frío el primero, mientras el segundo hace una especie de papel de bufón clásico en el mundo de la narrativa, aunque en esta ocasión resultando más duro y con mucha más autoestima que en los films citados. Dos personajes obvios, que no necesitan presentación y de los cuales apenas sabemos nada externo, solo que trabajan como cazarrecompensas y en algún momento, al menos Amos, han servido al hombre blanco, por mucho que ahora sean ciudadanos libres. Por eso digo que podrían servir como transposición de los otros y no pasaría nada, no nos importa de dónde vengan, sino dónde están y a dónde se dirigen.

Los dos personajes, bien interpretados desde sus características estereotípicas y manidas. Igual que el resto del papeles si los vemos en su media, donde de todas formas podríamos hablar de un sobreactuado William Smith que, al menos, aporta sus músculos y su pinta de macho hiperduro perfecto para hacerle competencia a Williamson, Barbara Leigh con el personaje más complejo y lleno de contradicciones del film -siendo una pena que no se le de más cancha, pues es, de lejos, la que mejor está en el film- o a R.G. Armstrong como ese alcalde corrupto y asustado, bien actuado pero plano.

Un blanco sirviendo a dos negros en el oeste. Nótese la simbología.

Así transcurre la historia, con buena dosis de acción a la que se le introducen ciertas gotas de romance, intriga por saber hasta donde está introducida la mierda dentro del sistema gubernamental del pueblo, y algunas pinceladas de humor para sobrellevar los momentos en los que la trama parece volverse repetitiva. Nada nuevo bajo el sol, ni falta que hace, pues la historia funciona bien, mete como relativa novedad el tema racial, los giros y el final funcionan bastante bien, con tiroteos incluídos y consigue aparentar un aire de influencia spaghetti por mucho que la producción sea totalmente yankee y sean estos los cánones que sobresalen.

En la dirección de un Jack Arnold venido a menos tras muchos años de televisión aun a pesar de tener en su historial obras cumbre de la ciencia ficción del calibre de El Increíble Hombre Menguante o La Mujer Y El Monstruo apenas 20 años antes y en la fotografía de Robert Caramico, es donde podemos ver más esta influencia de cierto aire spaghetti pero resultando mucho más sobria de lo que sería habitual en el subgénero italiano, dejándose llevar por la historia y aprovechando muy bien el decorado, aunque terminando por ser bastante plana en muchas ocasiones. No ayuda a ello el montaje de Eva y Gene Ruggiero, obvio y esquemático. Al menos, en ambos aspectos hay que reconocer cierto oficio y que cumplen bastante bien con lo que pretende ser el film. Lo mismo que el sonido, aunque a éste se le podría echar en cara cierta carga excesiva en los graves, al menos en la versión que pude ver yo.

Un plano que no debería faltar en ninguna película del oeste.

Resumen:
Una película que sigue su sendero en base a tópicos y giros obvios y trillados, con unas actuaciones también en un nivel decente sin destacar y con un trabajo técnico que sigue en esa misma linea mediocre pero aceptable, dejando un sabor de boca de algo que podría haber sido mucho más, pero que se queda en una peli del montón.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 6.5
Guión: 6.0
Actuación: 6.5

TOTAL: 6.5

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La Leyenda Y El Alma De Nigger Charley

Título: The Legend Of Nigger Charley


Director: Martin Goldman


Año: 1972


País: USA


Duración: 98










Título: The Soul Of Nigger Charley


Director: Larry G. Spangler


Año: 1973


País: USA


Duración: 109

En La Leyenda de Nigger Charley, Nigger Charley (Fred Williamson) es un esclavo que, gracias a la mediación de su madre, consigue que su amo lo libere. Pero la vida no es fácil para un negro en el oeste, porque aun siendo libre la mayoría de los habitantes no lo admitirán como un ciudadano más. Por eso, junto a Toby (D'Urville Martin) y Joshua (Don Pedro Colley) acabará huyendo de su tierra para acabar luchando contra todo un pueblo típico del oeste americano, primero por sus vidas y luego defendiendo la granja de un pobre hombre y su hija.

En The Soul Of Nigger Charley, Charley (de nuevo Fred Williamson), luchará junto a Toby (de nuevo D'Urville Martin) contra el esclavismo uniendo a todos los negros que puede en su lucha por la libertad. Una lucha que incluye un atraco a un tren y el unirse a un grupo de pistoleros mexicanos en pos de sobrevivir en un ambiente hostil para ambos pueblos. De este modo, también conocerá a Elena (Denise Nicholas), parte de una especie de comuna negra, una mujer con carácter que hará aflorar los sentimientos que incluso Charley tiene.

La Leyenda De Nigger Charley: Williamson enseñando a disparar a D'Urville. O lo que es lo mismo, un herrero enseñando a disparar a un mayordomo. Por qué no?

La Blaxploitation es uno de los géneros exploit que mejor se supieron adaptar a todo tipo de historias. Desde las obvias películas sobre el hampa, la droga y los vigilantes (entendida la palabra en el sentido yankee) que no dejaban de derivarse directamente del propio mundo en el que se veía obligada a vivir la mayoría de la población negra del país hasta las historias de zombies como Sugar Hill o incluso las de artes marciales protagonizadas por Jim Kelly. Si a esa capacidad le sumamos un actor como Fred Williamson, capaz de adaptarse a la perfección a las líneas de explotación italianas como demostraría, sobre todo, en la magnífica Aquel Maldito Tren Blindado, pues blanco y en botella que algún día saldrían westerns protagonizados por negros. Aunque fuese con producción norteamericana. Unos westerns que, además, recogían el tema de la esclavitud para lograr aún más fuerza y comentario social en un momento en el que los panteras negras y los defensores de los derechos civiles estaban día sí y día también en las noticias.

Ahí es donde surge La Leyenda De Nigger Charley (por un lado, me alegro de que no se tradujera el nombre del protagonista a Negrata Charley o algo así, por muy cutre que suene el título español). Un film que arranca desde la dureza del encontronazo con la libertad en medio de una sociedad que no admite eso para un negro y se va mezclando rápidamente con influencias de spaghetti western, lleno de violencia y con la búsqueda de libertad convirtiéndose en leitmotiv de la acción. Un film que resulta prototipo de exploitation, con acción constante desde un comienzo y un desarrollo que no deja pie a demasiado descanso, trabajando desde una estructura de presentación-nudo-desenlace clásica y muy marcada. Solamente destacar negativamente el momento en el que los 3 hombres escapan de Virginia para encontrar su vida, donde el ritmo se ve tremendamente afectado.

Tras un final épico que nos deja a Charley siendo consciente de los beneficios y riesgos de la libertad en un país salvaje como era la América de mediados del XIX, en la segunda parte, El Alma de Nigger Charley, se nos presenta una situación muchísimo más americana, incluso con cierta influencia de Peckinpah y del western más clásico, con Charley descubriendo un escenario desolado donde los únicos supervivientes son un niño y un hombre al que dejaron atado al suelo para que las alimañas se lo llevaran. Los dos, por supuesto, negros. A partir de ahí, Charley y su siempre fiel Toby acabarán intentando provocar una especie de mini-revolución con los habitantes de algo similar a una comuna negra robando 100.000$ de un tren. Vamos, la idea de western que existe incluso desde antes de que fuese un género, con el Asalto Y Robo Al Tren. Una historia en la que se verán involucrados también latinos y que resulta muchísimo más lenta que la anterior, disponiendo gran parte del metraje en caminatas y charlas y no en acción, sumándose a ello una estructura mucho más clásica al meter trama amorosa y de cuidado y educación del crío, además de meter el discurso de liberación negra mucho más obvio y aburrido, provocando con todo ello el guiar toda la estructura con una monotonía que asusta por su ausencia casi total de giros. Sobre todo, si lo comparamos a los que tenía la primera parte.

La Leyenda De Nigger Charley: Fumando la pipa de la paz. Ningún tópico del cine de negros de los 70.

A todo esto, se suma un trabajo desde el punto de vista de la dirección que en La Leyenda se postula, como es coherente con el guión, con una visión más cercana al spaghetti. Destacan algunos planos donde la luz crepuscular se deja ver, jugando, sobre todo, con planos cercanos y un montaje muy dinámico durante los tiroteos. Eso sí, el clasicismo no está totalmente ausente, dejando una pátina de film americano bien definido. El Alma es más clásica, también en coherencia con ese guión, resolviéndose las situaciones con una planificación más estereotipada, obvia e incluso, valga la redundancia, plana. Para rematarlo, en los pocos tiroteos que se nos ofrecen, la falta de presupuesto se hace presente y no se consigue un aire de acción demasiado bueno ni potente.

Fred Williamson, por su parte, mantiene bastante bien el nivel de tío duro en ambos films, por mucho que sus debilidades sentimentales aparezcan en la segunda y en la primera no, incluso a pesar de que deja atrás a su chica y a su madre en la primera mitad del film, pero sin volver a acordarse de ellas. El otro actor común a ambas, D'Urville Martin, no deja de ser un simple escudero, un Sancho Panza que ayuda a Charley pero cuya personalidad no podría existir sin él. En este sentido, el actor sabe mantenerse en su sitio y apoya bastante bien el avance del film.

El Alma De Nigger Charley: Liberando a un preso de un castigo absurdo.

Entre el resto de actores, destacarían Don Pedro Colley en la primera y Pedro Armendáriz Jr. en la segunda, siendo ambos el tercer personaje con fuerza de cara a la violencia, aunque Don Pedro esté cerca de poder quitarle protagonismo a Williamson, consiguiendo una potencia en su personaje impresionante mientras que Armendáriz se mantenga siempre en un segundo plano. De hecho, destaca ya que éste segundo aparezca mediado el film, después del robo. Destacaría, también, Denise Nicholas en esta segunda, sumando ese punto amoroso que parecía innecesario dado cómo se estructuraba el personaje protagonista en la primera parte y que de hecho, poco aporta al film, salvo un final con cierta potencia.

El Alma De Nigger Charley: Negros cabalgando en el oeste. La imagen define estas dos películas.

Resumen:
Si bien La Leyenda De Nigger Charley es una película exploitation bastante pura, con mucha acción y ese aire molón que siempre tienen los protagonistas de la blaxploitation, en The Soul Of Nigger Charley se opta por un film mucho más obvio, menos violento y más clásico, pero también más anodino y mediocre.

PUNTUACION (Leyenda/Alma)

Originalidad/Riesgo: 8.0/6.5
Técnica: 7.0/6.0
Guión: 7.5/5.5
Actuación: 7.0/6.5

TOTAL: 7.5/6.0

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Mandingo

Título: Mandingo


Director: Richard Fleischer


Año: 1975


País: USA


Duración: 127

En la plantación de Warren Maxwell (James Mason), en mitad de la Louisiana de 1840, los negros son tratados como ganado. Como ganado al que se trata mal, de hecho. Se crían para la venta, se usan en espectáculos de combate, se castigan cruelmente… El caso es que Maxwell está obsesionado con que su hijo le de, al fin, un nieto. Así que arregla el compromiso de su hijo Hammond (Perry King) con Blanche (Susan George). Pero todo se complicará porque Hammond se enamora de la negra Ellen (Brenda Sykes), y aunque su trato hacia los negros parezca más agradable que el de su padre al mandingo que compra, Mede (Ken Norton), pronto se descubrirá que lo aprendido respecto a las diferencias raciales es muy profundo.

Niños: útiles para refrescar la estancia antes de que se inventasen los ventiladores.

Comienza la peli, y comienza con una canción de Muddy Waters que ya nos mete en situación con su blues y su voz profunda. Una historia basada en la obra de teatro de Jack Kirkland, a su vez basada en la novela homónima de Kyle Onstott, sobre la esclavitud de los negros y el trato que recibían en el sur justo antes de la guerra de secesión. Todo ello, mostrado de un modo muy crudo en el guión, que se centra en la complejidad e hipocresía con que los blancos trataban a los negros, pero también la hipocresía moral que existía hacia la mujer. De este modo, apreciamos cómo para la clase alta -y blanca, obviamente- la raza negra no es, siquiera, parte del género humano, sino que son animales entre los que ni siquiera importa que haya incesto, igual que no importa entre dos animales cuando lo único que se busca es criar más para venderlos al mejor precio. Una historia muy verosímil, precisamente por su crudeza y por el buen tratamiento que se hace de esas relaciones humanas entre amos y siervos, padres e hijos o maridos y mujeres.

Con esta pretensión de realidad más allá de clichés y generalizaciones baratas, destaca el gran trabajo respecto a la profundidad de los personajes. Podemos coger, como ejemplo, al protagonista, Hammond, al cual vemos como una especie de señor magnánimo hacia sus esclavos, a los que procura evitar caer en la indignidad y casi considera a su misma altura dentro de la especie animal, a pesar de que su posición social prima sobre sus posibles ideas latentes y no consigue llegar a aceptar a los negros como algo más que propiedades. También podríamos ver a Mede, que con su raza da título a la peli, como un negro que si bien acepta su rol, jamás lo hace gustosamente sino con la convicción de que al menos, el amo a quien sirve le defenderá cuando lo necesite. Motivo por el cual se queda a dos aguas, aceptando y viendo con buenos ojos esa liberación de los esclavos negros pero sin llegar a sublevarse, sino obedeciendo a sus amos por duro que sea el trabajo. Incluso si incluye llegar a convertirse en un perro soltado a una pelea.

Las viudas alemanas, con sus intereses propios a la hora de comprar negros.

Tras las cámaras, un director totalmente polivalente como lo es Richard Fleischer. Un tipo que tanto hacía un western como una peli bélica, una de bárbaros o una de terror. Pocos pueden decir que han sido tan eclécticos a la hora de llevar adelante proyectos, máxime cuando pensamos que unos cuantos son clásicos hoy en día, a pesar de moverse siempre por terrenos de presupuestos no excesivamente altos. Aquí, el Fleischer que nos encontramos crea una narración lenta y comedida, con mucho uso de la grúa para movernos por la historia, y permitiendo que la naturalidad de la fotografía de Richard H. Kline nos guíe, aunque eso sí, sin miedo a, especialmente en la parte final de la película, comenzar a desasosegar al espectador con luces y sombras muy marcadas, e incluso planos tirados desde el suelo y con cierta aberración que nos guían hacia una conclusión llena de una violencia que tiende a quedarse fuera de cámara, pero siendo presente igualmente.

Lucha de negros. Una prueba de la explícita dureza de la peli.

Uno de los principales problemas narrativamente viene dado por el lado del montaje, realizado por Frank Bracht, donde se echa en falta cierto trabajo a mayores para explicarnos las elipsis temporales, enormes en un tiempo donde la vida transcurre calmadamente, sin apenas sobresaltos que cambien el rumbo de los acontecimientos. De este modo, momentos como aquél en el que Blanche dice estar embarazada y el parto se yuxtaponen en nuestra percepción de la historia, habiendo pasado solo unos cuantos segundos para atravesar esos 9 meses, prácticamente el mismo tiempo aproximado que había pasado desde el comienzo de la película hasta esa secuencia. De todos modos, este saltar el tiempo no resulta excesivamente incómodo y ayuda enormemente en el ritmo narrativo, que resulta bastante complejo dada la cantidad de acontecimientos y acciones que aborda el guión completo.

Respecto a la parte del sonido, ya hemos citado esa banda sonora con música de Muddy Waters, perfecta a la hora de ambientarnos. Por lo demás, un buen trabajo, tendente a la búsqueda de realismo, destacando los ambientes y los momentos donde la gente no deja de gritar, pudiendo citar la pelea en la que la voz de Warren se destaca por encima de los golpes y la multitud, dando fuerzas a su negro entrenado para combatir.

Otra utilidad de los niños esclavos: reposapies.

A nivel actoral también se deja el listón en un buen lugar, consiguiendo, sobre todo James Mason, representar esa complejidad y contradicciones de su personaje. También Perry King llega a convencer, con su aspecto de empresario convencido de sus ideales de desprecio hacia lo que él considera su ganado y viéndose a sí mismo como hombre cabal, sabio y magnánimo en todas sus decisiones. Al igual que el ya citado Ken Norton, quien, pese a ser un exboxeador reconvertido a actor, al menos convence, aunque no llegue a dar esa sensación de profundidad tan bien como sí lo hace el guión y sus frases.

En la parte femenina, Susan George se lleva la palma, con una magnífica actuación rayando casi siempre en los límites de la locura de su personaje, desesperada y habitualmente bebida, consiguiendo estar a la altura y dejando clara desde un principio la dualidad y la falsedad de su personaje. Brenda Sykes, con el problema de no tener demasiada frase para desarrollar su personaje, pero espléndida en su escena más importante, esto es, la primera en la que aparece muerta de miedo por el trato que le puede dar ese blanco que la va a desvirgar. Podríamos hablar, para terminar, de Lillian Hayman y Richard Ward, quedándose ambos en papeles mucho más cercanos a los clichés de negra mayor que siempre ha servido y es feliz así y de mayordomo que pone buena cara pero que en realidad solo espera al momento en que lo liberen, sin atreverse por sí mismo a hacerlo. Eso sí, son clichés, pero también hay que saber interpretarlos, y ambos lo hacen.

Contrapicado aberrado, luces y sombras muy marcadas... Se puede transmitir más sobre la situación familiar presentada con una sola imagen?.

Resumen:
Una película violenta y dura sobre la esclavitud, sucia y centrada en la búsqueda de una perspectiva realista de la vida en una granja sureña antes de la guerra de secesión, bien ejecutada por gente con mucho oficio detrás.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 7.5
Guión: 8.5
Actuación: 7.5

TOTAL: 8.0

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Las influencias de Django Desencadenado

Hace poco más de tres años tuvimos por aquí un especial durante todo el verano sobre las influencias de Tarantino con motivo del estreno de Malditos Bastardos, y después otro precisamente sobre las influencias de dicha peli. Pues bien, el de Knoxville ha estrenado ya una nueva película, como todos sabrán ya. Un homenaje aun más grande al spaghetti western que recoge tramas sacadas del cine esclavista llamado Django Desencadenado.

En fin, como reza el título de la entrada, vamos a disponernos, en los próximos días, a analizar algunas de sus influencias de cara a hacer la peli. Podría haber escogido los homenajes que mete dentro del guión, como lo es el apellido de Broomhilda von Shaft, el hecho de que el título recuerde directamente a Hércules Encadenado o que dentro de un diálogo se repite constantemente Hércules Negro en referencia a uno de los Mandingos luchadores. Pero no. He considerado más oportuno recoger films sobre esclavos con la misma perspectiva que esta peli, al contrario de cosas como Lo Que El Viento Se Llevó, e incluso westerns con protagonista negro. Además, por supuesto quise meter Django, una película que hacía mucho que quería comentar por aquí al ser uno de mis westerns favoritos, aunque hasta ahora lo hubiese postergado.

Por supuesto, sí, podría haber hecho esto hace casi un mes. Pero no sabía cuando podría ver la película en versión original, y hasta esta semana me ha sido imposible. Esta decisión la tomé por el tema de la importancia de los acentos dentro de los diálogos, algo imposible de reproducir correctamente por los dobladores. Bueno, y porque por principio personal nunca analizo films doblados. Es por eso que me parece más adecuado hacerlo ahora, aunque ya no esté tan de actualidad al poder leerse como 3 millones de análisis y críticas de la peli en la red.

Para terminar, ya aviso de que esta entrada servirá como índice al contener la lista de pelis que incluirá este "especial":

Mandingo

La Leyenda De Nigger Charley + El Alma De Nigger Charley

Boss Nigger

Django

Django Desencadenado

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Caminos Bizarros: Actualización Diciembre 2012

Empezó ya 2013. Y no parece un año muy prometedor, porque entre líos de organización, problemas con varios ordenadores, sueldos que no se cobran, gatas que se joden la rodilla, costras que se amotinan en salones y gentes que te piden favores varios que te sabe mal rechazar pero ocupan tiempo, parece que llevo ya 4 meses en este año nuevo. Pero estamos a 22 de Enero. Estas son las razones (sumadas a la ya sempiterna tesis y a estar trabajando con Chucketta para convertirla en algo mucho más grande de lo que es actualmente) por las que aun no se habían actualizado los Caminos Bizarros para llegar al blog. Pero vamos, que hoy lo he conseguido, para así cerrar el año. Ojalá las leyes de la causalidad hiciesen que esto sirva un poco como exorcismo para que las cosas se normalicen de una puñetera vez. Pero teniendo en cuenta que no hay relación directa entre dichos acontecimientos, no creo que nada así suceda.

(Si quieren ver solo las de este mes, pulsen la entrada completa, que aquí ya las incluyo.)


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Senna

Título: Senna


Director: Asif Kapadia


Año: 2010


País: Reino Unido / Francia


Duración: 106

Documental sobre la vida de Senna en sus 10 años de carrera dentro de la F1, desde sus grandes momentos como sus 3 campeonatos ganados hasta su vida personal en ese tiempo y su evolución como persona, contado todo ello por imágenes de archivo y alguna entrevista a sus seres cercanos.

Cuando pienso en la Fórmula 1 como aficionado que soy desde hace unos tres lustros, no puedo evitar el recuerdo de cientos de medidas extrañas tomadas por la FIA y muchas injusticias tomadas como normas que beneficiaban según los intereses. Es el principal problema al que interiormente me enfrento para entender por qué sigo viendo y disfrutando las carreras. Pero después me aproximo a documentales como el presente, donde vemos el pundonor y la lucha contra los elementos de corredores como Ayrton Senna y puedo comprobar que, a pesar de todo lo sucio que es aquello que rodea a la F1, al final es una competición apasionante, llena de egos luchando por demostrar quién es el mejor, arriesgándolo todo para ello -eso más en épocas pretéritas que en la actual, donde las medidas de seguridad y la pacatería en algunas decisiones han eliminado casi todo el riesgo de mortandad-. Ese es el verdadero espíritu que nos sigue pegando a la tele y los circuitos.

Todo ese párrafo lo escribo, como digo, desde la perspectiva de un fan que siempre hace lo posible por ver las carreras sean donde sean y esté donde esté. Pero no crean que el documental solo se puede ver desde esa perspectiva. La verdad es que la construcción del mismo es válida para enganchar a cualquier amante del deporte -o de la competición, mejor dicho- simplemente con que sepa mínimamente quien fue Ayrton Senna y por qué fue tan grande. La perspectiva que se toma es la de mostrar su vida dentro de la F1, por mucho que nos muestre su grandeza en Brasil a grandes rasgos, echándose especialmente de menos alguna explicación más sobre su paso por categorías inferiores. Un proceso que nos acerca al Ayrton humano, viendo su evolución a lo largo de las 10 temporadas que estuvo en la categoría reina del automovilismo hasta su fallecimiento en el circuito de Imola, una de las grandes tragedias de la historia del deporte.

Eso sí, la perspectiva tomada está tremendamente sesgada y es muy maniqueísta en la visión de la guerra con Alain Prost, que si bien siempre será recordado por momentos muy sucios, no podemos obviar el grandísimo piloto que fue. También podemos criticar al documental la capacidad lacrimógena y la explotación de la muerte de Senna, dejando caer desde un comienzo declaraciones como la de su madre preocupada por si algún día le pasa algo en la pista. Con todo, el docu se deja ver y es emocionante y emotivo a un tiempo, hablando de la intrahistoria de la F1, dejando ver una parte de Senna que no es la de piloto y sobre todo, mostrando esas gestas por las que se convirtió en uno de los mejores pilotos de la historia, ganando además 3 mundiales.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 7.0
Guión: 5.0
Interés: 8.0

TOTAL: 6.5

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Pasión Prohibida

Título: Pasión Prohibida


Director: Amando de Ossorio


Año: 1982


País: España


Duración: 87

Leonor (Lynn Endersson) regenta una sala de variedades, y casualmente tiene tendencia a enamorarse de las chicas que allí trabajan para ella. Estos coqueteos ya terminaron por provocar la retirada de su licencia de armas, debido a un trágico "accidente". Ahora, Teresa (Susana Estrada) es una de las estrellas de su espectáculo, pero debe ir a su pueblo natal tras el fallecimiento de su padre para cuidar de su hermano menor y comprobar que el negocio heredado no se le queda grande. Pero la estancia hace despertar en ella de nuevo un complejo de electra que la llevará a desear a su hermano por el parecido con su padre, creando un círculo vicioso de celos y pasión que no puede llegar a buen puerto.

Incesto, lesbianismo, asesinatos... y sobre todo, muchas tetas (usualmente acompañadas del resto de la anatomía femenina). Y digo muchas, porque en esta peli, si mis cálculos no fallan podemos apreciarlas en unas 15 de aproximadamente 40 secuencias. Esto es, prácticamente en la mitad. De hecho, creo que solamente hay una actriz con frase que no llegue a enseñarlas, y seguro que porque no tiene tiempo ni ocasión por ser muy de reparto, que si no también lo haría. Por supuesto, la mitad de esas secuencias las incluyen de una manera totalmente gratuita, desde algún inserto de planos de recuerdos hasta más de un striptease de los que se hacen en la sala de Leonor.

Más allá de esos condicionantes para vender la peli, a lo que sumamos la presencia de Susana Estrada, que incluso canta un par de temas, nos encontramos con una peli sosita, con una trama melodramática y excesiva, que tiene su punto bueno precisamente en lo explícito que resultan las pasiones entre los personajes y lo desfasado de las mismas. Lo triste es que nos encontramos ante algo casi imposible de ver hoy en día, pero más bien por lo pacata que se va volviendo, contra toda lógica, la sociedad. Por el resto, la película resulta cutre, con una puesta en escena que echa en falta un poco más de trabajo, sobre todo en las actuaciones y la fotografía, además de un poquillo más de ritmo en el montaje para evitar que se juntara con un guión que no deja de dar saltos de un lado para otro dando la impresión de necesitar rellenar para cubrir metraje. Conste que su objetivo de melodrama sucio lo cumple de sobras, y no deja de ser interesante ver a Amando de Ossorio dirigiendo productos directos a la clasificación "S", por cierto el último en el que saldría Susana Estrada en pleno apogeo, y más si son rodados en un pueblo gallego y marinero como Camariñas donde, entre otras sordideces dignas de mención, ensayaban unos tipos que se llamaban IM Drunk no hace tanto.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 4.5
Guión: 5.0
Actuación: 4.0

TOTAL: 5.5

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