Caminos Bizarros: Actualización Octubre 2012

Creo que es obvio que este mes, con todo el tema de Cineuropa, ando con menos tiempo del habitual, además de estar metiéndome, como siempre, en más proyectos y movidas de las que debería. Pero sarna con gusto no pica, que dice el refranero, así que igualmente me siento en la obligación placentera de subir, ahora que tuve una horita para recopilarlas, las búsquedas de Octubre para Caminos Bizarros para llegar al blog.

(Si quieren ver solo las de este mes, pulsen la entrada completa, que aquí ya las incluyo.)



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Cineuropa 2012 (V): Foxfire

Título: Foxfire


Director: Laurent Cantet


Año: 2012


País: Francia


Duración: 143

En plenos años 50, un grupo de chavalas de 15 años comienza a reunirse para enfrentarse a todos aquellos que les hacen la vida imposible, defendiéndose mutuamente y comenzando a verse atraídas por vivir libres de ataduras morales o legales. Cuando una de ellas es enviada al reformatorio, el resto vuelven a sus vidas cotidianas pero acaban fugándose a vivir juntas una vez sale la susodicha del reformatorio. Pero vivir por su cuenta no será tan fácil como ellas imaginaban, porque de algún sitio hay que sacar el dinero.

A mi es que me dicen que una peli tiene pandillas de mujeres, pienso en Switchblade Sisters y ya me tienen ganado. Qué quieren, soy así de simple. Así que me decidí a ver Foxfire. La verdad es que el comienzo es muy bueno, con un buen ritmo y sobre todo mala leche, aunque ya deja clara la intención en absoluto exploit de la cinta y la voz en off recordando la niñez (y que está basada en una novela escrita en primera persona) ya nos va poniendo en la situación de que puede intentar dar una enseñanza moral. Pero mola el macarrismo de las protagonistas y ese club que van montando en busca de la libertad personal y con perspectiva feminista dentro de la sociedad yankee de los años 50. Todo con ese ambiente de liberación escolar de pelis como El Club De Los Poetas Muertos o If.....

Ahora bien, según avanza la peli y el grupo de adolescentes comienza a enfrentarse a la vida por sí mismas, toda esa idea inicial se va diluyendo en una enseñanza de que en el mundo de los adultos hay que aceptar las responsabilidades y cargar con ellas, más allá de los ideales y de lo bonito que pudiese ser todo en sueños. Aún por encima, este tramo de la película es excesivamente largo y uno tiene la sensación de que se va alargando innecesariamente dando vueltas y más vueltas hasta que ya ha perdido todo el buen sabor del comienzo. Una pena, porque por otro lado está bastante bien filmada, a pesar de un exceso de uso de cámara-en-mano-que-se-mueve-un-poco-para-dar-sensación-de-realismo y algún momento del montaje como lo es el accidente que sufren las chicas en uno de sus viajes en coche. Y las actuaciones, pues discretas y sin resultar nada del otro mundo, pero tampoco horribles.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.5
Técnica: 6.0
Guión: 5.0
Actuación: 7.0

TOTAL: 6.0

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Cineuropa 2012 (IV): CoraSons

Título: CoraSons


Director:  Paco Abelleira


Año: 2012


País: España (Galicia)


Duración: 90

Cuando Isabel Leal comenzó a sacar fotografías a corazones que veía por la calle, en su casa o donde fuese para colgarlas en Facebook, no creo que pensara en absoluto en la repercusión que esa serie tendría. Con el motivo de la exposición de dichas fotos en el pub compostelano A Casa das Crechas (uno de los míticos de por aquí), se montó un pequeño concierto. Ahí nació el proyecto CoraSons, una idea donde la música se unía a las fotografías y que acabaría por crear un núcleo de artistas enorme hasta que en la semana santa de 2012 se llegaron a juntar 40 personas en Vilagarcía colaborando solo por amor al arte.

Siempre es difícil valorar objetivamente la obra de gente a la que conoces y con quien tienes un buen trato. Por eso, aviso desde ya que este comentario estará escrito con esa perspectiva de afecto a la gente de dentro del proyecto.

Lo que destila el documental, ante todo, es amistad y amor por el hacer cosas juntos entre todos los integrantes de lo que podríamos denominar el grupo CoraSons. Así lo dejan patente varios de ellos en sus declaraciones y esa es la sensación que transmiten. Ser un grupo de personas que se divierten haciendo lo que hacen bajo ese sello común y haciéndolo solo por el mero placer de llevarlo a cabo. Todo, desde una idea pequeña y divertida como es el ir sacando fotos a corazones, para acabar derivando en una serie de conciertos que se van moviendo entre Galicia y Portugal. Unos conciertos íntimos y cuya música transmite ese aire de complicidad entre músicos y cantantes y un buen trabajo tras las cámaras que nos lleva a ese ambiente y nos hace cómplices también a nosotros.

Ahora bien, si algo hay que achacarle al documental sería precisamente ese detalle de centrarse mucho en la parte musical -que probablemente sea la más potente a día de hoy- y olvidar en cierto modo la esencia con la que nacía todo el proyecto. Si bien las fotografías de Isabel Leal están presentes en todo el documental a modo de cortinillas, así como la propia Isabel, se pierde un poco el sentido del mensaje en una parte central donde acaba por centrarse casi exclusivamente en la música. Todo ello, jugando con grabaciones de declaraciones, de actuaciones y de ensayos que se enlazan muy bien, jugando con algunos planos realmente interesantes (el de Uxía con el espejo detrás donde también se ve reflejado el guitarrista cuyo nombre no recuerdo es genial) y un ritmo bastante bueno que solo se resiente en algún momento de las canciones. Que conste que además la parte musical, aún con todo el mundo que colabora, por lo pronto parece no haber perdido el norte y sigue funcionando como un encuentro entre artistas gallegos y portugueses para hacer algo conjunto y, sobre todo, lleno de corazón. Y así nos lo hace sentir el documental, que es lo más importante.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 7.0
Guión: 6.5
Interés: 7.0

TOTAL: 7.0

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Cineuropa 2012 (III): Vous N'Avez Encore Rien Vu

Título: Vous N'Avez Encore Rien Vu


Director: Alain Resnais


Año: 2012


País: Francia / Alemania


Duración: 115

Un hombre llama a varias personas para informarles de que el dramaturgo Antoine d'Anthac (Denis Podalydès) ha muerto y les solicita ir a la lectura del testamento. Una vez allí, lo que d'Anthac les propone desde un vídeo es el hecho de ver una representación de su obra más reconocida, Eurídice, siendo todos los invitados actores de anteriores representaciones de la misma. Viendo esa representación revivirán momentos pasados juntos y se emocionarán de nuevo con la historia representada.

El sr. Resnais, aún a pesar de su avanzada edad (contaba 89 años el día del estreno de esta peli) sigue siendo un gran experimentador con la narrativa cinematográfica. Lo que aquí nos econtramos es una vuelta a películas como Hiroshima Mon Amour en cuanto a la insignificancia del espacio para la narrativa y donde la imaginación de los personajes, la realidad, la metaficción y la propia historia contada se van sucediendo para involucrarnos en las sensaciones de los protagonistas ante una obra de teatro concreta, que además se nos va representando a nostros mismos, gracias en gran medida a la colaboración de gente de la Comédie-Française tanto en el reparto como a la hora de crear las representaciones.

La fotografía de Eric Gautier juega en gran medida con los diferentes espacios narrativos, que en la realidad no son demasiados pero se multiplican a la hora de visualizarlos y ponerlos en pantalla. De este modo, plantea también la relación sentimental entre los personajes jugando al mismo tiempo con la banda sonora. Pero es en el montaje donde reside todo el juego de Resnais. Un montaje a 4 manos entre Hervé de Luze y Sylvie Lager que consigue, sin llegar a perdernos entre los cambios de personaje y de situación, jugar constantemente con 4 capas de realidad, entre las 2 representaciones de los espectadores que comienzan a actuar, la propia representación que están viendo y la realidad en la que se encuentran viendo el vídeo. Una maravilla que engancha con su ritmo y consigue una catarsis increíble con los personajes, independientemente del interés que pueda tener la obra teatral en sí misma (de hecho, a mí no es que me encantase, precisamente). Una pena el final, extraño y con una pretenciosidad poética que se queda en un quiero y no puedo, dejando una fea mancha y un regusto algo más amargo para una película que hasta ahí estaba siendo impresionante.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.5
Técnica: 8.5
Guión: 7.0
Actuación: 7.0

TOTAL: 8.0

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Cineuropa 2012 (II): The Tall Man

Título: The Tall Man


Director: Pascal Laugier


Año: 2012


País: USA / Canadá / Francia


Duración: 106

En un pueblo perdido entre las montañas del norte de Estados Unidos han empezado a desaparecer los niños. Nadie sabe con exactitud cual es el misterio que se esconde tras las desapariciones, pero culpan a un ser al que llaman "el Hombre Alto" (nada que ver con el personaje de Phantasma). Así que Julia (Jessica Biel), la enfermera del pueblo y viuda del médico local, intentará luchar contra las supersticiones que hay detrás de ese monstruo que los habitantes de Cold Rock dicen que se lleva a los infantes.

Pascal Laugier lo petó con su anterior peli, Martyrs (de la cual me falta un análisis más profundo que el que hice en aquel maratón de Cineuropa 2010) así que tenía ganas de ver esta nueva obra suya. Y la verdad es que hay marcas de director que siguen ahí con sus giros copernicanos de guión, su terror basado en raptos infantiles o su gusto por los lugares más bien apartados para el desarrollo de la historia. Eso sí, se nota que aquí ya hay producción yankee y una búsqueda más comercial que de impacto, pues el nivel de explicitud se ha intentado eliminar hasta el mínimo posible. Eso sí, ganando en elegancia.

La factura, recordando también a ese aire del nuevo gore francés en cuanto a la frialdad con la que se nos narran los sucesos a pesar de ayudarnos a catartizar con los personajes, consiguiendo mantener la tensión durante gran parte del metraje y guiándonos precisamente en esos giros. Unos giros que, de todos modos, tampoco llegan a resultar tan sorprendentes como en Martyrs, aunque al menos sí se busca una resolución semejante en cuanto a reflexividad y lógica de la historia. Además de resultar bastante tramposos, especialmente el primero por la manera en que da información al espectador.

Por otra parte, una fotografía que aprovecha lo sucio de la situación de desesperación de una zona rural americana que se está pudriendo por falta de dinero y posibilidades, resultando opresiva en gran parte del metraje y mezclándose correctamente con el montaje, que de todos modos me resulta excesivo en más de un momento. Además, la actuación de Jessica Biel funciona bastante bien aunque varíe demasiado en función de la parte del guión en la que esté, dándole al público en cada momento unas informaciones que ya maneja de por sí.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 7.0
Guión: 6.5
Actuación: 7.0

TOTAL: 7.0

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Cineuropa 2012 (I): Bella Addormentata

Título: Bella Addormentata


Director: Marco Bellocchio


Año: 2011


País: Italia / Francia


Duración: 115

Comienza Cineuropa 2012, así que haremos los oportunos análisis de todo lo que veamos en el festival como venimos haciendo otros años. Solo que este año intentaré que sean un poco más largas y se adapten al estilo común del blog (sin tampoco ponerme con análisis profundos, que espero que sean un montón de pelis en apenas un mes y no hay tiempo). La primera de las películas a las que asistí fue esta Bella Adormentata.

La peli es una reflexión sobre la eutanasia basada en el caso real de Eluana Englaro, aprovechando la situación para mezclar 4 tramas, una con un diputado íntegro (Toni Servillo) que está en contra de la ley para evitar la eutanasia que intenta aceptar Berlusconi (yendo nuestro personaje, de este modo, contra su propio partido) que se mezcla con otra con la hija de este diputado (Alba Rohrwacher), una cristiana devota que abomina del que puedan dejar morir a alguien por mucho que sufra y se enamora del hermano (Michele Riondino) de un loco violento que defiende la eutanasia. La tercera de las tramas habla de una actriz retirada (Isabelle Huppert) que se dedica a intentar ser una santa para ver si así se despierta su hija en coma y por último está la historia de un médico (Pier Giorgio Bellocchio) que intenta salvar a una yonki (Maya Sansa) de sí misma mientras ella solo pretende suicidarse.

Las historias en sí mismas funcionan bastante bien y ese aire de realidad al mezclar momentos de imágenes de archivo les ayudan al respecto. De todos modos, la duración y repetitividad de las mismas acaban pasando algo de factura al salpicar demasiados detalles, terminando por crear un ritmo bastante a golpes. Además, la perspectiva que le da Bellocchio al film es tremendamente moralista, y por desgracia en cuanto a la visión cristiana de la palabra. Por fortuna no cae en un maniqueísmo absurdo y busca dar ambas visiones, aunque no se llega a mojar en absoluto en ninguna y, como digo, el aire cristiano es el que acaba corrompiendo todo el mensaje. Por otra parte, destacaría también la reflexión que se hace sobre el aprovechamiento de la vida y el talento que es la trama de la actriz, además de esa crítica al sistema que plantea la trama con el diputado, dejando ver así también lo corrupto y asqueroso del sistema.

El aspecto visual no es nada especial, con una fotografía correcta, realista y según los cánones actuales y un montaje que se salva sin mayores aspavientos. Destacar, eso sí, la inclusión de esos momentos de imagenes reales de Berlusconi, manifestaciones y comentarios políticos que nos hace entrar en los atisbos de realidad del film. Por cierto, a enmarcar las actuaciones de Isabelle Huppert y Toni Servillo, estando éste un escalón por debajo pero logrando un personaje lleno de dudas y tribulaciones muy complejo, al igual que la Huppert creaba a una loca inmersa en su mundo de devoción y que prefiere aislarse completamente de todo lo que tenga que ver con la vida mundana.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 7.0
Guión: 5.5
Actuación: 8.0

TOTAL: 6.5

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The Last Wave (La Última Ola)

Título: The Last Wave


Director: Peter Weir


Año: 1977


País: Australia


Duración: 106

Una serie de extraños fenómenos meteorológicos está asolando Australia (y podemos pensar que el resto del mundo). Principalmente lluvias torrenciales e incluso granizadas totalmente fuera de temporada y lugar. Al mismo tiempo, David (Richard Chamberlain), un abogado de Sydney, se ve envuelto en un caso de asesinato supuestamente cometido por unos negros, probablemente aborígenes. Entrar en contacto con ellos le permitirá descubrir su propia naturaleza dentro de la estructura del mundo y la mitología de los aborígenes, y la relación con esos extraños cambios que el planeta está sufriendo.

El primer plano del film, una declaración de intenciones con la naturaleza cerniéndose sobre el hombre.

Dentro de la Ozploitation hay una tendencia extraña y muy destacable: la naturaleza como elemento peligroso para el ser humano. No hay más que pensar en Largo Fin de Semana como paradigma, pero ahí estaría también Razorback, por poner otro ejemplo. Y la presente cinta, por supuesto. Aunque aquí, mezclando ese principio con la magia premonitoria tribal y ese cierto respeto hacia la sabiduría chamánica de las civilizaciones que vienen de antaño. Un poco como se intenta hacer creer ahora con los mayas y su Apocalipsis predicho hace cientos de años con precisión quirúrgica.

Con este planteamiento, la historia se presenta en un modo muy serio y sobrio, sentando las bases ya desde un comienzo y sin dejar aire a un mínimo de tinte cómico. Y ese es uno de los principales problemas que se le pueden achacar, pues la tremenda pretenciosidad con la que parece presentarse esta sobriedad, hace que en su parte central la cinta se vuelva pesada e incluso un poco repetitiva por lo obvio de cómo se va a desarrollar el final, que no da llegado jamás. Eso sí, se agradecen los temas que trata, como el desprecio actual a esas tribus que viven de manera diferente a nuestras costumbres occidentales, en una visión de superioridad absurda, además de esa idea conjunta que rodea a la historia de la naturaleza como una fuerza imparable contra la que ni siquiera el progreso puede hacer nada.

Aerolitos de hielo, o que en Australia, cuando graniza son unos exagerados.

A ello también ayuda, eso sí, la puesta en escena de Peter Weir, siguiendo ese mismo punto de sobriedad absoluta que plantea el propio guión y que se mezcla, especialmente en las secuencias oníricas, con una pausa y una calma que hace que el tiempo apenas sea capaz de avanzar. Ojo, y con ello no quiero decir que se haga aburrida, sino que es como si faltase un poco de aire, con alguna subtrama o algún momento un poco más distendido para acabar de dar ritmo y ansia de historia.

También influye al respecto la frialdad con la que Richard Chamberlain interpreta al protagonista, alejándolo del espectador y sin ser capaz de transmitir todo lo que le pasa por la cabeza al personaje a pesar de que está bien actuado y resulta creíble, pero se escapan demasiadas cosas entre el propio guión, la representación del personaje y su forma de meterlo en la historia, que hacen que se eche de menos algo más de chicha, en lugar de ese alargamiento constante de escenas.

Por otra parte, también se echa de menos que el guión consiga un poco más de coherencia en sí mismo, y un poco más de unidad entre las escenas, donde se salta de un lado a otro y los personajes evolucionan a golpes, provocando además que el montaje de Max Lemon pegue cortes brutales entre una situación y la siguiente, dejando al espectador al borde de perderse en cuanto a lo que está sucediendo. Suerte que precisamente esa estructura monotrama no nos permite que se nos vaya la olla. Por cierto, espectacular al respecto la mezcla en montaje entre los tiempos oníricos y la realidad, consiguiendo bastante bien crear un mismo espacio para ambos, tal y como se va describiendo en la historia, y que hacen que los sueños cobren muchísima importancia.

Tiene la suerte de no estar parado en un semáforo.

Russell Boyd se encarga de la fotografía, destacándose precisamente ese punto extraño en los momentos oníricos, que se mezcla con la más absoluta sobriedad, y recorriendo una gama de espacios absolutamente de locura, consiguiendo zafarlos bastante bien en cuanto a una perspectiva realista y coherente. Respecto al sonido, interesante ese uso constante del silencio y de los graves, jugando con la presencia habitual del didgeridoo, colaborando totalmente en ese ambiente extrañado e irreal que tiene gran parte del film al tiempo que nos referencia al mundo de los aborígenes.

Y ya hemos hablado del papel que hace Richard Chamberlain, pero también deberíamos destacar en el reparto a una Olivia Hamnett que en un comienzo arranca muy bien y creíble, aunque precisamente la evolución del personaje vaya haciendo que ella se fuerce en exceso y no aparente en absoluto esa naturalidad del principio. Mucho más interesantes en cuanto a coherencia David Gulpilil y Nandjiwarra Amagula, que si bien, especialmente el primero, están un poco forzados, consiguen mantener el personaje en una línea lógica todo el film, destacándose Amagula.

Un abogado blanco intentando aprender cosas de un chamán aborigen. Ver para creer, oigan.

Resumen:
Una película con un mensaje ecologista mezclado con ese respeto divinizador hacia la sabiduría antigua, excesivamente sobria para el tipo de historia que plantea, y con un guión que podría haberse trabajado un poco más.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 6.5
Guión: 5.5
Actuación: 6.5

TOTAL: 6.5

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