Cineuropa 2012 (XVIII): The Imposter

Título: The Imposter


Director: Bart Layton


Año: 2012


País: Reino Unido


Duración: 99

En 1994, Nicholas Barclay, un chaval de 13 años, desaparece en San Antonio, Texas. 3 años más tarde, en Linares (Jaén) aparece un chaval sin identificar. Se trata de Frédéric Bourdin, un chico de 23 años que se dedica a hacerse pasar por otras personas. En esta ocasión, lo hará con Nicholas Barclay, hasta el punto de que la familia del niño tejano desaparecido lo aceptará como al propio Nick, aceptando a ciegas la versión de los hechos que cuenta Frédéric y acogiéndolo. Años más tarde, los protagonistas de esta extraña historia rememoran el caso.

La principal virtud del film es el juego constante entre lo real y lo irreal, en ese punto de verdades inverosímiles y ficciones tan absurdas y enrevesadas que podrían ser reales precisamente por la dificultad que supone aceptarlas. Una duda que buscando un poco se puede resolver, aunque aquí voy a dar la respuesta pues considero importante ver la película sin saber si es un documental o un mockumental -si es que esta palabra ya está aceptada en español, porque no conozco una mejor salvo Falso Documental-. De este modo, se disfrutará siempre intentando desgranar hasta donde llega la gran mentira o la gran verdad. De hecho, incluso dentro de esto quedarán dudas.

Es, por tanto, un producto que funciona a las mil maravillas, trabajando con imágenes de archivo de todo tipo -desde televisivas a videos domésticos-, entrevistas, reconstrucciones e incluso momentos en los que lo contado en entrevista se desdobla en recontrucción en un juego de montaje visual y sonoro perfecto. Por cierto, destacar el ridículo sonido de las grabaciones de la policía española, peores que la radio de un Red Bull, al igual que momentos absolutamente carentes de lógica por parte de cuidadores, como el dejar a un crío perdido solo en la oficina para que se encargue él de todo el contacto con su familia durante la noche. Algo increíble, pero precisamente de tan increíble, verosímil y coherente como el discurso general. Además, un trabajo de guión y de montaje en el que todo está en su sitio para el juego y que solamente en la parte final parece empezar a liarse excesivamente. Destacar, por otro lado, unos personajes extremos, desde el propio Frédéric Bourdin hasta la familia white trash texana o, sobre todo, el investigador Charlie Parker. Sí. Charlie Parker, pero este es blanco y no parece tener ni idea de música.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 9.0
Técnica: 8.5
Guión: 9.5
Actuación/Interés: 8.0

TOTAL: 9.0

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Cineuropa 2012 (XVII): Paradies: Glaube (Paradise: Faith)

Título: Paradies: Glaube


Director: Ulrich Seidl


Año: 2012


País: Austria / Alemania / Francia


Duración: 113

Anna Maria (Maria Hofstätter) es la hermana católica de las 3 que protagonizan esta trilogía. Se dedica a los rayos x, pero le obsesiona que la gente se pervierta y desprecie la castidad, motivo por el cual durante sus vacaciones decide irse a casa de la gente a intentar introducirles la palabra de dios. Todo se complica cuando llega su marido, un hombre en silla de ruedas y no precisamente un ferviente católico.


El bizarrismo y la obsesión religiosa tienden a ir de la mano, especialmente si miramos desde unos ojos laicos o simplemente racionalistas el comportamiento de alguien que le dedica toda su vida a Jesucristo (vale cualquier otra religión pero aquí es lo que toca), llegando a puntos como el uso del látigo de 7 colas o el cilicio, además de caminar de rodillas por la casa mientras reza. La historia plantea esta clase de comportamiento y su relación con la obsesión sexual llegada por la vía de la negación y lo que supone una mutilación voluntaria de un instinto básico en cualquier ser vivo. Esto nos da una perspectiva de una realidad, la de Anna Maria, que está tan alejada de un comportamiento racional que alcanza el absurdo. Más, si después de un buen rato de peli añadimos a la ecuación un marido musulmán en silla de ruedas que se siente mal por no poder satisfacerla y que además antes era alcohólico o mezclamos a nuestra protagonista con relaciones de lo más variopinto con la gente a la que intenta predicar la palabra de dios, desde una familia que lo acepta hasta un tipo borderline que sigue obsesionado con la muerte de su madre o una mujer alcohólica y violenta. Todxs ellxs dejando grandes frases por el camino que recorre la cinta.


Todo esto, de nuevo y al igual que en la primera parte de la trilogía Paradise, rodado con frialdad y desde una perspectiva ajena a los personajes, aunque aquí se llegue a integrar un poco más con Anna María y su forma de ver el mundo para darle un mínimo de credibilidad. No obstante, planos muy bien medidos, fijos, con poco montaje y sin música, que aprovechan la decadencia de los espacios en los que se desarrolla la historia y muestran lo feo de la sociedad. Echarle en cara, eso sí, algunos cambios de plano que parecen servir simplemente para saltarse parte de la acción o incluso corregir cosas en la misma, que descolocan bastante teniendo en cuenta el resto de la narración. Además nuevamente acaba alargándose un poco de más la historia y no consigue una definición demasiado buena en el final. De las actuaciones, destacar a Maria Hofstätter, que aguanta la primera parte del metraje ella sola perfectamente.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.5
Técnica: 7.0
Guión: 8.5
Actuación: 7.5

TOTAL: 8.0

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Cineuropa 2012 (XVI): Paradies: Liebe (Paradise: Love)

Título: Paradies: Liebe


Director: Ulrich Seidl


Año: 2012


País: Austria / Alemania / Francia


Duración: 120

Teresa (Margarete Tiesel) ha entrado en los 50 sintiéndose sola, gorda y vieja. Por ello se va de viaje de vacaciones a Kenia, donde los muchachos jóvenes intentan hacer agradable la vida a mujeres como ella, manteniendo relaciones y buscando a cambio que ellas les proporcionen el dinero suficiente como para sobrevivir junto a sus familias. El problema entra cuando el choque de culturas y de posiciones sociales y mentales hace difícil que ambas partes sean capaces de mantener la dignidad.

Si me secuestraran para ponerme una pistola en la cabeza y me obligaran a decidir dos palabras para definir esta película, primero pensaría que mis secuestradores son medio imbéciles y muy raritos, y luego escogería sordidez y decadencia. Porque lo primero que salta a la vista al ver la peli es lo extremo de la puesta en escena, pretendiendo sin miedo el mostrar situaciones sucias e incómodas para el espectador convencional, con mujeres entradas en años liberándose sexualmente con africanos a los que tratan como poco más que carne, riéndose de ellos y explotándolos a cambio de dinero. Pero también está ahí la decadencia de esas mujeres que se entregan a esa opción como una manera de acercarse, mínimamente, al amor o al sexo sin más, necesitando sentirse guapas aun a sabiendas de que todo es una gran mentira, por mucho que se aferren a ese clavo ardiendo. Por último, no debería olvidar esa presencia inherente de África como un continente inferior del que Europa puede seguir aprovechándose, de esos hombres que son poco más que esclavos sexuales para estas mujeres y que se humillan para conseguir arrancarles un poco de dinero con el que vivir y mantener a sus familias mientras ellas lo hacen para buscar su amor. Vamos, que lo que vemos es que el mundo es una mierda horrible en el cual todos los personajes acabarán amargados por un lado o por otro hagan lo que hagan.

Para ello, un trabajo de cámara absolutamente frío y distante, con planos fijos muy marcados y compuestos con precisión matemática y un montaje que prefiere dejar suceder toda la acción ante dichos planos que ponerse a meter detalles o cambios de perspectiva, salvo en momentos muy concretos. Además, una narración que escapa de la música no diegética, creando un ritmo pausado pero que apoya con ello esa capacidad subversiva de la sordidez representada ante cámara. Destacar la buena interpretación de Margarete Tiesel, por cierto, que aguanta bien el tipo toda la peli y esa caída en la resignación que va suponiendo. Si acaso, echarle en cara un exceso de metraje que acaba resultando innecesario y un prólogo tampoco del todo útil si no lo pensamos en la perspectiva de que forma parte de una trilogía, aunque con un inicio totalmente rompedor con gente con problemas mentales montados en coches de choque vistos en primer plano que ya deja clara la pretensión de no ser un film facilón.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.5
Técnica: 7.5
Guión: 8.0
Actuación: 7.0

TOTAL: 8.0

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Cineuropa 2012 (XV): 希望の国 [Kibō No Kuni] (The Land Of Hope)

Título: 希望の国 (Kibō No Kuni)


Director: Shion Sono


Año: 2012


País: Reino Unido / Japón / Alemania / Taiwán


Duración: 133

Un terremoto sacude la zona de Nagashima, donde está situada la central nuclear. El gobierno de Japón decide trasladar a todos los habitantes en un radio de 20 km por su seguridad. Justo al lado de esa frontera, en los 20 km y no más de 10 metros, está la casa de la familia Ono. Mientras que el hijo, Yoichi (Jun Murakami) y su mujer Izumi (Megumi Kagurazaka) deciden escapar voluntariamente a pesar de lo cual ella termina sufriendo de radiofobia, los padres se quedan, pues la madre de Yoichi tiene problemas mentales y no le conviene alterar su rutina. Toda la sociedad les mira mal e intenta obligar a los ancianos a escapar pero aún así hay también dos críos que luchan por entrar en la zona para recuperar su hogar.

Aunque la idea está bien y promete un montón en su temática apocalíptica mezclada con la realidad del país nipón, además de sumarse el rollo obsesivo primero de la sociedad y después de la mujer de Yoichi, al final la película resulta tremendamente fallida por la insignificancia de la relación entre las tramas y la recurrencia de sucesos dentro de ellas. Además, un tono tremendamente simplista en la narración, que acaba por rozar lo televisivo en más de una ocasión sobre todo por culpa de la fotografía, deja demasiadas carencias de cara a ayudar al espectador a entrar en el film.

Repito, hay cosas que están bien en el guión, empezando por la propia idea y la manera de comportarse el padre con la madre enferma y terminando por la crítica que se hace a la sociedad actual que se deja asustar o tranquilizar por los medios de comunicación sin siquiera pensar en la información recibida. Pero el tono, la trama de los dos críos que quieren volver a la zona afectada y ese mal trabajo con la relación entre los personajes, sumado todo ello a unas actuaciones hiperafectadas, acaba por destrozar bastante una peli que se queda en simple anécdota pudiendo haber aportado muchísimo por sus dotes de verismo en cuanto al tratamiento que se le da a la catástrofe.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 4.5
Guión: 5.5
Actuación: 5.5

TOTAL: 6.0

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Cineuropa 2012 (XIV): Robot & Frank

Título: Robot & Frank


Director: Jake Schreier


Año: 2012


País: USA


Duración: 89

Frank (Frank Langella) es un anciano solitario que comienza a tener problemas relacionados con la memoria y la orientación. Lo único que tiene estable es su gusto por la lectura y están preparando un gran cambio en la biblioteca local que conllevará eliminar todos los libros impresos. Su hijo Hunter (James Marsden) decide, para ayudarle, regalarle un robot doméstico que le cuide y le ayude en sus tareas diarias. Pero en un principio, tanto a Frank como a su otra hija, Madison (Liv Tyler), no le hace demasiada gracia. Hasta que comprueba que el robot puede colaborar en recuperar sus aficiones de joven.

Una historia sencilla en apariencia, tierna en su reflexión sobre la senilidad y dura como debe ser una historia al respecto, que nos deja una reflexión más dura todavía sobre como será un mundo futuro dominado por hipsters. Tiemblo sólo de pensarlo. Por otro lado, el guión funciona muy bien en esa combinación de caracteres entre los dos protagonistas al estilo de La Extraña Pareja y con un humor muy ácido que en algunos momentos roza lo depresivo, jugando sobre todo con ese carácter cascarrabias y defensor de la actitud old school que recuerda al Clint Eastwood de pelis como Gran Torino.

Apenas se le puede echar en cara nada aparte de perder un poco el norte en la parte final con la actuación policial y pretender liar de más la trama con la bibliotecaria Jennifer (bien interpretada por Susan Sarandon) que Frank intentaba ligarse pero sin demasiado éxito. Pero en general la película funciona muy bien y entretiene de lo lindo, gracias también a una factura fresca pero sobria y sin experimentaciones formales y una ambientación un poco retrofuturista pero con imaginería moderna con el tema de los robots y las videollamadas. Una pequeña joya modesta pero muy inteligente.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.5
Técnica: 7.0
Guión: 8.5
Actuación: 7.0

TOTAL: 8.0

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Cineuropa 2012 (XIII): Den Skaldede Frisør (Amor Es Todo Lo Que Necesitas)

Título: Den Skaldede Frisør


Director: Susanne Bier


Año: 2012


País: Dinamarca / Suecia / Italia / Francia / Alemania


Duración: 116

Ida (Trine Dyrholm) acaba de superar un cáncer de mama, gracias en gran medida al apoyo familiar de sus hijos y su marido Leif (Kim Bodnia). Sin embargo, cuando llega de una consulta, encuentra a éste último tirándose a una compañera de trabajo en su sofá. Por otro lado, su hija Astrid (Molly Blixt Egelind) se casa con Patrick (Sebastian Jessen) en apenas tres días, para lo cual van a emplear la finca que Philip (Pierce Brosnan), el padre, viudo, de Patrick, tiene en Italia. Allí se darán cita ambas familias, en las cuales todo el mundo está buscando, de un modo u otro, el amor. Especialmente la desorientada Ida y el cabreado Philip.

Un film al que asistía convencido por el trabajo de Susanne Bier en Hævnen, si bien la presencia de Pierce Brosnan no me parecía muy lógica dentro de un festival más bien tendente a lo independiente como es Cineuropa. Al final, este último presentimiento sería el correcto, pues la película se vuelve un tópico de comedia romántica que poco es capaz de aportar a menos que hayamos escapado del género durante los últimos 20 años. Y nadie puede hacerlo. Ni siquiera viviendo en una cueva.

Dentro de ese cúmulo de situaciones obvias y manidas, no obstante, se ocultan algunas ideas interesantes, como es la lucha de la protagonista contra un cáncer de mama que amenaza con reproducirse así como contra la idea del no vivir más por rondar ya los 50 y estar sola o el absurdo papel social que pretendemos adoptar continuamente. Nada nuevo, pero que no está de más recordar de vez en cuando. Al menos, reconozco que el guión funciona bastante bien y proporciona unos cuantos momentos que hacen reír, aunque los giros sean tan forzados como esperables (más en su posición que en su sentido) y los momentos de sufrimiento supongan una visión más bien prostituída de lo sentimental. En cuanto a la perspectiva técnica, demasiado uso de la cámara en mano para mi gusto, sobre todo porque no aporta absolutamente nada, igual que esa obsesión por el montaje dentro de la misma acción y plano para acelerar y que el espectador no se asuste ante el tiempo semimuerto. Al menos, la fotografía aprovecha fenomenalmente los paisajes, consiguiendo crear un espacio idílico.

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Originalidad/Riesgo: 4.0
Técnica: 5.5
Guión: 5.5
Actuación: 6.0

TOTAL: 5.5

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Cineuropa 2012 (XII): Morreu O Demo, Acabouse A Peseta

Título: Morreu O Demo, Acabouse A Peseta


Director: Pedro Solla


Año: 2012


País: España (Galicia)


Duración: 78

Desde tiempos inmemoriales, los títeres han jugado una parte importante dentro de la tradición narrativa en muchos países. Francia, Italia, Inglaterra o la actual República Checa son solo algunos ejemplos. En Galicia, se destacaría Barriga Verde como la compañía más estable, la empresa importante que se mantuvo durante gran parte del s. XX y que desapareció en los años 60, estando a día de hoy casi olvidada. En este documental se intenta establecer un vínculo entre todas estas propuestas a nivel europeo y su relación con la visión galaica del mundo de los títeres.

Otra de las películas que debo comentar desde una posición de cariño hacia parte de los integrantes del equipo técnico dentro de este festival de Cineuropa. Una muestra de que, al menos dentro de la creación de documentales la salud del Audiovisual gallego de bajo coste va por un buen camino.

El documental funciona bien y resulta entretenido durante la mayor parte del metraje, si bien se le podría echar en falta dos problemas principales: por un lado la pretensión de abarcar algo demasiado grande al relacionar toda la historia de los títeres tradicionales en Europa y por el otro la falta de información escrita y documental aquí en Galicia. Una pena, porque las pinceladas que sí sueltan los protagonistas de la época parece que dejan caer que ahí dentro había algo muy interesante en el trasfondo. Un documental que acaba pidiendo más metraje, o incluso una segunda parte que termine de explicar y dar pie a todo eso que aparenta quedar en la recámara.

No obstante, es muy agradable encontrarse con un relato bien hilado de una historia cultural casi olvidada, de una manera de trabajar por y para el público concreta y sobre todo, comprobar cómo se llevaba a cabo ese trabajo de manera casi familiar a lo largo y ancho de la vieja Europa, desde Italia hasta Inglaterra pasando por la República Checa o Francia influenciándose mutuamente las diversas culturas y demostrando que, al final, ese camino de la subversión que suponen los títeres es necesario para la vida cultural de todo país. Destacar, por otra parte, la visión técnica y de documentación del docu, precisamente en esa intención de moverse por muchos lugares diferentes y hablando con figuras importantes del medio, además de mostrar ese trabajo de la compañía Viravolta por recuperar aquí lo que fue Barriga Verde así como en Italia otra gente que lucha por meter un “teatro callejero estable”. Proyectos con dos cojones que merecen ser tenidos en cuenta mucho más de lo que es habitual dentro del mundo de la cultura.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 7.5
Guión: 6.0
Interés: 7.0

TOTAL: 7.0

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