O Apóstolo

Título: O Apóstolo


Director: Fernando Cortizo


Año: 2012


País: España (Galicia)


Duración: 80

Ramón es un peregrino que está llegando a Santiago de Compostela. Pero decide pararse en una pequeña aldea cercana con intenciones cuanto menos dudosas. El problema reside en que los habitantes de la aldea también tienen sus propias intenciones, tanto con él como con otros peregrinos que también están haciendo noche allí. Así que Ramón se verá envuelto en una trama donde los habitantes no son lo que parecería a primera vista.

Haciendo un alto en Cineuropa, aunque sin salirme de la tónica galeguista y compostelana que tenía en el día, me pasé a ver O Apóstolo. Que un festival de cine no es suficiente cine para uno.

La película funciona muy bien en su ambientación y bastante bien en cuanto a la historia, bebedora de ese tópico que es El Cabrón del Campo pero mezclándolo con mitología gallega como es la Santa Compaña y con el propio Camino de Santiago. Tiene sus defectos, por supuesto. El principal de ellos, lo obvio de su argumento, aunque la explicación al comportamiento de los aldeanos está bastante bien conseguido. Destacar, positivamente, el momento con animación 2D para dicha explicación, donde el tono medieval de los dibujos y el aire surreal de la narración le hacen ganar muchos enteros innovando en la perspectiva con la que vemos la cinta. Pena de lo mal que se acopla ahí la música. Pero sobre todo destaco, como digo, la increíble ambientación, llena de rasgos expresionistas y decadencia (la misma decadencia que se puede ver en cualquier aldea gallega casi abandonada, pero con árboles muertos alrededor en lugar de una flora que se apropia de todo). Una pena que el uso de la luz no esté del todo bien definido de cara a crear un poco mejor las sombras y sobre todo la noche. Por cierto, también a este respecto habría que hablar muy positivamente de esas recreaciones de la Catedral y de la muralla de Lugo, además de los guiños que encontraremos (me quedo con esa aparición de las revistas Culturall y Scifiworld).

Por el lado menos amable, se plantea lo más difícil del stop-motion con plastilina, es decir, la propia animación en sí misma, que aquí se queda a las puertas de funcionar correctamente sobre todo en cuanto al doblaje de personajes y al suavizado de los movimientos que al final en pantalla solo acaba arrastrando frames de una manera un tanto incómoda en la primera parte de la película. Por otro lado, esos doblajes tampoco se ven muy favorecidos por los diálogos y los muñecos y los actores no acaban de acoplarse mutuamente salvo en algunos casos como el de Manuel Manquiña o el de Geraldine Chaplin, por muy bien construido que esté el sonido, que lo está. Curiosamente, en el caso de Jorge Sanz también ocurre, aunque no se si es porque vemos al muñeco con tanta capacidad de transmitir emociones como al actor madrileño en la mayoría de sus papeles.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 7.5
Guión: 7.0
Actuación: 5.5

TOTAL: 7.0

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Cineuropa 2012 (XI): Fóra

Título: Fóra


Director: Pablo Cayuela / Xan Gómez Viñas


Año: 2012


País: España (Galicia)


Duración: 95

(Nota: Obviamente, este no es el cartel oficial de la película,

solo corresponde a las letras de título, alargadas por cierto por este blog)

El Hospital Psiquiátrico de Conxo, situado en la zona sur de Compostela, es el más antiguo de los centros de este tipo de Galicia, datando de 1873. Por supuesto, en estos casi 140 años de historia como manicomio (antes fue un monasterio) la ciencia y la psiquiatría fue evolucionando y por ende el Psiquiátrico fue testigo de estos cambios. En este documental vemos ese cambio, centrándonos en momentos claves como fueron la 2ª República o las reformas llevadas a cabo en los años 70. Momentos que marcaron el devenir del hospital, pero también de su pueblo (desde 1925 barrio de Compostela) y por supuesto de sus pacientes y trabajadores.

Temo, en primer lugar, que este documental peque de cierto toque localista que a mí, como compostelano, se me pueda escapar. Pero bueno, es que no es fácil escapar de la significancia que tiene para mí el Hospital Psiquiátrico de Conxo. Ni yo, ni me temo que ningún compostelano, pues es un lugar mítico e indispensable de la ciudad y su vida hasta el punto de que no se pueda decir que se va a Conxo sin comentarios jocosos o a llegar a inspirar una expresión como Conxo: Capital Mundial Da Movida Mental. El documental juega en gran medida con eso, y probablemente fue el motivo por el que llenó sala en este estreno dentro del festival compostelano (Dani Villaverde y servidor pensamos que tendríamos que irnos de cañas).

Los directores Pablo Cayuela y Xan Gómez Viñas plantean una narración que juega con material antiguo filmado, escritos, entrevistas e incluso la lectura de textos y un programa de Televisión Española del año 83 en su desconexión territorial gallega. Y juegan con ellos en el sentido más ambiguo de la palabra, puesto que el documental funciona en su totalidad desde una perspectiva de la experimentación, mezclando todo ello de manera casi lúdica como creadores pero con un discurso que se hila bastante bien. El problema es que ese nivel de experimentación tan elevado parece irse de las manos cuando asistimos a esas lecturas de fragmentos durante minutos (y con la lectora en imagen) o vemos también varios minutos (creo que bastante más de 5) del programa, donde discuten personajes implicados en las reformas que en los años 70 sufrió el centro. El problema es que la exposición continuada a ese ritmo disperso y a esos discursos demasiado largos y tendentes a lo literario acaban perdiendo al espectador a poco que se permita no tener el cerebro en clave de atención absoluta. Y es complicado exigir ese nivel de atención durante más de 90 minutos, sobre todo cuando no se aprovecha para profundizar absolutamente en ninguna de las posibles tramas de investigación que plantea el documental.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.5
Técnica: 5.0
Guión: 5.0
Interés: 6.0

TOTAL: 6.0

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Cineuropa 2012 (X): Io E Te

Título: Io E Te


Director: Bernardo Bertolucci


Año: 2012


País: Italia


Duración: 103

Lorenzo (Jacopo Olmo Antinori) es un chaval de 14 años que tiene una excursión a la nieve con su colegio. El problema está en que él no quiere ir porque no es que le gusten demasiado sus compañeros pero tampoco defraudar a su familia, que desea que vaya, especialmente su padre. Así que engaña a todo el mundo yéndose a vivir a un piso abandonado propiedad de su padre en el mismo inmueble que en el que vive habitualmente. Casualmente, su hermanastra de vida disoluta lo descubrirá y se quedará con él, forjándose una amistad muy especial entre los dos, que comprenderán sin salir del piso muchas cosas sobre la vida y el mundo.

Una película de la cual es difícil destacar nada, ni para bien ni para mal. Una puesta en escena correcta con una fotografía elegante pero que sabe entrar en la suciedad del espacio narrativo, un guión correcto que funciona y engancha aún a pesar de resultar sencillo y algo vacío... La verdad es que al menos entretiene, que es en gran medida lo que pretende Bertolucci, que convierte esta película sencilla y basada en diálogo y espacio cerrado en una pequeña reflexión sobre la manera de afrontar la vida y la relación con los demás, aún sin ser precisamente una obra maestra al respecto y primar la funcionalidad de la imagen a la reflexividad.

Como digo, además apenas plantea puntos negativos que achacarle, salvo si nos ponemos quisquillosos y no aceptamos suspender nuestra incredulidad ante momentos como el de la entrada a la casa de la madre o la poca lógica de que nadie se percate de los ruidos y gritos que ocurren en ese piso supuestamente vacío. Destacar, por cierto, el buen uso de una cierta tensión sexual incestuosa constante y la actuación de Jacopo Olmo Antinori como niño borderline, que se choca contra la de Tea Falco, una yonki con aires de artista excesivamente poco creíble. Una pena que, además, la banda sonora y el juego con la música parezcan demasiado forzados, tanto técnica como narrativamente. Pero bueno, son detalles para una película correcta sin más aporte.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 7.0
Guión: 7.0
Actuación: 7.0

TOTAL: 7.0

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Cineuropa 2012 (IX): Papirosen

Título: Papirosen


Director: Gastón Solnicki


Año: 2011


País: Argentina


Duración: 74

La familia Solnicki se estableció en Argentina cuando los nazis presionaron a los judíos en Lodz. Desde entonces, otras 3 generaciones han llegado a este mundo y viven todavía unidos, con sus desavenencias como pasa en todas las familias. Lo que ha hecho Gastón Solnicki aquí es grabarlos en su intimidad y crear un documental que, mezclando relato, imágenes antiguas recopiladas y la propia visión actual de la familia pretende hacer un acto de reflexión sobre la vida de estos personajes.

La llegada de las cámaras digitales de calidad más que elevada a nuestros hogares ha hecho que la producción cinematográfica se haya disparado. Ahora cualquiera puede coger su cámara, grabar a su perro persiguiéndose el rabo y decir: Mira mi corto. O incluso hacerlo con un hombre que recibe un balonazo en la entrepierna. Ojo, para mi esto es algo positivo de lo que yo mismo me he aprovechado y prefiero tener 1000 opciones libres de las cuales un 1% vale la pena que tener 10 controladas por las productoras y la gente con pasta y poder. Qué pasa? que esto también ha abierto nuevas vías de desarrollo del lenguaje audiovisual, de tal modo que si ya desde pelis como Holocausto Caníbal se jugaba con esa idea del metraje encontrado (o found footage para los hipsters), hoy en día pelis como Rec 3 o Paranormal Activity llevan esto más allá al plantear ese uso habitual de la videocámara que ya anticipaba también El Proyecto De La Bruja De Blair. Y en el tema de documentales, esto se va aún más allá. Pero claro, cuando a alguien se le ocurre el filmar el interior de una familia, sus viajes y sus reflexiones, mezclándolo con algunas (pocas) imágenes antiguas y demás, hasta donde estamos realmente ante un producto audiovisual de verdad y no ante un vídeo familiar sin mayor interés? Esta es la principal duda que me asalta viendo Papirosen.

Lo malo de la cinta es su idea en sí misma. Acepto el riesgo de presentar una cinta casera como un producto de interés, pero yo no me considero una persona excesivamente interesada en la vida de los demás, así que francamente, la idea de ver un vídeo familiar de gente que ni conozco no me parece atractivo. Sobre todo, cuando lo que nos encontramos es un catálogo deslavazado de momentos, de instantes de la vida de estos personajes, sin demasiado nexo de unión ni de interés más allá de la lucha por conseguir su verdadera identidad del padre de familia con el tema de la nacionalidad y un mínimo en cuanto a la dureza de la emigración polaca en la etapa nazi. Pero ni una trama ni la otra se aprovechan en absoluto y no hay nada más. Gente discutiendo, gente que viaja, gente que va de compras, gente rezando... Todo ello, grabado sin demasiada calidad ni de imagen ni de audio (a veces los diálogos son inaudibles), como debe ser en una grabación casera. No, no como debe ser, sino como es. Y francamente, si cuando viendo las vacaciones o la boda de un amigo o familiar, uno tiende a aburrirse, aquí no va a ser menos.

Podría, no obstante, comenzar a hablar de si la permanencia del pasado en las imágenes presentes o si la unidad familiar como eje vertebrador con sus fuerzas vivas luchando. Pero no lo haré, porque ese tipo de mensaje no es que esté aquí bien representado, sino que es la clase de reflexión que uno puede sacar, si quiere, de cualquier cosa que juegue con los elementos que se juega aquí. Lo cual elevaría a la misma categoría a los vídeos de boda, a las fotos de bebés o a esos dibujos infantiles que los padres conservan toda la vida. Incluso, si quieren, a las lápidas y panteones donde leemos el nombre de 3 o 4 miembros de la familia muertos.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.0
Técnica: 2.0
Guión: 0.5
Interés: 0.5

TOTAL: 2.5

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Cineuropa 2012 (VIII): Amour

Título: Amour


Director: Michael Haneke


Año: 2012


País: Austria / Francia / Alemania


Duración: 125

Georges (Jean-Louis Trintignant) y Anne (Emmanuelle Riva) son dos ancianos profesores de piano retirados. Un día, Anne se queda mirando al frente sin reaccionar. Cuando Georges la consigue llevar al médico, deciden que hay que operarla de inmediato. Por culpa de un error en la operación, Anne termina por sufrir un infarto cerebral que irá degenerándola hasta dejarla dependiente al 100% de su marido, que sufre cada día más con la situación al verla postrada sin ser más que una sombra de sí misma.

Me gustaría poder empezar el comentario diciendo: Haneke lo ha vuelto hacer. Pero no puedo, salvo que me refiera a ganar la Palma de Oro. Y teniendo en cuenta que en los dos últimos años la han ganado cosas como El Tío Boonme Recuerda Sus Vidas Pasadas o El Árbol De La Vida, no estoy seguro de que estuviese diciendo algo bueno de la película. El caso es que aquí el estilo de Haneke ha desaparecido casi por completo, tirándose hacia una peli muy íntima y cercana a los personajes y abandonando esa frialdad con la que suele narrar y fotografiar el alemán. Siguen los planos secuencia largos y el gusto por las acciones completas, pero aquí la historia con su ternura y dureza y su desarrollo son lo que marcan el compás de la narración. Por otro lado, una historia que pese a lo dura que resulta, es sencilla y obvia a más no poder, perdiendo incluso, por culpa del fatal prólogo con que se nos obsequia, la posibilidad de destruír al espectador con un golpe de efecto violento cuando menos lo esperamos. Además, un final bastante insignificante que solo suma tiempo, aunque eso sí, son unos planos en los que nos reencontramos con el Haneke habitual, que por otro lado tiende a asomarse en cada aparición de Isabelle Huppert. Todo ello, reducido a un mismo espacio y con un juego de elipsis genialmente tapado con los diálogos, otro de los puntos fuertes del film por su realismo y potencia.
 
Ahora bien, si obviamos la tremenda huella que suele dejar Haneke en sus pelis y que aquí casi no está, nos encontramos, como digo, con una peli dura, de esas que trabajan con la emotividad del espectador por medio del guión y que, si ha sufrido algún caso similar, se aprovechan para hurgar en esa herida. Y digo esto como algo muy positivo. A ello sumamos ese punto de alegría y conmoción en lo más profundo del alma cuando vemos a una pareja de ancianos en la cual uno de los dos sigue cuidando, con devoción, al otro, como si el amor que da título a la película cobrase en esos momentos un sentido real y absoluto. Además, las interpretaciones de Jean-Louis Trintignant y Emmanuelle Riva son para enmarcar. Especialmente la de ella, que cumple a la perfección con esa caída en picado que es su proceso degenerativo. El problema, como digo, es lo obvia que resulta la trama; problema que se resuelve con cierta falta de catarsis con los personajes y con lo que ocurre, también debido a lo poco de Haneke que sigue presente en cada plano.

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Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 7.0
Guión: 7.5
Actuación: 8.5

TOTAL: 7.0

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Cineuropa 2012 (VII): Beasts Of The Southern Wild

Título: Beasts Of The Southern Wild


Director: Benh Zeitlin


Año: 2012


País: USA


Duración: 93

Hushpuppy (Quvenzhané Wallis) es una niña de 10 años que vive con su padre, Dwink (Dwight Henry) en un lugar llamado La Bañera, que queda en mitad de un bayou de Louisiana y donde la pobreza es la norma común entre sus habitantes. Saben que algún día llegará una tormenta que podrá destruir todo, sobre todo desde que se ha construído un dique para proteger la zona con más tierra del estado, pero ellos son felices allí y prefieren luchar para sobrevivir que escapar. Por eso podemos ver a estos supervivientes como bestias fuertes que aguantan los golpes y pelean hasta la muerte. Eso es lo que intenta transmitir a Hushpuppy su padre, sabedor de que a él le queda poco tiempo de vida.

Lo de un crío nacido en medio de las condiciones más difíciles y su capacidad para salir adelante jugando además con su imaginación no es que sea algo precisamente original. Desde Marcelino Pan y Vino hasta Tideland, mil pelis han adaptado este mismo concepto de un modo u otro. Pero bueno, también hablamos de una peli ganadora de un festival que se vende como "de cine independiente" como es Sundance, que sin embargo tiene colaboración de empresas como Skywalker Sound (que si alguien tiene dudas, sí, tiene relación con Lucasfilms). De todos modos, en esta película funciona la idea y está bastante bien hilada, con sus momentos tiernos y su catástrofe que no deja de ser una dura crítica contra el menosprecio que sufren los que están sin medios, sin que haya problema en hacer un dique que pueda aniquilarlos si con ello se salvan los más civilizados. Y sobre todo, sin pensar en lo que puede ocurrirle a la naturaleza.

Para ello, mucho uso de cámara en mano, una fotografía colorista y espectacular que nos muestra esa Louisiana profunda y toda la pobreza y suciedad del espacio ficticio que es La Bañera. A ello se suma un montaje cuyo mayor mérito está en ese juego de realidad, la voz en off de Hushpuppy y su manera de interpretar el mundo, así como la metáfora, bastante gratuíta, de los uros -que más bien son unos monstruos con rasgos de jabalí pero varios metros de tamaño-. El resultado, una historia bonita, con su parte de drama, su enseñanza sencillita de superación y lucha por la supervivencia y una narración sencilla y directa, que se suma además a la buena interpretación que hace Quvenzhané Wallis en la que era su primera peli.

Eso sí, con una cantidad de animales muertos e incluso algún momento de maltrato que me hizo esperar a buscar un aviso de que ningún animal había sufrido durante el rodaje. Un aviso que no vi.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 7.0
Guión: 7.0
Actuación: 7.5

TOTAL: 7.0

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Cineuropa 2012 (VI): Tabu

Título: Tabu


Director: Miguel Gomes


Año: 2012


País: Portugal / Alemania / Brasil / Francia


Duración: 118

En la Lisboa contemporánea, Pilar (Teresa Madruga) es una señora que vive sola y al lado de una anciana obsesiva, Aurora (Laura Soveral). Cuando la anciana se encuentra mal, su criada Santa (Isabel Cardoso) llama a Pilar, que le ayuda hasta que la llevan al hospital. Allí, Aurora le dará un nombre a Santa: Ventura (Henrique Espírito Santo). Es el nombre de un hombre que Pilar va a buscar, terminando este por contarle la historia de la juventud que él vivió con Aurora en África (ahí interpretados por Ana Moreira y Carloto Cotta).

La película no es que ofrezca nada excesivamente original más allá de su narrativa. El guión es básicamente un tópico en sí mismo de aventuras en África y triángulo amoroso mezclado con esos otros tópicos sobre que la gente no es quien parece y la soledad de la gente mayor hoy en día. Más allá de eso, poco nos llega a ofrecer. Pero al menos, dentro del guión se van metiendo ciertos guiños humorísticos e incluso esa amargura de la vida real y de los asuntos amorosos, que van haciendo más llevable todo el asunto de la historia que se nos cuenta.

Ahora bien, en cuanto a la cuestión narrativa, esto ya es harina de otro costal. La idea de rodarlo en 4:3 y en un blanco y negro muy granulado ya nos da una idea de que la intención es pretendidamente no comercial. Después, una voz en off nos narra mientras vemos un explorador quieto en mitad de la jungla y la sabana, hasta que descubrimos que esto es una película que ve Pilar. Después, la voz en off se apaga para ver la vida de esta señora, todo ello interpretado de un modo plano que hasta recuerda a Bresson y la no-actuación de sus modelos en algún momento y mostrándola principalmente en planos medios y con un montaje lo más simplista posible, prefiriendo siempre mantener en el plano toda la acción que cambiar para mostrar detalles o situarnos. A esto se suma cierta obsesión por acercar lentamente la cámara a las caras y algunos travellings bastante pretenciosos, eso sí. La segunda parte, recupera la voz en off y la mantiene como único elemento de comunicación vocal, dejando incluso en silencio planos en los que vemos conversaciones (silencio con sonido ambiente, ojo). El problema con todo esto es que una vez rota la sorpresa inicial no consigue dar a la película más que el aire de curiosidad, pues no llega a aportar nada a la historia contada porque además tampoco es que destaque en su fotografía, que es más bien normalita. Simplemente, muestra una idea narrativa llevada hasta su propio extremo.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.5
Técnica: 6.0
Guión: 4.0
Actuación: 5.0

TOTAL: 5.5

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