Cineuropa 2012 (I): Bella Addormentata

Título: Bella Addormentata


Director: Marco Bellocchio


Año: 2011


País: Italia / Francia


Duración: 115

Comienza Cineuropa 2012, así que haremos los oportunos análisis de todo lo que veamos en el festival como venimos haciendo otros años. Solo que este año intentaré que sean un poco más largas y se adapten al estilo común del blog (sin tampoco ponerme con análisis profundos, que espero que sean un montón de pelis en apenas un mes y no hay tiempo). La primera de las películas a las que asistí fue esta Bella Adormentata.

La peli es una reflexión sobre la eutanasia basada en el caso real de Eluana Englaro, aprovechando la situación para mezclar 4 tramas, una con un diputado íntegro (Toni Servillo) que está en contra de la ley para evitar la eutanasia que intenta aceptar Berlusconi (yendo nuestro personaje, de este modo, contra su propio partido) que se mezcla con otra con la hija de este diputado (Alba Rohrwacher), una cristiana devota que abomina del que puedan dejar morir a alguien por mucho que sufra y se enamora del hermano (Michele Riondino) de un loco violento que defiende la eutanasia. La tercera de las tramas habla de una actriz retirada (Isabelle Huppert) que se dedica a intentar ser una santa para ver si así se despierta su hija en coma y por último está la historia de un médico (Pier Giorgio Bellocchio) que intenta salvar a una yonki (Maya Sansa) de sí misma mientras ella solo pretende suicidarse.

Las historias en sí mismas funcionan bastante bien y ese aire de realidad al mezclar momentos de imágenes de archivo les ayudan al respecto. De todos modos, la duración y repetitividad de las mismas acaban pasando algo de factura al salpicar demasiados detalles, terminando por crear un ritmo bastante a golpes. Además, la perspectiva que le da Bellocchio al film es tremendamente moralista, y por desgracia en cuanto a la visión cristiana de la palabra. Por fortuna no cae en un maniqueísmo absurdo y busca dar ambas visiones, aunque no se llega a mojar en absoluto en ninguna y, como digo, el aire cristiano es el que acaba corrompiendo todo el mensaje. Por otra parte, destacaría también la reflexión que se hace sobre el aprovechamiento de la vida y el talento que es la trama de la actriz, además de esa crítica al sistema que plantea la trama con el diputado, dejando ver así también lo corrupto y asqueroso del sistema.

El aspecto visual no es nada especial, con una fotografía correcta, realista y según los cánones actuales y un montaje que se salva sin mayores aspavientos. Destacar, eso sí, la inclusión de esos momentos de imagenes reales de Berlusconi, manifestaciones y comentarios políticos que nos hace entrar en los atisbos de realidad del film. Por cierto, a enmarcar las actuaciones de Isabelle Huppert y Toni Servillo, estando éste un escalón por debajo pero logrando un personaje lleno de dudas y tribulaciones muy complejo, al igual que la Huppert creaba a una loca inmersa en su mundo de devoción y que prefiere aislarse completamente de todo lo que tenga que ver con la vida mundana.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 7.0
Guión: 5.5
Actuación: 8.0

TOTAL: 6.5

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The Last Wave (La Última Ola)

Título: The Last Wave


Director: Peter Weir


Año: 1977


País: Australia


Duración: 106

Una serie de extraños fenómenos meteorológicos está asolando Australia (y podemos pensar que el resto del mundo). Principalmente lluvias torrenciales e incluso granizadas totalmente fuera de temporada y lugar. Al mismo tiempo, David (Richard Chamberlain), un abogado de Sydney, se ve envuelto en un caso de asesinato supuestamente cometido por unos negros, probablemente aborígenes. Entrar en contacto con ellos le permitirá descubrir su propia naturaleza dentro de la estructura del mundo y la mitología de los aborígenes, y la relación con esos extraños cambios que el planeta está sufriendo.

El primer plano del film, una declaración de intenciones con la naturaleza cerniéndose sobre el hombre.

Dentro de la Ozploitation hay una tendencia extraña y muy destacable: la naturaleza como elemento peligroso para el ser humano. No hay más que pensar en Largo Fin de Semana como paradigma, pero ahí estaría también Razorback, por poner otro ejemplo. Y la presente cinta, por supuesto. Aunque aquí, mezclando ese principio con la magia premonitoria tribal y ese cierto respeto hacia la sabiduría chamánica de las civilizaciones que vienen de antaño. Un poco como se intenta hacer creer ahora con los mayas y su Apocalipsis predicho hace cientos de años con precisión quirúrgica.

Con este planteamiento, la historia se presenta en un modo muy serio y sobrio, sentando las bases ya desde un comienzo y sin dejar aire a un mínimo de tinte cómico. Y ese es uno de los principales problemas que se le pueden achacar, pues la tremenda pretenciosidad con la que parece presentarse esta sobriedad, hace que en su parte central la cinta se vuelva pesada e incluso un poco repetitiva por lo obvio de cómo se va a desarrollar el final, que no da llegado jamás. Eso sí, se agradecen los temas que trata, como el desprecio actual a esas tribus que viven de manera diferente a nuestras costumbres occidentales, en una visión de superioridad absurda, además de esa idea conjunta que rodea a la historia de la naturaleza como una fuerza imparable contra la que ni siquiera el progreso puede hacer nada.

Aerolitos de hielo, o que en Australia, cuando graniza son unos exagerados.

A ello también ayuda, eso sí, la puesta en escena de Peter Weir, siguiendo ese mismo punto de sobriedad absoluta que plantea el propio guión y que se mezcla, especialmente en las secuencias oníricas, con una pausa y una calma que hace que el tiempo apenas sea capaz de avanzar. Ojo, y con ello no quiero decir que se haga aburrida, sino que es como si faltase un poco de aire, con alguna subtrama o algún momento un poco más distendido para acabar de dar ritmo y ansia de historia.

También influye al respecto la frialdad con la que Richard Chamberlain interpreta al protagonista, alejándolo del espectador y sin ser capaz de transmitir todo lo que le pasa por la cabeza al personaje a pesar de que está bien actuado y resulta creíble, pero se escapan demasiadas cosas entre el propio guión, la representación del personaje y su forma de meterlo en la historia, que hacen que se eche de menos algo más de chicha, en lugar de ese alargamiento constante de escenas.

Por otra parte, también se echa de menos que el guión consiga un poco más de coherencia en sí mismo, y un poco más de unidad entre las escenas, donde se salta de un lado a otro y los personajes evolucionan a golpes, provocando además que el montaje de Max Lemon pegue cortes brutales entre una situación y la siguiente, dejando al espectador al borde de perderse en cuanto a lo que está sucediendo. Suerte que precisamente esa estructura monotrama no nos permite que se nos vaya la olla. Por cierto, espectacular al respecto la mezcla en montaje entre los tiempos oníricos y la realidad, consiguiendo bastante bien crear un mismo espacio para ambos, tal y como se va describiendo en la historia, y que hacen que los sueños cobren muchísima importancia.

Tiene la suerte de no estar parado en un semáforo.

Russell Boyd se encarga de la fotografía, destacándose precisamente ese punto extraño en los momentos oníricos, que se mezcla con la más absoluta sobriedad, y recorriendo una gama de espacios absolutamente de locura, consiguiendo zafarlos bastante bien en cuanto a una perspectiva realista y coherente. Respecto al sonido, interesante ese uso constante del silencio y de los graves, jugando con la presencia habitual del didgeridoo, colaborando totalmente en ese ambiente extrañado e irreal que tiene gran parte del film al tiempo que nos referencia al mundo de los aborígenes.

Y ya hemos hablado del papel que hace Richard Chamberlain, pero también deberíamos destacar en el reparto a una Olivia Hamnett que en un comienzo arranca muy bien y creíble, aunque precisamente la evolución del personaje vaya haciendo que ella se fuerce en exceso y no aparente en absoluto esa naturalidad del principio. Mucho más interesantes en cuanto a coherencia David Gulpilil y Nandjiwarra Amagula, que si bien, especialmente el primero, están un poco forzados, consiguen mantener el personaje en una línea lógica todo el film, destacándose Amagula.

Un abogado blanco intentando aprender cosas de un chamán aborigen. Ver para creer, oigan.

Resumen:
Una película con un mensaje ecologista mezclado con ese respeto divinizador hacia la sabiduría antigua, excesivamente sobria para el tipo de historia que plantea, y con un guión que podría haberse trabajado un poco más.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 6.5
Guión: 5.5
Actuación: 6.5

TOTAL: 6.5

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Caribbean Basterds

Título: Caribbean Basterds


Director: Enzo G. Castellari


Año: 2010


País: Italia


Duración: 96

Roy (Vik C. Ryan) y Linda (Eleonora Albrecht) son dos hermanos, hijos de familia poderosa. Un día, conocen a José (Maximiliano Hernando Bruno), otro niño pijo del cual Linda queda perdidamente enamorada. Al mismo tiempo, Roy se va cansando de ver cómo todos los que le rodean y hacen negocios con su padre son unos corruptos, así que convence a los otros dos para ejercer como una especie de piratas vengadores que repartan palizas a todos esos hombres. Pero pronto se verán enfrentados a mafias que controlan el movimiento de cocaína por la zona, además de a la policía e incluso al chamán local.

Una película que copia en plan exploitation el título de Malditos Bastardos, que a su vez era una copia de una película exploitation del propio director de la presente, ya es de por sí algo que llama solo por las veces que hay que usar la palabra exploitation en su descripción. Si además uno mira algunas imágenes, y descubre que también copia los trajes de La Naranja Mecánica, y usa máscaras de orcos y uruk-hai de El Señor De Los Anillos, uno se da cuenta que está bien ante una de las mayores tomaduras de pelo de la historia, bien ante una obra de amor al cine. Duda que tampoco se diluye una vez vista la peli, la verdad. Aunque yo opinaría que estamos ante lo segundo, al menos por parte del guión y la dirección, cosa que está bien, aunque a la producción probablemente le interesara más la utilización de esto para sacar dinero.

La verdad, la película es cutre de cojones, con un guión que no es capaz de aprovechar en lo más mínimo los resquicios de buenas ideas que puede tener el argumento, que aún por encima es llevado a imagen con una realización tremendamente televisiva en cuanto a la cantidad de luz que hay siempre y a la cercanía de los planos en las conversaciones. Supongo que porque no tenían pensado que esto se viese nunca en pantalla grande. De todos modos, el guión mete de la manera más zafia posible un sinnúmero de desnudos y unas cuantas peleas que terminan estando bastante mal coreografiadas pese a tener gente que parece tener un mínimo de idea sobre lucha. Por otro lado, la evolución de la historia es de lo más simplona y absurda, y si bien la trama avanza sin parar, es precisamente ese no parar y ese no intentar ni entender a los personajes -por otra parte, interpretados de un modo muy justito-, lo que lleva a una falta de conexión con el espectador. Con todo, lo que se lleva la palma en cuanto a destrozar la peli es el montaje. Una constante de efectos sin ningún sentido, como la cámara que tiembla en los golpes, un momento con el plano dividido en 3 para ver como se lían dos personajes o una extraña obsesión por repetir planos con distintos efectos de ralentizado y distorsión de la imagen, que parece el trabajo de un niño de 10 años que quiere probar todos los botones del programa. Vamos, un sindiós del que se puede sacar, al menos, un poco de acción, una historia que en sí podría ser una buena idea y unos cuantos desnudos totalmente gratuitos, además de un montón de guiños al cine entre los cuales, me quedo con la autoreferencia de que uno de los personajes diga, casi sin venir a cuento: "Vado... l'ammazzo e torno", título de la primera película dirigida por Castellari con su nombre en créditos.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 4.0
Guión: 4.5
Actuación: 3.0

TOTAL: 4.0

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Escuros, Roncos E Compasados irá a Cineuropa.

Ahora que ya es oficial, no puedo evitar anunciar por aquí que, después de una gira que nos llevó por gran parte de Galicia (queda Lugo como espinita clavada) y nos llenó de regocijo por la gente conocida y los momentos pasados, ahora le toca el turno a los festivales. Primera parada (y que a nivel personal debo decir que me ilusiona muchísimo): Cineuropa. Será el día 21 de Noviembre, a las 21.45, en el Centro Galego de Arte Contemporáneo (CGAC).

Este es el festival que, año tras año me hace pasarme gran parte de las horas de noviembre dentro de las salas que ofrece la zona monumental de Compostela disfrutando (y a veces sufriendo pero con ese placer escópico con el que se sufre cualquier peli) de todo lo que ofrecen. Así que haber conseguido que estén nuestros nombres en el cartel de un festival donde también se leen nombres como Michael Haneke, Alain Resnais (con Bruno Podalydès), Leos Carax o Pascal Laugier e incluso de amiguetes como Javi Camino o Paco Abelleira, es un orgullo. Por cierto, pásense a ver tanto el corto del primero, Lvoluten Osken (Hazlo Por Mí) como el docu del segundo (CoraSons).


Y por si aún no saben de qué va esto de Escuros, Roncos e Compasados, aquí está el trailer en ambas versiones, Youtube y Vimeo:

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El Erótico Enmascarado

Título: El Erótico Enmascarado


Director: Mariano Ozores


Año: 1980


País: España


Duración: 87

 
Manolo (Fernando Esteso) tiene un problema, y es que, a pesar de que años atrás fue un famoso actor porno superdotado, ha perdido su potencia sexual hasta el punto de volverse impotente. Todo por culpa de un desafortunado accidente en la cama. Y su novia Julia (Azucena Hernández) no aguanta más sin tener relaciones. Ahora Manolo debe ir a la clínica del dr. Alcañices (Antonio Ozores), un psiquiatra especializado en patologías sexuales que además no dudará en engañarlo para tener una excusa con la que divorciarse de su mujer, Marta (María Salerno), y así poder casarse con su amante, Azucena (África Pratt).

El nivel de absurdo a la hora de plantear un guión se puede mostrar ya desde el título, como ocurre en esta cinta. Una constante de humor grueso como marcan los cánones de la factoría Ozores, y más desde la llegada de la democracia. Una democracia de la que empieza hablando nuestro protagonista en una clase, dejando también pie a la crítica política y a los chanchullos que han venido a ser una tónica en todos los años democráticos de España (y en los antidemocráticos, vaya), dejando así unas cuantas pinceladas de ataque a la clase gobernante (y riéndose bastante de ambos lados) en medio de un guión donde el enredo y la falsedad de la gente son la base para un humor de chascarrillo simple pero efectivo y la muestra, sobre todo en la primera parte de la película, de señoras en porretas. Eso sí, al final el guión deja algunas cuestiones abiertas y no acaba de cuajar el comportamiento de algunos personajes, pero ya da lo mismo mientras la situación se vuelva lo más absurda posible.

Por supuesto, la dirección no deja nada a la imaginación en cuanto a esos cuerpos femeninos, y la base del desarrollo del film está más en el avance por diálogos que por acción, estableciendo secuencias largas en escenarios muy determinados, donde la evolución de la acción se alterna con conversaciones rocambolescas y llenas de malentendidos, en más de una ocasión con una segunda lectura picantona y donde no escasean los momentos que parecen más improvisaciones sobre una base que un guión cerrado e interpretado en sí mismo. En lo relacionado a la técnica, nada destacable, factura simple y de búsqueda realista en todos los aspectos visuales, con un par de momentos buenos pero sin pretensiones de destacar en absoluto, y un trabajo de sonido con doblaje pero bastante bien efectuado. Es decir, la tónica ozorista de la época.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.5
Técnica: 6.0
Guión: 5.5
Actuación: 6.5

TOTAL: 6.0

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Caminos Bizarros: Actualización Septiembre 2012

Venga, nueva actualización, pasando mediados del mes, de los Caminos Bizarros para llegar al blog, refiriéndonos en este caso a Septiembre, aunque estemos más cerca de Noviembre. Pero qué más da ya ni poner excusas de cambios, trabajo ni zarandajas varias. Anda, zarandajas, que palabra más bonita para poner en una de las actualizaciones más extrañas que he hecho hasta la fecha.

(Si quieren ver solo las de este mes, pulsen la entrada completa, que aquí ya las incluyo.)



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A Londoni Férfi (El Hombre De Londres)

Título: A Londoni Férfi


Director: Béla Tarr / Ágnes Hranitzky


Año: 2007


País: Francia / Alemania / Hungría


Duración: 139

Desde su puesto de trabajo vigilando las entradas y salidas de trenes en el puerto para mover las vías, Maloin (Miroslav Krobot) ve como desde un barco es lanzada una maleta para que otro hombre la recoja. Pero por lo visto no todo sale como debería, pues no tarda en volver a ver a ese misterioso hombre pelearse por la maleta, muriendo este último al caer al agua junto a la misma. Maloin, ni corto ni perezoso, se acercará al agua para rescatar la maleta, en la que encontrará un montón de libras esterlinas. Pronto llegará al pueblo el inspector Morrison (István Lénárt), buscando a Brown (János Derzsi), el hombre que había recogido la maleta, y acusándolo de un robo.

Bares, esos lugares comunes para Tarr y para toda la humanidad.

Obviamente, si algo se destaca de la adaptación de Béla Tarr de la novela El Hombre De Londres de Georges Simenon es la propia marca del director húngaro en la factura final del film. Especialmente si tenemos en cuenta que ésta es una de las que también firma como co-directora su montadora habitual Ágnes Hranitzky. Es decir, lo que aquí nos encontramos, dejando de lado el tema argumental que trataremos más tarde, es el prototipo de film rodado en estas colaboraciones: Planos que llegan a durar más de 10 minutos, un blanco y negro muy suave y para nada agresivo, mucho movimiento de cámara con grúa y un trabajo de sonido espectacular.

Esto, por supuesto, con la colaboración en la fotografía de Fred Kelemen, que consigue entender muy bien las necesidades visuales del film, y le otorga un aura increíble, tanto en momentos nocturnos como diurnos, aunque en algún momento lo lleve tan al extremo del juego con la luz y la sombra que acabe escapando del aura de realidad que tiene normalmente el cine de Tarr para incluso mostrarse como imágenes rodadas en estudios ex profeso. Pero bueno, por fortuna estos momentos se quedan en el muelle y poco más, y entre el montaje y la continuidad de las escenas acaban por quedar dentro de un todo concreto y definido.

Erika Bók, que siguió creciendo desde Satántángó.

Por otra banda, como decía, a ese trabajo de la imagen se suma, como es habitual, un trabajo de sonido magnífico donde cada elemento sonoro, partiendo de las gotas que caen a los pasos sobre la madera, cobra una importancia primordial para la ambientación realista del film. Eso sí, con unos doblajes a inglés y francés que rechinan un poco y no llegan a convencerme y con esa pretensión de linealidad sonora de la música de Mihály Víg y la repetición constante de motivos que, aquí, llegan a perturbar más de lo que aportan, eliminando la tensión visual de algún momento, solo en pos de una mayor continuidad.

Con todo esto, la historia que se nos presenta no deja de poder entenderse como una especie de destrucción o visión extrañada de una historia de cine negro, con su trama de investigaciones, de engaños y de robo, pero centrada en una visión concreta del protagonista, que al tiempo acaba proporcionando una visión colectiva de su mundo en esos escasos 2 días en que está ambientada la peli.

Por supuesto, con el criterio narrativo de Tarr, también debemos contar con una cierta simplicidad si miramos la historia en conjunto, como una falta de información por muchas partes en cuanto al guión, pero porque es la propia lógica narrativa de Tarr la que nos lo va dando progresivamente. Y al final, con esa simplicidad consigue crear un film complejo y denso, que mantiene la tensión narrativa constantemente y que llega a cerrar todo lo que quedaba abierto sin necesidad de explicarlo concienzudamente. Únicamente, quedaría alguna duda sobre lo que pasa a continuación con la mujer y la hija de Maloin.

Algo por lo que te jugarías un suspenso en un máster de fotografía. Pero Tarr está por encima de eso.

Las actuaciones, también serían de lo más criticable dentro del film, apoyando en exceso ese ritmo hiperpausado que tiene y resultando en algún momento difíciles de soportar precisamente por la parsimonia de las acciones, pero sobre todo de los diálogos. No obstante, respecto a esto, comentar también el plano en el que dos vendedores hablan sin parar y a toda velocidad, rompiendo ya no solo esa misma estética rítmica de toda la peli, sino incluso resultando rompedor en el cine de Tarr. Y también nuevamente esos doblajes, que hacen que los personajes y sus voces se distancien en exceso.

Destacar, si eso, a Miroslav Krobot que coge el papel protagonista y lo clava bajo estos preceptos que estamos comentando, tanto en los momentos de acción pausada como en la discusión con su mujer, dominando muy bien el lenguaje corporal y siendo capaz de mantenerse a buen nivel en esa mezcla de frialdad y capacidad de observación que tiene su personaje, consiguiendo con ello que el espectador se involucre.

También Ági Szirtes está impresionante en el poco trozo de peli en el que sale, consiguiendo aguantar un primer plano larguísimo, con lágrimas y todo, mientras escucha la verdad sobre su marido. Chapeau sólo por la actuación en ese plano. Una pena, por cierto, el doblaje de István Lénárt, el personaje con más texto, mezcla además de los 2 idiomas del film, inglés y francés y que queda forzado ya no solo cuando está en plano, sino incluso en off, como en ese momento que comentábamos de Szirtes. De todos modos, en cuanto al personaje, está bastante bien interpretado, aunque le falte transmitir un poco más de frialdad para acabar de darle carisma como investigador.

Ági Szirtes en ese pedazo de momento que citaba en el párrafo anterior.

Resumen:
Una película tendente al cine negro pero con la firma estilísica propia del cine de Béla Tarr, creándola a partir de planos muy largos en duración y un gran cuidado técnico para conseguir una ambientación magnífica que se ve obstruida solo por momentos y elementos puntuales.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 8.0
Guión: 7.0
Actuación: 7.5

TOTAL: 7.5

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