Cineuropa 2011: Vol. II

Tercera semana de Cineuropa (contemos la primera media como entera), y segunda entrada. No me pasé tanto como otros años, puesto que realmente no había tanto que me llamase la atención, y aún estoy atendiendo a otros quehaceres, montando el documental y recuperando vida social sobre todo.

Así que aquí, brevemente, les comento las 4 que vi:


-Le Havre (O Havre) (Aki Kaurismäki, 2011):

Viendo esta peli, parece que Kaurismäki ha abandonado parte de su identidad de cuando rodaba por Finlandia, con actores que, a ojos del resto del mundo eran exageradamente fríos y lejanos, y un humor pesimista que rodeaba todo. Aquí, sigue habiendo humor y cinismo, pero también alegría, e incluso interpretaciones con cierta fuerza. Tampoco mucha, ojo. Y curiosamente, si obviamos la pretensión con la que uno entra en el cine al tener en cuenta el nombre del director, sí resulta una peli interesante, con su parte de crítica social y su punto de cuento fantástico que la hacen bastante entretenida.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.0 Técnica: 7.0 Guión: 7.5 Actuación: 7.0
Total: 7.0

-Los Pasos Dobles (Isaki Lacuesta, 2011):

Una historia de superación y búsqueda de tesoros donde la realidad, la narración con mucha voz en off y lo propio que cuentan los personajes se va liando y enmarañando totalmente hasta que es difícil discernir realidad o cuento dentro de la propia historia. Gracias a ello, hay un cierto aire fantástico que rodea todo el film, que cuenta también con una fotografía preciosista que aprovecha a la perfección los paisajes del desierto y de África en general.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.5 Técnica: 8.0 Guión: 7.5 Actuación: 7.0
Total: 8.0


-Road To Nowhere (Monte Hellman, 2010):

Cine sobre cómo se hace el cine, y metanarración donde no se duda en hacer homenajes al cine, metiendo incluso metraje de Las Tres Noches De Eva, El Espíritu De La Colmena y El Séptimo Sello. Aún así, juega a intentar liar la realidad y la narración, de tal manera que queda algo bastante liado y relativamente interesante, pero con una resolución final que, a estas alturas, queda bastante trillada y estropea mucho del trabajo previo. Y tampoco ayudan en absoluto las actuaciones, la verdad. Aún así, está bien fotografiada, y plantea varios planos bastante interesantes, así como un buen montaje que juega en los distintos mundos diegéticos.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.5 Técnica: 7.0 Guión: 5.5 Actuación: 6.0
Total: 6.5


-Essential Killing (Jerzy Skolimowski, 2010):

Una peli relativamente arriesgada, porque la persecución a que es sometido es el único leitmotiv que lleva al personaje a seguir adelante, jugando precisamente con la soledad del mismo, la adrenalina del casi ser pillado, y sobre todo por ponernos en la piel de un Afganistaní que huye ante la brutalidad norteamericana, con lo cual el mensaje político está más que claro al mismo tiempo que no existe, por ser una historia más centrada en la superación del siguiente obstáculo que en lanzar consignas. Muy bien fotografiada, mucha tensión y una buena actuación, esencialmente muda, de Vincent Gallo.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.5 Técnica: 8.0 Guión: 8.0 Actuación: 8.0
Total: 8.0

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Comienza Cineuropa 2011 y vuelvo a tener tiempo de atender al blog.

Se que ultimamente esto ha estado más parado de lo que debía. La razón: atender al próximo proyecto que estrenaré junto a Carlos Pensado sobre el Death Metal de los 90 en Galicia, al estreno de Un Hombre Está Tumbado En El Suelo, corto que lleva peleando por ello desde Mayo, y trabajar en la serie Escoba! que supongo que pronto podrán ver en la TVG. Y a eso le sumamos el estar haciendo un máster y seguir pretendiendo tener vida, así que imagínense. Pero bueno, la grabación de la serie ha terminado ya, así que podré centrarme en lo que toca en Noviembre en Compostela: atender a Cineuropa.



En la semana y media que llevamos solo he conseguido asistir a dos proyecciones, cosa que supongo variará a partir de hoy mismo porque también entra mucho de lo que me interesaba a priori. Pero eso ya es meterme en predicciones de futuro. Pasemos a comentar esas 2 que vi:


-Kiseki (I Wish (Milagre)) (Hirokazu Koreeda, 2011):

Una peli de Koreeda, con elementos de magia, mucha ternura y una evolución pausada y tranquila que se acerca al ritmo natural de la vida cuando la miramos con ilusión. Interesante en cuanto a este tratamiento del guión, y una pena que la copia proyectada no pareciese ser definitiva, pues había cambios de formato de imagen de 16:9 a 4:3, colándose micros en las de 4:3 y pareciendo tener menos curro en postproducción que las restantes. Aún así, la fotografía ayuda en cuanto a esa magia, y sigue a los críos por su aventura con bastante buen criterio. Con todo, hay momentos en los que la narración se hace larga y monótona en su estructura casi de road movie, porque tarda en arrancar y la acción paralela no ayuda en nada a los críos que la protagonizan, que no son capaces de llevar el peso dramático tanto como requería la historia.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.0 Técnica: 7.0 Guión: 6.0 Actuación: 6.5
Total: 6.5

-Die Überlebenden (Os Sobrevivintes) (Andres Veiel, 2010):

Un documental a priori interesante por su tratamiento del suicidio y de la muerte sobrevolando a la existencia. No obstante, le falta profundizar en la realidad y se queda demasiado en la superficie de la historia, dando una apariencia que, en caso de ser fake habría molado mucho pero aquí solo lo hace repetitivo y facilón, con entrevistas y una estructura no lineal que aparenta una pretensión de contar una historia mediante algo de suspense que no acaba de alcanzar. Eso sí, me gustó especialmente la objetividad que tiene, dejando en el aire todas las posibles soluciones al caso (aunque de pautas concretas en algún momento), y consiguiendo con ello que no sepamos como ocurrió todo en realidad.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.5 Técnica: 5.5 Guión: 5.0 Interés: 6.0
Total: 6.0

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The Cars That Ate Paris (Los Coches Que Devoraron París)

Título: The Cars That Ate Paris


Director: Peter Weir


Año: 1974


País: Australia


Duración: 84

Arthur (Terry Camilleri) sufre un accidente a la entrada de un pueblo perdido en la mitad de la Australia rural llamado Paris cuando viajaba con su hermano George (Rick Scully). George muere, pero Arthur no, y se queda viviendo en el pueblo, acogido por el alcalde (John Meillon) y bajo tratamiento psiquiátrico. Durante su estadía en el pueblo, comprobará que los accidentes son mucho más comunes de lo habitual y que acaban beneficiando a todos los habitantes del mismo de un modo u otro. Y que la juventud también está obsesionada con los coches, pero desde el punto de vista más violento.

Clásico desayuno de hospital, claro.

Todos los que tenemos una relación más o menos afectuosa con el cine de explotación, somos conscientes de que, con relativa asiduidad, alguna peli con un título y/o una portada cojonuda, nos va a atraer irremisiblemente para, al final, acabar siendo un producto totalmente distinto del que se nos anunciaba a priori. Y habitualmente, por qué no decirlo, un truñaco, con claros ejemplos en cosas como Los Surfistas Nazis Deben Morir o Shaolin Vs. Evil Dead.

Aquí, desde luego, algo de esto pasa, pues no hay apenas coches que devoren, al menos hasta el final (y no es que sean coches que coman casas o gente, solo las destruyen), pero tampoco hay Paris, o al menos no el Paris que todos pensamos como ciudad francesa, sino que es un pueblo perdido en mitad de Australia, de hecho inventado hasta donde yo sé, pues el film está rodado en Sofala, NSW (aunque haya un Paris en Texas, que perfectamente podría identificarse con este). Y desde luego, no hay nada de la acción que un título como este promete, ya que la peli funciona, en su mayor parte, gracias al diálogo.

Recuerdan V? pues esto mola más.

Debido a este exceso de diálogo, el ritmo que desarrolla no es excesivamente alto, y en ciertos momentos realmente puede llegar a aburrir. No obstante, se hace muy interesante el trabajo que existe de desarrollo, centrándose en la experiencia del protagonista de un modo muy sutil y aparentemente externo al mismo, aunque remate por funcionar más subjetivamente, al saber nosotros tanto como él de lo que ocurre por el pueblo creando con ello un guión extraño y complejo, donde como dice en el cartel casi todos los personajes restantes son asesinos, aunque sea de modo indirecto.

Así que con ello, Weir consigue transformar lo que en un principio podría parecer una peli de coches asesinos al estilo Christine, en algo que bebe de 2000 Maníacos pero con coches tuneados de manera bestialmente irreal, recordando a lo que vendría después en La Carrera De La Muerte Del Año 2000, especialmente destacando ese escarabajo que da imagen al film, y que juega con la conspiración del pueblo más que con la violencia que sería más de esperar. Además no escapa de mostrar un poco de gore en un par de ocasiones, y el final es donde sí junta un montón de violencia, que también se gotea en partes a mitad del metraje.

Uno va andando por el campo, se encuentra esto, y algo impresiona, oiga.

Por el resto, una puesta en escena tranquila y tendiendo a lo estático, coherente con esa profundización del diálogo, y con una cámara que juega, sin arriesgar demasiado pero también sin pretender ser excesivamente clásica, con mucho plano general que se mezcla con los primeros planos obvios para dichos diálogos. Todo ello, con un uso de la luz en la fotografía de John McLean que tiende a lo realista, tirando a un poco apagada para dar mayor tranquilidad al desarrollo de la historia y no influir en él, pero apoyando con ello mucho más en la extrañeza que comentábamos más arriba.

Extrañeza a la que también ayudan las actuaciones, distantes en su mayoría, empezando por Terry Camillero, que en todo momento parece estar absolutamente perdido en cuanto a lo que le rodea, y chocando con John Meillon en cuanto a cómo este domina la pantalla en sus apariciones, pero también quedándose en la distancia, consiguiendo dar un aire de psicópata al personaje.

De verdad que esto es de una peli de cohes.

Los restantes, más o menos en la misma línea, sin llegar a sobrarse pero tampoco destacando excesivamente. Si acaso, citar a Bruce Spence, que parece realmente un colgado absoluto desde un comienzo, y a Chris Haywood, quien hace un perfecto psicópata en el papel que interpreta, aunque en algún momento llegue a resultar excesivo en el mismo.

Respecto al montaje, que no se nos debe olvidar, comentar que el trabajo sigue las líneas trazadas desde el guión y la dirección, es decir, mucha tranquilidad y pausa, primacía de los diálogos, y como mucho incidir en esas presentaciones de violencia con coches que hay esparcidas por el guión, rompiendo con la estructura y dando un aire muy bueno e interesante para el espectador, como picos destacados dentro del film.

Y el trabajo sonoro, pues en esa misma línea, tendiendo a lo realista pero, eso sí, excediéndose en la calma que transmite mediante la banda sonora, que lleva a un poco de apatía al concepto general de la peli, aunque también, en ocasiones, ayuda en el extrañamiento precisamente por lo tranquila que resulta para mostrar accidentes, por ejemplo. También hacer hincapié en alguna ocasión donde se hace patente el trabajo a posteriori del sonido, cosa que desde luego me gusta pero si se hace bien, no con un perro que vemos ladrar pero no lo oímos o una palmada que tampoco llega a escucharse.

Ojalá las reuniones de tuneros fuesen así.

Resumen:
Una peli que, pese a su título y su cartel resulta ser una obra basada en diálogos y en una trama extraña y sucia, donde la acción solo aparece en contadas ocasiones, y el punto de vista externo se mezcla con los pocos conocimientos del protagonista y un trabajo técnico que no deja de apoyar cierto extrañamiento hacia el espectador.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 7.0
Guión: 6.5
Actuación: 7.5

TOTAL: 7.0

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Caminos Bizarros: Actualización Octubre 2011

Como cada mes, una nueva actualización para seguir viendo hasta donde llega el ser humano en internet para llegar al blog, en Caminos Bizarros para llegar al blog! Y qué quieren que les diga, parece que la cosa sigue aumentando poco a poco, y yo sigo impresionado con lo que busca la gente en su soledad ante el ordenador...

(Si quieren ver solo las de este mes, pulsen la entrada completa, que aquí ya las incluyo.)



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Las Autonosuyas

Título: Las Autonosuyas


Director: Rafael Gil


Año: 1983


País: España


Duración: 89

El alcalde de un pueblo llamado Rebollar de la Mata, Austrasigildo (Alfredo Landa), decide que al igual que están haciendo otras zonas de España como son el caso catalán o el vasco, va a pedir la autonomía. Para ello, creará el farfullo, un lenguaje igual al español pero que en lugar de 'p' usa la 'f', basado en una tara del propio Austrasigildo, y establecerá unos dominios históricos que sirvan para justificarlo. De este modo, él y los alcaldes vecinos acabarán medrando económicamente de mala manera, salvo que la vieja guardia lo impida.

Desde siempre, en España es hablar de autonomías, y ya tienen que saltar, indefectiblemente, las voces clamando al cielo por la unidad del país y esa obsesión por agarrarse al Una, Grande Y Libre, que parece ser el último estigma del fascismo socialmente aceptado (el resto, aunque presentes, se procuran ocultar más, no vaya a ser). Así que aquí, como no podría ser de otra forma con gente de talante tan poco progresista como Alfredo Landa protagonizando, Fernando Vizcaíno Casas escribiendo o Rafael Gil dirigiendo, lo que se hace es una crítica desde la profunda derecha, a pesar de no carecer de ciertas verdades, hacia las búsquedas de autonomía. Además, con un final que deja claro el posicionamiento de los autores de un modo brutal y ridículo, y un montón de guiños profundamente reaccionarios, que no dejan de tener cieta coña si uno se deja la ideología en el bolsillo. Aún así debo reconocer que la peli deja en muchos momentos de lado la camisa azul y simplemente se dedica a reírse y criticar todo lo que ahora también critican los movimientos de indignados, es decir, la absurda corrupción y mejora personal que suponen los gobiernos, aún en democracia, y lo poco que importa el pueblo para los gobernantes y sus decisiones.

Para ello, una peli típica de su tiempo en el cine español, con deficiencias técnicas por todas partes como un sonido que es un martirio a veces (y más con lo importante que sería para apreciar claramente el farfullo), un montaje que incluso hace que se noten las repeticiones de tomas (el paseo ante la farfutola como ejemplo), o una puesta en escena de lo más cutre y sosa. Además, un guión pobre y basado en una continuidad que pasa de resolver ni profundizar en ningún conflicto. Las actuaciones, al menos están solventadas más o menos por el tono de comedia, eso sí. Y con todo, la peli se hace entretenida y tiene sus buenos detalles, como decía antes. Pero claro, siempre si nos abstraemos del sesgo obvio que existe por mucho que intenten ocultarlo por medio de cosas como al principio del film justificarse y exculparse hacia las nacionalidades históricas, cosa que también choca frontalmente con los agradecimientos a la Fundación Francisco Franco de los créditos finales (aunque sea porque les prestaron material del caudillo).

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.0
Técnica: 4.5
Guión: 5.0
Actuación: 6.0

TOTAL: 5.5

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Mille Dollari Sul Nero (Baño De Sangre Al Salir El Sol)

Título: Mille Dollari Sul Nero


Director: Alberto Cardone (firmando como Albert Cardiff)


Año: 1966


País: Italia / Alemania Occidental


Duración: 99

Johnny Liston (Anthony Steffen) llega a su pueblo tras haberse pasado 12 años en prisión. Allí se encuentra con que su hermano Sartana Liston (Gianni Garko) se ha erigido como un cacique local violento y temido. Ni corto ni perezoso, Johnny se enfrentará a su propio hermano en pos de una justicia que el pueblo no le dio en su día.

Dentro de lo que fue el Spaghetti Western, destacan por lo queridos que fueron por las productoras algunos personajes (diremos que por los aficionados también, aunque a muchos se la sudase un poco el cotarro con tal de ver violencia y tiros). Ejemplos paradigmáticos serían Django, Keoma o el personaje sin nombre de Clint Eastwood por lo que marcaron y su gran importancia en el imaginario del género. También esto ocurriría con Sartana, aunque le costase un poquillo entrar en él, después de aparecer aquí como un antagonista brutal y ni siquiera ser representado en el título, solamente en Alemania Occidental e Italia, pero tiempo después de su estreno.

Y esta primera aparición ante el público del personaje interpretado por Gianni Garko (que después interpretarían otros, además de él en repetidas ocasiones), está marcada por la estela de un western con muchos tintes de melodrama como es tradicional en el spaghetti, pero con la violencia dominándolo todo, por supuesto, aunque apenas se vea sangre. Rodado con un estilo que, aún resultando plano en ocasiones, es más que interesante y nos deja un gran sabor de boca gracias a planos magníficos y arriesgados en sus posiciones. Eso sí, peca de un montaje que no está a la altura y por ejemplo en peleas y tiroteos acaba haciéndose pesado y lento, contrariamente a la acción que representa. También ayudan a ello las coreografías, planas y falsas, y el sonido también extremadamente falso, con puñetazos que suenan a golpe de vara, como las hostias del cine de kung fu. Pero claro, eso sirve si es Gordon Liu quien da las galletas, no unos italianos torpones. No obstante, el guión, con sus tintes de melodrama que no vamos a negar, funciona lo bastante bien como para que la peli se haga interesante y acabe siendo resultona y relativamente original dentro del panorama del spaghetti western, también gracias a las actuaciones, por mucho que los personajes terminen por ser planos y obvios.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 6.0
Guión: 7.5
Actuación: 7.5

TOTAL: 7.0

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Das Wachsfigurenkabinett (El Hombre De Las Figuras De Cera)

Título: Das Wachsfigurenkabinett


Director: Leo Birinsky / Paul Leni


Año: 1924


País: Alemania


Duración: 83

Un hombre (William Dieterle) consigue trabajo como publicista de una caseta de figuras de cera. Allí se encarga de escribir historias para los personajes exhibidos, y escoge para ello a Harun Al-Rashid (Emil Jannings), un vicioso califa que intenta seducir a la mujer de un panadero y a Iván El Terrible (Conrad Veidt), que se obsesiona con que le intentan matar para usurparle el puesto, convirtiéndose estos relatos en la base fílmica que se nos presenta.

Lo más tópico a la hora de pensar en relatos enmarcados en relatos, es pensar en Las Mil Y Una Noches. Y aquí, casualmente, incluso resulta obvia la influencia en la historia ambientada en Bagdad, donde además algún plano en la huída me hizo pensar en El Ladrón De Bagdad. Esto último no se si por plagio o coincidencia ya que son del mismo año. Aún así, lo importante aquí es la manera de mezclar los relatos, usando ya la ahora clásica fórmula de presentar a los protagonistas de la historia continente en la historia contenida ejerciendo un papel también protagonista, de modo que desde un principio vayamos cogiéndoles cariño.

El caso es que las historias, enlazadas por esa publicidad para el gabinete de las figuras de cera, giran en torno a tiranos gobernando y dominando cruelmente a su pueblo, la primera más con el aire de aventura oriental, y la segunda desde una perspectiva cercana al terror y al drama, dando con esto bola a esa teoría de Kracauer que hablaba de visiones y temores al nazismo en la etapa expresionista del cine alemán. Todo ello, eso sí, planteado con una puesta en escena tirando a plana y poco dinámica incluso teniendo en cuenta su año de producción, aunque con algunos aciertos de imagen como serían el reflejo en el diamante del califa, o algún fondo de escenario recogiendo parte de la estética caligarista y un poco muy poco del expresionismo ortodoxo. Este caligarismo, eso sí, mucho más utilizado en la escena final, donde se mezcla con tintes de impresionismo y, mediante superposiciones, logra una secuencia onírica llena de movimiento y extrañeza muy agobiante y muy interesante.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 7.0
Guión: 6.5
Actuación: 7.0

TOTAL: 7.0

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