sábado, noviembre 28, 2009

El Secreto De Sus Ojos

Título: El Secreto De Sus Ojos


Director: Juan José Campanella


Año: 2009


País: Argentina / España


Duración: 127










Una vez retirado, Benjamín Expósito (Ricardo Darín) decide escribir una novela basada en un caso que le impactó y cambió la vida 30 años atrás. Para ello, llama a su compañera de trabajo de entonces, Irene (Soledad Villamil), con la cual siempre hubo algo más que compañerismo, pero nunca se atrevieron a reconocerlo mutuamente, y juntos, acaban rememorando ese tiempo pasado y lo ocurrido entonces.

Qué es la justicia sino una forma de venganza? Un castigo por malas acciones cometidas? Una forma de mantener el orden social? Pues que quieren, a mi eso me suena en gran medida a venganza, o a excusas para justificarla. Pero esto ya quedaba bastante bien explicado en films como 12 Hombres Sin Piedad y en otros como La Naranja Mecánica vemos que en gran medida incluso acaba quedándose corta en relación a lo que los afectados querrían hacer con los acusados, con lo cual incluso podríamos verla (desde un punto de vista demagógico) como un modo de proteger a los criminales.

Y aquí, en cierto modo, se trata lateralmente esta misma cuestión. Y es que aunque la trama se centre en contar la investigación para la captura de un violador y asesino, la verdadera historia que se nos va contando, es la que atraviesa transversalmente esta investigación entre los dos protagonistas, punto de inicio y fin del relato que se nos hace.

Este punto de arranque nos sirve para ir ejecutando una presentación de los dos protagonistas y hacernos ver quienes son y dónde van a ir a parar, soltando la información justa para que los tramos de flashbacks que supone la novela nos sorprendan y nos involucren, jugando con ciertos datos que ya se nos van dando desde el tiempo presente y explicándolos en gran medida.

De este modo, el guión evoluciona en ambos tiempos narrativos simultáneamente, permitiéndose con ello el fragmentarlos absolutamente, y cometiendo los errores al respecto precisamente en el tramo final, donde ya se ha terminado la novela y el tiempo pasado, y el cierre de toda la historia global se va llevando a cabo saltando de un lado a otro con una conexión poco marcada entre ellas (aunque perfectamente coherente, las elipsis son demasiado grandes para mi gusto).

Además, el final del caso para mí ahonda demasiado y acaba cayendo en vueltas innecesarias (personalmente le habría puesto un pequeño punto más de sadismo, aunque reconozco lo dado que soy a los excesos en ese plan). No obstante, el ritmo narrativo es más que bueno, y los giros de la historia realmente son sorprendentes e inesperados, logrando hacerse entretenida e ir imprimiendo ese punto de importancia paralela a la investigación y a la historia entre los protagonistas.

A nivel técnico, destaco los planos secuencia con los que el sr. Campanella nos introduce dentro de la película, ayudándose con una fotografía naturalista muy sencilla, que hace mucho más creíble y realista toda la cinta, consiguiendo, aún así, algunos planos bastante preciosistas en algunos momentos como ese en el que Sandoval espera, borracho, a que Benjamín consiga que su mujer le deje dormir en casa. También hay que destacar algunos planos que precisamente pretenden este preciosismo, pero se hacen extraños en el conjunto por lo poco naturales de los mismos, y cortan un poco el sentimiento que produce el resto de la cinta, como algún aberrado en el interior del juzgado.

El montaje, perfectamente sincronizado con el ritmo que exige el guión, y jugando muy bien sin perderse entre los dos tiempos narrativos, consiguiendo fundirlos en uno, y donde solo le echaría en cara algún momentillo más problemático al romper esos planos secuencia que nos brinda la cinta en pos de una simplificación narrativa. El sonido, excepto algún momento que parece no estar bien la voz dentro de las actuaciones, sin sincronía, pareciendo apuntar a doblajes a priori innecesarios, en general logra pasar inadvertido, teniendo incluso un buen trabajo en la diferencia de ambientes y de la sonoridad que nos hace sentir cada plano.

Y los actores, francamente convincentes, especialmente Ricardo Darín, que aunque dude en algún momento, logra crear a un personaje y desde un principio nos deja ver sus sentimientos más allá de su expresividad corporal. Algo menos de esto lo hace Soledad Villamil, que acaba necesitando expresarlos por vía dialogal, pero también por la personalidad del personaje. Y eso si, ambos muy bien en cuanto a la variación entre el pasado y el presente y el aprendizaje y maduración de sus personajes al respecto.

También destacable Pablo Rago, quien convence, y mucho, en todas las facetas y profundidad de su personaje, con la locura y dificultad que su dolor supone. Ya me convenció menos Javier Godino, que no acaba de ser lo suficientemente asqueroso como para que lo odies, aunque de todos modos logra crear al personaje en la medida de lo posible con el poco tiempo que tiene en pantalla. Del resto, todos bastante solventes, y Guillermo Francella especialmente divertido en todas sus facetas, siendo destacable en sus momentos de borrachera, pero también en sus genialidades, sorprendiendo en su monólogo sobre la Pasión, (que me hizo pensar en GELP y su película mientras lo escuchaba).

Vamos, un film sobrio, contundente, y muy bien estructurado, que logra hacerse entretenido y muy fluido, además de jugar con el espectador a la hora de narrar la historia que se le quiere narrar.









PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 7.5
Técnica: 8.5
Guión: 8.0
Actuación: 8.0

TOTAL: 8.0

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martes, noviembre 17, 2009

El Bueno, El Feo Y El Malo

Título: Il Buono, Il Brutto, Il Cattivo.


Director: Sergio Leone


Año: 1966


País: Italia / España / RFA


Duración: 186











Un hombre sin nombre se alía con un bandido para sacar tajada de las recompensas que ofrecen por él. Tras traiciones mutuas, acaban descubriendo el paradero de un tesoro enterrado, pero cada uno conoce solo uno de los dos datos necesarios para encontrarlo, por lo que se ven obligados a colaborar. A esto se suma un pistolero mercenario que también acaba tras el tesoro, y no dudará en hacer lo posible para encontrarlo, por sucio que sea.

Tras dos películas del mismo género hechas por el mismo director, el mismo actor protagonista, y el mismo compositor de una música más que característica, se podría pensar que no es posible lograr una tercera obra de características y éxito similar. Pues este no es el caso. De hecho, ocurre lo contrario, ya que todas las partes involucradas ponen aquí el listón más alto de toda la trilogía, logrando crear una narrativa absolutamente épica, con un trabajo de ambientación tanto ante las cámaras como en su banda sonora grandilocuente a más no poder, y excediendo ya totalmente los límites del género del western tal y como se entendía hasta ese momento.

Y es que aquí nos encontramos con elementos propios del western, evidentemente, sobre todo en cuanto a la individualidad de los personajes, clave del personaje del sr. Eastwood en la trilogía del sr. Leone, pero también con un punto de aventura mucho mayor, con una historia enorme, en la cual ocurre de todo a los protagonistas, que se cruzan, se engañan, se intentan matar… Y todo hasta el desenlace final, con el ya famoso duelo a seis manos en el cementerio.

Además, hay que tener en cuenta el gran elemento antibelicista que plantea, mostrando todo el horror de la guerra, algo que está habitualmente fuera de la vida de los cowboys, pero importante en la vida de un hombre como Sergio Leone, un italiano obligado a vivir en su adolescencia la 2ª Guerra Mundial. A este respecto, me parece sencillamente impresionante el plano en cuanto el Feo llega al cementerio, capaz de helar la sangre a cualquier persona, o el trabajo respecto a la creación de los oficiales de los bandos, similar a la posterior Apocalypse Now.

Como digo, la historia es, por definirla en una palabra, épica. Todo el viaje que abarca en la vida de sus personajes, y cómo se van enredando en la trama los tres protagonistas está perfectamente hilado, sin errores, y con un ritmo constante, que permite los descansos suficientes al espectador para no hacerse larga ni difícil de seguir, aún a pesar de lo complejo de la trama, llena de giros que no hacen otra cosa que ir aumentando la tensión y la duración de 180 minutos con que cuenta, necesarios para llegar a introducir todo en una misma cinta.

Ayuda también la perfecta planificación técnica, que se mueve con soltura entre los estilos ambientales que toca, que viajan desde un pueblo del oeste, hasta las trincheras del frente guerrillero, o el duelo final en el cementerio. Y todo ello se hila sin chocar, y al mismo tiempo sí se definen de un modo muy claro si las planteamos por separado, tanto en la fotografía y selección de planos como en el trabajo de montaje y la creación del ritmo. La música, pues qué decirles, si es una de las bandas sonoras más famosas de la historia del cine, y no por casualidad. Ambienta a la perfección la historia, al mismo tiempo que tiene personalidad para hacerla única e inolvidable, y servir como representante de la película siempre que se escucha.

Falla, eso sí, en el sonido, como otros westerns italianos, debido a ese elemento que es el doblaje, que obliga a jugar con demasiados momentos grabados en postproducción, notándose en ciertos momentos, perdiendo por esto a veces el realismo y sacando al espectador de la película en cierto modo. No obstante, salvo los doblajes, estos sonidos no resultan demasiado cantosos en ningún momento.

Respecto a las actuaciones, Clint Eastwood, haciendo su papel de antihéroe de toda la trilogía, de personaje duro y frío pero a la vez medianamente preocupado por el bien, a un nivel altísimo. Lee Van Cleef, haciendo de malo, y creando un personaje tremendamente creíble y odiable. Y Elli Wallach, nuevo en la trilogía, creando un personaje más estereotípico, como el sucio y traidor bandolero que acompaña al Bueno, pero consiguiendo no dejar dudas sobre su personaje en ningún momento. Es curioso, porque del resto del elenco, apenas se puede dar importancia a ningún personaje, y a pesar de ayudar enormemente en el desarrollo de la historia apenas tienen tiempo frente a la cámara. No obstante, debo admitir que están también a un nivel muy alto.

En resumen, un western que ya evoluciona hacia un punto que estaría fuera de la clasificación de géneros, con un trabajo genial desde todos los puntos de vista, y de visionado obligatorio para todo cinéfago y cinéfilo.








PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 9.5
Guión: 9.0
Actuación: 9.0

TOTAL: 9.0

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domingo, noviembre 15, 2009

La Muerte Tenía Un Precio

Título: Per Qualche Dollaro In Più


Director: Sergio Leone


Año: 1965


País: Italia / España / RFA


Duración: 132











Cuando la banda del Indio decide liberarlo de la cárcel, dos cazarrecompensas deciden ir tras él, cada uno por su cuenta. Pero ambos son realmente buenos en su trabajo, así que deciden hacer un pacto para lograr el mayor beneficio mutuo. Un pacto que no dudarán en saltarse en busca de sus propios intereses individuales.

Si algo tiene éxito, y además un éxito justificado, para qué cambiarlo? Bajo esta premisa se pudo haber planteado la segunda entrega de la llamada trilogía del dólar, repitiendo director, protagonista y compositor de la música (del resto del equipo, poco se recicló). Incluso en ciertos elementos de la trama, la similitud con Por Un Puñado De Dólares es evidente, aunque presenten cada una su propia personalidad dentro de esta cercanía.

Además, en esta ocasión aparece un personaje como el hombre de negro interpretado por Lee Van Cleef, que plantea un contrapunto desde el lado de los menos malos para el de Clint Eastwood, complementándolo y aportando a la trama alguien capaz de estar por delante del personaje principal, aún sin ser un enemigo exactamente, sino un colaborador independiente con sus propios intereses.

Y es que esto es uno de los elementos básicos sobre los que bascula todo el argumento, las diferencias entre los personajes, que se mueven bajo sus propios intereses, sabiendo que les conviene colaborar en ocasiones, pero buscando siempre sacar el máximo beneficio. Y por supuesto, también hay violencia, engaños al espectador, y poca de la sordidez de las cantinas o de la vida más allá del trabajo de los cazarrecompensas, más habitual en otros westerns.

Pero tampoco necesita esta sordidez, puesto que el guión funciona sencillamente en cuanto que nos lleva a apoyar a los personajes principales, no sabiendo nunca hasta donde están engañándose mutuamente, y creando con esto en relación a la captura de los forajidos un interés en el espectador que le lleva a olvidar todo menos el objetivo, y la violencia reinante en los spaghetti westerns del sr. Leone. Así, consigue un ritmo muy bueno, que solo aparenta caer en ocasiones para, en estos descansos, aprovechar para girar y cambiar las tornas, y los esquemas del espectador y continuar así con la historia.

A esto, le ayuda una técnica muy bien planteada, con una capacidad de enganchar a pesar de la falta de diálogos hablados en fragmentos bastante largos, aprovechando para, mediante el montaje y la estructuración de planos, y su combinación con la música, crear los sentimientos necesarios en el espectador y contarle, sin apoyarse más que en la técnica y las actuaciones gestuales de los actores, algo mucho más complejo de lo que podría lograrse con diálogos. Especialmente, destacaría los momentos de tensión previos a los duelos, tremendamente bien orquestados y que ponen de los nervios deseando conocer el resultado de los mismos.

Echaría en cara el aspecto del sonido y los doblajes, como siempre en el cine orientado a la venta internacional y grabado en postproducción ya ni pensando en el propio mercado en el cual ha sido creado. No obstante, nada de esto entorpece el desarrollo narrativo del film, ya que el trabajo de sincronía y falseamiento desde la imagen y el montaje está elaborado para hacer que no cante demasiado.

Frente a las cámaras, pues Clint Eastwood interpretando al personaje que le haría famoso, duro, frío y calculador, pero que en esta ocasión se sorprende en varias ocasiones, ante el personaje de Lee Van Cleef, tan frío y calculador como él, en una combinación interpretativa que al mismo tiempo no permite al espectador el decantarse por ninguno de ellos, y sin embargo desconfiar continuamente de lo que ambos ocultan tras lo que se nos deja ver. Además, el papel de Gian Maria Volontè como rival de ambos se presenta con mucho trabajo interno y realmente logra su objetivo de ser odiado. Y también citar a Klaus Kinski haciendo un papel muy secundario como parte de la banda, pero con sus rarezas y lograr ser recodado, como debe ser con Kinski, al tratarse de un pistolero jorobado.

Vamos, una película muy bien hilada, con un trabajo muy bueno en todos sus aspectos, que engancha y juega con las sensaciones del espectador constantemente, convirtiéndose gracias a ello en un referente obligado de la historia del cine.







PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.0
Técnica: 9.5
Guión: 8.0
Actuación: 8.5

TOTAL: 8.5

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lunes, noviembre 09, 2009

Por Un Puñado De Dólares

Título: Per Un Pugno Di Dollari


Director: Sergio Leone


Año: 1964


País: Italia / España / RFA


Duración: 99











Un pistolero yankee misterioso llega a un pueblecito de México gobernado por dos bandas rivales. Aunque al principio parece posicionarse a favor de una de ellas, pronto veremos que sus planes no conciernen a nadie más que a sí mismo, que solo intenta ganarse la vida, y a los que considera injustamente dañados en el conflicto.

A ver, a estas alturas, hacer una crítica de cualquiera de las pelis de la trilogía del dólar no es precisamente algo novedoso. Todos estamos de acuerdo en ello. No obstante, y precisamente por su importancia, no puedo resistirme a hacerlo yo también. Precisamente por ser la primera de las tres, la importancia de Por Un Puñado De Dólares recae, ya no tanto en la técnica desarrollada tras las cámaras para contarnos la historia, sino en lo que rompe con las premisas básicas de los westerns llegados de América, centrándose en un aspecto mucho más violento del mundo del oeste, aunque de todos modos aprovechando las líneas argumentales basadas en la individualidad y la codicia. Y curiosamente, aprovechándose de cine japonés, copiando Yojimbo para estructurar el guión.

De este modo, se nos plantea una historia con un protagonista absoluto, presentado como tal ya desde un comienzo, y del que no tarda en mostrársenos que su vida solo se rige por sus propias normas, y que sabe cómo alcanzar lo que quiere en todo momento. Vamos, que es un tipo duro de cojones, con el que más vale no enemistarse. Y precisamente por este personaje que se come tanto la historia, ésta se ve obligada a hacer bastantes giros para mantener al espectador enganchado, siempre bajo la premisa de la violencia, aunque sin obviar unos principios morales de justicia, que nuestro héroe acaba representando, aunque sea juez y verdugo en más de una ocasión.

De este modo, el ritmo apenas decae, exceptuando algunos momentos mientras se prepara el desenlace final, donde el film comienza a plantearse de un modo más repetitivo, pero sin ser un problema que se note excesivamente. Por otro lado, también hay que tener en cuenta en relación a estos giros argumentales cómo no llegamos a entrar nunca en la mente del protagonista, buscando más que una catarsis o una identificación con él, una admiración que nos lleva a apoyarlo, precisamente porque además es el único con coraje y un sentido de la justicia del pueblo al mismo tiempo (porque en el cine, la violencia sí representa justicia).

Además, todo esto viene apoyado por un gran trabajo tras la cámara, que nos coloca en todo momento en la posición mental adecuada para opinar sobre los personajes lo que el sr. Leone quiere, y de este modo condiciona al espectador, pero ayudando a introducirlo en la historia y a hacerle disfrutar del film. Y aún por encima, nos encontramos con algunos planos francamente magníficos tanto a nivel narrativo como estético, y quiero citar al respecto el momento del intercambio de prisioneros visto desde la puerta de la cantina, sencillamente genial, o los subjetivos del final.

Donde echo en falta algo es en la fotografía, al contar con demasiadas noches americanas, que si bien están justificadas, como suele ocurrir no acaban de dejar claro que estamos viendo escenas nocturnas. De todos modos en interiores sí está tremendamente cuidada, dando un aspecto muy poco forzado, pero ayudando enormemente en este condicionamiento del espectador que citaba respecto a la forma de los planos. La música también ayuda a este condicionamiento, y estando a cargo de Ennio Morricone también sienta cátedra, innovando enormemente, y clavándose en la memoria colectiva, aún sin llegar al nivel de las dos colaboraciones con Leone posteriores.

Lo que sí se podría echar en cara son los doblajes, probablemente condicionados por presupuestos y por el hecho de contar con actores de demasiadas nacionalidades distintas. Pero de todos modos, ni siquiera son demasiado cantosos en el aspecto sonoro, y no afectan a la narración en absoluto, ya que las actuaciones se basan mucho en el aspecto físico y sobre todo, en la mirada de los personajes, donde claro, Clint Eastwood es un grande con su mirada. El resto del elenco está también a un nivel muy alto, y consiguen crear, en conjunto, un pueblo y unas bandas muy reales y creíbles, con cada uno de los roles muy bien definidos, especialmente entre los Rojos, quienes tienen mucha más importancia en todo el film.

Vamos, una obra que no solo innovó enormemente, sino que lo hizo con mucha calidad, y, aunque tiene algún defecto que otro, resulta absolutamente recomendable para comprender la evolución ya no solo del western, sino del cine, a partir de los años 60.







PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 8.5
Técnica: 9.0
Guión: 8.0
Actuación: 8.0

TOTAL: 8.5

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sábado, noviembre 07, 2009

Trilogía Del Dólar

Pues decir que en los próximos días, dentro de lo que sea capaz (que últimamente atiendo a demasiadas cosas, y el festival de Cineuropa no hará sino complicarlo todo), subiré las críticas de la trilogía del dólar de Sergio Leone, base sobre la que se establece todo el spaghetti western, y también uno de los pilares de la evolución cinematográfica que dejó atrás al hollywood clásico.


Como de costumbre, emplearé este post como miniarchivo:




Per Un Pugno Di Dollari (Por Un Puñado De Dólares)

Per Qualche Dollaro In Più (La Muerte Tenía Un Precio)

Il Buono, Il Brutto, Il Cattivo. (El Bueno, El Feo Y El Malo)

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domingo, noviembre 01, 2009

Manos, The Hands Of Fate

Título: Manos: The Hands Of Fate


Director: Harold P. Warren


Año: 1966


País: USA


Duración: 74











Una pareja viaja con su hija y su perro por una zona rural de los USA, cuando por equivocación se pierden en mitad de un desierto. Intentando salir del mismo, llegan a una casa habitada por un extraño tipo que no deja de hablar de su amo, pero ellos se quedan a pasar la noche allí, que ya es tarde. Por la noche, empezarán a descubrir que quizá el amo no esté solo en la mente del guardián, y que quizá no fue bueno quedarse allí.

Realmente, la fama que tiene este engendro de ser la peor película de la historia, es más que merecida. No entiendo en absoluto como alguien puede, bajo ningún concepto, hacer algo tan horrible y ser capaz de presentarlo en lugar de quemar la única copia que tiene. Joder, lo peor es que el reclamo de lo mala que es, funciona lo suficiente como para que yo no sea precisamente el primero que cae en él, ni seré el último, de eso estoy seguro. Aún por encima, todo es resultado de una apuesta que hizo un vendedor de fertilizantes para demostrar lo sencillo que era rodar una peli (apuesta que yo no le daría por ganada), lo cual da pie a tantos chistes fáciles... Y tampoco quiero prohibirles que la vean, al menos, solo perderán unos 70 minutos de su vida, aunque les parecerán muchos más.

Intentaría sacar algo bueno del film, pero es realmente muy difícil. Ya de entrada, contamos con una narración tremendamente incoherente, que no tiene clara más que la línea argumental muy por encima, y no sabe ni como ir guiando al espectador por la historia, a pesar de lo sencillo de la misma. Y es que su ritmo es completamente aleatorio, con elipsis, dilataciones y montaje paralelo que nunca nos cuentan prácticamente nada, o directamente solo sirven para aburrir y rellenar metraje. Lo peor es que hay algún momento que parece surgir de una buena idea, en especial el final de la cinta, y que aún así no logra enganchar nunca debido a lo mal plasmado que está todo y a su poca potencia narrativa.

Técnicamente, es quizás donde más horripilante se vuelve, y es que de hecho, si ya de entrada no se sabía como narrar la historia, el montaje todavía ayuda más en esta tarea de destruir neuronas de los espectadores, gracias a planos que se quedan durante mucho más tiempo del necesario para contarnos la acción, fallos de continuidad y saltos de eje delirantes, una claqueta que se ve retirándse de plano (y eso que hay unos 5 segundos que sobran de ese plano aún después del momento claqueta), música que se hace presente en demasiadas ocasiones gracias a que se corta donde no debe, encuadres que no tienen ningún sentido, cambios de plano que no solo no aportan nada sino que solo sirven para hacer que entendamos menos lo que ocurre porque nos obligan a pensar en el cambio de plano… Vamos, que casi cualquier error que puedan encontrar en las normas básicas de montaje y narrativa, aquí está con varias muestras. Y no se equivoquen, soy el primero que desprecia el seguimiento riguroso de estas normas, pero es que aquí se saltan sin quererlo, haciendo la película una cosa cuyo visionado se vuelve más agónico a medida que transcurre.

No obstante, quiero decir algo bueno en la técnica, y es que a medida que se ve que el rodaje ya llevaba algún tiempo, comienzan a verse algunos planos, e incluso algunas secuencias que logran una calidad estándar, o al menos se acercan a ello, mostrando que el equipo al menos iba adquiriendo un mínimo de oficio y empezaba a tener alguna idea más o menos decente sobre cómo hacer cine.

Lo que hay delante de las cámaras tampoco ayuda precisamente a mejorar el film, estando todos los actores a un nivel jodidamente bajo, ayudados además por una selección de tomas que parece haber sido hecha con métodos dadaístas, si es que hubo algún tipo de selección, porque no me creo que muchas de ellas sean precisamente la mejor que se grabó.

Vamos, que estoy de acuerdo en el título de la peor película de la historia, o al menos sí merece estar directamente en el top 5. Un conjunto de sinsentidos y momentos que solo provocan vergüenza ajena y casi te hace preguntarte qué le había hecho el cine al director para que él se vengara de este modo.






PUNTUACION

Originalidad/Riesgo: 3.5
Técnica: 0.5
Guión: 0.5
Actuación: 1.0

TOTAL: 1.5

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