lunes, noviembre 19, 2012

Cineuropa 2012 (VIII): Amour

Título: Amour


Director: Michael Haneke


Año: 2012


País: Austria / Francia / Alemania


Duración: 125










Georges (Jean-Louis Trintignant) y Anne (Emmanuelle Riva) son dos ancianos profesores de piano retirados. Un día, Anne se queda mirando al frente sin reaccionar. Cuando Georges la consigue llevar al médico, deciden que hay que operarla de inmediato. Por culpa de un error en la operación, Anne termina por sufrir un infarto cerebral que irá degenerándola hasta dejarla dependiente al 100% de su marido, que sufre cada día más con la situación al verla postrada sin ser más que una sombra de sí misma.

Me gustaría poder empezar el comentario diciendo: Haneke lo ha vuelto hacer. Pero no puedo, salvo que me refiera a ganar la Palma de Oro. Y teniendo en cuenta que en los dos últimos años la han ganado cosas como El Tío Boonme Recuerda Sus Vidas Pasadas o El Árbol De La Vida, no estoy seguro de que estuviese diciendo algo bueno de la película. El caso es que aquí el estilo de Haneke ha desaparecido casi por completo, tirándose hacia una peli muy íntima y cercana a los personajes y abandonando esa frialdad con la que suele narrar y fotografiar el alemán. Siguen los planos secuencia largos y el gusto por las acciones completas, pero aquí la historia con su ternura y dureza y su desarrollo son lo que marcan el compás de la narración. Por otro lado, una historia que pese a lo dura que resulta, es sencilla y obvia a más no poder, perdiendo incluso, por culpa del fatal prólogo con que se nos obsequia, la posibilidad de destruír al espectador con un golpe de efecto violento cuando menos lo esperamos. Además, un final bastante insignificante que solo suma tiempo, aunque eso sí, son unos planos en los que nos reencontramos con el Haneke habitual, que por otro lado tiende a asomarse en cada aparición de Isabelle Huppert.
Todo ello, reducido a un mismo espacio y con un juego de elipsis genialmente tapado con los diálogos, otro de los puntos fuertes del film por su realismo y potencia.
 
Ahora bien, si obviamos la tremenda huella que suele dejar Haneke en sus pelis y que aquí casi no está, nos encontramos, como digo, con una peli dura, de esas que trabajan con la emotividad del espectador por medio del guión y que, si ha sufrido algún caso similar, se aprovechan para hurgar en esa herida. Y digo esto como algo muy positivo. A ello sumamos ese punto de alegría y conmoción en lo más profundo del alma cuando vemos a una pareja de ancianos en la cual uno de los dos sigue cuidando, con devoción, al otro, como si el amor que da título a la película cobrase en esos momentos un sentido real y absoluto. Además, las interpretaciones de Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva son para enmarcar. Especialmente la de ella, que cumple a la perfección con esa caída en picado que es su proceso degenerativo. El problema, como digo, es lo obvia que resulta la trama; problema que se resuelve con cierta falta de catarsis con los personajes y con lo que ocurre, también debido a lo poco de Haneke que sigue presente en cada plano.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 7.0
Guión: 7.5
Actuación: 8.5

TOTAL: 7.0

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Cineuropa 2012 (VII): Beasts Of The Southern Wild

Título: Beasts Of The Southern Wild


Director: Benh Zeitlin


Año: 2012


País: USA


Duración: 93










Hushpuppy (Quvenzhané Wallis) es una niña de 10 años que vive con su padre, Dwink (Dwight Henry) en un lugar llamado La Bañera, que queda en mitad de un bayou de Louisiana y donde la pobreza es la norma común entre sus habitantes. Saben que algún día llegará una tormenta que podrá destruir todo, sobre todo desde que se ha construído un dique para proteger la zona con más tierra del estado, pero ellos son felices allí y prefieren luchar para sobrevivir que escapar. Por eso podemos ver a estos supervivientes como bestias fuertes que aguantan los golpes y pelean hasta la muerte. Eso es lo que intenta transmitir a Hushpuppy su padre, sabedor de que a él le queda poco tiempo de vida.

Lo de un crío nacido en medio de las condiciones más difíciles y su capacidad para salir adelante jugando además con su imaginación no es que sea algo precisamente original. Desde Marcelino Pan y Vino hasta Tideland, mil pelis han adaptado este mismo concepto de un modo u otro. Pero bueno, también hablamos de una peli ganadora de un festival que se vende como "de cine independiente" como es Sundance, que sin embargo tiene colaboración de empresas como Skywalker Sound (que si alguien tiene dudas, sí, tiene relación con Lucasfilms). De todos modos, en esta película funciona la idea y está bastante bien hilada, con sus momentos tiernos y su catástrofe que no deja de ser una dura crítica contra el menosprecio que sufren los que están sin medios, sin que haya problema en hacer un dique que pueda aniquilarlos si con ello se salvan los más civilizados. Y sobre todo, sin pensar en lo que puede ocurrirle a la naturaleza.

Para ello, mucho uso de cámara en mano, una fotografía colorista y espectacular que nos muestra esa Louisiana profunda y toda la pobreza y suciedad del espacio ficticio que es La Bañera. A ello se suma un montaje cuyo mayor mérito está en ese juego de realidad, la voz en off de Hushpuppy y su manera de interpretar el mundo, así como la metáfora, bastante gratuíta, de los uros -que más bien son unos monstruos con rasgos de jabalí pero varios metros de tamaño-. El resultado, una historia bonita, con su parte de drama, su enseñanza sencillita de superación y lucha por la supervivencia y una narración sencilla y directa, que se suma además a la buena interpretación que hace Quvenzhané Wallis en la que era su primera peli.

Eso sí, con una cantidad de animales muertos e incluso algún momento de maltrato que me hizo esperar a buscar un aviso de que ningún animal había sufrido durante el rodaje. Un aviso que no vi.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 7.0
Guión: 7.0
Actuación: 7.5

TOTAL: 7.0

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Cineuropa 2012 (VI): Tabu

Título: Tabu


Director: Miguel Gomes


Año: 2012


País: Portugal / Alemania / Brasil / Francia


Duración: 118









En la Lisboa contemporánea, Pilar (Teresa Madruga) es una señora que vive sola y al lado de una anciana obsesiva, Aurora (Laura Soveral). Cuando la anciana se encuentra mal, su criada Santa (Isabel Cardoso) llama a Pilar, que le ayuda hasta que la llevan al hospital. Allí, Aurora le dará un nombre a Santa: Ventura (Henrique Espírito Santo). Es el nombre de un hombre que Pilar va a buscar, terminando este por contarle la historia de la juventud que él vivió con Aurora en África (ahí interpretados por Ana Moreira y Carloto Cotta).

La película no es que ofrezca nada excesivamente original más allá de su narrativa. El guión es básicamente un tópico en sí mismo de aventuras en África y triángulo amoroso mezclado con esos otros tópicos sobre que la gente no es quien parece y la soledad de la gente mayor hoy en día. Más allá de eso, poco nos llega a ofrecer. Pero al menos, dentro del guión se van metiendo ciertos guiños humorísticos e incluso esa amargura de la vida real y de los asuntos amorosos, que van haciendo más llevable todo el asunto de la historia que se nos cuenta.

Ahora bien, en cuanto a la cuestión narrativa, esto ya es harina de otro costal. La idea de rodarlo en 4:3 y en un blanco y negro muy granulado ya nos da una idea de que la intención es pretendidamente no comercial. Después, una voz en off nos narra mientras vemos un explorador quieto en mitad de la jungla y la sabana, hasta que descubrimos que esto es una película que ve Pilar. Después, la voz en off se apaga para ver la vida de esta señora, todo ello interpretado de un modo plano que hasta recuerda a Bresson y la no-actuación de sus modelos en algún momento y mostrándola principalmente en planos medios y con un montaje lo más simplista posible, prefiriendo siempre mantener en el plano toda la acción que cambiar para mostrar detalles o situarnos. A esto se suma cierta obsesión por acercar lentamente la cámara a las caras y algunos travellings bastante pretenciosos, eso sí. La segunda parte, recupera la voz en off y la mantiene como único elemento de comunicación vocal, dejando incluso en silencio planos en los que vemos conversaciones (silencio con sonido ambiente, ojo). El problema con todo esto es que una vez rota la sorpresa inicial no consigue dar a la película más que el aire de curiosidad, pues no llega a aportar nada a la historia contada porque además tampoco es que destaque en su fotografía, que es más bien normalita. Simplemente, muestra una idea narrativa llevada hasta su propio extremo.



PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.5
Técnica: 6.0
Guión: 4.0
Actuación: 5.0

TOTAL: 5.5

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domingo, noviembre 18, 2012

Caminos Bizarros: Actualización Octubre 2012


Creo que es obvio que este mes, con todo el tema de Cineuropa, ando con menos tiempo del habitual, además de estar metiéndome, como siempre, en más proyectos y movidas de las que debería. Pero sarna con gusto no pica, que dice el refranero, así que igualmente me siento en la obligación placentera de subir, ahora que tuve una horita para recopilarlas, las búsquedas de Octubre para Caminos Bizarros para llegar al blog.

(Si quieren ver solo las de este mes, pulsen la entrada completa, que aquí ya las incluyo.)



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viernes, noviembre 16, 2012

Cineuropa 2012 (V): Foxfire

Título: Foxfire


Director: Laurent Cantet


Año: 2012


País: Francia


Duración: 143










En plenos años 50, un grupo de chavalas de 15 años comienza a reunirse para enfrentarse a todos aquellos que les hacen la vida imposible, defendiéndose mutuamente y comenzando a verse atraídas por vivir libres de ataduras morales o legales. Cuando una de ellas es enviada al reformatorio, el resto vuelven a sus vidas cotidianas pero acaban fugándose a vivir juntas una vez sale la susodicha del reformatorio. Pero vivir por su cuenta no será tan fácil como ellas imaginaban, porque de algún sitio hay que sacar el dinero.

A mi es que me dicen que una peli tiene pandillas de mujeres, pienso en Switchblade Sisters y ya me tienen ganado. Qué quieren, soy así de simple. Así que me decidí a ver Foxfire. La verdad es que el comienzo es muy bueno, con un buen ritmo y sobre todo mala leche, aunque ya deja clara la intención en absoluto exploit de la cinta y la voz en off recordando la niñez (y que está basada en una novela escrita en primera persona) ya nos va poniendo en la situación de que puede intentar dar una enseñanza moral. Pero mola el macarrismo de las protagonistas y ese club que van montando en busca de la libertad personal y con perspectiva feminista dentro de la sociedad yankee de los años 50. Todo con ese ambiente de liberación escolar de pelis como El Club De Los Poetas Muertos o If.....

Ahora bien, según avanza la peli y el grupo de adolescentes comienza a enfrentarse a la vida por sí mismas, toda esa idea inicial se va diluyendo en una enseñanza de que en el mundo de los adultos hay que aceptar las responsabilidades y cargar con ellas, más allá de los ideales y de lo bonito que pudiese ser todo en sueños. Aún por encima, este tramo de la película es excesivamente largo y uno tiene la sensación de que se va alargando innecesariamente dando vueltas y más vueltas hasta que ya ha perdido todo el buen sabor del comienzo. Una pena, porque por otro lado está bastante bien filmada, a pesar de un exceso de uso de cámara-en-mano-que-se-mueve-un-poco-para-dar-sensación-de-realismo y algún momento del montaje como lo es el accidente que sufren las chicas en uno de sus viajes en coche. Y las actuaciones, pues discretas y sin resultar nada del otro mundo, pero tampoco horribles.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.5
Técnica: 6.0
Guión: 5.0
Actuación: 7.0

TOTAL: 6.0

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Cineuropa 2012 (IV): CoraSons

Título: CoraSons


Director:  Paco Abelleira


Año: 2012


País: España (Galicia)


Duración: 90










Cuando Isabel Leal comenzó a sacar fotografías a corazones que veía por la calle, en su casa o donde fuese para colgarlas en Facebook, no creo que pensara en absoluto en la repercusión que esa serie tendría. Con el motivo de la exposición de dichas fotos en el pub compostelano A Casa das Crechas (uno de los míticos de por aquí), se montó un pequeño concierto. Ahí nació el proyecto CoraSons, una idea donde la música se unía a las fotografías y que acabaría por crear un núcleo de artistas enorme hasta que en la semana santa de 2012 se llegaron a juntar 40 personas en Vilagarcía colaborando solo por amor al arte.

Siempre es difícil valorar objetivamente la obra de gente a la que conoces y con quien tienes un buen trato. Por eso, aviso desde ya que este comentario estará escrito con esa perspectiva de afecto a la gente de dentro del proyecto.

Lo que destila el documental, ante todo, es amistad y amor por el hacer cosas juntos entre todos los integrantes de lo que podríamos denominar el grupo CoraSons. Así lo dejan patente varios de ellos en sus declaraciones y esa es la sensación que transmiten. Ser un grupo de personas que se divierten haciendo lo que hacen bajo ese sello común y haciéndolo solo por el mero placer de llevarlo a cabo. Todo, desde una idea pequeña y divertida como es el ir sacando fotos a corazones, para acabar derivando en una serie de conciertos que se van moviendo entre Galicia y Portugal. Unos conciertos íntimos y cuya música transmite ese aire de complicidad entre músicos y cantantes y un buen trabajo tras las cámaras que nos lleva a ese ambiente y nos hace cómplices también a nosotros.

Ahora bien, si algo hay que achacarle al documental sería precisamente ese detalle de centrarse mucho en la parte musical -que probablemente sea la más potente a día de hoy- y olvidar en cierto modo la esencia con la que nacía todo el proyecto. Si bien las fotografías de Isabel Leal están presentes en todo el documental a modo de cortinillas, así como la propia Isabel, se pierde un poco el sentido del mensaje en una parte central donde acaba por centrarse casi exclusivamente en la música. Todo ello, jugando con grabaciones de declaraciones, de actuaciones y de ensayos que se enlazan muy bien, jugando con algunos planos realmente interesantes (el de Uxía con el espejo detrás donde también se ve reflejado el guitarrista cuyo nombre no recuerdo es genial) y un ritmo bastante bueno que solo se resiente en algún momento de las canciones. Que conste que además la parte musical, aún con todo el mundo que colabora, por lo pronto parece no haber perdido el norte y sigue funcionando como un encuentro entre artistas gallegos y portugueses para hacer algo conjunto y, sobre todo, lleno de corazón. Y así nos lo hace sentir el documental, que es lo más importante.




PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 7.0
Guión: 6.5
Interés: 7.0

TOTAL: 7.0

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lunes, noviembre 12, 2012

Cineuropa 2012 (III): Vous N'Avez Encore Rien Vu

Título: Vous N'Avez Encore Rien Vu


Director: Alain Resnais


Año: 2012


País: Francia / Alemania


Duración: 115









Un hombre llama a varias personas para informarles de que el dramaturgo Antoine d'Anthac (Denis Podalydès) ha muerto y les solicita ir a la lectura del testamento. Una vez allí, lo que d'Anthac les propone desde un vídeo es el hecho de ver una representación de su obra más reconocida, Eurídice, siendo todos los invitados actores de anteriores representaciones de la misma. Viendo esa representación revivirán momentos pasados juntos y se emocionarán de nuevo con la historia representada.

El sr. Resnais, aún a pesar de su avanzada edad (contaba 89 años el día del estreno de esta peli) sigue siendo un gran experimentador con la narrativa cinematográfica. Lo que aquí nos econtramos es una vuelta a películas como Hiroshima Mon Amour en cuanto a la insignificancia del espacio para la narrativa y donde la imaginación de los personajes, la realidad, la metaficción y la propia historia contada se van sucediendo para involucrarnos en las sensaciones de los protagonistas ante una obra de teatro concreta, que además se nos va representando a nostros mismos, gracias en gran medida a la colaboración de gente de la Comédie-Française tanto en el reparto como a la hora de crear las representaciones.

La fotografía de Eric Gautier juega en gran medida con los diferentes espacios narrativos, que en la realidad no son demasiados pero se multiplican a la hora de visualizarlos y ponerlos en pantalla. De este modo, plantea también la relación sentimental entre los personajes jugando al mismo tiempo con la banda sonora. Pero es en el montaje donde reside todo el juego de Resnais. Un montaje a 4 manos entre Hervé de Luze y Sylvie Lager que consigue, sin llegar a perdernos entre los cambios de personaje y de situación, jugar constantemente con 4 capas de realidad, entre las 2 representaciones de los espectadores que comienzan a actuar, la propia representación que están viendo y la realidad en la que se encuentran viendo el vídeo. Una maravilla que engancha con su ritmo y consigue una catarsis increíble con los personajes, independientemente del interés que pueda tener la obra teatral en sí misma (de hecho, a mí no es que me encantase, precisamente). Una pena el final, extraño y con una pretenciosidad poética que se queda en un quiero y no puedo, dejando una fea mancha y un regusto algo más amargo para una película que hasta ahí estaba siendo impresionante.


PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.5
Técnica: 8.5
Guión: 7.0
Actuación: 7.0

TOTAL: 8.0

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