Luis E. Froiz Presenta

La Chute De La Maison Usher (La Caída De La Casa Usher)

2012-02-01T15:53:00.000+01:00

Título: La Chute De La Maison Usher

Director: Jean Epstein

Año: 1928

País: Francia / USA

Duración: 63

Un día a Allan (Charles Lamy) le llega una carta. Es de su amigo Roderick Usher (Jean Debucourt), que le pide que le acompañe a su casa a pasar unos días. Al llegar allí, descubre la extraña enfermedad que Lady Madeleine (Margerite Gance) -la mujer de Roderick- sufre, y que atormenta el alma de su amigo. Porque ella está muriendo lentamente según su esposo termina de pintar un cuadro que la representa, y que casualmente parece más lleno de vida según ella empeora.

La casa Usher, típica chabolilla de la campiña anglosajona.

Creo que no es necesario decir que Poe es uno de los escritores que más han podido influenciar al cine, especialmente al de terror. Ahí están las clásicas cintas dirigidas por el sr. Corman para que protagonizase Vincent Price, con ejemplos en la propia versión de La Caída De La Casa Usher, El Pozo Y El Péndulo o La Máscara De La Muerte Roja. Pero también El Gato Negro del sr. Fulci, nuevamente La Caída De La Casa Usher del sr. Svankmajer o las dos historias contadas en Los Ojos Del Diablo por los sres. Romero y Argento (donde se incluía nuevamente El Gato Negro, dirigido por el italiano). Y por supuesto, en la época de las vanguardias, alguien también tendría que hacer su versión, saliendo esta cinta como resultado.

Lo que prima aquí es, sobre todo, un gusto por el juego estético por parte del sr. Epstein, consiguiendo transportar en gran medida las sensaciones poéticas que emergían del relato original a la pantalla con simbolismo y un aire de irrealidad casi onírica. Todo esto mediante un juego con el movimiento de la imagen bebedor del impresionismo francés, pero con una supeditación a las percepciones de los personajes, con ralentizaciones en más de una ocasión, primerísimos planos, superposiciones de imágenes…

Con la imagen parada, parece un fotograma sin más, pero su tratamiento del movimiento ralentizado es espectacular.

Por supuesto, todo esto ayudado enormemente por la fotografía de aire expresionista que desarrollan Georges y Jean Lucas, repleta de oscuridad y subjetivización de espacios, como la gran habitación principal de la mansión, que deja a los personajes en un gran plano general, solitarios en la lejanía y frialdad de la estancia. Además, el montaje, con una pausa y tranquilidad que permite a esa fotografía expandirse y dejar al relato buscar su propio ritmo, con un trabajo excelente en cuanto a experimentación se refiere en lo ya referido arriba de ralentís, superposiciones, etc. Destacar la parte final, donde la locura aumenta exponencialmente y todo se va ofreciendo a nuestra mirada con una claridad pasmosa.

De esto hablamos cuando hablamos de esa habitación principal.

Con todo, admito que en algún momento, la narración, precisamente por toda esa búsqueda de sensaciones y a la falta de una historia un poco más hilvanada, o un poco más compleja al menos -ya que no deja de ser un relato escrito en 20 páginas sin apenas aportes narrativos nuevos- resulta un tanto pesada y difícil de digerir, pero realmente acaba compensándolo precisamente en ese goce estético y de narración personal que propone.

Eso sí, para ello Epstein no duda en añadir cosas propias (junto a un jovencísimo Luis Buñuel que supuestamente rechazó de pleno esta idea) a lo presentado por Poe en el relato, añadidos que de hecho no aportan y estropean en parte la historia, como la relación de marido y mujer entre Roderick Usher y Lady Madeleine, que en el relato eran hermanos, o la escena al comienzo donde un lugareño no quiere acercarse a la mansión, como si del castillo de Drácula se tratase. Eso por no citar el cuadro, inexistente en el relato y primordial aquí, y que no deja de recordar a El Retrato De Dorian Gray. Vamos, que termina por hacer un mejunje de literatura del XIX más que interesante pero que no recoge más que la estructura primordial de La Caída De La Casa Usher de Poe.

La susodicha Lady Madeleine, en plena experimentación visual mientras posa.

La actuación de Jean Debucourt, mucho más protagonista que en el relato como Roderick, también influye y sus modos de loco, especialmente en las miradas a cámara de los primeros planos, aportan mucha de la interiorización de todo el relato, aunque eso sí, con esa ayuda de la fotografía que citábamos más arriba. Más comedido está Charles Lamy, que pasa casi desapercibido, al no necesitarse como narrador en algo que vemos nosotros mismos, aunque siga llevando la voz cantante en los textos que se muestran. Marguerite Gance, por su parte, perfecta por su presencia, pues es lo único que aporta, pero dándole al personaje la apatía moribunda que necesita.

La locura y la descentralización del rostro, siempre compañeros tan fieles.

Resumen:
Una adaptación bastante libre del relato de Poe pero que sin embargo consigue transmitir las mismas sensaciones, gracias a un trabajo técnico muy personal que bebe directamente del impresionismo y del expresionismo, en pos de subjetivizar e interiorizar las sensaciones del narrador antes que simplemente contarnos la historia.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.5
Técnica: 9.5
Guión: 7.5
Actuación: 7.5

TOTAL: 8.0

Escuros, Roncos e Compasados (Orixes do Death Metal Galego)

2012-01-23T15:54:00.000+01:00

Pues resulta que en un momento tan estúpidamente delicado como lo es el actual con el reciente cierre de Megaupload (aún no he decidido qué hacer para volver a poner en descarga directa de nuevo mis archivos, esperen noticias pronto), la SOPA, la PIPA, Hadopi, la ley Sinde reloaded, y demás intenciones de poner puertas, vallas, paredes y hasta alguna ventana al campo por parte de la clase que pretende dirigir el mundo, al señor Carlos Pensado y a un servidor se nos ocurre terminar el documental que llevamos meses preparando, sobre el Death Metal noventero gallego.

Su título será "Escuros, Roncos e Compasados (Orixes do Death Metal Galego)" y si bien todavía no está disponible por ningún lado (dejen que se calme la cosa y podamos decidir en función de la libertad que nos quede disponible), ya pueden ir mirando información y agregándose a la página de Facebook, donde iremos dando, en tiempo real, todas las informaciones pertinentes al respecto de novedades, estreno, pases en festivales, distribución e incluso críticas, si las hay.

Brainscan (Juego Mortal)

2012-01-15T20:32:00.000+01:00

Título: Brainscan

Director: John Flynn

Año: 1994

País: Canadá / USA / Reino Unido

Duración: 96

Michael (Edward Furlong) sufrió un accidente cuando era un crío. Ya de adolescente, es un adicto al terror en todas sus formas, y le encantan los videojuegos. Por eso cuando aparece en el mercado Brainscan, su amigo Kyle (James Marsh) no tarda en convencerlo de que lo pruebe. Pero Brainscan es más complejo que los demás videojuegos, y hará pasar un infierno a Michael, cuando ve en las noticias que un asesinato que cometió en el videojuego.

Peli que sigue en gran medida el arquetipo de videojuego que atrapa al usuario haciéndole perder la noción de lo real, sin demasiado que aportar al subgénero frente a cosas como Arcade. Como novedad, el hecho de que es a raíz de una especie de hipnosis, ahorrándose así la complejidad de que pase el mundo real a ser un mundo virtual. Que aquí no había el presupuesto de Tron. De este modo, la evolución se va haciendo a golpes a medida que el protagonista pasa discos (que vienen a ser, básicamente, niveles). Ahora bien, en ningún momeno llega a enganchar en exceso, y deja algún vacío de guión que no queda resuelto con un final bastante obvio.

Eso sí, con una estética bastante buena dentro de no resultar excesivamente arriesgada, sombría y propia de rodear al personaje principal. Destacar también el riesgo que supone el transmitir las sensaciones del protagonista al jugar, optando por intentar, sobre todo en el primer asesinato, el ponernos la vista subjetivamente en su nivel, pero consiguiendo un resultado bastante pobre al respecto de transmitir sensaciones. Destacar la banda sonora, tirando a lo oscuro como marca el propio personaje principal, con White Zombie, Pitchshifter o Primus en el contraste, siendo el momento en que suenan estos últimos de lo mejor de toda la peli.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 5.5
Técnica: 6.5
Guión: 4.0
Actuación: 6.0

TOTAL: 5.5

Caminos Bizarros: Actualización Diciembre 2011

2012-01-07T17:16:00.000+01:00

Hemos terminado 2011, y sorpresa, parece no haber cambiado nada con el año que estrenamos estos días. Y aunque el señor Dani Villaverde me lanzaba una especie de reto para escoger las mejores búsquedas bizarras del año, por una vez en la vida no caeré en aceptarlo y seguiré con el listado mensual. Pero me encantaría que ustedes sí hiciesen su listado de los mejores. Que para algo esto permite comentarios. Así que lo dicho, aquí va la última lista de Caminos Bizarros para llegar al blog!

(Si quieren ver solo las de este mes, pulsen la entrada completa, que aquí ya las incluyo.)

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Man On The Moon

2012-01-03T02:27:00.000+01:00

Título: Man On The Moon

Director: Milos Forman

Año: 1999

País: Reino Unido / Alemania / Japón / USA

Duración: 118

Biopic sobre la vida de Andy Kaufman (Jim Carrey), humorista que triunfó en Estados Unidos durante los años 70, contada desde que comienza a triunfar en clubs de comedia hasta que George Shapiro (Danny DeVito) lo descubre y lo hace triunfar en la televisión nacional. Desde allí, buscará la destrucción de valores mediante su humor extraño, negro, violento y desde luego corrosivo, además de su propia destrucción profesional.

El mítico número de Mighty Mouse.

Antes de comenzar el análisis, supongo que todxs ustedes conocen la vida y obra de Andy Kaufman. Y si no es así, les animo a que la lean en la Wikipedia o en algún otro lugar, porque es fascinante. Y digo la de Andy Kaufman por no meterme a teorizar sobre si Jim Carrey es o no él. Que a fin de cuentas, lo que siempre digo cuando hablo de esta conspiranoia, es que si alguien fue capaz de fingir su muerte para hacerse pasar por un actor 10 años más joven que acabó teniendo éxito, ese fue Kaufman. Pero hoy me ceñiré a la historia oficial y daremos por supuesto que Jim Carrey solo es un admirador de Andy Kaufman con la enorme suerte de haberlo interpretado en la pantalla.

Dicho esto, decir que la fusión entre el talento de Milos Forman y Jim Carrey, con Danny DeVito metido por el medio y arriesgándolo todo para hablar de la leyenda que fue Andy Kaufman, es uno de esos augurios que uno sabe que o se acaba convirtiendo en una peli mofa de sí misma, o en algo cojonudamente divertido. O ambas cosas simultáneamente.

El guión, básicamente establece una relación más o menos veraz de lo que fue la vida de Kaufman, recogiendo los mejores momentos de su vida profesional, y mezclándolos con parte de la vida privada, con un trabajo de investigación cojonudo (algún incidente que no spoilearé, se descubrió aquí que era un montaje). Además, estableciendo un gran juego con el espectador al estilo de Kaufman, engañándole constantemente al respecto de lo que era el personaje real o el creado de cara a la galería, y descubriéndoselo después poco a poco, para dejar ver también al Andy real, con sus obsesiones como el rechazo a las drogas y el vegetarianismo, entre otras muchas.

Tony Clifton, acompañado como se merece.

Con ello, el guión funciona muy bien, es muy veloz, y para quienes disfrutamos del humor de Kaufman muy entretenida. Eso sí, quizás en la parte final resulte excesivamente sentimental, y aunque se hace bonita y tierna, eso solo le da un aire de producto para poder vender en Hollywood fácilmente. Además, se echa de menos un poco más de caso a Tony Clifton y una continuidad un poco más marcada, sin tantos saltos. Pero claro, tampoco sería plan de llevar la peli hasta las 3 horas, que eso tampoco sería comercial, y estamos hablando de una peli ya muy difícil para el público al que iba dirigida.

Lo importante es que el personaje principal queda muy bien retratado (como personaje de ficción. Como relación a la realidad, por lo que sé de Kaufman también, pero eso solo lo sabrán quienes le conocieron), y con una interpretación de Jim Carrey muy a la altura de lo que se espera de él, con sus momentos de locura absoluta e histriónica, sus caídas hacia una actuación más suave… También muy correcto Danny DeVito, aunque con un personaje que sirve mucho más de apoyo a la cordura, con lo cual pierde gracia en pos de una mayor intensidad dramática.

Los falsos Shapiro y Zmuda, o los reales DeVito y Giamatti, o qué se yo.

Por parte de Paul Giamatti, algo similar a lo que pasa con DeVito, que tiene un papel mucho más secundario y no llega a desarrollarlo en exceso. En el tiempo que tiene en pantalla, está aceptable, y con algún momento bastante bueno. Y por cierto, citar la aparición de personajes reales de la historia como George Shapiro o Bob Zmuda (interpretados por DeVito y Giamatti respectivamente), haciendo cameos cojonudos que le dan aún mayor credibilidad a la cinta solo por involucrarlos en el proyecto.

Con todo esto, una puesta en escena por parte de Milos Forman que opta por la fórmula clásica para quedarse ausente casi todo el tiempo, dejando que sea la historia y los personajes quienes cobren importancia para el espectador. Por supuesto, con ello consigue una narrativa sin fisuras, rápida como el guión y donde destacan las actuaciones, presentadas desde un punto de vista medio entre el espectador directo, la historia desde la perspectiva de los personajes, y la propia realidad televisiva, de la cual, aún así, tiende a escapar. Con ello, nos acerca a Kaufman, si, pero siempre dejando toda esa pátina del personaje como algo esencial en él, y permitiendo con ello que la leyenda siga en eso, leyenda.

El pequeño Andy Kaufman, en sus 4 minutos de aparición en la peli.

Combinada esta dirección con una fotografía de Anastas Michos tradicional, tendiendo a la iluminación natural y a los planos de simple visión, de acuerdo con esa puesta en escena que comentaba antes. Para ello, también un montaje de continuidad hecho a tres bandas por Adam Boome, Lince Klingman y Christopher Tellefsen que tampoco arriesga y se queda en la fórmula clásica, dando ritmo a la historia y simplemente haciendo su trabajo sin pretensión de que se note a la hora de ver la peli. Destacar aún así algún momento como es el paso de las distintas mujeres en la parte de la lucha libre mixta.

La banda sonora, nuevamente en esa misma onda natural y sin hacerse notar, con buena mezcla entre esa realidad televisiva y la realidad de Kaufman en los momentos de actuación (especialmente destacables los comentarios durante las peleas), y con la dificultad durante las canciones, bien solventada, con oficio y nuevamente, rigiéndose a normas ya establecidas por la industria. Porque sí, esto, a fin de cuentas, acaba teniéndolo casi todo industrial, a pesar de que la historia es contracultura pura.

Pena que este estilo de lucha libre no llegase a WWE o a UFC.

Resumen:
La vida profesional de Andy Kaufman, el gran genio del antihumor, o humor dadá o como quieran llamarlo, resumida a grandes rasgos con un guión muy bien desarrollado (aún con sus partes sensibleras) y contada con mucho oficio, pero sin riesgos de fuera de la industria hollywoodiense. A destacar la magnífica actuación de Jim Carrey.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 7.0
Guión: 8.5
Actuación: 9.0

TOTAL: 8.0

Alambradas De Violencia (Pochi Dollari Per Django)

2011-12-28T01:02:00.000+01:00

Título: Pochi Dollari Per Django

Director: León Klimovsky / Enzo G. Castellari (No está en créditos)

Año: 1966

País: Italia / España

Duración: 85

Django Reagan (Anthony Steffen) es un cazarrecompensas. Se ha cargado a la mitad de la banda que había robado un banco, pero queda aún la otra mitad. Así que va a un pueblo de Montana a buscarlos. Allí se hace pasar por el nuevo sheriff, y se encuentra en medio de una lucha a muerte entre los ganaderos y los colonos en relación al derecho a poner alambradas en los campos de los segundos, de modo que los animales de los primeros no puedan pisarlos, pero tampoco pasar cuando los hay que mover.

León Klimovsky, ese capo de la serie B y exploitation española, junto a Enzo G. Castellari, ese otro capo de la serie B y exploitation italiana (siendo esta su primera peli, aunque no esté en créditos), haciendo un western hispanoitaliano, que ya en el título original deja claro que se va a intentar vender bajo la sombra de Django, aunque no tenga absolutamente nada que ver con ella. Qué tenemos que esperar de esto? Pues curiosamente una historia que se sale un poco de los márgenes del spaghetti western para recoger elementos del western más clásico (aquello de la lucha entre agricultores y ganaderos y aspectos de la dirección y la ambientación), pero que por supuesto no se olvida de la violencia, del cazador de recompensas y de esa ambigüedad de personajes rudos y fríos que acaban haciendo justicia y consiguen la catarsis del espectador por medio de eso y de la violencia. Eso sí, en este caso se llegan a pasar de ser buena gente y la ambigüedad solo está un poco por la situación en la que viven. Ojo, más culpa del guión por esos ramalazos de western clásico que de los actores, que si bien no se lucen, al menos mantienen el tipo -al menos en la versión doblada en italiano, que es la que supongo versión original teniendo en cuenta la producción y el título original de IMDb, levantándome una vez más la pregunta de si se debe hablar de versión original en el exploit italiano-.

Narrado todo con una puesta en escena bastante simple, plana y previsible, la peli llega a hacerse anodina por momentos, y no es que aporte mucho si dejamos de lado las cuestiones que citábamos en el párrafo anterior. Un montaje de Antonio Jimeno tirando a demasiado evidente, sobre todo en las acciones de los especialistas, y falto de ritmo. Y la fotografía de Aldo Pinelli, un poco por encima del resto de aspectos técnicos, pero aún así la dejaría en normalita y con oficio, pero sin destacar en casi nada al igual que la parte sonora. Pero bueno, al menos es apañadito y entretiene si lo observamos en su globalidad. Y tanto el comienzo como la parte final, están bastante bien.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.5
Técnica: 5.5
Guión: 6.0
Actuación: 6.0

TOTAL: 6.0

Superbad (Supersalidos)

2011-12-22T00:17:00.001+01:00

Título: Superbad

Director: Greg Mottola

Año: 2007

País: USA

Duración: 113

Evan (Michael Cera) y Seth (Jonah Hill) son dos colegas inseparables que están a punto de graduarse en el instituto. Aún son vírgenes, y quieren dejar de serlo antes de que eso ocurra, es decir, en 2 semanas. Un día, casi por casualidad Seth consigue que Jules (Emma Stone), una tía muy potente del instituto, les invite a una fiesta en su casa, pero los dos amigos tendrán que comprar la bebida junto a Fogell (Christopher Mintz-Plasse), el tercero de la pandilla, ya que este se va a hacer un carnet falso. La compra de la bebida los llevará por una serie de líos que cada vez complican más que puedan llegar a la fiesta y mojar.

Desde Porky's a American Pie, el tema de la pérdida de la virginidad alrededor de los 18 años ha dado unas cuantas comedias desfasadas y gamberras. El problema, que la repetición de motivos e ideas ha ido minando la capacidad de hacer gracia de muchos de estos guiones, y así, muchas veces no han sabido conseguir la fuerza necesaria para sostenerse. En este caso, se aprecia además una clara secuenciación en diversas partes y etapas, con casi más elementos de road movie a tropiezos, y con un seguimiento de diversas tramas que, al menos, dan vida al metraje y hacen un producto entretenido pero poco más, que es a grandes rasgos lo que pretendía.

El problema es que todo se vuelve excesivamente obvio, y la realización no lo es menos, recogiendo la línea estética de una cámara sin pretensión de innovar, sino de dejar que sea el guión el que funcione por sí mismo junto a los actores, y un montaje que hace lo mismo. Y sí, el guión plantea algunos momentos gamberros y divertidos aún con la obviedad, donde destacaría todo lo concerniente al dibujar penes o lo que es la trama con los dos maderos y las referencias subculturales que se dispersan aquí y allá. Pero también muchísimos lugares comunes, sobre todo en la trama principal que, como decía al principio, le resta interés si uno ya ha visto unas cuantas cintas del género. Los actores, con lo que se espera de ellos, destacando a Christopher Mintz-Plasse, y si quieren a Michael Cera por la parte sentimental.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 6.5
Guión: 6.5
Actuación: 7.0

TOTAL: 6.5

The Wind (El Viento)

2011-12-14T21:02:00.000+01:00

Título: The Wind

Director: Victor Sjöström (firmando como Victor Seastrom)

Año: 1928

País: USA

Duración: 79

Una muchacha de Virginia, Letty (Lillian Gish), se va al oeste, a un pueblo donde el viento sopla constantemente con gran fuerza y donde vive su primo Beverly (Edward Earle). La mujer de Beverly, Cora (Dorothy Cumming), tiene celos de la joven y termina por echarla, teniendo que casarse Letty con un vecino que la cortejaba desde que llegó a la zona, Lige (Lars Hanson). Vivirá infeliz, y las visitas de Rodd q (Montagu Love), un hombre que había conocido en el tren que la llevó desde Virginia, no harán más que complicar las cosas.

Una de esas pelis donde el elemento extraño que sobrevuela el conjunto hace parecer que se trata de algo innovador y original aunque, en realidad, al final la base es el melodrama puro y duro con solo algunas pinceladas de interés. Al menos en la versión que conseguí ver, porque la versión larga y con final no feliz parece ser mucho más interesante por agradar menos al espectador. Eso sí, aquí está todo muy bien llevado y con los giros tan bien colocaditos que el ritmo no se pierde en ningún momento. Y cuando se pierde, se recurre a las escenas donde el viento acojona de lo lindo.

El principal interés está en la dirección de Sjöström, que le da una fluidez y un ritmo a la narrativa cojonudo, rodando las escenas al aire (y nunca mejor dicho) de manera que realmente transmiten una sensación de fragilidad ante el clima impropia de una cinta hollywoodiense de la época. Ayuda obviamente el director de fotografía John Arnold, que sin embargo en las escenas de interior acaba por dar un tono mucho más tradicional, y el buen montaje de Conrad A. Nervig, principal impulsor de esa fluidez que comentaba antes, y con un par de superposiciones que tanto gustaban en el cine mudo y tan buen resultado ideográfico daban. Por cierto, Lilian Gish está espléndida en su papel protagonista, aunque comienza excesivamente comedida.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 7.5
Guión: 6.0
Actuación: 7.5

TOTAL: 7.0

Caminos Bizarros: Actualización Noviembre 2011

2011-12-10T19:26:00.001+01:00

Nueva actualización, y última del año (porque la de Diciembre se hará en Enero, igual que esta, por poco), de la entrada que más gente extraña hace entrar al blog: Caminos Bizarros para llegar al blog! Y nuevamente, la gente me va sorprendiendo. Aunque Noviembre fue un poco más normalito.

(Si quieren ver solo las de este mes, pulsen la entrada completa, que aquí ya las incluyo.)

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Un Hombre Está Tumbado En El Suelo

2011-12-05T04:51:00.000+01:00

Y ahora que ya se estrenó Un Hombre Está tumbado En El Suelo, me llena de orgullo y satisfacción anunciar que ya está subido a Megaupload, para toda la gente que lo quiera descargar:

Un Hombre Está Tumbado En El Suelo

Y si, esto es gratis y no hay intención de vendérselo a ningún precio que ustedes puedan considerar excesivo, como debería ser habitualmente la cultura. Por eso me gustaría pasar la gorra para que, si sienten que esto merece algún apoyo ecnómico, lo puedan hacer:

6 Curtas, 6: Estreno de Un Hombre Está Tumbado En El Suelo y otros 5

2011-12-05T02:17:00.000+01:00

Eso, que me congratula poder anunciar por fin el estreno del corto "Un Hombre Está Tumbado En El Suelo", después de meses luchando y esperando, en el magno evento "6 Curtas, 6", que nos reunirá, al menos creativamente, con colegas como Gonzalo Alonso, Andrés Carrasco, Loli Iglesias, Daniel Villaverde y Paulo Fernández, que también presentan "A Mí Me Gustan Los Espaguetis", "As Pequenas Batallas", "Comando 42", "Bilingüismo Cordial" y "O Día Que Ana Deixou De Ser Ana Para Seguir Sendo Ana" respectivamente.

Pero bueno, todo eso ya lo pueden ver en el cartel, así como la hora, el lugar y el inmejorable precio. Por cierto, dar las gracias al Teatro Principal y a sus trabajadores, por todas las facilidades y buen hacer que ponen de su lado.

Fin de Cineuropa 2011: Maratón

2011-12-04T02:21:00.001+01:00

El maratón más largo al que he asistido, y, si no me equivoco, el más largo de la historia del festival. Unas 17 horas de cine con algunos descansos que ponían fin a un Cineuropa que a mí se me quedó escaso. Quizás porque no asistí a mucho, quizás porque duró poco más de 3 semanas. Y como decía en el post anterior, un Cineuropa en el que me quedo con la frustración de no haber visto casi ninguna de las mejor votadas, pero con la satisfacción de que lo que ví, sin haber sido la hostia, al menos fue cumpliendo unos mínimos estándares de calidad, que es lo que exijo a un festival.

Y con esta reflexión, pasamos a los análisis de las pelis del maratón, que por cierto, estuvo lleno de grandes momentos gracias en gran parte a Shion Sono y al buen humor con respeto que se destiló este año por el principal, sin grandes vociferadas, ni gente que hacía callar a la mínima, y si con grandes aplausos a violencia y/o sexo gratuitos:

-Carabás (Francisco Calvelo, 2011):

Un corto tremendamente sorprendente, rodado con cámara en mano y evitando en todo momento la muestra explícita de lo que acontece por medio de planos muy cerrados. Gracias a ello funciona a la perfección en su primera mitad aunque cuando todo el secreto y la extrañeza se van diluyendo, y al mismo tiempo se nos permite ver al monstruo que pone en marcha toda la acción, pierde muchos enteros y consigue incluso algunos momentos bastante risibles involuntariamente. No obstante, lo que decía, en general logra enganchar y hasta da mal rollo en algún punto.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.5 Técnica: 7.5 Guión: 7.0 Actuación: 7.0
Total: 7.5

-恋の罪 (Koi No Tsumi) (Guilty Of Romance) (Shion Sono, 2011):

Degeneración y decadencia para una peli con una estructura que, con su esquema de continuo avance en espiral hacia el fondo de sí misma que hace el personaje de Megumi Kagurazaka, consigue un ritmo cojonudo, plagado de buenos momentos. Eso sí, por ratos resulta algo repetitiva y aún por encima, con los giros tan brutales (y alguno positivamente sorprendente), dan al mensaje de gusto por la decadencia un cierto aire forzado e impostado que, si hacemos la comparación obvia con Belle De Jour, sale malparada sobre todo en cuanto a sordidez. Pero tampoco importa si no nos ponemos a observarla desde su moralidad filosófica, y solo la pensamos como entretenimiento, donde sí funciona bastante bien.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.5 Técnica: 8.0 Guión: 7.5 Actuación: 7.0
Total: 7.5

-冷たい熱帯魚 (Tsumetai Nettaigyo) (Cold Fish) (Shion Sono, 2010):

Un comienzo bastante extraño y poco movido, para ir desatando poco a poco una locura violenta que llega a extremos absolutamente hiperbólicos, que dió grandes momentos de risas y aplausos en la sala. Entretenimiento, humor negro a raudales, unas cuantas pinceladas gore muy bien hechas y por supuesto muestras de degeneración variadas. De destacársele algún problema, sería ese avance sin pausa que tiene hacia adelante, sin pararse a pensar ni a explicar momentos concretos o evoluciones de los personajes. Pero vamos, que como locura llena de asesinatos, personajes desquiciados y situaciones absurdamente brutales, es la hostia.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.0 Técnica: 7.5 Guión: 8.5 Actuación: 7.5
Total: 8.0

-Attack The Block (Joe Cornish, 2011):

Una magnífica idea de serie B que se mantiene como una peli fantástica llena de acción y aventura a la vieja usanza de adolescentes pero remozada a los nuevos tiempos, y no hecha mirando con añoranza a lo que había en los 80. Eso sí, con los medios actuales y un presupuesto que le permite desarrollarse por cauces que mezclan una invasión de aliens que acojonan de lo lindo con cine de pandillas. Pero pandillas modernas, con críos de los barrios bajos londinenses, con sus tópicos de porreros, citas a videojuegos y gusto por el rap más gangsta. Gracias a esto, se aligera bien a base de humor pero eso sí, hay un poco de bajón en la parte final donde la crítica social se hace patente y la heroicidad hace pagar un poco el pato del resto de desarrollo más coñero.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.0 Técnica: 8.0 Guión: 8.0 Actuación: 7.5
Total: 8.0

-Susan In Red (Franck Giordanengo, 2011):

Desgraciadamente, la maravillosa y ridícula estructura de Compostela de cara a que los que vivimos en las afueras podamos aparcar nuestros coches cuando vamos a la ciudad, me hizo perderme este corto, puesto que tuve que ir a quitar el coche de un parking al ser ya horas de poder dejarlo en la calle fácilmente, con intención de que me dejaran de cobrar el tiempo como en un servicio de prostitución de lujo. Una pena, porque me comentaron mis compañerxs de palco que estuvo bien.
Nota:
Originalidad/Riesgo: - Técnica: - Guión: - Actuación: -
Total: -

-愛のむきだし (Ai No Mukidashi) (Love Exposure) (Shion Sono, 2008):

La peli a la que todxs le teníamos miedo. 4 horas de una misma historia dentro de un maratón, suena excesivo a todas luces. Y sin embargo, esta peli, con su primera hora totalmente descacharrante en cuanto a humor absurdo, homenaje al cine de artes marciales pero con chistes guarros del tipo que gusta a los japoneses y una defensa del ser pervertido como forma de vida no ya respetable, sino admirable, consigue hacerse muy llevadera. Por supuesto, en 4 horas le da tiempo a subir de intensidad, bajar de nuevo, tener momentos de bastante tedio, evolución muy previsible, giros imposibles... Por citar algo, las presentaciones que se suceden tras esa primera hora son un claro ejemplo de estos bajones. Pero en general, toda la mezcla de perversión, acción, drama adolescente y cristianismo consigue hacer que, en general, la peli sea muy divertida, especialmente para visionado colectivo.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.5 Técnica: 8.0 Guión: 8.0 Actuación: 7.5
Total: 8.0

-Hors Satan (Bruno Dumont, 2011):

Y después de esas 4 horas que sin embargo se hacían llevaderas, llegaban ahora unas 2 horas (ni llegaba a ellas) de tedio absoluto, a pesar de la promesa de posesión demoníaca que se entendía de la sinopsis (ojo, que la hay, pero es que ni se hace un esfuerzo porque nos importe lo más mínimo, más bien todo lo contrario). Una peli vacía y pretenciosa en sus formas, con silencios forzados en mitad de diálogos que aunque dan forma de profundidad, nada pueden con el fondo, fotografía feísta, ritmo nulo, personajes totalmente muertos y vacíos, y muchos, muchos planos de gente andando.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 5.5 Técnica: 2.0 Guión: 1.0 Actuación: 4.0
Total: 3.0

-The Wicker Man (El Hombre De Mimbre) (Robin Hardy, 1973):

La peli sorpresa del maratón. Una de esas películas casi olvidadas de los 70, que demuestran por un lado que en Inglaterra también se hacía cine de explotación, y que Christopher Lee es, como ya dije en otra ocasión, el actor con mejor carrera de la historia del cine. Una maravilla que pone en duda, mediante una investigación policial, todos los cimientos de la cultura cristiana, con momentos absolutamente grandiosos, como lo es el final, y que si peca de algo es de un montaje que la deja sin demasiado ritmo y una banda sonora folkie que acaba siendo casi más risible que ambientadora, especialmente por los momentos en los que se mete.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.5 Técnica: 6.5 Guión: 8.0 Actuación: 7.5
Total: 7.5

-L'Humanité (Bruno Dumont, 1999):

Otra peli de Bruno Dumont, también llena de tedio, pero aún así mucho más entretenida que Hors Satan. Un personaje principal interpretado por Emmanuel Schotté que da más risa que otra cosa con su aire abstraído y extraño, que no da cargado demasiado bien con la posible profundidad de la historia a la hora de mostrarnos su paso por la vida calmado y sin interés. Y el resto de personajes tampoco ayudan, así como la foto, excesiva en su uso de angulares grandes o el montaje, obvio y sin emoción. Si mola en algo, es precisamente en lo inútil del personaje principal para su trabajo, y cómo la investigación va totalmente independiente a él.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 6.0 Técnica: 3.0 Guión: 4.0 Actuación: 3.5
Total: 4.0

-Mañana Me Voy (Gael Herrera, 2011):

No entendí exactamente por qué se proyectó este corto, si fue una cosa pirata, si fue simplemente que se coló por amiguismo, pago de favores/drogas, o qué coño pasó, porque no estaba en el programa, y desde luego la calidad no era para estar aquí. Pero se proyectó, así que me tocará analizarlo.
Una especie de proyecto de colegas, digno de práctica para clase de alguien que no sabe qué hacer, trabaja en una empresa de tv local (que ni citaré para no promocionar) y se le ocurre algo de última hora. Así, retazos recogidos del informativo, grabaciones de un feísmo fotográfico dentro de la redacción que da miedo, e incluso cosas que rozan con la ilegalidad en cuanto a derechos de imagen (cosa que aplaudo siempre que lo grabaran para el corto, y fuesen conscientes de a lo que se podían atener). Lo peor, que la idea de la historia no es mala, y podría molar si estuviese bien desarrollada narrativamente igual que aprovecha desde la perspectiva de producción la visita de Ratzinger a Compostela para meter calles llenas de extras. Y Olalla Tesouro (que sí, colaboró para Exceso Antropomórfico, así que ni intentaré ser objetivo con ella), no está mal en su papel, con lo poco que lo puede desarrollar con todo ese caos narrativo totalmente incoherente y más que aparentemente falto de previsión.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 6.0 Técnica: 0.5 Guión: 3.0 Actuación: 6.5
Total: 4.0

Cineuropa 2011/3: De cómo afronté la última semana antes del maratón.

2011-12-02T00:34:00.000+01:00

Y vamos enfocando ya el final de Cineuropa 2011. Un festival donde, mirando atrás, me doy cuenta de que seleccioné excesivamente en base a directores, y por ello (y por incompatibilidad de horarios), me quedé sin ver cosas como The Artist o Les Neiges Du Kilimandjaro. Una pena, porque fueron de lo mejor votado del festival. Pero bueno, supongo que las podré ver en alguna otra ocasión si son tan cojonudas.

Sin embargo, lo que si conseguí ver esta semana, que culminará con el maratón, fue:

-Faust (Fausto) (Aleksandr Sokurov, 2011):

Iba dispuesto a ver una de esas pelis de simple contemplación y contenido vacío que tanto le gusta hacer a Sokurov y me encuentro, por el contrario, con una peli donde el trabajo de cámara y montaje está relativamente encauzado bajo unos cánones más tradicionales (aunque el principio de cine como arte y no como espectáculo es el que sigue primando en todo el trabajo), que incluso me llama a ver el resto de la tetralogía del poder. Su trabajo con lentes anamórficas extrañas se mantiene, pero en pequeñas dosis que incluso le dan sentido y voz de narrador a la imagen, al enrarecerlo todo y dar ese aspecto de sueño. De todos modos, el desarrollo se torna tremendamente literario, fundamentándose todo en base a diálogos que dan un aire pesado que enlaza con la estética del film, pero llevándolo a que se vuelva más difícil de digerir.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.0 Técnica: 7.0 Guión: 6.0 Actuación: 7.0
Total: 7.0

-A Torinói Ló (O Cabalo De Turín) (Béla Tarr, Ágnes Hranitzky, 2011):

La verdad es que salí de esta peli con dudas sobre como puntuarla aún después de aplaudirla en la breve y tímida ovación que se llevó al terminar. Si bien siempre he criticado el cine contemplativo vacío, que no muestra nada ni evoluciona, hay una poética en las imágenes y en los movimientos de los planos secuencia que nos presenta que me enganchó desde un comienzo. Porque es que realmente, lo único que se muestra, es el tedio de una familia rural piamontesa del s. XIX, pero de un modo muy bello mediante planos secuencia de entre 4 y 6 minutos de duración, combinándose con un compás musical que se clava en el cerebro desde la primera repetición. Eso sí, con un drama ausente, basado más en el seguir adelante y simplemente vivir, esperando a la muerte pero sin perseguirla que en nada más, cosa que ayuda a esa poética pero deja un poco vacía la posible profundidad que podría tener el film. Y eso que no le falta cierta reflexión sobre ese devenir de la muerte y el sinsentido de la vida que enlazaría precisamente con el origen nietzscheano de la historia.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 9.5 Técnica: 9.0 Guión: 7.0 Actuación: 7.5
Total: 8.5

-Jerichow (Christian Petzold, 2008):

Una peli bastante normalita, con ciertos toques de tv movie incluso, tanto por su simplicidad de personajes, localizaciones e historia como por su trama repleta de elementos de amor, venganza y engaños bastante tópica. Aún así, consigue algún momento bastante interesante y los personajes están bastante bien desarrollados e interpretados. Pero en general eso, una historia sencilla, con más oficio que otra cosa, y sin ofrecernos nada especial. Lo único, el tratamiento que se puede encontrar sobre la guerra de Afganistán y la inmigración en Alemania como elementos pegados al guión, rodeándolo pero sin atacar directamente un discurso al respecto.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 5.5 Técnica: 6.0 Guión: 6.0 Actuación: 7.0
Total: 6.0

Cineuropa 2011: Vol. II

2011-11-27T22:26:00.000+01:00

Tercera semana de Cineuropa (contemos la primera media como entera), y segunda entrada. No me pasé tanto como otros años, puesto que realmente no había tanto que me llamase la atención, y aún estoy atendiendo a otros quehaceres, montando el documental y recuperando vida social sobre todo.

Así que aquí, brevemente, les comento las 4 que vi:

-Le Havre (O Havre) (Aki Kaurismäki, 2011):

Viendo esta peli, parece que Kaurismäki ha abandonado parte de su identidad de cuando rodaba por Finlandia, con actores que, a ojos del resto del mundo eran exageradamente fríos y lejanos, y un humor pesimista que rodeaba todo. Aquí, sigue habiendo humor y cinismo, pero también alegría, e incluso interpretaciones con cierta fuerza. Tampoco mucha, ojo. Y curiosamente, si obviamos la pretensión con la que uno entra en el cine al tener en cuenta el nombre del director, sí resulta una peli interesante, con su parte de crítica social y su punto de cuento fantástico que la hacen bastante entretenida.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.0 Técnica: 7.0 Guión: 7.5 Actuación: 7.0
Total: 7.0

-Los Pasos Dobles (Isaki Lacuesta, 2011):

Una historia de superación y búsqueda de tesoros donde la realidad, la narración con mucha voz en off y lo propio que cuentan los personajes se va liando y enmarañando totalmente hasta que es difícil discernir realidad o cuento dentro de la propia historia. Gracias a ello, hay un cierto aire fantástico que rodea todo el film, que cuenta también con una fotografía preciosista que aprovecha a la perfección los paisajes del desierto y de África en general.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.5 Técnica: 8.0 Guión: 7.5 Actuación: 7.0
Total: 8.0

-Road To Nowhere (Monte Hellman, 2010):

Cine sobre cómo se hace el cine, y metanarración donde no se duda en hacer homenajes al cine, metiendo incluso metraje de Las Tres Noches De Eva, El Espíritu De La Colmena y El Séptimo Sello. Aún así, juega a intentar liar la realidad y la narración, de tal manera que queda algo bastante liado y relativamente interesante, pero con una resolución final que, a estas alturas, queda bastante trillada y estropea mucho del trabajo previo. Y tampoco ayudan en absoluto las actuaciones, la verdad. Aún así, está bien fotografiada, y plantea varios planos bastante interesantes, así como un buen montaje que juega en los distintos mundos diegéticos.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.5 Técnica: 7.0 Guión: 5.5 Actuación: 6.0
Total: 6.5

-Essential Killing (Jerzy Skolimowski, 2010):

Una peli relativamente arriesgada, porque la persecución a que es sometido es el único leitmotiv que lleva al personaje a seguir adelante, jugando precisamente con la soledad del mismo, la adrenalina del casi ser pillado, y sobre todo por ponernos en la piel de un Afganistaní que huye ante la brutalidad norteamericana, con lo cual el mensaje político está más que claro al mismo tiempo que no existe, por ser una historia más centrada en la superación del siguiente obstáculo que en lanzar consignas. Muy bien fotografiada, mucha tensión y una buena actuación, esencialmente muda, de Vincent Gallo.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 8.5 Técnica: 8.0 Guión: 8.0 Actuación: 8.0
Total: 8.0

Comienza Cineuropa 2011 y vuelvo a tener tiempo de atender al blog.

2011-11-19T16:18:00.000+01:00

Se que ultimamente esto ha estado más parado de lo que debía. La razón: atender al próximo proyecto que estrenaré junto a Carlos Pensado sobre el Death Metal de los 90 en Galicia, al estreno de Un Hombre Está Tumbado En El Suelo, corto que lleva peleando por ello desde Mayo, y trabajar en la serie Escoba! que supongo que pronto podrán ver en la TVG. Y a eso le sumamos el estar haciendo un máster y seguir pretendiendo tener vida, así que imagínense. Pero bueno, la grabación de la serie ha terminado ya, así que podré centrarme en lo que toca en Noviembre en Compostela: atender a Cineuropa.

En la semana y media que llevamos solo he conseguido asistir a dos proyecciones, cosa que supongo variará a partir de hoy mismo porque también entra mucho de lo que me interesaba a priori. Pero eso ya es meterme en predicciones de futuro. Pasemos a comentar esas 2 que vi:

-Kiseki (I Wish (Milagre)) (David Michôd, 2010):

Una peli de Koreeda, con elementos de magia, mucha ternura y una evolución pausada y tranquila que se acerca al ritmo natural de la vida cuando la miramos con ilusión. Interesante en cuanto a este tratamiento del guión, y una pena que la copia proyectada no pareciese ser definitiva, pues había cambios de formato de imagen de 16:9 a 4:3, colándose micros en las de 4:3 y pareciendo tener menos curro en postproducción que las restantes. Aún así, la fotografía ayuda en cuanto a esa magia, y sigue a los críos por su aventura con bastante buen criterio. Con todo, hay momentos en los que la narración se hace larga y monótona en su estructura casi de road movie, porque tarda en arrancar y la acción paralela no ayuda en nada a los críos que la protagonizan, que no son capaces de llevar el peso dramático tanto como requería la historia.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.0 Técnica: 7.0 Guión: 6.0 Actuación: 6.5
Total: 6.5

-Die Überlebenden (Os Sobrevivintes) (Andres Veiel, 2010):

Un documental a priori interesante por su tratamiento del suicidio y de la muerte sobrevolando a la existencia. No obstante, le falta profundizar en la realidad y se queda demasiado en la superficie de la historia, dando una apariencia que, en caso de ser fake habría molado mucho pero aquí solo lo hace repetitivo y facilón, con entrevistas y una estructura no lineal que aparenta una pretensión de contar una historia mediante algo de suspense que no acaba de alcanzar. Eso sí, me gustó especialmente la objetividad que tiene, dejando en el aire todas las posibles soluciones al caso (aunque de pautas concretas en algún momento), y consiguiendo con ello que no sepamos como ocurrió todo en realidad.
Nota:
Originalidad/Riesgo: 7.5 Técnica: 5.5 Guión: 5.0 Interés: 6.0
Total: 6.0

The Cars That Ate Paris (Los Coches Que Devoraron París)

2011-11-09T23:05:00.001+01:00

Título: The Cars That Ate Paris

Director: Peter Weir

Año: 1974

País: Australia

Duración: 84

Arthur (Terry Camilleri) sufre un accidente a la entrada de un pueblo perdido en la mitad de la Australia rural llamado Paris cuando viajaba con su hermano George (Rick Scully). George muere, pero Arthur no, y se queda viviendo en el pueblo, acogido por el alcalde (John Meillon) y bajo tratamiento psiquiátrico. Durante su estadía en el pueblo, comprobará que los accidentes son mucho más comunes de lo habitual y que acaban beneficiando a todos los habitantes del mismo de un modo u otro. Y que la juventud también está obsesionada con los coches, pero desde el punto de vista más violento.

Clásico desayuno de hospital, claro.

Todos los que tenemos una relación más o menos afectuosa con el cine de explotación, somos conscientes de que, con relativa asiduidad, alguna peli con un título y/o una portada cojonuda, nos va a atraer irremisiblemente para, al final, acabar siendo un producto totalmente distinto del que se nos anunciaba a priori. Y habitualmente, por qué no decirlo, un truñaco, con claros ejemplos en cosas como Los Surfistas Nazis Deben Morir o Shaolin Vs. Evil Dead.

Aquí, desde luego, algo de esto pasa, pues no hay apenas coches que devoren, al menos hasta el final (y no es que sean coches que coman casas o gente, solo las destruyen), pero tampoco hay Paris, o al menos no el Paris que todos pensamos como ciudad francesa, sino que es un pueblo perdido en mitad de Australia, de hecho inventado hasta donde yo sé, pues el film está rodado en Sofala, NSW (aunque haya un Paris en Texas, que perfectamente podría identificarse con este). Y desde luego, no hay nada de la acción que un título como este promete, ya que la peli funciona, en su mayor parte, gracias al diálogo.

Recuerdan V? pues esto mola más.

Debido a este exceso de diálogo, el ritmo que desarrolla no es excesivamente alto, y en ciertos momentos realmente puede llegar a aburrir. No obstante, se hace muy interesante el trabajo que existe de desarrollo, centrándose en la experiencia del protagonista de un modo muy sutil y aparentemente externo al mismo, aunque remate por funcionar más subjetivamente, al saber nosotros tanto como él de lo que ocurre por el pueblo creando con ello un guión extraño y complejo, donde como dice en el cartel casi todos los personajes restantes son asesinos, aunque sea de modo indirecto.

Así que con ello, Weir consigue transformar lo que en un principio podría parecer una peli de coches asesinos al estilo Christine, en algo que bebe de 2000 Maníacos pero con coches tuneados de manera bestialmente irreal, recordando a lo que vendría después en La Carrera De La Muerte Del Año 2000, especialmente destacando ese escarabajo que da imagen al film, y que juega con la conspiración del pueblo más que con la violencia que sería más de esperar. Además no escapa de mostrar un poco de gore en un par de ocasiones, y el final es donde sí junta un montón de violencia, que también se gotea en partes a mitad del metraje.

Uno va andando por el campo, se encuentra esto, y algo impresiona, oiga.

Por el resto, una puesta en escena tranquila y tendiendo a lo estático, coherente con esa profundización del diálogo, y con una cámara que juega, sin arriesgar demasiado pero también sin pretender ser excesivamente clásica, con mucho plano general que se mezcla con los primeros planos obvios para dichos diálogos. Todo ello, con un uso de la luz en la fotografía de John McLean que tiende a lo realista, tirando a un poco apagada para dar mayor tranquilidad al desarrollo de la historia y no influir en él, pero apoyando con ello mucho más en la extrañeza que comentábamos más arriba.

Extrañeza a la que también ayudan las actuaciones, distantes en su mayoría, empezando por Terry Camillero, que en todo momento parece estar absolutamente perdido en cuanto a lo que le rodea, y chocando con John Meillon en cuanto a cómo este domina la pantalla en sus apariciones, pero también quedándose en la distancia, consiguiendo dar un aire de psicópata al personaje.

De verdad que esto es de una peli de cohes.

Los restantes, más o menos en la misma línea, sin llegar a sobrarse pero tampoco destacando excesivamente. Si acaso, citar a Bruce Spence, que parece realmente un colgado absoluto desde un comienzo, y a Chris Haywood, quien hace un perfecto psicópata en el papel que interpreta, aunque en algún momento llegue a resultar excesivo en el mismo.

Respecto al montaje, que no se nos debe olvidar, comentar que el trabajo sigue las líneas trazadas desde el guión y la dirección, es decir, mucha tranquilidad y pausa, primacía de los diálogos, y como mucho incidir en esas presentaciones de violencia con coches que hay esparcidas por el guión, rompiendo con la estructura y dando un aire muy bueno e interesante para el espectador, como picos destacados dentro del film.

Y el trabajo sonoro, pues en esa misma línea, tendiendo a lo realista pero, eso sí, excediéndose en la calma que transmite mediante la banda sonora, que lleva a un poco de apatía al concepto general de la peli, aunque también, en ocasiones, ayuda en el extrañamiento precisamente por lo tranquila que resulta para mostrar accidentes, por ejemplo. También hacer hincapié en alguna ocasión donde se hace patente el trabajo a posteriori del sonido, cosa que desde luego me gusta pero si se hace bien, no con un perro que vemos ladrar pero no lo oímos o una palmada que tampoco llega a escucharse.

Ojalá las reuniones de tuneros fuesen así.

Resumen:
Una peli que, pese a su título y su cartel resulta ser una obra basada en diálogos y en una trama extraña y sucia, donde la acción solo aparece en contadas ocasiones, y el punto de vista externo se mezcla con los pocos conocimientos del protagonista y un trabajo técnico que no deja de apoyar cierto extrañamiento hacia el espectador.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 7.0
Guión: 6.5
Actuación: 7.5

TOTAL: 7.0

Caminos Bizarros: Actualización Octubre 2011

2011-11-05T20:40:00.000+01:00

Como cada mes, una nueva actualización para seguir viendo hasta donde llega el ser humano en internet para llegar al blog, en Caminos Bizarros para llegar al blog! Y qué quieren que les diga, parece que la cosa sigue aumentando poco a poco, y yo sigo impresionado con lo que busca la gente en su soledad ante el ordenador...

(Si quieren ver solo las de este mes, pulsen la entrada completa, que aquí ya las incluyo.)

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Las Autonosuyas

2011-10-26T20:46:00.001+02:00

Título: Las Autonosuyas

Director: Rafael Gil

Año: 1983

País: España

Duración: 89

El alcalde de un pueblo llamado Rebollar de la Mata, Austrasigildo (Alfredo Landa), decide que al igual que están haciendo otras zonas de España como son el caso catalán o el vasco, va a pedir la autonomía. Para ello, creará el farfullo, un lenguaje igual al español pero que en lugar de 'p' usa la 'f', basado en una tara del propio Austrasigildo, y establecerá unos dominios históricos que sirvan para justificarlo. De este modo, él y los alcaldes vecinos acabarán medrando económicamente de mala manera, salvo que la vieja guardia lo impida.

Desde siempre, en España es hablar de autonomías, y ya tienen que saltar, indefectiblemente, las voces clamando al cielo por la unidad del país y esa obsesión por agarrarse al Una, Grande Y Libre, que parece ser el último estigma del fascismo socialmente aceptado (el resto, aunque presentes, se procuran ocultar más, no vaya a ser). Así que aquí, como no podría ser de otra forma con gente de talante tan poco progresista como Alfredo Landa protagonizando, Fernando Vizcaíno Casas escribiendo o Rafael Gil dirigiendo, lo que se hace es una crítica desde la profunda derecha, a pesar de no carecer de ciertas verdades, hacia las búsquedas de autonomía. Además, con un final que deja claro el posicionamiento de los autores de un modo brutal y ridículo, y un montón de guiños profundamente reaccionarios, que no dejan de tener cieta coña si uno se deja la ideología en el bolsillo. Aún así debo reconocer que la peli deja en muchos momentos de lado la camisa azul y simplemente se dedica a reírse y criticar todo lo que ahora también critican los movimientos de indignados, es decir, la absurda corrupción y mejora personal que suponen los gobiernos, aún en democracia, y lo poco que importa el pueblo para los gobernantes y sus decisiones.

Para ello, una peli típica de su tiempo en el cine español, con deficiencias técnicas por todas partes como un sonido que es un martirio a veces (y más con lo importante que sería para apreciar claramente el farfullo), un montaje que incluso hace que se noten las repeticiones de tomas (el paseo ante la farfutola como ejemplo), o una puesta en escena de lo más cutre y sosa. Además, un guión pobre y basado en una continuidad que pasa de resolver ni profundizar en ningún conflicto. Las actuaciones, al menos están solventadas más o menos por el tono de comedia, eso sí. Y con todo, la peli se hace entretenida y tiene sus buenos detalles, como decía antes. Pero claro siempre si nos abstraemos del sesgo obvio que existe por mucho que intenten ocultarlo por medio de cosas como al principio del film justificarse y exculparse hacia las nacionalidades históricas, cosa que también choca frontalmente con los agradecimientos a la Fundación Francisco Franco de los créditos finales (aunque sea porque les prestaron material del caudillo).

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.0
Técnica: 4.5
Guión: 5.0
Actuación: 6.0

TOTAL: 5.5

Mille Dollari Sul Nero (Baño De Sangre Al Salir El Sol)

2011-10-24T21:26:00.000+02:00

Título: Mille Dollari Sul Nero

Director: Alberto Cardone (firmando como Albert Cardiff)

Año: 1966

País: Italia / Alemania Occidental

Duración: 99

Johnny Liston (Anthony Steffen) llega a su pueblo tras haberse pasado 12 años en prisión. Allí se encuentra con que su hermano Sartana Liston (Gianni Garko) se ha erigido como un cacique local violento y temido. Ni corto ni perezoso, Johnny se enfrentará a su propio hermano en pos de una justicia que el pueblo no le dio en su día.

Dentro de lo que fue el Spaghetti Western, destacan por lo queridos que fueron por las productoras algunos personajes (diremos que por los aficionados también, aunque a muchos se la sudase un poco el cotarro con tal de ver violencia y tiros). Ejemplos paradigmáticos serían Django, Keoma o el personaje sin nombre de Clint Eastwood por lo que marcaron y su gran importancia en el imaginario del género. También esto ocurriría con Sartana, aunque le costase un poquillo entrar en él, después de aparecer aquí como un antagonista brutal y ni siquiera ser representado en el título, solamente en Alemania Occidental e Italia, pero tiempo después de su estreno.

Y esta primera aparición ante el público del personaje interpretado por Gianni Garko (que después interpretarían otros, además de él en repetidas ocasiones), está marcada por la estela de un western con muchos tintes de melodrama como es tradicional en el spaghetti, pero con la violencia dominándolo todo, por supuesto, aunque apenas se vea sangre. Rodado con un estilo que, aún resultando plano en ocasiones, es más que interesante y nos deja un gran sabor de boca gracias a planos magníficos y arriesgados en sus posiciones. Eso sí, peca de un montaje que no está a la altura y por ejemplo en peleas y tiroteos acaba haciéndose pesado y lento, contrariamente a la acción que representa. También ayudan a ello las coreografías, planas y falsas, y el sonido también extremadamente falso, con puñetazos que suenan a golpe de vara, como las hostias del cine de kung fu. Pero claro, eso sirve si es Gordon Liu quien da las galletas, no unos italianos torpones. No obstante, el guión, con sus tintes de melodrama que no vamos a negar, funciona lo bastante bien como para que la peli se haga interesante y acabe siendo resultona y relativamente original dentro del panorama del spaghetti western, también gracias a las actuaciones, por mucho que los personajes terminen por ser planos y obvios.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 6.0
Guión: 7.5
Actuación: 7.5

TOTAL: 7.0

Das Wachsfigurenkabinett (El Hombre De Las Figuras De Cera)

2011-10-19T23:48:00.000+02:00

Título: Das Wachsfigurenkabinett

Director: Leo Birinsky / Paul Leni

Año: 1924

País: Alemania

Duración: 83

Un hombre (William Dieterle) consigue trabajo como publicista de una caseta de figuras de cera. Allí se encarga de escribir historias para los personajes exhibidos, y escoge para ello a Harun Al-Rashid (Emil Jannings), un vicioso califa que intenta seducir a la mujer de un panadero y a Iván El Terrible (Conrad Veidt), que se obsesiona con que le intentan matar para usurparle el puesto, convirtiéndose estos relatos en la base fílmica que se nos presenta.

Lo más tópico a la hora de pensar en relatos enmarcados en relatos, es pensar en Las Mil Y Una Noches. Y aquí, casualmente, incluso resulta obvia la influencia en la historia ambientada en Bagdad, donde además algún plano en la huída me hizo pensar en El Ladrón De Bagdad. Esto último no se si por plagio o coincidencia ya que son del mismo año. Aún así, lo importante aquí es la manera de mezclar los relatos, usando ya la ahora clásica fórmula de presentar a los protagonistas de la historia continente en la historia contenida ejerciendo un papel también protagonista, de modo que desde un principio vayamos cogiéndoles cariño.

El caso es que las historias, enlazadas por esa publicidad para el gabinete de las figuras de cera, giran en torno a tiranos gobernando y dominando cruelmente a su pueblo, la primera más con el aire de aventura oriental, y la segunda desde una perspectiva cercana al terror y al drama, dando con esto bola a esa teoría de Kracauer que hablaba de visiones y temores al nazismo en la etapa expresionista del cine alemán. Todo ello, eso sí, planteado con una puesta en escena tirando a plana y poco dinámica incluso teniendo en cuenta su año de producción, aunque con algunos aciertos de imagen como serían el reflejo en el diamante del califa, o algún fondo de escenario recogiendo parte de la estética caligarista y un poco muy poco del expresionismo ortodoxo. Este caligarismo, eso sí, mucho más utilizado en la escena final, donde se mezcla con tintes de impresionismo y, mediante superposiciones, logra una secuencia onírica llena de movimiento y extrañeza muy agobiante y muy interesante.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 7.0
Guión: 6.5
Actuación: 7.0

TOTAL: 7.0

I Predatori Di Atlantide (Los Invasores Del Abismo)

2011-10-16T19:51:00.000+02:00

Título: I Predatori Di Atlantide

Director: Ruggero Deodato (Firmando como Roger Franklin)

Año: 1983

País: Italia / Filipinas

Duración: 92

Unos científicos encuentran un extraño amuleto bajo el mar, y llaman a una experta, la doctora Cathy Rollins (Gioia Scola firmando como Mary Fields) para que investigue al respecto. Cuando están intentando levantar un submarino que estaba encallado allí abajo, se desata una tormenta y una extraña isla surge a la superficie. Parte de los científicos se encuentran con Mike Ross (Christopher Connelly) y Mohamed (Tony King), unos mercenarios que nacegaban por la zona. Juntos se tendrán que enfrentar a los habitantes de la Atlántida, una suerte de guerreros cyberpunk que conducen vehículos modificados que han venido al mundo para eliminar a aquellos que los molestan.

Cuando yo pienso en los atlantes, pienso en señores en túnica, que viven tranquilamente y en cierta libertad, más cercanos a los habitantes de Zardoz, pero libres del todo y que si acaso juegan con delfines, que otra cosa. Supongo que influencia de Asterix o los videojuegos ambientados en la ciudad perdida. Pero hete aquí que, en algún lugar de Italia, un productor de caspa pensaba en los atlantes y se imaginaba una sociedad cyberpunk hiperviolenta, perfecta para ser dirigida por en inefable Ruggero Deodato (aunque firme como Roger Franklin) después de triunfar con Holocausto Caníbal y Trampa Para Un Violador. Aunque bien pensado, en los ochenta se imaginaban sociedades cypberpunk hiperviolentas constantemente, que por lo visto era un tema que vendía bien en la acción de explotación videófila, y Deodato no dejaba de estar en su salsa en estos productos.

Por supuesto, al igual que cualquier producción del estilo, nos encontramos con una caspa considerable. Aún a pesar de buenos complementos de producción, como son helicópteros, explosiones, una isla o incluso una plataforma petrolífera, la racanería en el presupuesto se hace evidente, y también las pretensiones de simplemente sacar el producto para venderlo rápido y fácil. Aún así, el diseño de los malos mola bastante, y si bien el guión no acaba de explicar demasiado bien el por qué surgen ni por qué matan, todo se sugiere y se deja al entendimiento (o no) del espectador para pasar a la violencia y a las escenas de gente que se conoce en el camino hacia la supervivencia, para morir un rato más tarde. Personajes arquetípicos y muy mal interpretados, algún intento de humor y pinceladas de gore acaban por dar su forma final a un producto interesante solo por el bizarrismo que supone el argumento en sí mismo.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 5.0
Guión: 5.0
Actuación: 4.0

TOTAL: 5.0

Nekomajin (ネコマジン) El Gato Mágico

2011-10-10T17:23:00.000+02:00

Título: ネコマジン (Nekomajin)

Autor: Akira Toriyama

Año: 1999-2005

País: Japón

Edición: Planeta DeAgostini

Tomos: Integral de 190 pag.

Los Neko Majin son unos gatos con poderes mágicos que se dedican a cosas diversas como ganar dinero a expensas de turistas, ayudar a los débiles (habitualmente a cambio de dinero o favores) o dormir (sin intercambio monetario necesario). Gracias a estas capacidades, se ven envueltos en diversas aventuras, como luchas con demonios, visitas de aliens, o encontronazos con saiyans de vacaciones.

Hala, así ya saben qué es un Nekomajin.

Cuando uno se ha hecho de oro haciendo lo que le gusta, se ha ganado un respeto como creador en un medio y además le siguen pagando royalties por ese mismo trabajo, parecería normal que uno quisiera retirarse a vivir de rentas cual dirigente de la SGAE de la vida. Pero curiosamente, y por fortuna, hay casos como Francisco Ibáñez, Stephen King o Akira Kurosawa, que después de todo, no son capaces de dejar de escribir. Con más o menos negros ayudando dependiendo del caso.

Y claro, cuando uno no tiene que vivir de su producto, sino que las royalties de la carrera desarrollada ya llenan las huchas de casa, es posible desarrollar sin miedo cualquier trama. Aunque se trate de gatos mágicos que pelean que te cagas, mezclando el humor del primer Dragon Ball o Dr. Slump con parodias además de hostias. Es con esta base que se nos presentan diferenciadas 3 partes, protagonizadas cada una por su propio Neko Majin.

El primero, presentando lo que es un gato mágico y agarrado, y dividido en 2 historias, consigue establecer a la perfección esos principios con los que se regirán también las dos posteriores. Son probablemente las dos historias más introducidas en ese estilo que comentábamos antes de humor absurdo y personajes tremendamente imbéciles que el autor hacía 15 años antes, cuando aún era un mangaka más del montón. En el segundo tramo, representado por un solo capítulo, se ve simplemente la introducción de otro Neko Majin diferente, que nos presenta alguna otra realidad sobre esta raza, pero con una historia de lo más sosa y con muchos lugares demasiado trillados en su historia. Representando muy poco interés real en el conjunto. Es el tercer grupo, de 5 capítulos, y con un título ya referencial, lo que supone el plato fuerte de la recopilación. Hablo de Neko Majin Z.

Oh si, un saiyan gordo de luna de miel.

Y si, esa Z ya nos hace ver que nos encontraremos en una parodia de Dragon Ball Z, con un Saiyan gordo y su novia apareciendo en la primera, y desembocando todo en la aparición de Kreezer, hijo de Freezer y cameos de Vegeta, Bu y Son Goku que mezclan, además de ese tinte paródico y el humor absurdo del resto de la obra, rupturas constantes de la 4ª pared comiquil hablando del propio cómic de Dragon Ball, las páginas que quedan… Eso sí, alguna historia volviéndose más tonta y obvia, más infantil si quieren, como es la del Conejo Majin. Pero sin dejar de tener sus momentos.

Todo esto, el sr. Toriyama nos lo muestra con su estilo habitual de dibujo, muy pulido y claro, con un trabajo de sombras esquemático por no decir casi inexistente. El problema, la excesiva separación y estaticidad de las viñetas, que no parecen dar una sensación de continuidad y progresión más que por el texto y el componente significante del relato, que a fin de cuentas es el principal componente del conjunto que Toriyama nos ofrece.

Wombat: Vombatus ursinus. Mamífero marsupial de alrededor de 1 metro.
Humano: Homo Sapiens. Mamífero placentario, primate, de alrededor 1'75 metros.

Por cierto, en todo este conjunto de cosas que retoma Toriyama de sus trabajos de los ochenta, destaca también la ambientación en un mundo donde los animales se comportan como personajes humanos como si tal cosa, consiguiendo ese rasgo tan genial donde un topo puede convertirse en un mecánico o un wombat en un punk. Y un mundo que, nuevamente, está en ese universo metanarrativo que ha creado donde también se desarrollaban Dr. Slump y Dragon Ball, aunque con una línea temporal diferente donde podemos ver que vegeta supersaiyan y Freezer conviven en un mismo momento. Pero también que los personajes son al mismo tiempo internos y externos al cómic que protagonizaban, así que qué coño, hace lo que le apetece y listos.

El resto de los personajes, como decía más arriba, con una tendencia a la estupidez congénita, especialmente los malos, y con un aire naïf que, sin querer repetirme, también haría referencia a esa ola antigua de Tori. Eso sí, cada uno de los Neko Majin, al contrario de lo que puede parecer en un comienzo, con una personalidad diferente, aunque siempre con ese condicionante de ser gatos, y con sus cosillas del tipo ser perezosos y/o buscar beneficio en cuanto pueden en cualquier situación, sobre todo engañando a los desconocidos.

Kreezer, Onio y Vegeta. A punto de que les den el palo.

Resumen:

Una vuelta del estilo de Akira Toriyama a su humor absurdo pero con cierta candidez y subversión de la realidad que hacía en los ochenta. Eso sí, con actualización de su manera de crear los ambientes y la realidad, además de esa parodia a su propia obra que son las últimas 5 historias.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.0
Dibujo:: 7.0
Guión: 8.5
Personajes: 8.0

TOTAL: 8.0

Caminos Bizarros: Actualización Septiembre 2011

2011-10-08T17:12:00.000+02:00

Y solo tres entradas después (se que he estado vago en Septiembre, pero es que está siendo una temporada durilla en cuanto a tiempo para hacer cosas), vuelvo a actualizar los Caminos Bizarros para llegar al blog! Y me respondo a mí mismo hace un mes: Si, podía mantaner aún este ritmo frenético de actualización.

(Si quieren ver solo las de este mes, pulsen la entrada completa, que aquí ya las incluyo.)

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FleshEater (A.K.A. Zombie Nosh) (La Venganza De Los Zombies Vivientes)

2011-09-29T23:23:00.000+02:00

Título: FleshEater

Director: Bill Hinzman

Año: 1988

País: USA

Duración: 88

Unos adolescentes van a pasar una noche al campo, en pandilla, aprovechando que es Halloween. Pero en la propia zona en la que se recrean, un tipo local encuentra una extraña tumba con una inscripción. De allí surge un zombie, en créditos llamado Flesh Eater (Bill Hinzman), que ataca al pobre hombre, convirtiéndolo en zombie a su vez. La plaga se va expandiendo, y los jóvenes escapan como malamente pueden para intentar sobrevivir, al igual que los habitantes de la zona.

Resulta que Bill Hinzman, el hombre con el orgullo de haber sido el primer zombie moderno de la historia gracias a aquella aparición en el cementerio de La Noche De Los Muertos Vivientes, un buen día se levanta y decide que es un buen momento para relanzar su carrera en el cine con su trabajo más conocido, preparando una peli de zombies. Sobre todo después del fracaso que había sido The Majorettes. Así que, como buen autor y hombre multidiscilpinar, escribe, produce, dirige y hasta participa en la edición, además de poner cara, obviamente, al zombie primigenio de la historia a desarrollar (que eso no iba a ayudar a vender ni ná).

Pero, al igual que hace todo eso en esa especie de calidad de autor, la historia la basa en tópicos absolutos, desde los teenagers retozando en el campo hasta el defenderse en una casa e incluso la batida campesina y el desenlace de la misma, cogidos de algún lugar demasiado cercano a su inspiración. A esto sumamos una parte central de la historia que gana tiempo a base de, única y exclusivamente, mostrar escenas sueltas de ataques zombie, sin parar, sin dar sensación de continuidad, y sirviendo solo para aumentar en cierto modo la violencia explícita del filme, lugar en el que al menos está en la buena tradición gore que pretende, con unos efectos más que solventes. Además, se le deben reconocer ciertos aciertos visuales en la primera parte, con una parsimonia descriptiva y en cierto modo analítica pero que permite entrar al espectador en ese universo diegético con contundencia. Eso sí, si hace caso omiso del sonido, que varía en cada corte de la imagen, y parece estar empeñado en demostrar el tratamiento de postproducción en función de doblajes y demás, ayudando a esa imagen en conjunto que s equeda de que la peli es un subproducto del montón, y tendiendo a lo cutre.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 4.0
Técnica: 6.0
Guión: 1.5
Actuación: 5.5

TOTAL: 4.5

Dinocroc Vs. Supergator

2011-09-25T20:42:00.000+02:00

Título: Dinocroc Vs. Supergator

Director: Jim Wynorski

Año: 2010

País: USA

Duración: 82

En una isla, un grupo de científicos está investigando unos productos para hacer crecer más rápidamente las plantas. Un buen día, el tipo que lo financia, Drake (David Carradine), decide probar los productos con animales. Un aligátor y un cocodrilo para ser exactos. Así que los bichos aumentan de tamaño, y comienzan a devorar cuanto ser humano hay por la isla. Para pararlos, Drake contrata a un cazador experto, Logan (Rib Hillis), que acaba uniéndose a un investigador del gobierno, Paul (Corey Landis) y a una oficial de policía ecológica, Cassidy (Amy Rasimas), en la lucha contra los saurios gigantes.

Una peli producida por Roger Corman, con dinero de una tele para ser emitida por la misma, y con un concepto argumental en esa onda que actualmente parece presidir Mega Shark Vs. Giant Octopus, pero con monstruos gigantes recogidos de otros subproductos ya producidos por el propio Corman unos años antes. Porque él no copia a The Asylum, para algo es el gran gurú del cine basura (con el debido respeto a Lloyd Kaufman). Con todo esto, creo que nadie esperaría una obra maestra para los anales del cine precisamente.

Y no, no sorprende en absoluto. Es, directamente, una peli tremendamente cutre, demostrando y casi enorgulleciéndose de su falta de presupuesto, y con un guión refritado en un par de horas y presto para grabar en una zona de lo más bonica, que con sus localizaciones tropicales y paradisíacas supone lo mejor del film. Vamos, un bonito despropósito que podría resultar divertido si no fuese por la falta de carisma que consigue darle Jim Wynorski a la dirección. Y es que no hay ni un solo momento que tenga la más mínima emoción ni sensación climática, salvo quizás el final con esa pelea que anuncia el título. Además, actores pésimos, incluído David Carradine en su enésimo y último papel de malo en peli cutre directa a vídeo (hay que ver que pocas ganas le ponía ya a estos contratos donde solo intentaba cobrar). Si incluso las actrices contratadas para lucir palmito en bikini (si, ni siquiera hay tetas) hacen mal su trabajo! Eso sí, momentos hilarantes como el Supergator devorando a un tipo desde abajo en una charca en la cual el agua llegaba por los tobillos del paisano o el uso de gafas de visión térmica para cazar a los reptiles hacen que al menos haya un margen de risa, y más con drogas. Por cierto, creo que nunca había visto tantas conversaciones telefónicas usadas como excusa de relleno de metraje en ninguna peli. Y aún así, llegan a meter flashback con imágenes del comienzo para seguir comiendo terreno al tiempo!

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 4.0
Técnica: 3.5
Guión: 2.0
Actuación: 5.0

TOTAL: 3.5

Two-Lane Blacktop (Carretera Asfaltada En Dos Direcciones)

2011-09-15T23:08:00.000+02:00

Título: Two-Lane Blacktop

Director: Monte Hellman

Año: 1971

País: USA

Duración: 103

Dos chavales (James Taylor y Dennis Wilson) se dedican a recorrer los USA de un lado a otro apostando en carreras de drag. Conducen un Chevy del 55 modificado hasta las trancas, y no hay muchos coches que puedan ponérsele delante. Un día, acaban picando al conductor de un Pontiac GTO del 70 (Warren Oates) tras toparse con él a lo largo de 3 estados distintos. Así que acabarán en una carrera hasta Washington DC atravesando un buen puñado de problemas y vicisitudes conjuntas.

No hay diferencia estética ni nada.

Desde la primera vez que vi Vanishing Point, comencé a decir que era, posiblemente, la mejor peli de coches de la historia. Tras ver Carretera Asfaltada En Dos Direcciones, solo puedo reiterarlo. Aún a pesar de un título tan cojonudo, y grandes aciertos tanto en guión como en espíritu como en el trabajo técnico. Curioso por cierto, que ambas pelis coincidan en tantas cosas como año, estilo y temática. Si incluso podríamos imaginar que en el universo fílmico los coches de unos y otro podrían haberse cruzado!

Desde un comienzo, destaca el ambiente totalmente desencantado y de cierto corte nihilista de esa generación post hippy que entraba en la decadencia de los 70, donde ni la muerte ni el futuro tenían más significado que el vivir. Ese espíritu que se encargarían un par de años antes de llevar al cine pelis como Easy Rider o, si me apuran, Bonnie And Clyde e incluso El Planeta De Los Simios. Aunque esta última ya no tendría nada absolutamente que ver temáticamente, solo en espíritu.

Venid muchachos, un motor!

Principalmente, gracias a la buena combinación entre el guión y la puesta en escena que lleva a cabo Monte Hellman. Sobre una historia sencilla y que solo se dedica a dar tumbos por la trama principal sin dejar demasiado claras las ideas que pasan por las mentes de nuestros protagonistas, se regocija en acompañarlos por ese viaje horizontal a los USA que en tantas pelis se ha visto convertido en un hito de la cultura occidental. Aún así, gracias a la linealidad que se sigue a través de esa carrera que establecen los dos protagonistas con el hombre del Pontiac GTO, la acción consigue llevar hacia delante el film con paso firme e interés para el espectador.

Respecto a ese trabajo de puesta en escena que comentaba, destaca su búsqueda de lo pausado, consiguiendo, especialmente en la primera media hora del metraje, y en gran medida en la parte final, un aire espectacularmente distante y de desconexión por parte de los personajes. Gracias principalmente a la búsqueda de planos muy largos en duración, sin miedo a la falta de acción sobre todo, Hellman consigue que, si bien el leitmotiv de la historia esté en la acción y en el movimiento hacia delante sin pensamiento, el espectador se vea obligado a plantearse la realidad que se le ofrece crudamente. O todo lo crudamente que se podría teniendo en cuenta las circunstancias.

Eso sí, elementos del guión como son los autoestopistas que va recogiendo el tipo GTO, o los propios personajes, o las situaciones en las que se ven envueltos en busca de alguna descarga de adrenalina, ayudan enormemente a esta visión de la norteamérica de la era de Vietnam, y la poca confianza que había en nada en aquella juventud sin futuro a la vista. Y eso que aún no habían atravesado la crisis del petróleo!

Y así se ve una carretera yankee en los 70 desde un GTO.

Pero bueno, aún así, el trabajo con la fotografía que hace Jack Deerson (con Gregory Sandor fuera de créditos según la IMDb), si bien en cuanto a la luz poco más hace que aprovecharse de los espacios naturales en que se ambienta el conjunto, en cuanto al trabajo de posicionamiento y uso de la cámara aporta mucho a la búsqueda estética y estilística del film, con momentos muy buenos como es el acelerón que vemos desde un escorzo de uno de los protagonistas, consiguiendo, sin dejarnos ver nada, hacernos partícipes de la velocidad a la que se mueve el Chevy del 55 tó tuneao.

Además, el montaje, que lleva a cabo el propio Hellman, contrasta precisamente esos planos que tienden al vacío con la acción obvia que se presupone a una peli de coches, y más durante los momentos de carrera. Momentos que, por cierto, podrían haberse alargado un poco más, para darle más preponderancia en el conjunto global. No obstante dicho conjunto queda bastante interesante y funciona a la perfección, aunque algún momento sea más extraño por sus elipsis, como la separación y unión en una carretera al sur de un pueblo, desapareciendo el coche de poli que parecía seguirlos.

Por cierto, el sonido también importantísimo en el devenir de la historia y en la presentación hacia el espectador. Desde esa manera de acelerar que nos lleva al interior de los coches sin necesidad de ver nada, hasta el final donde no teme experimentar en absoluto. Eso sí, quedándose algo vacío en determinados ambientes, aunque con una banda sonora tremendamente dependiente de la presencia diegética.

Por qué no usar un coche de los 30 para correr?

Ahora bien, pese a todo este espíritu que se nos consigue trasladar, y ese buen trabajo técnico, también se le podrá echar en cara cierto vacío y el exceso de momentos que parecen estar metidos en el guión solamente para ir rellenando bulto y metraje, aportándonos más bien poco. Pero no olvidemos que esto influye también en la búsqueda desesperada y desencantada con la que empezábamos el análisis.

En cuanto a las actuaciones, poco que destacar realmente. Tanto James Taylor como Dennis Wilson muy correctos en sus personajes, especialmente el primero con toda la introspección que parece desarrollar. Ahora bien, consiguiendo mantener con sus actuaciones gran parte de los aciertos que llevamos comentando, ya desde sus silencios prolongados, o su aire alejado de lo que los rodea. Repito, especialmente en caso de Taylor.

Warren Oates por su parte, como contrapunto bastante interesante a estos dos, con un personaje del que solo por confusión acabamos sabiendo tanto y menos al mismo tiempo incluso que de los principales, pero con un aire interesante precisamente por lo oligofrénico de la actuación, cambiando de registro casi con cada diálogo y con cada secuencia. Destaca especialmente al respecto la etapa que comparte con Laurie Bird, quien por cierto sin llegar al nivel de los otros 3 principales, tampoco se queda corta en la extrañeza de su personaje, aunque tienda más a forzarlo que sus compañeros de reparto.

Nunca acabarán de convencerme estas carreras de velocidad.

Resumen:

Una peli entretenida y que desborda un aire desencantado como corresponde a su época y en gran medida a su género. Buenos aciertos en cuanto al pausado trabajo técnico, y unas actuaciones al nivel de las circunstancias. Ah, y un Pontiac GTO del 70, que eso siempre mola.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 8.0
Guión: 7.0
Actuación: 7.0

TOTAL: 7.5

Caminos Bizarros: Actualización Agosto 2011

2011-09-07T01:57:00.000+02:00

Nueva actualización de Caminos Bizarros para llegar al blog! Y van 2 meses seguidos! Podré mantener este ritmo frenético? Quien sabe.

Por cierto, como comentario, responderme a mi yo de hace un mes que sí, que Agosto ha seguido la tendencia de búsquedas absurdas tanto por contenido como por cantidad.

(Si quieren ver solo las de este mes, pulsen la entrada completa, que aquí ya las incluyo.)

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El Hombre De Al Lado

2011-08-29T00:43:00.000+02:00

Título: El Hombre De Al Lado

Director: Mariano Cohn / Gastón Duprat

Año: 2009

País: Argentina

Duración: 103

Leonardo (Rafael Spregelburd) es un diseñador de muebles de éxito que vive en una casa muy especial de La Plata, diseñada por el propio Le Corbusier. De repente, un día su vecino Víctor (Daniel Aráoz) decide que quiere hacer una ventana que da directamente a una de la casa de Leonardo. Aunque este le pide por activa y por pasiva que renuncie a su ventana, Víctor es un hombre cabezón, y seguirá con la obra, estableciéndose entre los dos un tenso vínculo donde la mirada altiva de quien se cree más inteligente gobierna nuestra visión.

Las dos ventanas que dan pie a la historia.

El diseño, la arquitectura, el arte moderno en general es sinónimo de la sublimación del espíritu para algunos, pero vacío con apariencia y lleno de pretenciosidad para otros muchos. Y a quién podemos culpar de esa evolución del gusto artístico? Pues hay quien lo hace con Pollock, o hay quien lo hace con Le Corbusier. Desde luego, seguro que habría muchos más, pero también desde luego estos dos, o más bien los que elevan a categoría de genialidad todas sus obras (porque no digo que no tengan algunas cosas positivas), son y han sido parte del problema. Y también el miedo de muchos intelectuales a aceptar que no todo lo que elevan a los altares los que vinieron antes que ellos, o que supuestamente saben más, puede ser una mierda. Pero estoy seguro de que también ocurría antes de la llegada del arte contemporáneo.

Hija mía, te voy a dar la chapa mientras me reflejo en todos esos espejos colocados de modo tan útil.

En gran medida, esta es la idea sobre la cual se sustenta gran parte del guión del que estamos hablando. Con una duda constante sobre los valores realmente intelectuales del protagonista, la casa Curutchet -única construida por Le Corbusier en toda América como se dice al comienzo del film- sirve de escenario irónicamente perfecto para ello. De este modo, con la tensión entre los dos propietarios vemos la falsedad, la pretenciosidad y la falta de autoestima real que se esconde tantas veces bajo el disfraz intelectual, en una postura claramente antigafapasta, en el sentido que habitualmente entendemos por gafapasta.

De este modo, la historia se desenvuelve sobre todo en base a personajes, y a un desarrollo solamente ambientado en la casa y sus inmediaciones, consiguiendo gracias al absurdo de ese contraste de personalidades una comedia fresca y festiva en muchos momentos, llena de ritmo, aún a pesar de los cortes que suponen las escenas individualizadas y lo poco que vemos realmente de los personajes más allá de su relación mutua.

Gafapastas escuchando música.

Tratamiento de la puesta en escena coherente con todo ello, jugando constantemente desde la dirección de Mariano Cohn y Gastón Duprat con las formas de la Curutchet, y aprovechándose de ellas para construir planos que se mantienen durante largo rato, muchas veces tomándolos con cámara en mano. De este modo, la arquitectura propia de la casa, y su carácter y espíritu acaban consiguiendo mucha personalidad en el relato, siendo incluso importantes para el desarrollo de alguna de las escenas, además de la propia base argumental.

Interesante desde este punto el montaje de Klaus Borges y Jerónimo Carranza, que se permite el lujo de combinar distintos ritmos en función del avance del film, pero dando preponderancia precisamente a estas escenas que se desarrollan en un solo plano, fijo las más de las veces pero también meneándose cuando es necesario, y por cierto haciendo en el comienzo un uso de la pantalla partida que recuerda al de La Soledad y su polivisión, dejando patente precisamente esa destrucción de la pretenciosidad que propone el guión.

Y respecto al sonido, pues primordial tanto desde los continuos golpes, llamadas en off y ruidos varios que hace Víctor, hasta precisamente el modo subjetivo de percibirlos por parte de los personajes, ahora tapándose los oídos, ahora confundiéndolos con la música… Todo luchando por introducirnos como espectadores, precisamente en la locura que viven Leonardo y su familia.

El interior de la casa, accesible y simple.

A ello ayuda el trabajo de interpretación de los actores, con un Rafael Spregelburd que está perfecto en su papel pretencioso pero mundano al mismo tiempo, mostrando y representando a la perfección a ese estereotipo que además tanto abunda en diseño y/o arquitectura de pseudoartista intelectual tremendamente vacío pero lleno de éxito. También Daniel Aráoz está muy bien, sirviendo de contrapartida con su papel de villero sin demasiada cultura pero al final más lógico que todos los que le miran por encima del hombro. Y, ojo, que aunque jueguen con estereotipos hacen interesante el proyecto.

En el resto del reparto, con mucha menos capacidad en sus personajes para ser desarrollados, destacaría Eugenia Alonso, algo menos cerebral de lo que debería, pero convincente y suficientemente cansina, que es lo que necesita su personaje, e Inés Budassi, que solo con sus bailes y su presencia vacía, consigue dar impulso a mucho del personaje principal y sus relaciones con el mundo. También en un papel parecido, precisamente por lo vacío de diálogos y simple canalizador del protagonista, Eugenio Scopel, que al igual que la anterior citada, consigue dar un plus de extrañeza, pero también de humor a la historia.

Espero que esto no fuera una rajada de Messi...

Resumen:

Una buena comedia, que critica todas las poses pseudointelectuales con la guasa de ambientarse en una construcción de Le Corbusier, con un trabajo de guión notable, y una puesta en escena inteligente que sabe aprovecharse de las ventajas con que cuenta, tanto de espacio como de actores, consiguiendo sus propósitos con creces.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.5
Técnica: 8.0
Guión: 8.5
Actuación: 7.5

TOTAL: 8.0

The Rope (La Soga)

2011-08-24T22:18:00.001+02:00

Título: Rope

Director: Alfred Hitchcock

Año: 1948

País: USA

Duración: 80

Brandon (John Dall) y Phillip ( Farley Granger) acaban de asesinar a su amigo David, justo antes de celebrar una fiesta donde tanto la novia (Joan Chandler) como el padre (Cedric Hardwicke) del difunto están entre los invitados. Para darle más diversión y tensión al asunto, deciden colocar la cena sobre el arcón donde se encuentra el cadáver. Pero los nervios, y la suspicacia de su antiguo profesor el sr. Cadell (James Stewart), harán que la fiesta corra el riesgo de no ser un éxito absoluto.

Una de las cosas que más me impresionan ante el cine del sr. Hitchcock es su enorme capacidad para coger temas especialmente sórdidos para hacer films, y elevarlos a las cotas de cinefilia y respeto social más elevadas. En este caso, una idea pretendidamente relacionada con Del Asesinato Considerado Como Una De Las Bellas Artes. Y precisamente, lo que a de Quincey le costó el rechazo social más absoluto en su tiempo, a Hitchcock lo llevó a seguir siendo un director respetado, y si cabe, a llamar la atención sobre su dirección en un momento que eso no se estilaba entre los críticos. También admito que de Quincey no cumpliría el código Hays, que Hitchcock sí tuvo a bien aceptar llegando a criticar a Nietzsche y el nazismo para no dar el mensaje incorrecto.

Lo que aquí nos encontramos es una magnífica pieza de humor negro sustentado en una base de suspense en la forma más pura posible, con un secreto que sabemos y que nos lleva a sufrir con la posibilidad de que sea descubierto ya desde un comienzo. Eso sí, los diálogos ayudan funcionando perfectamente, y además habría que hablar -como ha hecho antes que yo muchísima gente en estudios más profundos que este- de la fantástica puesta en escena por medio de planos secuencia que hace Hitchcock, como es bien sabido cortando en espaldas (de un modo muy evidente) y con un par de cortes de plano para que no hubiese problemas con los cambios de rollo. Eso sí, esta condición lo lleva a que la peli tenga pasajes bastante teatrales, por mucho que los actores estén dentro del canon del realismo cinematográfico prototípico de la época, así como la narración que acaba desarrollando, destacándose también algunos momentos totalmente fuera del canon como es el plano desde el arcón, con la sirvienta (Edith Evanson) recogiendo. Destacar por supuesto a James Stewart, pero también a los dos protagonistas, Farley Granger y John Dall, que se complementan a la perfección en sus papeles.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.5
Técnica: 9.0
Guión: 9.0
Actuación: 7.5

TOTAL: 8.5

The Ultimate Warrior (Nueva York, Año 2012)

2011-08-22T23:52:00.001+02:00

Título: The Ultimate Warrior

Director: Robert Clouse

Año: 1975

País: USA

Duración: 94

En 2012, un grupo de personas sobrevive como puede en un bloque de edificios. Tienen plantas comestibles, cosa que ya no se ve en el mundo, y una buena organización. Un día, aparece Carson (Yul Brynner), un hombre que se queda quieto en mitad de la calle sin hacer nada. Así que el Barón (Max von Sydow), líder de la comuna, decide contratarlo como guerrero. Pero sin embargo, pronto se decantará por usarlo en un plan que va mucho más allá de la supervivencia, mandando al misterioso hombre que escape con su hija embarazada (Joanna Miles) y el cuidador de plantas (Richard Kelton) a una isla de la que le ha hablado el propio guerrero.

Hubo un tiempo en el que se tenía la absoluta seguridad de que el futuro iba a ser una mierda. Y que iba a haber pandillas, problemas nucleares y/o una crisis de muy diversos tipos. Era la época de A Boy And His Dog, Contaminación o Mad Max. Y en esa época nace directamente la presente cinta. Con elementos distópicos plagando todo el guión, busca convertirse en una especie de aventura de personajes marcadamente protagonistas y tintes catastrofistas.

Esto lo consigue en gran medida, pero a costa de renunciar a una infalibilidad del guión, que se deja huecos por rellenar, sobre todo respecto a la gente que vive en la comuna y todas las motivaciones para la situación a la que se ha llegado y dejando por ahí cosas muy interesantes que contar. Porque para sus comportamientos el hambre sería suficiente, pero podría haber mucho más. Combinado todo esto con un trabajo por parte de Robert Clouse bastante adecuado a las circunstancias, aunque echándose de menos algo más de desolación en los escenarios, y con apariencia de decorado de estudio en los planos generales. Eso sí, un buen ritmo con las dosis mínimas de acción para que la cosa funcione y un final lleno de fuerza, al igual que otros mucho momentos. Además, Max Von Sydow especialmente, pero también Yul Brynner, creando unos personajes interesantes y bien definidos. Pero cada uno en su estilo.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 6.5
Guión: 6.0
Actuación: 7.0

TOTAL: 7.0

Tempo Di Massacro (Las Pistolas Cantaron La Muerte)

2011-08-20T23:46:00.000+02:00

Título: Tempo Di Massacro

Director: Lucio Fulci

Año: 1966

País: Italia

Duración: 90

Cuando Tom Corbett (Franco Nero) recibe una carta que le trae un conocido, decide abandonar su trabajo como buscador de oro y regresar a su pueblo natal. Allí, descubre que el pueblo está ahora gobernado por un tal Scott (Giuseppe Addobbati firmando como John M. Douglas), y que su hermano Jeff (George Hilton) ya no conserva ni la granja de su madre. Así que no duda en enfrentarse a Scott y a su cruel hijo Junior (Nino Castelnuovo), para recuperar lo que es de su familia y liberar a todo el pueblo del cacique.

El mundo del cine lleva por muchos senderos, especialmente a artesanos como Fulci, uno de esos hombres que llegó a tocar casi todos los géneros que se producían en la Italia de la segunda mitad del s. XX. O al menos, los que se producían con poco dinero para sacar el máximo rendimiento posible. Y claro, si bien el hombre es un autor de culto dentro del cine gore gracias a cosas como El Más Allá o Aquella Casa Al Lado Del Cementerio (por citar mis favoritas), su etapa de western está más escondido bajo la imagen de director artesano y no destacable, al igual que le pasa en las comedias.

El porqué, se evidencia perfectamente en films como el presente. Un spaghetti western entretenido, con sus dosis de violencia, su pequeño momento de peripecia melodramática y la suciedad y rudeza de sus personajes, envolviéndolo todo en historias de venganza, pero sin nada especialmente original que lo haga único. Aún así, se aprecian algunos pequeños detalles de autor perfectamente englobables con el estilo del género como son sus zooms, y, eso sí, consiguiendo narrar con una solvencia y un tirar hacia adelante constante que le da muchos puntos, haciendo caso omiso de los posibles agujeros del guión, que los hay. Destacar, por cierto, detalles como el de un hombre en una cruz de San Andrés, muy relacionada estéticamente con el comienzo de El Más Allá y el pintor crucificado.

Además, con Franco Nero, ganándose que en Alemania pusieran el nombre de Django en el título al igual que pasaba con casi cualquier peli protagonizada por él en esa época, con Adiós Texas como ejemplo reciente en el blog. Suerte que en España adoptaron, por una vez, un título tan cojonudo. En cuanto a la actuación, Nero está perfectamente en su estilo de papel rudo, y George Hilton también hace un personaje cojonudo. Solo si Nino Castelnuovo llegara a perfilar mejor el personaje y hacerlo odioso más que por guión, estaríamos ante un desarrollo perfecto para las intenciones del film. Comentar también negativamente los saltos de raccord de luz que nos encontramos en los exteriores aún a pesar de poder tener disculpas por la dificultad que tendrían para grabar. Y conste que el montaje y la foto, están bien por lo general, en línea con lo esperado, al igual que el sonido, aún a pesar de fallar un par de veces al menos en la versión que conseguí ver.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.5
Técnica: 6.5
Guión: 6.5
Actuación: 7.0

TOTAL: 6.5

Press Start

2011-08-12T22:57:00.001+02:00

Título: Press Start

Director: Ed Glaser

Año: 2007

País: USA

Duración: 100

Zack Nimbus (Joshua Stafford) se despierta un día en un mundo extraño donde debe resolver puzzles para salir de su habitación, sube de nivel por derrotar enemigos, y la gente de la calle tiene conversaciones muy limitaditas. Extrañado todavía, de pronto se encuentra a una muchacha en apuros, así que no duda en defenderla con la espada que le entregaron un rato antes (al subir nivel por matar una cucaracha). Durante la lucha, se encuentra con Sam (Lauren Chambers) y Lin-Ku (Al Morrison), que le ayudan a vencer a sus enemigos, convencidos de que Zack es el elegido para derrotar al malvado conde Nefarious Vile (Peter A. Davis), un loco poderoso que gobierna ese mundo en que están metidos.

Vaya trío.

No pretenderé decir nada nuevo ni descubrir algún misterio extraño afirmando que los videojuegos, a día de hoy, son una fuerte fuente de imaginería para el cine de ficción. Pero claro, una cosa es hablar de blockbusters de alta producción como Prince Of Persia, Resident Evil o Tomb Raider, otra hacerlo de pelis del estilo de House Of The Dead, Doom o Super Mario Bros., y otra de esos productos basados en el mundo de los videojuegos pero sin recoger franquicias, como Tron, Arcade o eXistenZ. Ah, y por supuesto, esa categoría donde se podría encuadrar Future Cops, una simple explotación de personajes de sagas, sin permiso ni polladas de esas de copyright.

Bueno, pues lo que tenemos aquí es una combinación de elementos de todos esos paradigmas citados: La peli efectivamente se basa en personajes y tramas de videojuegos, sin licencias (aunque tienen la decencia de solo hacer referencias muy directas y no plagiar), y la historia comienza con la entrada en un mundo irreal que sería la realidad propia del juego. Eso sí, todo con la simple y nada desdeñable intención de convertir la peli en una parodia continua. Cosa que logran.

Si, uno que no es un Lin Kuei contra uno que no es M. Bison.

El guión sigue la misma línea que la webserie lanzada para crear hype, repleto de guiños desde el comienzo con la resolución de un puzzle para salir de la habitación, la apariencia de los personajes, o simplemente los diálogos que mantienen. Además, va combinándose toda la estructura y estereotipos de distintos estilos, desde RPG’s a plataformas, pasando por los juegos de lucha o los FPS, en una macroestructura fílmica que no deja de establecer ese avance con cercanía a la superación de niveles mezclado con aventura de por medio que tan buen resultado da en los videojuegos.

De este modo, demuestra muy poco miedo a fracturar el relato al crearlo en forma de escalones a superar, ni con los constantes cambios de situación para ir presentándonos al malvado, interpretado genialmente por Peter A. Davis. Y de hecho, consigue gracias a esto, y a la generosa cantidad de humor desplegada por todo el metraje, un ritmo perfectamente entretenido, que no da pie al espectador a llegar a desconectar en ningún momento. Otra cosa ya puede ser lo épico de las batallas o de la aventura, que está un poco más cogido con pinzas.

Pero claro, contamos con que se trata de una peli con un presupuesto tremendamente ajustado, situada a este respecto en los límites entre la peli de colegas y la cosa hecha en serio y con intención de llegar más allá del bar del pueblo. Y con esto, pues resulta difícil el conseguir buenas coreografías de luchas o espectáculo por un tubo. Pero al menos hay intención, y el trabajo de producción está bien conseguido, con unas apariencias trabajadas, y unos cuantos efectos visuales creados por Rod Contreras, que si bien son simples y cutres, cumplen de sobras con su cometido.

Según la IMdB, eso es su propio garaje.

Esto se nota también en los actores, excesivamente forzados en más de una ocasión, ayudando con sus interpretaciones a esta sensación de cosa hecha entre colegas, a excepción del ya citado Peter A. Davis, lleno de exageraciones y locura, marcando el tono del film. Pero bueno, por fortuna Joshua Stafford, Lauren Chambers y Al Morrison, aún con esa falta de naturalidad y soltura consiguen hacerse accesibles y cercanos al espectador, y como el tono de la peli es el que es, no suponen un problema para el desarrollo, ni mucho menos.

Por cierto, destacar el buen trabajo de voz para el personaje de Lin Ku que hace Kevin Folliard, al igual que en la serie, así como Andy Dallas, un perfecto tendero que realmente llegó a hacérseme creíble en sus pocas intervenciones. Y también el hecho de contar con Dan y Carlos Pesina, dobladores de personajes del Mortal Kombat de verdad, aunque como actores dejen bastante que desear.

Estos tíos pusieron voces en varios Mortal Kombat.

Donde más se resiente la producción, es de cara a la puesta en escena que Ed Glaser lleva a cabo dirigiendo y haciendo también la foto, resultando carente de movilidad y con una estética totalmente casera y amateur. De hecho, destaca como incluso la luz acaba resultando un problema desde el punto de vista de la continuidad en alguna ocasión, y algunos planos se suceden sin una finalidad narrativa más allá de mostrarnos la acción que sucede.

Eso sí, combinados con un montaje, hecho por el propio Glaser, que sí ayuda bastante al desarrollo, con toda la estructura en ascenso que supone el film, tratando muchas de las secuencias con un buen trabajo de acción paralela, consiguiendo mucho del mérito del ritmo.

Combinado esto con un sonido donde las voces suenan demasiado limpias y cercanas, mostrando la condición de doblaje en muchas ocasiones y distanciándose un poco de los personajes, especialmente en el tramo inicial. No obstante, tampoco suponen un problema, y de hecho la parte sonora acaba jugando un papel esencial, con toda la intensa cantidad de guiños que se meten dentro de la música de Jake Kaufman, ruidos y frases referenciales, donde de hecho destacaría el momento en que Sam arbitra un combate, con Round 1, Fight y Finish Him de voz metálica incluído.

Y este, tampoco es Super Mario.

Resumen:

Una parodia cojonuda del mundo de los videojuegos, con un guión lleno de grandes momentos que funciona, aún a pesar de que la falta de presupuesto condiciona mucho el tratamiento y la evolución de la historia.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.5
Técnica: 6.5
Guión: 8.5
Actuación: 5.5

TOTAL: 7.5

The Wild Man Of The Navidad

2011-08-10T21:46:00.001+02:00

Título: The Wild Man Of The Navidad

Director: Duane Graves / Justin Meeks

Año: 2008

País: USA

Duración: 86

En las cercanías del río Navidad existe la leyenda de que existe un ser que ataca sin compasión a quien se acerca a sus tierras. Estas tierras son propiedad de Dale S. Rogers (Justin Meeks), y acaba de ser despedido. Así que, para poder sufragar sus propios gastos y los relativos al cuidado de su mujer enferma (Stacy Meeks), no se le ocurre otra cosa mejor que permitir que sus vecinos cacen en la zona a cambio de un dinerillo, aún a riesgo de que no vuelvan.

Solo teniendo en cuenta la sinopsis, no parece que nos encontremos ante una peli que destaque precisamente por su originalidad. Y realmente, la historia es la misma que la contada mil veces, con similitudes, por llamarlo de algún modo, de pelis que van de Razorback hasta Jeepers Creepers pasando si quieren por La Matanza De Texas o Las Colinas Tienen Ojos, por aquello de la ambientación y lo desconocido en mitad de ninguna parte. Y eso que dice estár basada en hechos reales! Sin embargo, la peli, obra al guión, a la dirección, y a mil cargos más de Duane Graves y Justin Meeks (entre ellos el protagonista para este último), consigue cierta personalidad en su narrativa lenta y lineal, consiguiendo que el avance, constante, sea lo que engancha al espectador y la haga tener un mínimo interés.

Por supuesto, tiene sus errores en la narrativa, y por ejemplo echaría en cara una cierta propensión a romper esa linealidad pausada del montaje en puntos concretos sin ningún fin definido. Pero por lo general, tanto por la forma de la historia como por la narración y el uso tanto de la imagen, pretendidamente estropeada y primando la saturación del verde, como del sonido, lleno de momentos de simples graves ralentizando el tiempo, consiguen darle un aire interesante. También a ello ayuda la ambientación, tanto de espacios como de personajes, aparentando ser todo bastante cercano a la realidad. Aunque gran parte de esto, estropeado por la poca naturalidad interpretativa de los actores más allá de su estética (genial ese español con acento tejano puro intentando pasar por mexicano), y por ciertos momentos exagerados del film, especialmente el comienzo y el final, donde la historia renquea un poco, cantando mucho en los efectos gore la falta de presupuesto.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 5.0
Técnica: 7.0
Guión: 7.0
Actuación: 4.0

TOTAL: 6.0

Caminos Bizarros: Actualización

2011-08-05T19:20:00.000+02:00

Pues eso, que acabo de actualizar la entrada de Caminos Bizarros para llegar al blog con todas las búsquedas absurdas de Julio. Comentar al respecto, que parece que el principal éxito de publicarlas es que ha provocado una avalancha que supera cualquier otro mes, así que solo falta comprobar si Agosto sigue en esa tendencia.

(Si quieren ver solo las de este mes, pulsen la entrada completa, que aquí ya las incluyo.)

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Boogie El Aceitoso

2011-08-01T00:06:00.000+02:00

Título: Boogie, El Aceitoso

Director: Gustavo Cova

Año: 2009

País: Argentina / México

Duración: 82

Boogie es un veterano de Vietnam y otras mil guerras que sobrevive como mercenario, siendo contratado habitualmente por la mafia. Pero un buen día, ante la aparición de un testigo contra el capo, en lugar de contratarlo a él optan por un joven mozo que empieza a ganarse un nombre en la ciudad, Blackburn. Boogie, ni corto ni perezoso demostrará el error cometido por parte de los mafiosos, al traicionarle prefiriendo a otro.

Esos personajes duros, que pertenecen a un pasado en que la violencia era el pan nuestro de cada día para poner las cosas en su sitio (un pasado curiosamente común a todas las épocas), y que imparten su justicia a su manera y sin pedir disculpas, con exponentes claros en John McClane, Harry Callahan o Duke Nukem, suelen molar. Y aquí, como valor principal de la peli, tenemos a uno que pretende recoger parte de lo mejor de todos ellos, y llevarlo al máximo exponente. Desconozco, eso sí, hasta donde está captada la esencia del cómic de Fontanarrosa, puesto que no me lo he leído.

De todos modos, y con la cantidad de cosas que molan de Boogie, es una pena que expliciten tanto su misoginia, su racismo y su actitud, que pierda gracia, especialmente durante el 2º tercio del film, donde podemos encontrarnos frases que pretenden se lapidarias sin llegar a serlo metidas con tanto calzador que solo consiguen rechinar. Pero bueno, por suerte el resto del metraje es un conglomerado de acción chulesca, violencia y una historia que se gusta en cuanto a homenaje al cine negro, adornándolo con citas a Apocalypse Now (por no olvidar el origen bélico de Boogie), escenas-homenaje al Spaghetti Western o dibujos de siluetas y sangre que recuerdan enormemente a Sin City. Con ello, se hace entretenidilla a pesar de una trama demasiado lineal y previsible en sus giros, también gracias a la dirección de Gustavo Cova, buscando un buen ambiente oscuro y barriobajero con mucha oscuridad y una mezcla de animación 3d y 2d que solo chirría en ocasiones (sobre todo en los coches).

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 7.5
Guión: 6.0
Actuación: 6.0

TOTAL: 7.0

Texas, Addio (Adiós Texas)

2011-07-26T00:51:00.000+02:00

Título: Texas, Addio

Director: Ferdinando Baldi

Año: 1967

País: Italia / España

Duración: 93

Cuando Burt Sullivan (Franco Nero) decide alejarse del pueblo en que trabaja como sheriff para vengar la muerte de su padre, su hermano Jim (Alberto Dell'Acqua firmando como Cole Kitosch) decide acompañarlo en tal misión. Ambos llegan a México, y descubren que el asesino es un cacique local que tiene a todos amedrentados bajo su poder, así que los dos hermanos no tienen más remedio que luchar ya no solo por venganza, sino por ayudar al pueblo contra el tirano.

Si, vale, la historia es evidente que no brilla especialmente por su originalidad. Las venganzas por un padre muerto deben ser uno de los argumentos más utilizados en el Spaghetti Western, por mucho que este sea aún del 67. Pero también gracias a esa poca originalidad y a la presencia de Franco Nero, en algunos países (léase la RFA, Perú o Dinamarca) acabaron por titularla con referencia directa a Django, y así, pudo pasar un poco mejor a la memoria del género. Porque por su calidad de guión no es, ya que a ese tópico le suma elementos folletinescos (o telenovelescos actualmente) que no hacen sino ridiculizar la trama, además de vaciarla respecto a la aventura y violencia que iba buscando desde un comienzo.

Tampoco ayuda la dirección de Ferdinando Baldi, muy poco inspirada y tremendamente plana y lineal. Eso sí, consiguiendo algún momento medianamente interesante, como es el ir respetando ese otro tópico que se estaba imponoiendo de los flashbacks en planos cerrados a los ojos, como podríamos ver también en De Hombre A Hombre. Pero eso, sin llegar a apoyar el desarrollo narrativo nunca, salvo por suerte en algunas coreografías de luchas más o menos buenas dadas las circunstancias. Lo curioso es que a pesar de todo esto, la peli no llega a hacerse aburrida, y de hecho hasta entretiene, que es su principal intención, demostrando lo bien que funcionaba el argumento sobre el que se sostiene, además de la presencia, siempre positiva en estas lides, de Franco Nero, que lo hace en su línea de tipo rudo y sucio. Una pena que Alberto Dell'Acqua o José Suárez no lleguen a ayudar en dar fuerza a ese trío que forman.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 6.0
Guión: 4.0
Actuación: 7.0

TOTAL: 6.0

The Squid And The Whale (Una Historia De Brooklyn)

2011-07-20T23:58:00.000+02:00

Título: The Squid And The Whale

Director: Noah Baumbach

Año: 2005

País: USA

Duración: 81

Estamos a mediados de los 80. Bernard (Jeff Daniels) y Joan (Laura Linney) se van a separar. Ambos son doctores en literatura, y mientras él ve que su carrera como escritor está cada vez más abajo, a pesar de su pretenciosidad intelectual constante, ella está viendo como la suya está creciendo en cuanto a popularidad. Bajo esta situación, sus dos hijos Walt (Jesse Eisenberg) y Frank (Owen Kline) se ven situados en el medio de la pareja debido a la custodia compartida, y acaban irremediablemente por ir tomando partido por uno u otro de sus progenitores.

Una peli donde hay un niño que bebe cerveza y embadurna libros con semen, con un padre y un hermano intelectuales que citan y hablan de Kafka y Godard además de "versionear" Hey You e ir a ver Terciopelo Azul, ya de entrada tiene unos atractivos cojonudos. A ello, sumamos un guión preocupado por la creación y desarrollo de personajes realistas y humanos con sus luces y sus sombras, procurando como es evidente con este cóctel presentarnos un drama familiar, en esta ocasión con el egocentrismo como eje fundamental en el conflicto, y que gana enteros con la actuación más que solvente de un joven Jesse Eisenberg, un Jeff Daniels también cojonudo, y sobre todo Owen Kline, que resulta misteriosamente perturbador toda la cinta. Eso sí, las situaciones y los giros de personalidades y opiniones de los personajes llegan a resultar más efectistas que creíbles y la cinta termina en un punto ambiguo que no me convence, al dejar un final que no es ni abierto ni cerrado sino solo un pequeño epílogo sobrante. Por cierto, muy grande también el póster de La Maman Et La Putain, referencia en cuanto a determinados detalles, sobre todo del personaje de Daniels.

Por la parte del trabajo de dirección, Noah Baumbach nos presenta todo de un modo íntimo y buscando la cercanía a los personajes por medio de planos cerrados y con muchísima cámara en mano por parte de la dirección de foto de Robert D. Yeoman, ambientándolo con espacios cerrados que confluyen con esa idea general del film. Y buscando la mayor naturalidad y realismo posible, desde la perspectiva clásica, sin arriesgarse a nada más que la cámara en mano ya citada, y con un montaje a cargo de Tim Streeto también sencillo y que pasa por no destacar. Aunque con demasiado énfasis en los planos contraplanos de las conversaciones para mi gusto.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.5
Técnica: 7.0
Guión: 7.5
Actuación: 7.5

TOTAL: 7.0

The Last Picture Show (La Última Película)

2011-07-17T21:24:00.000+02:00

Título: The Last Picture Show

Director: Peter Bogdanovich

Año: 1971

País: USA

Duración: 121

Sonny Crawford (Timothy Bottoms) es un jovenzuelo de una pueblo de Texas que termina el instituto. El pueblo, perdido de la mano de Dios, no ofrece grandes posibilidades a gente como él o su amigo Duane Jackson (Jeff Bridges). Y es bajo esa perspectiva que tendrán que enfrentarse a una nueva etapa en sus vidas, cada vez más conscientes de la realidad que los rodea.

Es imposible el plantearse el cine de Peter Bogdanovich sin tener en cuenta su absoluta admiración hacia las grandes películas del Hollywood clásico, tal y como se evidencia en lo que trata sobre su figura Peter Biskind en esa obra recomendadísima que es Moteros Tranquilos, Toros Salvajes. Desde muchos de los detalles de realización hasta los homenajes a pelis como El Padre De La Novia, Arenas Sangrientas o Río Rojo así lo evidencian.

No obstante, la peli mezcla estas influencias con mucho del nuevo Hollywood de los 70, y así tenemos una peli sobre el paso a la madurez, en un ambiente de la Texas rural, en cuyo guión las anécdotas se van sucediendo siguiendo un relato anticlimático que, no obstante, funciona bastante bien en cuanto a dotar de fuerza y credibilidad. Ello, con una puesta en escena muy cuidada, moderna y clásica al mismo tiempo en cuanto a no romper esquemas al espectador pero dejando que la cámara se guste en la fotografía en blanco y negro suave y poco marcado que Robert Surtees plantea. A ello sumamos unas actuaciones más que decentes por parte de Jeff Bridges, Timothy Bottoms y Cybill Sheperd, además del resto del casting (genial Cloris Leachman). Eso si, en ocasiones llega a ser algo pretenciosa y peñazo en sus ideas y planteamientos, y el tono es más bien grandilocuente para la historia que cuenta.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.5
Técnica: 7.5
Guión: 7.5
Actuación: 8.0

TOTAL: 7.5

La Meute (The Pack)

2011-07-17T02:14:00.000+02:00

Título: La Meute

Director: Franck Richard

Año: 2010

País: Francia / Bélgica

Duración: 81

Charlotte (Émilie Dequenne) va conduciendo camino a ninguna parte. Cuando ve a Max (Benjamin Biolay) haciendo autostop, decide parar y llevarlo. Pero Max, que coge el coche mientras la muchacha duerme, la conduce a un bar de mala muerte regentado por La Spack (Yolande Moreau). Él no tarda en desaparecer tras una visita en el baño. Cuando Charlotte se pone a investigar, no tarda en descubrir que la trama del bar y la desaparición de Max es mucho más sórdida y peligrosa de lo que pensaba.

Yo entraría con la seguridad de que ponen buenas tapas.

El campo como lugar para pasarlas putas, un autostopista que al final no se recoge tan casualmente, secuestros y lo sobrenatural como excusa para explicar partes de la trama, no son cosas que se hayan inventado para esta peli. La Matanza De Texas como eje fundamental, Calvaire, Blood River o À L’Intérieur son buenos ejemplos de este tipo de cosas dentro del cine. Y sí, todos los ejemplos tienen elementos en común y de evidente influencia hacia la presente cinta. O al menos, con influencias comunes que llevan al mismo lugar.

Aquí, en base a estos tópicos, y una evolución del guión marcadamente fragmentada que por cercanía y similitud me hace pensar en Martyrs, se establece una historia extraña que tiene el principal problema de lo variable del ritmo, permitiéndose giros del guión muy marcados, y también pasándose por el forro unas cuantas concepciones básicas del género y de la narrativa en cuanto a estructura del guión.

Si, Philippe Nahon intentando beneficiarse a una jovenzuela (Émilie Dequenne), y con una camiseta cojonuda que no se ve, por desgracia.

Esto, a priori podría ser algo bueno. Y de hecho, no es que sea especialmente problemático, pero le quita bastante unidad a la historia, y exige que sea esta la principal fuente bajo la cual se construye el guión, puesto que los personajes carecen de ninguna definición ni carácter, y solo se mueven por dentro de la historia, en ocasiones un poco a tumbos. A excepción de Max, que parece moverse en un plano superior controlando siempre lo que ocurre. El problema al que lleva todo esto, es que tampoco se explica nada bien, y el final se vuelve excesivamente confuso.

A ello, se suma una puesta en escena interesante especialmente en cuanto a la sordidez que transmite todo, pero con un excesivo énfasis, nuevamente, en la diferenciación de las distintas etapas que pasan por la historia, que ayuda en ese ritmo a golpes que acusaba ya la propia historia. Aún así, vemos por parte de Franck Richard un gusto en cuanto al movimiento pausado de la cámara en todo el conjunto, e incluso consiguiendo algunos momentos bastante interesantes gracias a ello, que contrastan con la historia contada. Además, la foto de Laurent Barès, bastante natural, y en todo caso pecando de resultar demasiado oscura en determinadas ocasiones, como en la aparición de los monstruos por primera vez, donde de todos modos, consigue ayudar en esta puesta en escena sucia e incómoda.

Quieren oxigenar su sangre? Pues escáncienla!

Es desde el montaje de Olivier Gajan donde se ve un mayor problema, al no llegar a enlazarse nada bien con esa fotografía y puesta en escena pausada y tranquila, metiendo cortes constantemente, e incluso un flashback totalmente innecesario e ilógico. Así, aportando uno de los peores problemas para el desarrollo de la historia, y consiguiendo, solo, aportar incomodidad para el espectador.

En cuanto al sonido, nada especialmente destacable, salvo el buen uso de graves especialmente en esos momentos de extrañeza que son las apariciones de los monstruos, y la ayuda que consigue prestar a la ambientación, además con una musica que en la poca presencia que tiene pasa desapercibida pero funciona cojonudamente para que el espectador entre en la historia.

Hasta qué punto considerarlos zombies? Ni siquiera en lugares especializados se ponen de acuerdo...

Las actuaciones, dejando de lado lo difícil de juzgarlas por ese problema de falta de desarrollo en todos los personajes, consiguen hacerse más o menos interesantes. Benjamin Biolay, como decíamos, el más trabajado por la evolución que va teniendo su personaje a lo largo de los distintos fragmentos de la historia, y siempre consiguiendo resultar coherente y creíble. Por parte de Émilie Dequenne, sin embargo, ya mucho más problemática, pasando de una primera parte en la que está perfectamente creíble y llena de fuerza a irse apagando conforme avanza la historia y su personaje pierde también lógica en sus acciones y protagonismo en la cinta.

Por parte de Yolande Moreau, primordial a la hora de crear ese ambiente de terror y sordidez, consiguiéndolo en gran medida. Una pena que acabe por no conseguir la fuerza necesaria en su personaje, aunque sí consiga aparentar que está bastante colgada y ser creíble en este aspecto. Y respecto a la aparición de Philippe Nahon, decir que está más de relleno que otra cosa, y resulta bastante poco interesante para el conjunto de la historia, aunque su actuación esté más o menos bien en cuanto a crear el personaje.

Y para terminar el análisis, un bonito plano.

Resumen:

El principal problema de la peli estaría en relación a su falta de coherencia interna, que acaba por minar mucho del buen trabajo respecto a la ambientación y al bizarrismo de la historia. No obstante, un buen trabajo de dirección y técnico, aunque acaba por entorpecerlo gravemente un montaje más protagonista de lo deseable.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.5
Técnica: 6.5
Guión: 5.0
Actuación: 6.0

TOTAL: 6.0

De Hombre A Hombre A.K.A. Death Rides A Horse (Da Uomo A Uomo)

2011-07-10T20:48:00.000+02:00

Título: Da Uomo A Uomo

Director: Giulio Petroni

Año: 1967

País: Italia

Duración: 110

Un día, un grupo de forajidos entra en un rancho llamado Mesita. Allí, aniquilan a toda una familia, menos al hijo pequeño, Bill (de mayor John Phillip Law), que consigue esconderse. Cuando el pequeño crece, se va preparando a conciencia para vengarse, recordando determinados detalles de cada uno de los asesinos. Pero su venganza se topa con el camino de Ryan (Lee Van Cleef), un antiguo compañero de aventuras de los felones, que acaba de salir de la cárcel tras 15 años y también busca su particular desquite.

Como ven en la sinopsis de arriba, la peli no es que sea precisamente un derroche de originalidad dentro del estilo del spaghetti western. Venganzas, música de Sergio Leone, Lee Van Cleef haciendo de malo no tan malo... Vamos, una cosa normal y corriente para Italia en el año 67. Eso sí, utilizando tópicos que generalmente tienden a molar por aquello de la dureza de sus personajes y la violencia intrínseca de la historia.

El problema en este caso es lo tremendamente larga que se hace la trama, consistiendo en un giro constante que va liando a los personajes, yendo siempre en la dirección obvia que se marca desde un principio. Reconocerle, no obstante, la fuerza que se destila en todas las escenas por separado. La dirección de Giulio Petroni apoyando esto sin demasiados aportes al género, siguiendo ampliamente el estilo con sus zooms, sus planos de ojos, y demás tópicos igual que ocurre con el resto de aspectos técnicos. Eso sí, como siempre la música del sr. Morricone es un lujo, y hay que destacar el buen papel que hacen tanto Lee Van Cleef como John Phillip Law, consiguiendo con todo ello que la peli se haga mínimamente entretenida por lo mismo que lo suelen ser los spaghettis y las pelis de venganzas.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 5.5
Técnica: 6.5
Guión: 6.0
Actuación: 7.5

TOTAL: 6.5

Guías De Viaje: Caminos Bizarros Hasta Este Blog

2011-07-08T21:35:00.001+02:00

Me encontraba hace unos minutos leyendo el blog de ese señor que es Dani Villaverde, y me encuentro en su último post que me lanza el reto que hemos hablado más de una vez en bares y lugares de dudosa catadura moral, de postear las maravillosas búsquedas que ustedes, lectores (casuales la mayoría, supongo), hacen para engrosar ese contador que está situado en la parte de abajo de todo.

Pues bien. Acepto el reto. Pero lejos de analizarlas, solo voy a crear una lista por orden cronológico, que es más sencillo y barato. Y además da un tono como más estadístico y objetivo. Ello, escogiendo aquellas que me resulten divertidas bien por lo inesperado, bizarro o ilógico de la búsqueda, bien por los errores absurdos en la escritura, tanto ortográfica como sintácticamente. O porque sí.

Y de hecho, creo que intentaré convertir esta entrada en una de esas actualizables poco a poco que están englobadas en la etiqueta varios. E incluso puede que esta la actualice de verdad y no una vez al año (con suerte) como acaba pasando con otras!

2009

Julio:

videos jovencitas tetonas

simbologia onirica de la flor de lis en su forma heraldica

Septiembre:

buscar tecnica de confu shaolin

Noviembre:

partes segmentarias de frankenstein

Diciembre:

la musica y letra de luiz foiz

2010

Enero:

clint eastwoor criador cerdos recompensa pistolero

los genitales de javier godino

Febrero:

agarralo como puedas tocando pechos

Marzo:

entidad demiúrgica

Mayo:

froiz libro de los sueños

froiz me explota

Junio:

jovencitas ensangrentada

transfondo del burrito igor de disney cristiano

desbrozadoras en youtube

Agosto:

como hago para jugar happy guion

Noviembre:

the end tiendfroiz

follando a margare

mostrar estranamiento del funfu

malditos bastardos el tio del bate

resumir a hitler como antagonista

Diciembre:

desbrozadoras de patatas

caillupuntocon

maraton de tetonas

interior de unavagina

froiz cualquier persona capaz de amar

violacion japonesa

estoy buscando pelicula de los años 70 para ver gratis. the chinese boxer

2011

Enero:

xexo puro de violacion de larga duracion

la bacanal peso visual

extraer campana inferno 7.5

Febrero:

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martillos modificados#i=172

como hacer un maraton de word de 7.5

peggy churs sofcor

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Marzo:

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Abril:

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Mayo:

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Murderball

2011-07-05T21:26:00.001+02:00

Título: Murderball

Director: Henry Alex Rubin / Dana Adam Shapiro

Año: 2005

País: USA

Duración: 85

Durante los primeros años como competición oficial, el Murderball, Quad Rugby o Rugby en Silla de Ruedas fue algo en lo que Estados Unidos llevó la voz cantante. Sin embargo, Joe Soares, el considerado mejor jugador de este deporte, se puso a entrenar a Canadá, por puro despecho. La rivalidad, obviamente, está asegurada, y los jugadores estadounidenses no van a dar el brazo a torcer, igual que Soares no permitirá que lo den sus jugadores canadienses.

Y con esto empieza la película. Que grande es Mark Zupan!

Desde que descubrí esta película allá por 2006 en el Festival de Cine de Ourense, he ido comprobando las diversas reacciones cuando cito este documental en alguna conversación. Primero, al soltar el título, la mayoría del mundo se extraña, pero parece interesarse. Luego viene lo de que es rugby para tetraplégicos. Ahí las reacciones van en dos direcciones: o miran raro y hay que dar explicaciones de por qué es tan cojonudo, o en poco tiempo están agradeciendo la recomendación. Aunque solo sea un poquito.

De entrada, el nombre es, probablemente, la mejor descripción de lo que es este deporte: Una locura violenta que se juega con una pelota. Pocos deportes he visto que supongan tanto contacto como este, y además, todo ello encima de sillas de ruedas, tuneadas para la ocasión, tal y como dicen en el documental, al más puro estilo Mad Max. Y, créanme, llegan a acojonar las hostias que se meten.

Todo ello, partiendo desde el punto de vista de la competición pura y dura que tan buen resultado ha dado a algunos documentales como sería el caso de The King Of Kong, comenzando por los orígenes de la rivalidad USA-Canadá, y pasando a través de las vicisitudes que los competidores, y más especialmente los de la selección estadounidense y el seleccionador canadiense van atravesando.

En serio, no es un deporte para llorones.

Ello, mostrado desde un punto de vista muy cercano a los protagonistas, aunque eso sí, sesgándolo bastante en cuanto a que realmente solo vemos ciertas partes del carácter de Mark Zupan, Joe Soares y compañía. Y por compañía, nos referimos a jugadores yankees. Pero eso es lo de menos, porque gracias a situarnos en torno a estos personajes, se muestra la realidad de su vida diaria, con sus penas y alegrías, mostrándola de modo muy acertado, con poca tendencia a la sensiblería y a la búsqueda de compasión, pretendiendo siempre el tratamiento como personas (cosa evidente, pero que tiende a olvidarse en muchos documentales sobre la temática).

Gracias a todo ello, el ritmo es cojonudo, y tiene una enorme capacidad para entretener y hacer vibrar con los partidos y los enfrentamientos. Además, con esos giros de los acontecimientos que solo la realidad puede tener, y que aquí se aprovechan con mucho acierto para ir mostrando una evolución narrativa coherente y que va alternando las diferentes vidas y presentándonoslas poco a poco.

Vídeos antiguos de información variada. Molando desde antes de ser antiguos.

A ello, obviamente, ayuda enormemente el carisma que tienen los personajes, desde lo duro que demuestra ser Mark Zupan desde el primer plano en que lo vemos cambiándose, hasta lo difícil que le resultó a Andy Cohn aceptar su lesión, o lo tremendamente dictatorial y exigente que es, sobre todo al comienzo, Joe Soares con toda la gente que lo rodea.

También el planteamiento que se hace desde la dirección de Henry Alex Rubin y Dana Adam Shapiro es muy acertado, consiguiendo mucha fuerza en casi todo el metraje, especialmente en los partidos de apertura y cierre del documental. Algo más flojo el que vemos a mitad del film, con un exceso de intentar darle épica por medio de la música, que no llega a conseguir funcionar. Y todo gracias a una cantidad ingente de entrevistas, y de todo el acercamiento a las vidas privadas de los personajes, aunque sin que lleguen a hacer nada especialmente innovador en este aspecto.

A ello, sumamos la edición de Conor O'Neill y Geoffrey Richman, cohesionando perfectamente todo el conjunto de entrevistas, partidos, y tomas varias de las concentraciones. Como mucho, criticar ese partido que comentábamos más arriba, pero por lo demás, dándole un ritmo agresivo como el propio deporte en sí.

Y en cuanto a la banda sonora, destacaría el par de temas de Ministry que consiguen dar ese tono violento y agresivo sobre el resto, pero con bastante acierto, aún así, en casi todo momento. El resto del sonido, también cojonudo en cuanto a los choques, los golpes y las sensaciones de estar dentro en esas partes especialmente complejas que resultarían los partidos.

No, no había un modo más americano de ponerlos apoyando a alguien que entrena a Canadá.

Resumen:

Un documental sobre un deporte totalmente diferente y desconocido por el público masivo, como todos los paralímpicos, que por suerte nos enseña no solo el interior del mismo, sino la lucha entre individuos tremendamente competitivos consiguiendo gracias a ello una fuerza y un impacto tremendos.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 8.0
Guión: 8.5
Actuación: 8.0

TOTAL: 8.0

Escapatoria Al Infierno, A.K.A. Comando Suicida (Back Door To Hell)

2011-07-04T02:10:00.000+02:00

Título: Back Door To Hell

Director: Monte Hellman

Año: 1964

País: USA / Filipinas

Duración: 69

El teniente del ejército estadounidense Craig (Jimmie Rodgers) y los soldados Burnett (Jack Nicholson) y Jersey (John Hackett) desembarcan en Filipinas en 1944. Allí, en teoría van a funcionar solo de avanzadilla ante la llegada inminente del ejército. Pero son descubiertos, así que tendrán que enfrentarse al ejército japonés allí desplegado, con ayuda de Paco (Conrad Maga), un nativo jefe de la guerrilla local.

Aunque podemos considerar esta película como un ejemplo de ese paso que une las producciones bélicas de corte clásico con lo que sería el estilo de Los Doce Del Patíbulo en cuanto a guerra mezclada con actitud de machotes y suciedad, sirviendo todo esto como una cierta crítica a la misma, lo cierto es que en el guión se encuentran estas formas, si, pero solo en el guión, y no en exceso. Hay diálogos que evidencian la actitud antibelicista, y la situación, de lo decadente que resulta, serviría también para este propósito.

Sin embargo, una dirección por parte de Monte Hellman tremendamente plana, una evolución de la situación previsible y poco interesante llena de momentos vacíos y demasiados diálogos que no llevan a ningún lado, unas actuaciones de lo más simplistas y carentes de todo carácter y un montaje totalmente falto de ritmo convierten a la peli en un subproducto de serie B más bien anodino y carente de interés. Incluso llega a resultar aburrida, pese a su corta duración. Una pena, teniendo a un joven Jack Nicholson y a Jimmie Rodgers (el del The Jimmie Rodgers Show, no el cantautor country) actuando, que podrían dar algo de juego. Al menos Nicholson.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 5.0
Guión: 4.0
Actuación: 5.5

TOTAL: 5.0

Yo Soy Trinidad (Django Spara Per Primo)

2011-07-01T01:55:00.000+02:00

Título: Django Spara Per Primo

Director: Alberto De Martino

Año: 1966

País: Italia

Duración: 92

Glenn Garvin (Glen Saxson), también conocido como Django, descubre a un hombre que lleva a su padre muerto para cobrar la recompensa. Lo mata, y se dirige al pueblo a cobrar él mismo la recompensa, pagar la tumba de su padre con ella y, además, casualmente y sin saberlo, a heredar la mitad del banco y del saloon. Aunque su socio no está muy de acuerdo con ello.

Lo de hacer una exploit de lo que ya en su momento suponía Django, que era el aprovecharse del tirón del spaghetti western, da mucho sentido a la frase del sr. Leone cuando dijo: "Me disgusta que todo el mundo me señale como el padre del Spaghetti Western, porque soy el padre, sí, pero de un montón de hijos de puta". Porque obviamente el trabajo de producción de la presente cinta, estrenada unos 6 meses después del film del sr. Corbucci, iba por un terreno totalmente alejado de la pretensión de amor al cine. Y lo del título en español, ya no tiene precio.

La historia, absolutamente alejada de las líneas argumentales de ese mito del spaghetti que es Django consigue, gracias a que se basa en tópicos de venganzas y robos de dinero que se van liando, un entretenimiento apañadito con muy poco trabajo y densidad. Además, gracias al trabajo de dirección por parte de Alberto De Martino se llega a un resultado bastante interesante en cuanto a la planificación, con escalonamientos de personajes, algunos zooms (como manda la escuela) y algún plano donde la profundidad de campo cobra protagonismo. Eso sí, resulta algo tosca en algún momento de montaje, las peleas son horriblemente falsas, y los actores, especialmente Glen Saxson, carecen absolutamente del carisma necesario en este tipo de cintas. Por suerte, está ahí el gran Fernando Sancho para subir el nivel, aunque tampoco sea de sus mejores papeles.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 6.0
Técnica: 7.0
Guión: 6.5
Actuación: 6.0

TOTAL: 6.5

A partir de ahora, también comentarios cortos (o más cortos al menos)

2011-07-01T01:51:00.000+02:00

Bueno, y a partir de ahora, les anuncio mi decisión de comenzar a hacer, de manera lo más habitual posible (incluso si soy capaz, diariamente), análisis y comentarios de películas y otras cosas más cortos que los que hago habitualmente, bajo la etiqueta de Comentarios. Que soy consciente de que muchos de los que vengo haciendo hasta ahora son una chapa difícil de soportar en estos tiempos veloces que corren. De todos modos, esta decisión no eliminará esos análisis en profundidad, ni mucho menos.

Así que espero que los disfruten. Porque yo lo haré escribiéndolos, y es lo que me importa.

La Moustache

2011-06-28T22:36:00.000+02:00

Título: La Moustache

Director: Emmanuel Carrère

Año: 2005

País: Francia

Duración: 87

Marc Thiriez (Vincent Lindon) acaba de afeitarse el bigote, para mostrarle a su mujer Agnès (Emmanuelle Devos) como está sin él. Pero sin embargo nadie, ni siquiera ella, parece apreciar que se lo ha afeitado, y de hecho, todo el mundo coincide en que nunca tuvo bigote. Marc, sin llegar a saber qué es lo que ocurre y como puede ser que su realidad y la de sus allegados sea tan distinta, comienza a ver que todo, desde su matrimonio hasta su percepción de la realidad se van desmoronando.

Un gesto tan inocente, y lo que acaba desatando!

Los bigotes molan. Y si no, piensen en Friedrich Nietzsche, Bernd Schuster, Günther y/o Burt Reynolds. Por no citar a los muchachos de Bigotón Watch, The Handlebar Club, y por supuesto, a los del Campeonato Mundial de Barbas y Mostachos. Si incluso Vegeta tuvo bigote! Por eso, una peli que de entrada se titule El Bigote, solo puede acarrear cosas buenas. Eso, o porno homosexual. Pero en este caso, estamos dentro de la primera opción.

Película más o menos exitosa en Cannes y Sitges del 2005, debo admitir que llegó a mi conocimiento de un modo totalmente casual, al pasar desapercibida para la opinión pública, en una reunión probablemente clandestina con señores de la talla de Javi Camino o Multisanti (además de gente sin autopublicidad en Internet cuya identidad por tanto me guardo salvo aviso de que quiere ser citada). En aquel entonces, me había dejado un sabor de boca realmente bueno, pero claro, a uno le queda la duda de si después de unos 5 años sigue pareciéndole buena, y así decidí revisionarla.

Y esto si que es componer un plano interiorizando de modo gracioso.

Lo que uno se encuentra es una cinta extraña, que comenzando por una simple anécdota como lo es el afeitarse un bigote, evoluciona rápidamente a un despiporre de extrañeza en el mundo del protagonista, poniendo en duda realidad y existencia de un modo cada vez más evidente al tiempo que engancha y fascina al espectador precisamente por el no saber ni de donde ni hacia donde va todo. Esto lo hace mediante una muestra aparentemente lineal del tiempo, que se une a la percepción del protagonista, de modo que gracias a ese derrumbe del mundo donde se llega al punto en que lo que acabamos de oír ya no tiene validez y era falso en la siguiente frase, nosotros mismos nos hacemos un lío y llegamos a percibir y dudar tanto como lo hace Marc.

Al comienzo, eso sí, todo eso nos va creando más risa que espanto, pero como si en una novela de Kafka se tratara, rápidamente se sume en un entorno que solo está en contra de lo que piensa el protagonista, aislándonos con él gracias a esa percepción que comentaba antes. Un uso del tiempo entre las escenas magnífico le da un ritmo apasionante, precisamente en base al querer saber lo que ocurre realmente, y de hecho, incluso la diferencia que marca en la velocidad del comienzo y la del final, pausando mucho más el tiempo en base sobre todo a la forma de vida que adquiere el personaje, acaba favoreciendo todo esto, llegando a entrar en esa fase final en un entorno ya más propio de un sueño repetitivo que en la realidad que marcaba el comienzo, dando, no obstante, un tinte circular a la historia gracias a ello. Aunque el final resulte algo anodino.

Para ello, el propio escritor de la novela original, Emmanuel Carrère, dirige la película con un estilo muy fragmentado, con unas relaciones entre escenas muy marcadas, y un uso de la cámara y la fotografía de Patrick Blossier que varía en función de cada momento, primando una subjetivización de la vida del personaje por medio de una narración transparente pero moderna. Así, no duda introducirnos en la psique del personaje mostrándolo desde fuera como el absoluto protagonista a excepción de una secuencia suelta de modo que estamos ligados continuamente a sus sensaciones. De este modo, no duda en hacer, por ejemplo, un plano cenital que comienza a girar para convertirse en un tambor de lavadora girando o en no dejarnos ver nada por culpa de la lluvia extrema de los cristales de un coche.

Solucionemos los problemas con drogas!

Destacar también el buen uso de los espacios, que el director evita mostrarnos y explicarnos en su totalidad, dando con ello a la ambientación realista, un buen uso hacia una mayor interiorización del personaje como elemento sobre el que giran las estancias gracias a esos espacios cualquiera que definía el sr. Deleuze que nos llevaba a la imagen afección. Algo que aquí quedaría demostrado. Vemos esto en momentos como las secuencias del final, donde no sabemos nada más que que él está viajando, yendo y viniendo en un eterno retorno, pero su mundo está ya totalmente destruido y por eso no vemos más que su espacio personal. Ni siquiera vemos apenas las vistas que tiene.

A ello ayuda el montaje de Camille Cotte, desde luego, pero aún así no querría hacerle demasiados aspavientos. Principalmente, por lo irregular de su presencia, resultando chocante en las secuencias iniciales con una cantidad de cortes totalmente analíticos, pero desorientadores e innecesarios que no hacen sino entorpecer el ritmo del relato, y después, sin embargo, consiguiendo incluso mantener los planos durante ratos largos de modo que la acción transcurra en su totalidad sin cortes. Aún así, gustando demasiado de mostrar todo, evitando planos secuencia complejos. O quizás precisamente lo hace porque no quedaran demasiado bien. A ello, se le suman los feos fundidos entre secuencia, totalmente innecesarios, y aún por encima sacando del film al espectador.

Desde el sonido, nada excesivamente destacable salvo su búsqueda de pasar desapercibido y apoyar no obstante a esa interiorización. Para ello, utiliza en ocasiones sonidos propios de la realidad como es la secuencia citada antes con la lavadora, o en otras mediante el uso de la música, con el Concierto Para Violín y Orquesta de Philip Glass sonando en repetidos momentos, e incluso jugando con ésta y la realidad diegética de los personajes.

Comprar esa chaqueta también traerá su miga, como es lógico.

Personajes, por cierto, perfectamente interpretados en los roles principales, con un Vincent Lindon perfectamente creíble que aguanta el tirón durante toda la película con una contundencia interpretativa notable. Y eso, a pesar de los distintos registros, y el aire perpetuamente perdido que acaba alcanzando. Además, una Emmanuelle Devos que lo acompaña a un nivel muy bueno también, moviéndose con soltura en un personaje que no acaba de entenderse por lo externo que nos resulta, y lo variado de su interpretación acorde a esto.

El resto del reparto, con buen estilo también, pero sin ningún aspecto sorprendente. Destacar si acaso a Mathieu Amalric, con el papel más largo de los que entran en el metraje, y que sale bien parado, pero algo forzado en su diálogo, y también a Macha Polikarpova por salir en las mismas secuencias que el otro citado, aunque también sin hacer nada extraordinario con el personaje. Ojo, que sobre todo es porque son muy muy secundarios y ni tienen tiempo de desarrollo.

Bigote en el pasaporte, pero no en la realidad. La manera perfecta de conseguir ser sospechoso.

Resumen:

Un guión muy bien planteado desde el siempre difícil punto de la desestructuración de la realidad temporal, que se suma a una puesta en escena totalmente subjetiva y una gran actuación de Vincent Lindon que hacen que la peli, en sí, mole de cojones. Y todo, además, con una idea de partida tan simple y absurda como el afeitarse el bigote.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 9.5
Técnica: 8.0
Guión: 8.5
Actuación: 8.5

TOTAL: 8.5

Viva

2011-06-21T19:34:00.000+02:00

Título: Viva

Director: Anna Biller

Año: 2007

País: USA

Duración: 120

Barbi (Anna Biller) y Sheila (Bridget Brno) son dos amas de casa que empiezan a rondar los 30. La primera es más cohibida, mientras que la segunda ve con buenos ojos la liberación sexual de la mujer, y se siente atraída por ella como mujer de carácter hedonista que es. Así que cuando ambas rompen sus matrimonios de manera simultánea, Sheila convence a Barbi para arriesgarse a vivir su vida liberada, acabando por irse a mundos de subversión moral extraños para ellas, pero, como querían, llenos de aventuras.

Si, eso en esta peli es un intento de ir sexy.

Lo de la recuperación nostálgica de muchas cosas de los 60, 70 y 80 es algo que todos hemos aceptado ya desde hace algún tiempo. Y no seré yo quien lo critique, especialmente dentro del cine, donde esta recuperación y homenaje nos ha dado joyas como la Grindhouse de los sres. Tarantino y Rodríguez, o la propia Machete del segundo, además de Hell Ride, Hobo With A Shotgun, Los Mercenarios o Sukiyaki Western Django. Y tantas otras que podríamos citar, recogiendo esa vertiente de diversión pura.

Y lo que hace Anna Biller en la presente cinta, es básicamente lo mismo, pero recogiendo en cierto modo el espíritu de las nudies metiéndolo en un contexto setentero de liberación sexual que se enlaza directamente con esos circuitos de liberación actuales en los cuales cosas como Shortbus tuvieron una acogida más que buena. Y la verdad es que la merecía.

Meta nudistas en su peli. Tendrá muchos desnudos justificados.

De este modo, la historia, más bien sencillita y muy directa, consigue un aire desenfadado que, especialmente en la primera parte, está lo bastante llena de humor como para que entretenga. Hacia el conflicto, sin embargo, la trama se va volviendo más lineal y con menos ritmo, librándose por lo exagerado que es todo en el mundo que nos presenta, tanto por los personajes, como las situaciones, donde incluso llega a permitirse meter varios momentos de canciones que no vienen excesivamente a cuento y rupturas de la 4ª pared, como, sobre todo, la ambientación.

Porque si hay un aspecto cuidado en toda la película, este es el de la ambientación. Basta ver un par de fotogramas para sentirse totalmente desplazado a los años 70 americanos, con todo ese despendole y absoluto desfase que se proponía en blaxploitations como Coffy o en las pelis de Russ Meyer. Y así, consiguiendo dotar a todo de un carácter excesivo y de cierto tono paródico que incluso retrotrae a un carácter de cartoons hechos con imagen real. Similar en ello a la sensación que tengo al ver Speed Racer o LazyTown.

Díganme que eso no son dibujos animados andantes.

Esto lo enlaza en el aspecto técnico con la fotografía de C. Thomas Lewis, tremendamente lúcida y esplendorosa, apoyándose en torno a todo ese cúmulo de colores que representaban tan bien la liberación sexual post hippie. Y la hippie también, pero eso aquí no se trata. Incluso en alguna ocasión, hacia el final, con un juego de desenfoque y enfoque al ritmo de los jadeos de Viva que, personalmente, me pareció cojonudo.

Desde lo que es el trabajo más de emplazamientos de cámara, destacar el juego entre la dirección de Anna Biller y su propio montaje. Digo esto por la cantidad de fallos de raccord de movimientos y posiciones y saltos de eje que nos propone a lo largo de la cinta, y la verdad es que sin llegar a denotar nunca si son realmente errores o aciertos en cuanto a esa búsqueda de un espíritu de serie B mal ejecutada técnicamente a la que rinde homenaje en otras partes.

Por lo demás del montaje, no resulta excesivamente confuso, y tiene un buen ritmo, destacándose las escenas de musical y esa secuencia de animación psicodélica que se queda añeja hoy en día, pero demasiado moderna (por la forma y el color, que no por los motivos) para la época que representa. También citar esos cambios de escena fundiendo a negro que se repiten una y otra vez, en ocasiones incluso dejando parados a los personajes en su posición final, y que resultan cansinos por su capacidad para transportarnos a un espacio ya excesivamente televisivo. Pero qué coño, nuevamente no sé si es intencionado!

De esto hablo cuando digo lo de la psicodelia anacrónica.

A ello, añadimos una banda sonora en la que la música está presente de un modo muy constante, apoyando la narración y ese ambiente irreal y sexualmente agradable que transmite. Principalmente, por su línea estilística, emparentada directamente con las bandas sonoras del porno setentero. Por lo demás, bastante simple en cuanto a sonidos, destacando la voz sobre todo, muy inteligible, y ambientaciones más bien sosas que se apoyan precisamente en esa presencia de la música para resultar imperceptibles en su ausencia.

Respecto a las actuaciones, pues qué decir. Nuevamente nos encontramos con algo que nos atrae hacia esas nudies en su poca calidad naturalista, pero en esta ocasión, estoy casi seguro que sin ser intencionado, o como mucho, exagerado por no poder acceder a mucho más con sus actores. Empezando por la protagonista, la propia Anna Biller, que está bastante exagerada en la mayor parte de las escenas y nunca llega a enganchar por culpa de eso, o Bridget Brno, la más aceptable en cuanto a la óptica naturalista que estoy tomando como referencia para analizarlas, pero aún así también terriblemente sosa y poco comunicativa.

De los chicos, Chad England directamente parece una caricatura andante, cosa que ocurre también, en gran medida, con Jared Sanford. Aún así, este último dando algún momento más o menos interesante e incluso creíble. Donde ya se alcanzan niveles mucho más exageradamente irreales es entre los actores de reparto, siendo buen ejemplo de esto Marcus DeAnda o John Klemantaski. Claro está que, teniendo en cuenta las caracterizaciones que llevan, no es fácil poder tomárselos en serio. Y de hecho, con esas actuaciones fuera de tono, consiguen elevar el nivel de diversión de la cinta, así que qué coño, pensemos que es una apuesta real de la directora por lo histriónico. Pero conste, que si fuese así, podrían ir más allá también.

Y con lo del desenfoque que molaba, me refería a esto. Imagínenlo yendo y viniendo a ritmo de jadeos.

Resumen:

Otra mirada vuelta hacia el cine de los 70 y 60, en esta ocasión hacia las nudies, pero dándole un aura de liberación sexual muy interesante por su transportación a la actualidad, además de jugar con una técnica y una narrativa que no llega a dejar claro hasta donde homenajea a lo trash y cutre, o realmente comete errores, llegando, no obstante, a un punto ambiguo que le da aún más diversión al conjunto.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.5
Técnica: 7.5
Guión: 6.5
Actuación: 6.5

TOTAL: 7.5

Even Hitler Had A Girlfriend

2011-06-14T16:44:00.000+02:00

Título: Even Hitler Had A Girlfriend

Director: Ronnie Cramer

Año: 1992

País: USA

Duración: 98

Marcus (Andren Scott) es un vigilante de seguridad de 30 años que está totalmente solo. No tiene pareja, no tiene amigos, y no tiene siquiera el más mínimo contacto humano. Y le gustan, mucho, las mujeres. Lo único que hace es plantearse sus problemas con ellas y el hecho de que no llega a conseguir establecer una relación, mientras se dedica a ver mujeres desnudándose en un canal X y mirar por ventanas a parejas. Hasta que acaba aceptando que quizás deba acabar usando los servicios de meretrices para poder mejorar un poco su vida. Aunque le salga algo caro y se funda todo su dinero.

Nuestro protagonista, en su estado más sexy.

A medida que el tiempo desde el último polvo va alargándose poco a poco, uno comienza a hacerse muchas preguntas. Principalmente, las motivaciones de que ese tiempo siga alargándose. Es algo inherente a la condición de loser, y, coño, patéticamente bonito y divertido, como la condición de loser en sí misma. Eso es lo que nos han enseñado en comedias como American Pie o Pagafantas. Cada una en su estilo, claro está.

No obstante, el hecho de estar solo y sin amigos, con un trabajo que no es precisamente el sueño de juventud que todos tuvimos, y ver que la vida te lleva por delante, te empieza a hacer pensar, principalmente, en el porqué de la situación. Pero si de repente te hacen ver que tienes pinta de asesino en serie, y de hecho das el perfil psicológico en muchas de las características, empieza a dar miedito.

Hablo tanto de los pensamientos porque es en torno a estos y a la evolución del protagonista al respecto, que se estructura el guión. Planteándolo todo con una voz en off muy constante que nos va guiando sobre las imágenes, la historia consigue un ritmo muy pausado a pesar de su intención de comedia, por culpa de la constante repetición de motivos y de esquemas, introduciéndonos de ese modo en la vida monótona del personaje en cuestión. El problema, evidentemente, es que con esa lentitud y esa monotonía, es fácil que resulte cansino a muchos espectadores, puesto que en gran parte del film no llega a contar nada.

Un ejemplo de las prostitutas a las que contrata...

Además, a ello se suma que la entonación de la voz en off resulta más bien aburrida y sosa, y el resto de la actuación no está demasiado lejos… Andren Scout, si bien por su perfil físico y su presencia hace un personaje perfecto para lo que exige el guión, está más bien apagado y falto de fuerza, no llegando en ningún momento a hacerse demasiado creíble. Y teniendo en cuenta que es el único personaje con importancia en la historia, y que se carga la peli a la espalda, esto le resta mucho a lo que ya le faltaba al guión.

Donde sí se le debe aceptar un acierto bastante grande es en cuanto a la sordidez que la puesta en escena transmite, combinando un estilo sucio en la fotografía del propio Cramer y que aprovecha bastante bien las obsesiones del protagonista con esa imagen típica de una película directa a vídeo de principios de los 90, recordándome en este aspecto a la sordidez que transmite Nekromantik por su imagen (incluso con una escena que no hizo más que confirmar esta idea), mezclándolo con esa obsesión por el personaje protagonista y su interior y esa lentitud y desarrollo de Yo, Zombie, a la que también recuerda en la imagen, o incluso de Bilbao.

Para qué comprarse una cámara de vídeo, si no es para ser un buen voyeur?

Eso sí, marcando tremendamente la falta de presupuesto en muchos de los planos, y resultando más bien pobre en muchas de las escenas, que no hacen sino aumentar toda esa sensación de pesadez que hace que la cinta se alargue, especialmente en el primer tramo. Constantemente nos encontramos con planos tremendamente largos, y sobre todo, repetidos una y otra vez, como es el de la bañera, apoyando la monotonía sí, pero no estoy seguro de si era esa la intención.

Porque el montaje, que también hace Cramer, parece intentar variar dentro de las escasas posibilidades que tiene, metiendo, por ejemplo, una cantidad enorme de imágenes de textos, además de todas las escenas de mujeres desnudándose, combinando además las formas de verlo a través de pantalla o en la realidad cuando las graba el propio Marcus. Destacar también al respecto del montaje los dos momentos de imágenes probablemente pirateadas sin ninguna vergüenza a toda hostia, que intenta meter en la extrañeza del mundo del protagonista, pero sin conseguirlo demasiado bien al resultar demasiado evidente y forzado.

Uno de los mejores planos de toda la peli.

Unas chicas que, por cierto, mientras se desnudan en la tele parece que lo que ve Marcus en lugar de un canal X de cable, es ese estilo de striptease soft que algunas cadenas locales utilizan para rellenar las noches, bastante poco atractivo y sensual. Pero sí, sórdido de cojones. Por cierto, entre las que aparecen en el mundo real e incluso hablan, destacar a Jean Wolf y a Karen Burns, las únicas que, sin estar tampoco excesivamente bien, sí consiguen hacerse mínimamente creíbles. Y digo mínimamente, porque las demás, están a un nivel muy muy bajo.

El sonido, pues bastante bien teniendo en cuenta que no tenían presupuesto y la mayoría no es sonido directo, presentando mucha música de fondo y esa voz en off que ya comentaba antes que hace acto de presencia de modo bastante habitual. De todos modos, bastante bien dados esos problemillas que siempre se tiene cuando no hay pasta, ya saben, resultando muy denso todo y no demasiado limpio. Pero así también se enlaza perfectamente con la imagen.

Hay cosas que nunca dejarán de ser risibles.

Resumen:

Unas cuantas ideas bastante buenas en esta peli, pero un guión algo escaso para la duración que propone, destacando demasiado la monotonía del protagonista, y además con bastantes problemas en las actuaciones que solo hacen que la peli avance con más problemas. Además, con una producción bastante floja, que ayuda a transmitir mucha sordidez, pero no permite que la dirección resuelva los problemas que traían el guión y los actores.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.5
Técnica: 6.0
Guión: 5.0
Actuación: 2.0

TOTAL: 5.5

Jacarandá

2011-06-09T20:31:00.000+02:00

Título: Jacaranda

Autor: Shiriagari Kotobuki

Año: 2002-2004

País: Japón

Edición: Dolmen

Tomos: Integral de 320 pag.

Un día, en algún lugar de Tokio, comienza a nacer, en medio del asfalto, un brote. Rápidamente alcanza un tamaño considerable, y sus raíces, extendiéndose por el subsuelo, comienzan a sembrar el caos. Lo que en un principio solo eran baches, rápidamente aumentan de tamaño y se suceden los derrumbamientos y las explosiones provocando un escenario dantesco, mientras el árbol sigue creciendo hasta un tamaño absurdamente grande.

Pensar en comprar bolsos cuando la ciudad se va a destruir... Bonita sociedad la nuestra.

Si buscan en la Wikipedia, encontrarán que el Jacarandá es un género de árboles típicamente sudamericanos. Bueno, eso y muchas más cosas, pero si quieren lo miran allí. Y por algún motivo, no se si relacionado con su origen o solo por sus características, es el árbol que Shiriagari Kotobuki pensó perfecto para destruir Tokio. Bueno, una versión grande, como lo es Godzilla a un lagarto normal, y solo una parte de Tokio. Y si, se que la comparación a Godzilla, tratándose de un producto japonés sobre algo gigante, es muy fácil. Pero es que el mismo autor lo hace en una explicación que está al final del volumen.

Porque lejos de lo que puede parecer en un comienzo, esta es una obra que se ve beneficiada por una explicación, pues su simbolismo y la forma en que está narrada su historia no ayudan precisamente a comprender lo que el autor quería decir. Todo transcurre casi sin ningún diálogo, y muchas de las viñetas son simples muestras de destrucción masiva, llegando a un final sorprendente y que no hace sino enfatizar esa extrañeza e incomprensión tras las 300 páginas aproximadas que dura.

Lo que hace Kotobuki es crear en un comienzo una crítica dura y directa a la sociedad actual, a los medios de comunicación e insensibilidad social. Esto, hasta que estalla de repente la catástrofe, en forma de brote primero, pero rápidamente más grande, de modo que las viñetas sin diálogo que comentaba antes van ganando protagonismo, y cada vez nos encontramos con algo que ocurre más rápido, y de un modo más caótico, pero siempre visual, llegando a un final donde de repente la calma se mezcla con la velocidad de lectura que traíamos, consiguiendo un efecto cojonudo en la evolución del relato.

Trenes contra árboles gigantes, está claro quien gana no?.

Los dibujos empleados para contar esto, tremendamente eficaces en cuanto a su capacidad de transmitir movimiento y dinamismo, y ayudando por tanto en ese caos que se presenta. Además, en cuanto a los personajes humanos, tremendamente expresivos en sus expresiones. Incluso en ocasiones llega a recoger elementos expresionistas en la forma de alargar y alterar las líneas, tanto de la gente como de los objetos.

Eso sí, por culpa de todo esto, llegando a hacer que el lector se pierda, debido al excesivo caos de algunas viñetas donde no llegamos a saber realmente qué se está representando, si es un coche o un edificio reventando, de donde viene la explosión… Además, esas caras, si bien son muy expresivas como decía arriba, también reconozco que resultan excesivamente bidimensionales, restándole en alguna ocasión unión con los fondos y haciendo que parezcan más pegotes ahí colocados que personajes de la historia.

Y eso que la catástrofe no cuadra en festivo.

De todos modos, estos personajes, tampoco llegan a tener interés por sí mismos en casi ningún caso, y solo alguno nos podrá interesar durante un par de páginas a lo sumo. Porque realmente, los humanos de la historia representan esa sociedad masificada, especialmente en la capital nipona, y no importan por individuos, sino como anécdotas concretas de una catástrofe que acaba por unirlos como una sola víctima colectiva. Y ese efecto lo consigue también mediante la despersonalización de los mismos en gran parte de las viñetas.

Es por esto que, realmente, no llegamos a sufrir pena con casi ningún momento, en ese estilo de narración televisiva que criticaba al comienzo donde la tragedia más absurda se mezcla con mujeres ligeras de ropa, soft news y políticos largando (añadiendo algo de deporte), de modo que nada tiene importancia y lo poco que nos pueda interesar una noticia por dolor o preocupación nos lo quita la siguiente con risa o alicientes sexuales. Sin embargo, el estilo de Kotobuki sí nos consigue transmitir un aura de violencia en todo que nos hace ver la intención de destrucción del autor. A lo que se suma, también, el aire de calma y respiración en algún momento concreto, destacándose además las partes oscuras y las luminosas a este respecto.

Con todo, consigue una unidad narrativa acojonante en cuanto a contenido, rápida en cuanto a narración, y que si se le debería echar algo en cara, es que tanta destrucción y una evolución de la misma tan continua, acaban por resultar algo monótonas en la parte central, donde sabemos que todo va a seguir igual y solo pasamos páginas alucinando con esa violencia y deseando que algo rompa con la continuidad.

A esto me refería con lo difícil que es seguirlo en ocasiones.

Resumen:

Un manga extraño y con el estigma de resultar muy personal para el autor, donde la violencia, el caos y la destrucción se mezclan con elementos de crítica social y simbolismos que el propio Kotobuki necesita explicar en un anexo, consiguiendo una unidad coherente e interesante. Narrado de tal forma que si se le debe echar algo en cara es, principalmente, la excesiva repetición de motivos en alguna parte, y un dibujo algo confuso para tanto caos en más de una viñeta.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 9.5
Dibujo:: 8.0
Guión: 7.5
Personajes: 7.5

TOTAL: 8.0

Raiders Of The Lost Ark: The Adaptation

2011-06-03T18:33:00.000+02:00

Título: Raiders of the Lost Ark: The Adaptation

Director: Eric Zala

Año: 1989

País: USA

Duración: 100

Indiana Jones (Chris Strompolos) es un arqueólogo aventurero que recibe el encargo de rescatar el arca de la alianza. Principalmente, porque Hitler está detrás de ella, y en la pista buena. Además, cuentan con su principal rival, Belloq (Eric Zala) como aliado, por lo que nuestro protagonista tendrá un aliciente más para conseguirla, viajando hasta Egipto para tener que lidiar no solo con sus enemigos, sino también con los obstáculos y trampas que encierran los restos de alto interés arqueológico en que tendrá que buscar. Y sí, esto es una versión de En Busca Del Arca Perdida, pero hecha por fans adolescentes.

Toda una declaración de intenciones, que deja claro qué es esta peli.

La pasión es algo fundamental en el cine, tanto desde el punto de vista de quien lo hace, como de aquellos que lo ven. Por mucho que se nieguen a entenderlo determinados sectores, más apasionados por el dinero que por el cine en sí mismo. Y pocas cosas hay más apasionadas que un niño que, de repente, rinde pleitesía a algo. Por eso muchos directores se formaron en su etapa juvenil, intentando grabar cosillas como es el caso de los señores Raimi, Rodriguez o Roth, por usar solo apellidos que empiecen con R.

Y si bien estos se dedicaban a cositas cortas y más bien a modo de juego inocente, es lógico que también apareciese algún jovenzuelo que, directamente, se le ocurriese la idea de copiar lo más parecida posible, una peli entera. Como si fuese un productor exploitation italiano, pero sin afán de engañar a los compradores. Así es como nace este proyecto, gracias a esa chispa infantil que tan bien sabían encender Spielberg y Lucas, y que se junta también con la tenacidad de los chavales, pues está elaborado durante 8 años (según el texto que aparece al comienzo, según otras informaciones varía el tiempo).

Vale, si, el ídolo es menos fino, pero quien les dice que si llega a ponerse así en la original, no les hubiese colado como algo valioso?

Claro está que el guión está copiado directamente de la original, e incluso el crédito al respecto se lo quedan Lawrence Kasdan, George Lucas y Philip Kauffman, así que en cuanto a la forma de la historia, desarrollo y demás, no tiene demasiada diferencia con el film de Spielberg. A excepción, evidentemente de las dificultades de producción a las que se tuvieron que enfrentar, salvándolas bastante bien en la mayoría de ocasiones, como es la barca que sustituye en ese prólogo de presentación al hidroavión, o el perro que hace las veces de mono. Así pues, el ritmo es básicamente calcado a la original, y de hecho dura 10 minutos menos, al acortar lógicamente las escenas de acción. Porque algunas como la de la lucha en el avión que acaba despedazando al rival de Indy eran bastante difíciles y caras de hacer. De hecho, incluso se le debe reconocer que, en alguna parte, gracias a ese aligeramiento, consigue hacerse más entretenida y rápida.

De este modo, nos enfrentamos en todo momento a una producción tremendamente casera y de andar por casa. A excepción de determinados momentos donde vemos que al menos se portaron con los chavales y les dejaban grabar, por ejemplo, en un barco militar. Que no es poco. Pero bueno, la luz, los disfraces, el atrezzo… todo está en una clave de cutrerío que, vale, no nos ayuda a entrar en la peli, pero hacen todo entrañable y divertido. Porque ver una maqueta egipcia hecha con cajas o cómo se falsea un callejón típicamente yankee para que se asemeje a un zoco, es algo que no tiene precio. Y lo que es peor, que consiguen en muchas ocasiones más credibilidad que pelis con más presupuesto, o incluso cortos de gente que dice haber estudiado cine.

A esto me refiero con lo del zoco, pero qué más da, tengan algo de imaginación, joder!

Además, desde la dirección de Eric Zala se está constantemente intentando evitar estos pequeños desajustes, muchas veces con éxito (la secuencia de la piedra que persigue a Indy es incluso más efectiva). También hay otras muchas en las que el éxito es más nulo, y como espectadores perdemos noción espacial, o hay algún pequeño problema de lógica de continuidad que nos choca. Pero era preferible eso que el hecho de copiar plano por plano todo el film (y ojo, que gran parte de la película intenta hacerlo).

La fotografía de Jayson Lamb, lo mismo que decía antes, con muchos problemas por la falta de presupuesto y conocimientos, y sobre todo dependiendo de los elementos naturales en exteriores, con algunos momentos nocturnos donde nos quedamos sin ver nada, y algunas soluciones en interiores acertadas. Lo importante, como en el resto, la intención y el hecho de que no choca en casi ningún momento, así que tampoco se le debería criticar.

Este es el único plano que me parece imperdonable, porque si se supone que es un hueco en la arena, solo había que encuadrar correctamente!

Y el montaje, del propio Lamb, dependiendo tremendamente de esos planos grabados, y sin destacar excesivamente. Se podría echar en cara algún corte que choca por la falta de continuidad, especialmente al comienzo, algún plano que se hace largo, en conversaciones sobre todo, o algún momento donde la lógica temporal desaparece. Pero por lo general cumpliendo de sobras las expectativas.

Donde sí vería más problemas salvables es en el sonido, donde al hecho de que los actores, lógicamente, no tienen una gran dicción, se suman ruidos constantemente, especialmente del viento en exteriores. Y el hecho de que la copia que vi proceda de VHS, desgraciadamente no ayuda para poder apreciarlo. Esto, con la música original de John Williams insertada por el medio, por cierto.

3 de los protagonistas. En otros planos, ella se cortará el pelo, y ellos crecerán.

Y los actores, pues qué les voy a decir, que están totalmente sobreactuados en su mayoría, pero da igual porque es parte del conjunto que estamos viendo. Chris Strompolos, un Indy más calmado y de apariencia loser que Harrison Ford, y al que se le nota la diferencia de años entre algunos planos de un modo brutal. Pero que lo hace bastante bien. Lo mismo que ocurre con Angela Rodriguez, que es brutal en su evolución física, sobre todo por los cambios de peinado entre planos. Y también salvando bastante bien la actuación. Pero ambos sin demasiada fuerza en sus papeles pese a estar mínimamente naturales.

Destacar al otro del, digamos, trío protagonista, que es el propio director Eric Zala, que consigue una actuación cojonuda en alguna secuencia, creando un personaje bastante odioso en general. Son los restantes los que bajan más el nivel de las actuaciones y se fuerzan brutalmente. Destacar al respecto a Alan Stenum o a Ted Ross, que en algún momento incluso parecen leer el texto de algún lado.

Por suerte, conservaron este plano, para mí el mejor de la película (tanto en la original como en esta).

Resumen:
Una película que, si bien admito que es cutre y tiene errores en todas partes, también tiene la gran ventaja de estar hecha por amor al cine, o por amor a una película concreta, que es lo mismo. Y precisamente por esto, y porque lo consigue transmitir, se debe valorar en torno a esa condición de homenaje puro y sin pretensión, consiguiendo ser muy fiel y arriesgada, además de curiosa por la edad de sus creadores. Por mucha ayuda que tuviesen de algunos adultos.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 9.0
Técnica: 7.0
Guión: 7.5
Actuación: 5.5

TOTAL: 7.5

IM Drunk, Tiempo De Muertos, Love Is A Dog From Hell y otras petisoperías

2011-05-11T15:18:00.000+02:00

Este blog, allá por sus inicios nacía como un simple modo de alimentar ese horrible monstruo bonachón que es mi ego. Hay cosas que no han cambiado y cosas que sí. Pero hoy toca anunciar cosicas que han ocurrido en el mundo que transito últimamente:

1.- IM DRUNK

Ya está a la venta el disco de IM Drunk, bajo el título Regurgitating The Sacred Liquor. Si quieren copias, avisen, que se las venderemos de muy buena gana sea cual sea su raza, edad o sexo. Lo importante es que paguen los míseros 5 euros que cuesta. O servicios equivalentes a ese valor.

2.-LOVE IS A DOG FROM HELL

Este viernes, la segunda entrega en directo de Love Is A Dog From Hell, esa colgadura electrónica en la que metí visuales hace cosa de un mes. Aunque no esté yo en el cartel, en principio asistiré en el mismo puesto, y esta vez será en el Frenopátiko, como pueden ver.

3.-TIEMPO DE MUERTOS

Esto ya no es noticia pura y dura, puesto que hace un tiempo que ocurrió. Pero como no lo anuncié por aquí, lo hago ahora. Ya se puede descargar AQUI Tiempo De Muertos, para todos aquellos que lo quieran conservar y pasen de descargarlo de las redes P2P.

4.-¿?
Y creo que esto es todo. Así que mejor dejar las Petisoperías que anunciaba el título de la noticia para otro momento. Y si las quieren ahora, lean Superlópez.

Rubber

2011-05-05T15:37:00.000+02:00

Título: Rubber

Director: Quentin Dupieux

Año: 2010

País: Francia / Angola

Duración: 82

En medio de un desierto, tras una extraña y sorprendente disquisición sobre la falta de razón de muchas cosas de películas y de la realidad, un grupo de personas se ponen a mirar una película a través de unos prismáticos. Pronto ven como una rueda se levanta y comienza a andar sola, descubriendo también que tiene poderes paranormales y hace estallar cosas como latas, conejos o cabezas humanas.

Y esto por qué? Por ninguna razón.

Cuando uno se plantea el hecho de ponerse a ver una peli sobre un neumático asesino, solo se cruzan por la cabeza títulos como El Ataque De Los Tomates Asesinos, El Váter Susurra o El Condón Asesino. Incluso Christine si me apuran. Porque lo de objetos inanimados que matan gente es algo bastante común, especialmente dentro de la producción de bajo standing, aunque estén basadas en obras de cierto culto como las 2 últimas citadas. Y normalmente, con una dosis de absurdo bastante alta, que por supuesto está aquí también, como es obvio. Solo que, en este caso incluso regocijándose en ello y planteando una teoría sin demasiado fondo pero sí mucha forma sobre la falta de razones para que las cosas sean como son en el cine o en la vida real, con la que da comienzo el film y nos marca el sentido del resto del metraje.

Pero aquí, además, se dan un montón de vueltas sobre la creación y la narración fílmica, jugando constantemente con la misma en una metahistoria de espectadores de una especie de peli real que acaba cruzándose con su vida en una idea similar a las que se usaron en cosas tan diferentes como Demons o Sillas De Montar Calientes. En este caso, llevada al extremo y con nosotros, como espectadores, observando todo desde ese punto aún por encima al que, curiosamente, no se hace referencia directa nunca.

Este es Robert, aunque su nombre solo lo sepamos por los créditos.

De este modo, y con ese recurso que es la metanarración para alargar un poco el metraje, Dupieux consigue crear una serie de tramas extrañas que no solo se entrelazan, sino que dan rienda suelta a las posibles incoherencias o bajones del guión, recalcándolas en ocasiones y haciéndolas patentes con esa idea de la falta de razones que destacaba al comienzo. Y con ello, no solo se ríe de nosotros como espectadores en cuanto al entrar en la peli y temer cosas de un neumático, sino del lenguaje narrativo convencional, y de sí mismo como creador del guión.

Gracias a ello, consigue dotar a la peli de un ritmo bastante especial, contrastando la lentitud y tranquilidad de los instantes de la rueda simplemente girando, con la violencia de los asesinatos y todos los guiños y rupturas del relato que se establecen al mostrar a los espectadores. Recurso este, que por cierto en alguna ocasión puede llegar a resultar repetitivo por lo poco que nos importan esos personajes, y por tanto representaría lo poco que se le puede echar en cara.

Además, con una dirección realmente destacable, especialmente en cuanto al falseamiento de los movimientos de la rueda, consiguiendo dotarla realmente de vida ya desde un comienzo. También habría que destacar la impresionante fotografía que consigue el propio Dupieux trabajando con esos espacios desiertos de California, aprovechándose en gran medida de las cantidades ingentes de sol y, eso sí, pasándose en ocasiones con el juego de desenfoques de cámara.

Una nueva manera de ver películas.

El montaje, donde también el polifacético director se mete, más que correcto pero sin destacar excesivamente, siendo esencial para el juego de hacer real la vida del neumático Robert, y crear la tensión necesaria, especialmente en los momentos de ataques, que de todos modos pueden llegar a hacerse excesivos en alguna ocasión. Además, apoyando bastante bien los efectos de las explosiones, donde incluso las de los animales parecen reales. Y digo parecen porque no estoy seguro de si lo son o no, y espero que no, por lo innecesario de las mismas y por esa condena que siempre hago al maltrato animal en las pelis. Efectos que, por otra parte, se hacen increíbles por la falta de medios y la negación de CGI, haciendo que el neumático se mueva en planos lejanos donde nadie lo toca por medio de un mecanismo interno por radiocontrol.

Mirándolo por el lado bueno, este pavo no sufrirá el peligro de encontrarse con el neumático asesino.

Y el sonido, teniendo en cuenta la cantidad de momentos sin diálogo que se dan a lo largo del film, bastante bueno, y primando el realismo, jugando mucho con el vacío que las imágenes nos muestran en el desierto, y con la aspereza de los terrenos. Acompañado esto por la música que el propio Dupieux compone a través de su alter ego Mr. Oizo y con ayuda del miembro de Justice Gaspard Augé, que sirve para apoyar el extrañamiento de la historia presentada, además de algún tema externo y no original.

Respecto a los actores, todos ellos con papeles sin demasiado desarrollo, destacar a Stephen Spinella en su papel de sheriff, especialmente brillante en la parte central de la película y en su buen hacer a camino entre la narración y la metanarración, definiendo bastante bien a su personaje aún pese a eso. Jack Plotnick sin mayores aspavientos, pero molando en su personaje sin definirse excesivamente precisamente por la extrañeza del mismo, y Wings Hauser cojonudo en su rudeza especialmente en la parte final del film.

De los restantes de la ficción, Roxane Mesquida también creíble y bien interpretada, pero tampoco luciéndose, Remy Thorne en una línea algo más falta de pasión y algo cohibido, y David Bowe sin embargo excesivamente sobreactuado. De los espectadores, destacaría a Devin Brochu y Daniel Quinn como padre e hijo bastante poco creíbles los dos, y a Ethan Cohn y Charley Koontz en esos papeles freaks de relleno que realmente consiguen animar mucho por medio del humor el cotarro de esa trama.

Esto es lo que se encuentra después de esas noches locas donde se quema mucha goma.

Resumen:
Una peli que es incapaz de tomarse en serio a sí misma y juega precisamente con eso para conseguir enganchar y encandilar al espectador, jugueteando constantemente con la narración fílmica y planteando además un trabajo muy bien hecho desde el aspecto técnico, y aceptable desde el actoral.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 9.5
Técnica: 8.0
Guión: 8.5
Actuación: 7.0

TOTAL: 8.5

Crebinsky

2011-04-28T15:44:00.000+02:00

Título: Crebinsky

Director: Enrique Otero

Año: 2011

País: Galicia

Duración: 92

Feodor (Miguel de Lira) y Mijail (Sergio Zerraeta) son dos hermanos que, por culpa de una inundación, se quedan aislados de la sociedad. De todos modos, sobreviven junto a su vaca Muchka en un lugar de la costa, donde sus días transcurren tranquilamente mientras recogen objetos que trae el mar. Su realidad será alterada cuando, tanto los nazis como los americanos se acerquen a sus vidas, aunque no sean capaces de influenciar directamente su mundo extraño y fantasioso.

Otros sacan a pasear al perro... Urbanitas!

Normalmente, cuando me pongo a hacer estos comentarios de cine, lo hago tras ver las pelis en casa, tranquilamente, con libertad para revisionar algún fragmento o parar a echar una meada o coger un piscolabis (siempre quise usar esta palabra en algún texto, maldita sea). No obstante, cuando vas al cine este tipo de privilegios no están ahí, y a ello se suma que haya gente que puede incordiar pululando por la sala. Por otro lado, suelo hacerlos justo al terminar la peli, levantándome desde el sofá hasta el pc y poniéndome a escribir. Pero en esta ocasión no, he ido al cine, he visto la peli, he vuelto a casa, me he dormido viendo otra peli aquí, y me he levantado para escribir el análisis. Así que disculpen si algún elemento puede quedar más descolgado, pero es que ni siquiera la vi con ánimo de analizarla sino como espectador más o menos tradicional!

Para empezar, comentar respecto al estilo de la peli, esa mezcla de surrealismo y ambiente rural que enlaza directamente con el corto original de título casi idéntico (Os Crebinsky) que había aparecido allá por el 2002, y tomando mucho de las formas de hacer cine de Kusturica en cosas como Gato Negro, Gato Blanco (y con la que, al igual que en esta, me enfrento en mi gusto subjetivo al espectador medio, por lo que se ve del boca a boca). Incluso al respecto de esa mezcla, he leído de quien la compara con ¡Maldito Bastardo!, con la cual no puedo ser un juez imparcial, lógicamente, pero que considero en otro punto totalmente distinto por sus excesos para con el cine de terror, aunque conserve esa misma base de surrealismo rural.

Pistolas, mar, fachas y alemanes. Quitas la vaca, y es como estar en levante.

La verdad es que, de pasada, la idea de Os Crebinsky es más que correcta y atractiva, un punto de inicio extraño y extravagante y un mundo propio y bien establecido que enlaza, como su cartel ya hace ver, con muchos elementos de realismo fantástico. No obstante, la peli se ve bastante perjudicada por dejarse estancar en esa idea de la muestra estética y extraña de ese mundo, y olvidarse del contar una historia que enganche un poco más, o presentar situaciones un poco más divertidas. Porque la historia existe, si, pero se va dividiendo en 2 partes claras, una mientras están en la cabaña y los americanos los observan, y otra cuando se salen de esa zona para entrar en el mundo y son perseguidos por los nazis. Ambas parecen corresponder a una influencia de un formato televisivo de gags y de planteamientos de situaciones fragmentadas más que a intentar contar algo en sí mismo. Y aún por encima, salvando algún momento puntual como es el del saludo a los nazis, sin demasiada gracia pese a su pretensión de comedia. Por cierto, comentar aquí que, aunque siguiera los cánones legales con los animales, cosa que no pongo en duda y más conociendo a los responsables, decir que me dio algo de pena la vaca hacia el final, que al menos seguro que sufrió bastante stress.

Aún por encima, la falta de diálogos hace que se haga un poco pesada, por mucho que me parece una decisión más que correcta y una muy buena idea para presentar a sus personajes que ayuda mucho en la ambientación, pero que no ayuda en el tono de comedia que tiene la historia. En ese sentido, de hecho, y dejando de lado esa posible pesadez, retomando un poco de Le Dernier Combat, con esa comedia muda que no hace gracia pero crea un aura ligera en toda la peli que al menos se agradece y hace que deje un buen sabor de boca al respecto. Aún así, esa falta solo es de los protagonistas, puesto que el resto sí que hablan, y consiguen, además, un juego muy interesante de idiomas mezclando gallego, español, alemán e inglés que consigue aumentar en ocasiones el absurdo, amén de aumentar las diferencias idiosincrásicas de cada colectivo, aunque caiga en tópicos como es con los yankees.

El trabajo en equipo, fundamental para mantener una casa en tan buen estado.

Los personajes, además, ayudan como digo en esa falta de diálogos, puesto que sus idiosincrasias de quedarse fuera del mundo los hacen seres alienados y externos al mundo que conocemos habitualmente. Así, tanto Miguel de Lira como Sergio Zerraeta consiguen unos personajes bastante bien logrados y tiernos, especialmente hacia el final, que si bien no consiguen contactar con el espectador casi en ningún momento, no es lo que intentaban, así que en ese sentido perfectamente.

En cuanto al reparto, la presencia de Luis Tosar me parece que pesa demasiado para el mercado interno gallego, y también para el español, que son por lógica los principales a los que está orientado el film, y sobre todo por el hecho de hablar en inglés, que hace ver más al actor que al personaje, y especialmente por el tono satírico con el que se comporta. Del resto, muy bien Celso Bugallo también en su juego de actuación sin palabras y enfrascado en su mundo, y también Olivier Bigalke como oficial nazi. Farruco Castromán también a buen nivel como soldado franquista, pero más externo al universo de la peli que el resto, cosa que también le ocurre a Patricia de Lorenzo. Entre los restantes, más o menos sin ningún destaque especial, pero acompañando bien la historia.

En el aspecto técnico, la dirección de Enrique Otero, bastante sencillita y sin intentar lucirse demasiado, quizás por cuestiones presupuestarias. Pero también sin llegar a hacer un gran apoyo del surrealismo, tal y como podría haber hecho. Ayudado por la fotografía de Sergio Franco, también sencilla, sobre todo por ser en exteriores en su mayoría, pero logrando unos planos tremendamente bonitos jugando con las formas y colores de la Costa da Morte, y también de los bosques gallegos, buscando precisamente apoyar esa fantasía y maravilla del mundo de los Crebinsky, e incluso el contraste de la naturaleza con lo rural y el abandono.

La vaca, el mejor amigo del niño.

A esto ayuda el montaje de J.R Lorenzo y el propio Enrique Otero, especialmente destacable en las transiciones a flashbacks, que si bien están demasiado presentes nos ayudan a entender la vida de estos dos individuos y cómo llegaron en mucho a ser quienes son. Por lo restante, criticar si acaso algún momento donde los cortes se hacen incómodos y parecen destacar la filmación en lugares diferentes, cosa que se me agudizó también por el hecho de conocer bastante bien algunos de los parajes, pero consiguiendo un ritmo bastante bueno en cuanto a la narración. Y destacar también la secuencia inicial en stop motion hecha por Juan Pablo Echeverry y su enlace con la imagen real, perfecta para meternos ya en vereda del estilo de la peli, explicando someramente qué es lo que les sucedió a los protagonistas.

El sonido, de Xavier Souto, pues primordial como es lógico al haber esa falta de diálogos, y con muy buen nivel, donde destaca ese juego de equívocos en momentos por culpa de ellos, o descubrimientos como el de la vaca. Además, ayudando a la perfección a las distintas ambientaciones que tendremos en el film, y apoyado con una música de Pablo Pérez que evidencia ese beber de la zona de Europa del Este (si no llegaba el propio argumento y el nombre), mezclado con lo de aquí, que se hace entretenida.

Bodas de rusos y gallegas, pocas ha debido haber en esa época, pero debían ser divertidas.

Resumen:
Una peli con muy buenas ideas y un buen trabajo técnico para llevarlas a cabo, pero que por esto se queda principalmente en una estética interesante, fallando sobre todo en el guión, que podría haber llegado a ser más entretenido y con algo más de historia para hacerse realmente interesante.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 8.0
Guión: 5.5
Actuación: 7.0

TOTAL: 7.0

La Casta De Los Metabarones

2011-04-21T19:21:00.000+02:00

Título: La Caste Des Méta-Barons

Autor: Alejandro Jodorowsky (guión), Juan Giménez (dibujo)

Año: 1998-2003

País: Francia

Edición: Reservoir Books

Tomos: Integral de 584 pag.

Los Castaka son una casta guerrera con unos códigos rígidos de conducta, mantenidos para ser siempre los mejores guerreros del universo, que los ha llevado a recibir el título de metabarón. Entre estos códigos están hechos como que cada nuevo hijo debe asesinar a su propio padre al llegar a la edad adulta para hacerse metabarón, o que deben lograr el dominio absoluto del sufrimiento físico y mental, sustituyéndose las partes del cuerpo perdidas en el proceso por elementos robóticos.

Mírenlo qué mono... antes de convertirse en el guerrero más poderoso del universo.

Las sagas familiares son, sin duda, una de las bases de las artes narrativas. Ahí están ya como ejemplos los relatos en los que se basan las religiones, ya desde los griegos con todo su olimpo, hasta la judeocristiana, con toda su evolución descrita en el Antiguo Testamento. También dentro de la literatura aceptada como fantástica por todos entran estos conceptos, y ahí está El Silmarillion de Tolkien, o dentro del cine, obras adaptadas como El Cuarto Mandamiento o Gigante, donde la saga era un poco más limitada que en los restantes ejemplos, también debido a las limitaciones del medio, o incluso estando Star Wars también ahí, evidente influencia para el presente cómic aunque solo sea por su importancia en la ciencia ficción.

Es dentro del cómic donde este concepto consigue un mayor desarrollo, aunque sea por las simples motivaciones comerciales del seguir semana tras semana con nuevas entregas de los mismos personajes, configurando así universos complejos que van evolucionando, por parte sobre todo de las grandes compañías Marvel y DC. También dentro del manga existen cosas similares, y ahí está Dragon Ball y todo su universo. Aunque en estos casos, precisamente esa cuestión comercial que lo va creando les hace perder lógica y coherencia en más de un momento, todo hay que decirlo.

Fuck yeah, eso es conducir con cojones.

Coherencia que aquí está perfectamente cuidada desde un comienzo, dándole su carácter de obra cerrada y definida. De este modo, la evolución de los Castaka se va presentando al espectador desde el nacimiento de la casta bajo el cargo de metabarones. Precisamente esta evolución se va consiguiendo explicar con fuerza en cada uno de los episodios en que se divide gracias a centrarse en cada uno de los castakas y haciendo así una propia estructura bastante cerrada en cada uno, aunque con los cliffhangers necesarios para enganchar directamente con el siguiente todos los problemas y dudas que van teniendo en cada una de las generaciones, y sobre todo las vueltas y vicisitudes por las que se superan para dar continuidad a la saga.

Aún así, la metanarración que supone la historia de Tonto y Lothar, en ocasiones puede acabar sacando de quicio por sus excesivas interrupciones que no parecen llevar a demasiado, además de por su excesivo énfasis en un lenguaje que demuestre su condición de robots y haga un intento de orientar al lector sobre la realidad y los posibles cambios que ha sufrido la raza humana y el universo dentro de ese tiempo en que nos ambienta la historia. No obstante, gracias a esto también se llega a tener presente su existencia, elemento esencial para enganchar con el final de la historia y de Sin Nombre, el último metabarón.

Y claro, como decía antes al respecto de la coherencia, pues con personajes muy definidos y que evolucionan según unas explicaciones lógicas y creíbles, aunque algunos detalles pueden resultar algo chocantes, en especial desde el momento en que entra en juego Cabeza de Hierro, el personaje más complejo de todos en su concepción como personaje apenas humano a pesar de obedecer ciertos elementos de pensamiento humano y no puramente robótico gracias a su espíritu de metabarón.

Sí, Lobezno también influye aquí, como no!

Además, todo ello con giros extraños y en ocasiones bastante enfermizos, que recuerdan a los elementos con los que se jugaba en las tragedias griegas con esas traiciones que pueden llegar a provocar incestos solo por amor y para seguir la intención del amado en continuar con la saga, o incluso vueltas de tuerca sobre el vencer incluso a la naturaleza al no ser capaz de amar Cabeza de Hierro.

Donde sí podríamos echarle en cara una falta de fijación es en el aspecto de la ambientación, que si bien no cae en incoherencias, es gracias en gran medida a no explicar excesivamente en qué consiste ni como está organizado todo el universo que se nos presenta, mucho más complejo que el de El Incal, que solo se centraba principalmente en una Tierra, pero basado en él, y dejándose entrever solo a través de las historias una parte del mismo, suficiente para que el lector se pueda hacer una idea completando los huecos, pero que también hace pensar en las maravillas que se podrían haber relatado al respecto, aunque se saltaran la lógica que es que Tonto no tendría que explicar ese tipo de detalles a Lothar.

Estos son los dos robotijos que nos irán guiando y tocando los huevos con sus interrupciones.

Y en cuanto al dibujo, pues un trabajo muy bueno, en busca de un aspecto sobrio dentro de la imaginería fantástica e hiperfuturista que se plantea, aunque con la pega de centrarse excesivamente en los personajes, y dejar solo para ciertos momentos las presentaciones más generales y globales, perdiéndose con esto esa oportunidad que citaba antes de mostrar con mucha más riqueza la realidad narrada y sus características como las puertas dimensionales, espacios abiertos transitados, etc. También se podría echar en cara una falta de definición en los propios personajes cuando no están en primer plano, así como momentos demasiado faltos de realismo en cuanto a algunas caras de los rivales, que contrastan con el buen hacer en los diseños de los monstruos más grandes.

Donde sí destaca muy favorablemente el dibujo es en la muestra de las luchas y las escenas dinámicas, consiguiendo mucha fuerza e intensidad en ellas, y fallando si acaso en el excesivo celo moral al respecto de mostrar la brutalidad de las mutilaciones de los metabarones o de las escenas con un contenido sexual, donde esa falta de definición que comentaba más arriba, o la ocultación se hacen demasiado patentes.

Y esto, un Cetacyborg, uno de esos maravillosos monstruos de Juan Giménez.

Resumen:

Un cómic con muy buen ritmo gracias a un guión perfectamente planeado, que a pesar de su complejidad no tiene problemas en la narración, y con un dibujo agradable que aunque podría mejorarse, apoya muy bien la historia y la ambientación hiperfuturista con mucha influencia cyberpunk que tiene, enganchando enormemente con todo ello.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.5
Dibujo:: 7.5
Guión: 9.0
Personajes: 9.0

TOTAL: 8.5

Antes Del Incal

2011-04-14T15:22:00.000+02:00

Título: John Difool Avant L'Incal

Autor: Alejandro Jodorowsky (guión), Zoran Janjetov (dibujo)

Año: 1988-1995

País: Francia

Edición: Norma Editorial

Tomos: Integral de 296 pag.

John Difool es un chaval criado en los suburbios de un mundo degenerado, Tierra 2014. Las posibilidades de salir adelante para él son casi nulas y más cuando pierde a sus padres. Pero todavía está la opción de convertirse en detective, para lo cual tendrá que pasar una prueba de investigación que lo introducirá en secretos nada cómodos de desvelar para los corruptos gobernantes.

En Tierra 2014 los bomberos ya no son lo mismo...

Lo de hacer precuelas es algo más o menos habitual. Creo que sería absurdo hablar aquí de Hannibal o La Amenaza Fantasma como dos grandes ejemplos de sobras conocidos. Quizás, por similitud al tema que nos trae, podríamos hablar más de las dos precuelas de Dune, Preludio A Dune y Leyendas De Dune (casualmente podemos recordar que el propio Incal nace de la frustración de los sres. Moebius y Jodorowsky a la hora de hacer la versión cinematográfica de la novela de Frank Herbert). Pero bueno, serían cientos los ejemplos que podríamos poner en la ficción, desde siempre, pero especialmente desde los 70.

Al respecto de la apreciación que tienen, hay que reconocer que es raro que al público lleguen a entusiasmarle este tipo de productos. Porque mola eso de ver qué era de los personajes antes de que los conociéramos, pero claro, tenemos una serie de ideas prefijadas, y la nueva historia debe conducir directamente a estas ideas. Y no siempre se consigue. Ni siquiera en las secuelas, y eso que cuentan con mucha más libertad narrativa al respecto.

Ahí tenemos a un joven John Difool en el mejor ambiente para criarse y ser un hombre de provecho, los burdeles.

Este es en gran medida el defecto que se encuentra en este volumen. Si bien la obra en sí misma no plantea una mala historia, la idea que se prefija después de leer una joya de la ciencia ficción filosófica como es El Incal, es que aquí debería haber elementos muy similares. Sin embargo, el sr. Jodorowsky opta por una óptica mucho más de aventuras, con su punto de suspense metido por medio de una investigación, que además nos lleva a ver la suciedad del mundo en que estaba ambientada gran parte de la historia original.

Desde este punto, y ya despegándola todo lo que puedo de la original, debo admitir que la lectura es bastante amena y entretenida, enganchando en su justa medida. La división por álbumes, correcta cerrando y abriendo nuevas tramas constantemente, y variándolas y evolucionando, pero dejando siempre ese arco argumental global que hila todo y nos lleva hasta el final sin perder la coherencia ni el interés por los personajes.

Ahora bien, es en el final donde toda esta coherencia se ve alterada por esa necesidad de cerrar página dando pie a que El Incal tenga relación directa con el argumento y con el devenir vital de John Difool, y aquí la historia comienza a acelerarse dando las cosas demasiado por el aire y con demasiada simplicidad para justificar ese comienzo e intentar tener las tramas cerradas y que no queden posibles flecos. Y esto, introduciendo, en ese último capítulo, nuevos personajes que aparecerán después, y solo dando un pequeño tinte sobre ellos para explicar, ahora sí, un poco de lo que era la historia urdida para esa obra siguiente en el tiempo de la narración.

ME ENCANTAN los personajes de cómic con nombre evidente, como Cabeza de Caracol.

Todo ello, eso, buscando una suciedad absoluta en el mundo en que se ambienta, con una sociedad tremendamente decadente llevada al consumismo irrefrenado y al abandono hacia los placeres, donde la TV retransmite las muertes en directo como espectáculo, y la división social es una total y absoluta diferenciación de clases. Es decir, esa crítica vaga hacia distintos aspectos de la sociedad contemporánea, ya clásica de las distopías, encontrándose desde 1984 hasta V de Vendetta o Blade Runner. Eso sí, con ideas bastante divertidas en cuanto a las perversiones y la degeneración de la carne que va unida a esa degeneración social.

En ese mundo, esos personajes representan perfectamente esa degradación y decadencia social, y así lo hacen ver en los giros que van pegando, pero centrándose en definir demasiado a los buenos, los malos, y los que son maltratados y controlados por los malos, dejando entrever demasiada diferencia y mucha falta de ambigüedad, que condiciona a una evolución simplista y maniqueísta hacia la creación de un héroe, una heroína y unos amigos, que siguen bastante bien el viaje del héroe clásico de Joseph Campbell. Cosa que también perjudica y provoca esa aceleración y variación absoluta del final, que rompe con todo lo que fue estableciendo y pervierte también en cierto modo ese camino.

En la traducción española, al monstruo se le llamó El Insaciable. Sea cual sea el nombre, es genial.

El dibujo, de Zoran Janjetov, sigue muy de cerca la línea marcada por Moebius, con esa caracterización marcadamente dibujada, olvidándose de la búsqueda del hiperrealismo, pero con trazo fino y buena atención a los detalles. Aunque evidentemente con unas cuantas diferencias, y es que Janjetov le da una importancia mayor a los detalles físicos, y obvia más los ambientales, como se ve además claramente en esas páginas finales, donde copia mucho del comienzo de El Incal para ir hilándolo, y llega a hacer viñetas básicamente idénticas, cosa que beneficia para elementos como lo es el diseño de personajes llenos de tumores, que consiguen de este modo ser realmente asquerosos.

Echar en cara, algo de pacatismo (cosa de censuras de la editorial al recolorearlo, pero aceptadas supuestamente por los autores), ejemplificándose esto en una viñeta de esas copiadas donde ahora hay sujetador donde antes había tetas. Aún así, reconocer que hay bastante violencia en momentos, con degollaciones y cortes varios incluidos, pero con poquita sangre. Además, falla también en una estaticidad excesiva en algunos fragmentos de la historia, como la lucha de los anarcopsicóticos en la tv, donde no acaba de coger la fuerza que podría por el guión, al separarse demasiado la acción de una viñeta de la siguiente. Que conste que, en general, con un acabado bastante interesante y que funciona.

Y ahora, comparen dibujo con el que salía en el análisis de El Incal.

Resumen:

Una obra interesante por sí misma, mucho más sencilla que El Incal, y bastante entretenida pero con el problema de estar conectada con dicha obra, perjudicándose a sí misma al tener que traicionar ideas para explicarse como precuela.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Dibujo:: 8.0
Guión: 6.5
Personajes: 6.0

TOTAL: 7.0

El Amor Es Una Perra Del Infierno!

2011-04-09T23:30:00.000+02:00

Antes de que se me olvide, aunque es un poco tarde para hacerlo, avisar de que mañana, a las 8 de la tarde como pone en el cartel, y en el TNT como también pone (si es que no se para que escribo más de lo que pone ahí), me pondré a meter vídeo de fondo al proyecto electrónico/analógico ambient de la gente que ven ahí arriba.

El Incal

2011-04-07T13:27:00.000+02:00

Título: L'Incal

Autor: Alejandro Jodorowsky (guión), Moebius (dibujo)

Año: 1980-1988

País: Francia

Edición: Norma Editorial

Tomos: Integral de 312 pag.

John Difool es un detective de pacotilla que un día, de pronto, se encuentra con que tiene en su poder el Incal, una pequeña pirámide de luz de la cual desconoce todo, excepto que le ayuda y tiene ciertos poderes. Pero mucha gente quiere robárselo, motivo por el que, con ayuda de su loro de cemento Deepo, irá escapando y encontrándose aliados esenciales para proteger el Incal, como el Metabarón, mayor cazarrecompensas del imperio, Tanatah y Animah, protectoras del Incal luz y del Incal negro, Kill, un hombre-perro, o Soluna, el andrógino perfecto nacido de Animah y criado por el Metabarón.

Si hay quien las come, por qué no cabalgar ratas?

En el mundo de la ficción seriada hay obras que suponen para sus autores, un continuo trabajo a lo largo de un montón de años, jugando a camino entre el continuo vagar y mirar hacia adelante para ir enganchando al público, y por tanto seguir existiendo, y la búsqueda de una consecución final, no entendible para el público hasta completarse. Esto podemos verlo en algunas pocas series televisivas, como Twin Peaks o Carnivale, o en gran cantidad de cómics, donde además el trabajo se vuelve mucho más personal que en audiovisual. Autores como Akira Toriyama, que tuvo como principal ocupación Dragon Ball durante 11 años aún a pesar de hacer otros trabajos y acabar tirando demasiado hacia adelante a ciegas (también debido al ritmo de trabajo), Alan Moore y David Lloyd, que curraron durante 5 años en V de Vendetta, o Jodorowsky y Moebius en la presente obra así lo atestiguan.

Si, un hombre perro, y John Difool disfrazado de detective prototípico en primer término.

Esto tiene su parte buena en cuanto a la posibilidad que da a la historia de evolucionar, de girar sobre sí misma y renovarse, convirtiéndose en estructuras tremendamente complejas, pero también la parte mala del evidenciar cómo en muchas ocasiones esta evolución no está prevista desde un principio, sorprendiendo tanto al público como al autor en sus giros. De entrada, es la impresión que uno se lleva de los primeros tomos de El Incal, en los cuales la historia vaga sin demasiado rumbo, a pesar de enganchar y resultar intrigante por lo extraño del planteamiento y lo poco que sabemos de lo que ocurre, y quién es ese John Difool, y qué hace el Incal, y todas esas tramas de traiciones de poder que se nos presentan.

Pero, ah, una vez que se nos descubre la trama, y vamos entendiendo quien es cada uno de los personajes, y como de grande es el peligro al que se están exponiendo, todo gana muchísimos enteros, aumentando en ritmo e interés hasta llegar a su culmen en el clímax final, perfectamente pergeñado, y dando un sentido y una profundidad enormes a todo el conjunto. De este modo, el conjunto de los 6 tomos se divide en 3 parejas, donde primero conocemos a los protagonistas, luego se enfrentan realmente al conflicto evidente, y finalmente llegan a lo profundo, estableciendo un viaje de aprendizaje que termina en cotas de metafísica y de la filosofía vital habitual en Jodorowsky.

Una de las mayores putadas cuando vas a por alguien: descubrir que se ha suicidado antes de que llegaras.

Contado todo con un uso de las elipsis que se hace constante, y usando a los personajes para aclarar lo aclarable en el tiempo eliminado, consiguiendo así un ritmo veloz, que obvia los tiempos excesivamente muertos o las tareas más aisladas, en pos de una continuidad lo más grande posible dentro de cada página. Y esto lo hace usando como base las directrices más puras de la ciencia ficción, en un futuro donde hay viajes espaciales, una infinidad de mundos diferentes, una compenetración enorme con la tecnología, obviando la naturaleza, y en una sociedad que difiere solo en parte de la actual, con tendencia a la lucha constante para conseguir el poder por parte de muchos de los habitantes, y que si bien no acaba de explicar en toda la profundidad que podría, sí muestra y organiza de modo coherente para que el lector no se pierda en el maremágnum de planetas, galaxia, imperio y demás jerarquizaciones.

Para ello, fundamental el trabajo de Moebius, quien recrea y muestra de un modo más que acertado todo este mundo extraño y complejo, donde vemos parajes como el planeta de Oro, las ciudades-pozo o el planeta Tecnos, diferenciados todos ellos entre sí por los juegos de colores y por un gran uso de los espacios y de los diseños con que estarían construidos y mantenidos, aunque manteniendo, casi siempre, una luminosidad especial que permite entender toda la escena, por exagerada que pueda parecer al comienzo. Destacaría dentro del dibujo, también, los diseños más monstruosos y fantásticos como seres vivos, desde los bergs o los mutantes, hasta los elementos de la tiniebla, o la imagen real de Soluna.

La idea de un bosque de cristal me encantó desde un principio. En serio.

De todos modos, esa buena definición del diseño de los espacios, se queda solo en el diseño, puesto que a la hora de ambientar escenas complejas como partes de combates, entre viñeta y viñeta pierde demasiado al lector si se limita a observar el dibujo, frenando demasiado la acción. Esto ocurre sobre todo al cambiar los puntos de vista y los tamaños de los planos que utiliza para las mismas. Aún así, rápidamente uno vuelve a resituarse, apoyándose en el contexto, sin ningún problema.

En cuanto a los personajes, tenemos un gran trabajo ya no solo en el personaje principal que es John Difool, sino también en los coprotagonistas, donde todos los rasgos están definidos, mostrándose a través de sus acciones y diálogos. Especialmente si tenemos en cuenta lo complejo de todo respecto a la evolución que sufren en relación a su contacto con el Incal y al aprendizaje que van teniendo a lo largo de la historia. Respecto a los personajes que rellenan y ayudan a la evolución de las tramas, se encuentran mucho menos definidos, con una importancia solo pasajera y concreta, y respondiendo en base a esto, aunque mostrando un mínimo de complejidad y profundidad.

Cuando estás hablando con una figura geométrica mágica y omnisciente, realmente la existencia pega un giro interesante.

Resumen:

Una historia que, aunque en su comienzo trastabilla un poco y no parece tener muy clara la dirección que va a tomar, a medida que avanza engancha por su complejidad, adentrándose cada vez más en la metafísica de Jodorowsky, y todo ello con un dibujo aparentemente sencillo pero efectista y muy detallado y unos personajes perfectamente definidos.

PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 9.0
Dibujo:: 8.5
Guión: 9.0
Personajes: 9.5

TOTAL: 9.0